Buenas tardes. El martes pasado, cuando estábamos emitiendo desde la Leda
Reina esta clase de Arte y Poder en la Edad Moderna, concretamente el
capítulo 7, que trata sobre nobleza y políticas artísticas, bueno, pues
tuvimos problemas técnicos y no podemos emitir a online y impartir a
clases así para los alumnos que estaban presentes y que sí que comenten
que si podía tener un ratito, pues iba a grabarla. Vamos a ello a ver si
podemos. En este tema vamos a tratar al estamento nobiliario que va a
tratar de imitar lo que están haciendo los príncipes, los propios papas,
esa magnificencia de poder que van a expresar mediante las obras
pictóricas, mediante la arte en general, los edificios, bueno, pues
también lo van a contemplar ellos también para adquirir ese estatus
social y de reconocimiento. El profesor Antonio Urquiza Herrera, que es el
encargado de la redacción de este tema, nos habla en primer lugar de Fray
Juan Benito Guardiola y el tratado de la nobleza y la nobleza del año
1591, expresando aquellas señales que permitían reconocer a los nobles.
Las palabras, las alabanzas, horas de acatamiento, insignia que se daban
los buenos y virtuosos por las acciones heroicas, igual también como la
nobleza se soportaba también su estatus y su reconocimiento en
determinados hábitos culturales. Por otra parte, citando a François
Dalouet, a finales del siglo XVI, dice que para evitar la decadencia de la
nobleza se debían conservar historias y genealogías de la familia y
además usar marcas visuales del estamento, marcas visuales a las cuales se
contempla a modo de legitimación social también las obras de arte.
Política artística que sirve o servía de vínculo entre el uso de esos
símbolos y la propia posesión del estatuto nobiliario. Se trata en
definitiva de la creación, la búsqueda de creación de una imagen
pública a través del arte, igual que hacían los príncipes, como hemos
comentado anteriormente, o los propios papas, hablábamos de la importancia
que cobran los edificios, las fachadas, las pinturas, etc. No solamente se
trataba de crear esa imagen pública a través de estos elementos de
carácter material, sino de alguna forma mandar un mensaje, mensaje de
cómo el noble demostraba precio y protección también de las artes.
Existía una escala de patronato que varía dependiendo de la importancia
familiar, que iba desde una capilla lateral en una parroquia pequeña hasta
un altar mayor, muy codiciado de este aspecto, en un convento. En
definitiva eran marcas divisuales de nobleza, marcas divisuales en las que
la prerrogativa del noble con el carácter coericional suponía en parte la
protección de templos que conllevaban derechos y deberes. El patrón, en
este caso, pues sufragaba el mantenimiento y servicio, pero a cambio
obtenía diferentes facultades como nombramientos de capellanes,
enterramientos, etc., en función de la importancia que tuviera este
patrono en el estatus subjetivo de la propiedad social que ocupara en ese
ámbito, pues por ejemplo, podría tener una capilla más o menos cerca del
altar o puede ser enterrado incluso más cerca del altar mayor. Ahí está
la importancia de esa familia nobiliaria. En fin, también la familia
nobiliaria podía mantener diferentes patronatos y repartirlos en las
distintas ramas familiares. El proceso de ascenso social de cada linaje se
podía observar en función del patronato que se tenía, lo que os
comentaba anteriormente, ¿no? La posesión del patronato suponía ese
signo, esa distinción por sí mismo para la familia nobiliaria, pero que
le permitía el control del espacio. Lo os comentaba antes, ¿eh? Capilla o
un convento y dentro de esa capilla o esos conventos, pues la posibilidad o
no ocupar un lugar relevante dentro de ese determinado espacio. Bueno, pues
la posesión del patronato suponía esas distinciones y bueno, pues aquí
tenemos un ejemplo de ello en la iglesia de Santa María de Frari,
completamente de Venecia. Y bueno, pues hacemos referencia al cuadro
pintado por Tiziano, la Virgen de la familia Pesaro. La familia Pesaro, que
fue realizada entre 1519 y 1526 en este cuadro, pues podemos observar en la
esquina inferior derecha, pues al comitente en este capo, o sea, a
Cachacopo Pesaro, que encargó el mismo con varios miembros de la familia
de a su alrededor. Bueno, vamos a hacer una ligera descripción del mismo,
pues donde aparece la Virgen con el niño, en San Pedro, en el centro.
Vamos a detallar un poquito este cuadro. Primero deciros que Jacobo Pesaro,
obispo de Payo en Chipre, pues fue encargado de dirigir las galerías
papales en las batallas libradas en aquel momento a favor del Papa
Alejandro VI. Os he comentado que aparece arrodillado en el primer plano,
observando a San Pedro, lo tenemos aquí, ¿verdad? Observando a San Pedro.
Y bueno, pues también ante la Virgen, con actitud de cierta clemencia, de
cierto respeto, aparecen a su lado diferentes miembros de la familia, un
niño que nos está mirando de enfrente. Y bueno, pues también aparece la
Virgen sobre ese espodio, una escalinata, aparece la Virgen con el niño.
Aparecen dos monjes, uno es San Francisco y otro es Arantón San Francisco,
que parece que están... invitando a la Virgen a la presentación de la
familia Pesaro. San Pedro, una especie de personaje intermedio entre la
propia familia y la Virgen, ahí en esa escalinata con el libro abierto, y
además con una llave que, si veis, le está colgando de aquí sobre ese
escalón. Más hacia la izquierda observamos unos personajes, uno que no
vemos el rostro, que sería la representación de un turco. Bueno, pues no
podemos olvidar que quizás este cuadro, en parte, comemora la victoria de
San Pedro. Son los turcos en la batalla naval de Santa Maura. Aparece
también una enseña papal, la enseña papal de Alejandro VI, y que, como
voy a comentar a continuación, ya había aparecido en otro cuadro pintado
por Tiziano también, en este caso para Pesaro, para el obispo Pesaro.
Pesaro, perdón. San Pedro, Alejandro VI, y el obispo Pesaro es así como
se conocía este cuadro, pintado en el año 1506. Podemos ver dentro de
este marco unas columnas que son... Casi hacia el infinito, en la parte de
arriba, con los angelitos. Y bueno, pues sobre una nube y al fondo esos
colores típicamente tizianescos que nos recuerdan a la pintura veneciana.
Fijaros que mientras que otras composiciones aparecen... Aparece la Virgen
con el niño en el centro, ¿verdad? Aquí se desplazan a modo de formar
una especie de triángulo escalón a la composición entre los diferentes
personajes, ¿verdad? Pues aparece un... Desviada hacia la derecha en la
composición. Ese triángulo se vuelve a repetir cambiando de sentido la
perspectiva con respecto a otros cuadros similares de la época. Os decía
que... Vamos a borrar todo, vamos a borrar esto. Estas rayas que hemos
hecho, les quitamos... Os comentaba que a su vez recuerda otra, otro cuadro
también pintado por Tiziano. Bueno, vamos a ver qué es lo que tengo por
aquí. Me parece que es este. Efectivamente, ¿veis? Es lo que os comentaba
antes. Jacopo Pesaro, presentado por el Papa Alejandro VI a San Pedro, y
uno que está en el Museo de Andrés. Hace mención, otra vez, a la flota
mapal dirigida por Jacopo Pesaro, que venció a la Turca, como os comentaba
antes, en Tamaura, en el año 1502. Y bueno, pues, en este caso, Jacopo
Pesaro es presentado a San Pedro por el Papa Alejandro VI, el vencedor
arrodillado ante el santo, vistiendo el hábito de los caballeros de Malta,
¿verdad? Y portando un estandarte con las armas que aparecen en el cuadro
anterior, decíamos que es las enseñas de Alejandro VI. También aparece
el Papa, que se sitúa en la parte de atrás, y bueno, pues, al fondo
también las naves victoriosas de esta batalla, tras esta batalla. Volvemos
a las diapositivas anteriores, ¿vale? Y vamos a continuar. Con estos
textos. Bueno, pues, los entornos en los que se manifestaban las obras
artísticas como señales de la nobleza. Vamos a ver ahora un punto de
vista. Efectivamente, la nobleza participa en liturgias, ceremonias
religiosas y seculares, y uno por los espacios, porque pueden ser la propia
iglesia, las cortes o una ciudad. La residencia nobiliaria, los edificios,
también se constituían en expresión de ese poder nobiliario, y no
solamente los aspectos externos. Las fachadas pueden ser, si nada más,
también el interior y todo el contenido de la misma, ¿no? Hablamos de las
casas castellanas, de los hoteles urbanos, o sea, todos rurales franceses.
Bueno, pues, también va un poco en función de la filosofía que se
adquiere en el momento determinado por algunos en la Edad Moderna, algunos
pensadores, en las que se relaciona riqueza y virtud, ¿no?, en contra de
esas pretensiones o tradiciones medievales en las que se solía, con las
que se propugnaba la pobreza por parte del cristianismo en aquel momento.
Los palacios, como concreción física desolada y familiar, y origen remoto
del linaje, posibilitan además la creación de mitologías nobiliarias. Es
el espacio sobre el que se va a crear esa mitología nobiliaria o ese
linaje para determinada casa nobiliaria. Pues aquí tenemos el retrato del
archivo, que es a Isabel Clara Eugenia con el Palacio de Marimón al fondo.
Los palacios, como os comentaba, son esa concreción física, ¿no?,
familiar, que es... que se convierte en origen remoto del linaje. Y algunas
veces aparecen, desde esos edificios, edificaciones, aparecen también en
los cuadros que muestran un determinado personaje en relación con el
mismo. Aquí aparece la infanta Isabel Clara Eugenia. Recordamos que era la
hija de Felipe II y también de su tercera mujer, completamente, Isabel de
Valois. Bueno, pues la infanta históricamente asumió cada vez más
funciones de gobierno hasta que en 1508 fue nombrada reina de... reina de
los Países Bajos y que fue un territorio entregado a modo de dote junto al
ducado de Borgoña al casarse con su primo, el archiduque Alberto, del que
fue tanto gobernadora hasta su muerte. Este retrato, vamos a verlo a
continuación, forma pareja con otro que es similar al del archiduque, que
decía el archiduque Alberto, y ambos están conservados en el Museo del
Prado. Están pintados por Rubens, en colaboración también con Brueghel.
Y bueno, pues Rubens, que... contéme de Brueghel, que es el que hace el
palacio, que es el que hace el palacio, que es el que hace el palacio, que
es el que hace el paisaje del fondo. Rubens había mostrado ya, pues,
importante interés por retratos con paisajes en los que desarrolla una
nueva relación entre el personaje y el escenario. Bueno, pues de alguna
forma mucho más cercana, mucho más libre. Y en este caso, el paisaje
adquiere una dimensión de carácter simbólico, como venimos haciendo
referencia, puesto que no se trata solo de situar el personaje en un
escenario al aire libre, sino que se salta la vinculación del mismo, y el
retratado, en este caso, con los territorios que se gobierna, y uno, pues,
haciendo referencia al palacio que le gustaba a la siluquesa, completamente
al palacio de Marimón, que parece al fondo. En esta obra, si os fijáis,
la princesa, pues, aparece en janta, en este caso aparece sentada, en
diagonal, para aumentar ese sentido de profundidad, y bueno, pues, se
representa vestida de negra, muy enjollada, con amplísima gola, en el
cuello, y bueno, pues, en el pecho, muestra una medalla, que es la de
Nuestra Señora, de buen socorro, y aparecen otra serie de elementos
recurrentes también en los retratos femeninos de la época, como puede ser
el abanico, que es considerado un objeto de lujo y refinamiento. También
sobre la falda aparece un pañuelo, un guante, y bueno, pues, una serie de
elementos característicos propios de los retratos de, como os digo, de
época del siglo IV. Otro cuadro, que es paralelo, que es en mano de éste,
es el retrato del archiduque Alberto de Austria, también lo mismo, de
Peter Rubens, en colaboración con Jan Brueghel, del año 1600, de 1817.
Este príncipe soberano de los Países Bajos está representado aquí
también, sentado, como su mujer, vestido de negro, bajo un dosel, y bueno,
pues, que indica ese carácter cortesano del retrato. Se sitúa en un
balcón abierto a un paisaje desde el que se aprecia, en este caso, el
palacio de Terberuen, en la proximidad de Bruselas. Se pretende no
solamente resaltar la ciudad del archiduque, sino además también, como en
el anterior, resaltar el vínculo, en este caso del gobernante, con sus
territorios. ¿Continuamos? Y bueno, pues vamos a pasar a Andrea Palladio.
Nuestro amigo Andrea Palladio, que construye diferentes villas en torno al
Béneto. Y bueno, pues, villas de interés agrícola, basado en las
enseñanzas de Vitruvio, de gran interés estratégico para esa nobleza
veneciana que se va situando en torno a Venecia, a Vicenza, y toda esa
región del norte de Italia. Diferentes villas de las cuales vamos a
intentar hablar un poquito en este momento. Como decía, Palladio trata de
armonizar esos intereses que de carácter nobiliario, también con el
sentido utilitario de esas villas en referencia a las actividades
agrícolas a las cuales estaba integradas. Son residencias en las que se
exhibe gran cantidad de jugadores domésticos, riqueza, lujo, etcétera, de
las cuales luego vamos a hablar también concretamente de la estancia del
Duque de Medina en Sinodronia en las Cortes de Tore del año 1539. Pero
primero vamos a tratar el tema de las Cortes Palladianas. Bueno, pues,
Palladio, hacemos un poquito referencia a él, a través de su mentor,
Daniele Barbaro, fue poco a poco introduciéndose en los círculos
humanistas y culturales de Venecia. Llegó a ser nombrado arquitecto de la
República del Béneto sustituyendo a Sansovino. Y bueno, pues en este
cargo estuvo hasta el año 1580 compaginando siempre diferentes proyectos
tanto de carácter público como privado en esa región que os he comentado
anteriormente. Es reconocida su figura como clave importante dentro de la
arquitectura de la Edad Moderna. También recordamos la importancia de su
obra Los Cuatro Libros de la Arquitectura, un tratado profundo sobre las
teorías clásicas, sobre todo de Vitruvio, y que sentó las bases en aquel
momento de un nuevo lenguaje arquitectónico basado en la producción, en
los órdenes arquitectónicos antiguos. Decía que las Villas Palladianas
son ese conjunto de construcciones suburbanas ubicadas en ese ámbito
geográfico del Béneto italiano proyectadas a lo largo del siglo XVI y que
se distinguen de otras villas situadas en Roma, por ejemplo, en Florencia
porque mientras que aquellas fueron... Perdón, mientras que éstas, las de
Roma y Florencia fueron concebidas como villa exclusivamente de recreo, en
cambio hay una función de carácter de producción agrícola por parte de
las Villas Palladianas. Son en total 24 las que están conservadas y fueron
declaradas a la década de los 90 del siglo XX Patrimonio de la Humanidad
por la UNESCO y que si podéis visitarlas seguro que os va a encantar por
esa región. Disculpad un momento que me están llevando... ¿Sí? Sí.
Pues mira, aquí estoy grabando. ¿Te habéis disparado o qué? Ok. Ok,
muchas gracias. Venga, hasta luego. Bueno, disculpad que mi hija que está
esperando su llamada, espero que no nos interrumpan más en esta
grabación. Bueno, pues la Villa Capra o Villa Rotonda esta es la
diapositiva que tenéis está a las afueras de Béneto y es la más
conocida de las Villas Palladianas iniciada en el año 1866. Un edificio de
planta centralizada también en torno a un espacio anticircular con una
cúpula amplia que nos recuerda al Panteón de Roma. Como observáis,
fijaros el sentido de la proporción el recuerdo de lo que son los
edificios clásicos romanos y bueno, pues aparecen cuatro fachadas
accesibles con esas escalinatas en cada una de ellas y se abren a unas
fachadas inspiradas en los pronaos de los tiempos griegos. Es muy elegante
esta villa y podemos también observarla en el plano adjunto. Un plano,
¿verdad? Ahí tenéis el plano alzado a la Villa Romana y veis ese sentido
de cúpula centralizada que nos recuerda un poquito al Panteón de Roma.
Otra de las villas también cerca de Vicenza es la Villa Xericate planteada
hacia el año 1550 con ese lenguaje clásico en el que aparece otra vez el
pórtico que da acceso al pabellón principal y nos recuerda como pasó
antes en la Villa de la Rotonda al pronao de los tiempos de la Grecia
Clásica sobre esas escalinatas. Villaemo con una casa enmarcada perdón,
este es el plano de Villa Xericate y ahora vamos a hablar con Villaemo.
Decíamos que Villaemo, en este caso la casa está enmarcada en torno a dos
salas con columnas y que albergaban esos espacios diferentes producciones
de carácter agrícola. Son elementos muy sencillos marcados con
alineación en la que están los establos también aparece en el centro ese
pórtico, ese frontón y bueno, pues también unas torretitas muy austeras.
Vamos a visualizar por aquí. El exterior, como digo, es muy simple veis
ahí un poco el plano ya alzado de Villaemo el exterior es muy simple con
ausencia de decoración y bueno, pero en cambio el interior está muy
rígidamente decorado y allá cuando los alumnos de Grado de Arte
estudiéis lo que es el modelo de pintura veneciana vamos a adaptar
concretamente aquellos frescos decorados por Giovanni Battista Celotti en
esta villa, Villaemo. La villa malcontenta también de Palladio aquí la
tenemos muy cerquita también de Venecia, muy cerquita. Vemos esa
estructura que vuelve a residir con ese sistema de proporción y las
escalinatas en otra disposición en este caso laterales. Bueno, magníficas
composiciones y comentaba que las riquezas las residencias nobiliarias no
solamente era el aspecto externo sino que en el interior exhibían una gran
cantidad de ajuares de carácter doméstico, de riquezas de lujo todo ello
expresión del poder También las acciones que se celebraban dentro de esos
palacios de esas casas nobiliarias banquetes, fiestas, ceremonias, rituales
etcétera, etcétera Hacía referencia a la estancia del Duque de
Mediasiodonia de las Cortes de Toledo correctamente del año 1539 y como
nos comenta el libro la página 208 estaba llena de eléctricos tejidos de
tapices, cortinajes brocados, etcétera, etcétera Otro aspecto importante
a partir del medio del siglo XVII es la extensión de las galerías de
pintura que ya lo habíamos visto concretamente por ejemplo como esta
línea a la cual vamos a hacer referencia posteriormente otros muebles,
talaceas, ornamentos, lituras etcétera, etcétera Galerías de pintura y
aquí tenemos algunas de ellas concretamente es la del Archiduque Leopoldo
Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas y pintado por Terniers
Pues efectivamente Alberto de Austria perdón, el Archiduque un momentito
que es que me he ido estamos hablando de disculpad es que me he ido de
imagen estábamos hablando del Archiduque Leopoldo Guillermo efectivamente
iba a comentaros algo sobre el Archiduque de Austria que Alberto de Austria
habíamos hablado ya de esa diapositiva que efectivamente estoy comentando
hablando del Archiduque Leopoldo Guillermo pintado por Terniers nos
centramos este hombre fue gobernador de los Países Bajos aquí se le
representa en esa galería de pinturas lo único es recordar que en este
caso Terniers trata de plasmar las 49 pinturas que tiene en este caso el
Archiduque en su casa bueno pues igual que Felipe IV pues también era un
gran coleccionista y bueno pues podemos observar algunos cuadros que lo
podemos identificar fácilmente en la parte de arriba aparecen varios
tizianos el pastor y la pastora también aparece Gianni Calisto hay otros
cuadros también de Georg Ione completamente los tres filósofos nos
aparece un descendimiento de Tintoretto la Adoración de los Reyes de
Veronese diferentes cuadros que son reconocibles y que ahí aparece en esa
composición bueno pues en el centro está el Archiduque en el primer plano
en el segundo aparece Terniers en el segundo plano retratado en este caso
pues en el ejercicio de sus funciones como conservador del palacio no
aparece como un caballete sino con esas funciones de conservador de este
palacio en el centro de la estancia y vestido de negro también aparece el
conde de Santaña detrás del archiduque, un clérigo también nombre
vocabulario la mesa en la que está el propio pintor hay varias esculturas
clásicas, una cabeza de sátiro también un busto romano de mujer velada y
una Venus de cuerpo enteros una caracola, caravados etc ya vamos a
comentarlo luego en la siguiente imagen pues son símbolos de carácter
natural y artístico la natural y la artificial que según en este caso a
las pinturas es ese concepto de unir la ciencia y el arte a lo que vamos a
referirnos luego a continuación propio de esa primera mitad de ese siglo
XVII el pie o sopor también como cosa curiosa de la mesa es una figura de
bronce de Ganímedes arrodillado con la copa en la mano para ofrecérsela a
los dioses son pinturas mitológicas las que tenéis en el fondo, como veis
en la parte de arriba mientras que a ambos lados aquí de la puerta
aparecen diferentes retratos también cuadros flamencos y bueno pues todo
en un conjunto de diferentes disposiciones de esos cuadros, esas imágenes
hasta llegar a esta cuarentena la siguiente, como comentaba y era aquí
donde antes me lié y tenía la equivocación hablaba del artículo abierto
de Austria lo que quería hablar era en definitiva de ese concepto de
artificialia y de naturalia que se da en aquella época es el interés
histórico artístico, científico daros cuenta que estamos con el
nacimiento de la ciencia moderna y bueno pues esos nobles digamos que se
suben a ese carro al carro del conocimiento y como tal quieren aparecer
como mecenas pero también como amantes de las artes y de la ciencia
quieren aparecer también retratados en esas imágenes son gabinetes de
historia natural los laboratorios las colecciones científicas pero
también son gabinetes de pintura haciendo referencia a esas expresiones a
esas colecciones de carácter artístico en este cuadro, Ciencias y Artes
en el Museo del Prado de Adrian van Stalben pues aparece un grupo de
juritos que discuten sobre diversas cuestiones en ese interior de la
estancia en torno a varias mesas también hay otros que contengan una
pintura, objetos de artes que están diseminados a lo largo de la
habitación ¿no? y también como veis por ejemplo instrumentos musicales
que podemos ver aquí abajo los comentaba ¿no? un poco la digamos la
expresión esa de de artificialia y naturalia bueno pues los dos personajes
centrales con tema de ese cuadro que os comento, pues que yo creo que en
definitiva pues es un ejemplo más de esos gabinetes de pintura y gabinetes
de curiosidades que tenían en aquella época algunos nobles vamos a pasar
a la siguiente diapositiva bueno pues continuamos con las referencias a
nuestro autor Antonio Urquiza expresando como algunos defendían que la
magnificencia no bastaba por sí sola para hacer visible la nobleza
efectivamente ¿no? por lo que se entiende es que no solamente era la
expresión de riqueza porque cualquiera podía acceder a esa condición de
rico o ya burgueses que podían conseguirlo sino que el estamento
nobiliario también tenía que venir asociado a un cierto mensaje, a un
cierto significado pues en ese sentido las obras artísticas cobraban ese
valor especial como elementos de representación característico de esta
clase bueno pues, mensajes que soportaban fachadas, a modo de marca de
pertenencia a ese detenido grupo político local, lo cual ocurre a Jacopo
Sansovino en el diseño de algunas casas de la nobleza veneciana,
particularmente Parzival Bárbaro o Corner estas estos símbolos estas
fachadas estos contenidos que a veces tienen esos palacios o esas casas
nobiliarias son a modo de escudo de armas escudo de armas que no
necesariamente era un escudo como tal sino podía ser otros elementos de
carácter simbólico que se transmiten de generación en generación ahí
tenemos correctamente el palacio Corner de Jacopo Sansovino un palacio que
estaba en Venecia recibe diferentes nombres y bueno pues fue diseñada como
digo por este arquitecto en 1532 un incendio destruyó la antigua
residencia y bueno fue una de las primeras tareas asignadas a la laguna a
este célebre arquitecto el cual también luego construiría la biblioteca
marciana en 1817 este palacio también se incendiaría y bueno pues sería
vendido con el tiempo por Andrea Corner para el estado en aquel momento
ocupada Venecia por el imperio austriaco está muy cerquita la playa del
San Marco si habéis ido a Venecia seguro que lo vais a reconocer la otra
que lo tenemos la imagen también en este caso de la biblioteca marciana
realizada también por Jacopo Sansovino las obras de arte permitían a la
nobleza construir significados específicos relativos a la ideología y con
esta forma reforzar las sillas de identidad es el caso de los retratos los
retratos en los cuales se expresaban los atributos en relación con el
retratado y el significado o el interés con el cual quería pasar la
posterioridad interpretaciones que podrían ser por ejemplo un cuadro de
paisaje, también un cuadro de caza y nuestro autor nos hace referencia a
la gente inglesa del siglo XVIII como una clase emergente dentro de esa
aristocracia rural frente a la clase comerciante más propia de carácter
urbano de las ciudades los animales en aquel momento quizás podían quedar
convertidos en un ordenamiento arquitectónico más y también como un
elemento simbólico con el que representaba un elemento simbólico
expresando un significado de lo que se quería representar así por ejemplo
nos pone el ejemplo del duque de Arcos que mantenía cigüeñas en el
tejado de su palacio como símbolo de honestidad, de disciplina militar de
la piedad, de la vigilia aquí tenemos el paisaje de Thomas Gainsbourg
completamente anochecer caballos de tiro bebiendo un arroyo y bueno pues
que efectivamente es una interpretación nostálgica de la vida campesina
es una de las varias pinturas de Gais Gourous sobre el tema campesinos pues
aquí vemos una familia que va por el occidente del mercado para hacia casa
y se muestra en un momento de reposo en el arroyo del día y bueno pues
aparecen los caballos sobre la pasarela y los caballos que están bebiendo
vamos a observar el paisaje al fondo bañado con una luz cálida dorada en
la puesta del sol y bueno pues una escena muy tranquila y hay que recordar
que como Gais Gourous pues también en torno al año 1900 en torno a esa
década 1750-1760 se sientúa en torno a Bath una ciudad balneario y bueno
pues va a pintar para la burguesía ingresa que allí se establece con
motivos muy relacionados con la naturaleza bueno pues fijaros un poco la
estructura de carácter circular de la composición quizás marcada por
esta sinuosidad del terreno y además también por el propio arco que marca
ese árbol desnudo sin hojas decíamos antes de las colecciones de las
colecciones de que existían en algunas casas nobiliarias y recordamos por
ejemplo este retrato del Cardenal Mazzarino en la galería de su palacio
que ya habíamos estudiado en el tema 1 de nuestro libro y la creación de
identidad a través de esas obras de arte y bueno pues esas obras de arte y
su colección, el coleccionismo que lo que hace es favorecer la
transmisión social de determinadas ideas y demás hay veces ideas de
grupos en ascenso pero hay veces que como es este caso no se va a dar una
herencia un linaje de sangre pero Mazzarino lo que pretende o lo que
intenta es pasar la posterioridad como un hombre de estado pero además que
le dé virtudes a sus descendientes en este caso, donar esas virtudes a sus
sucesores a través de esa imagen que se plasma en este retrato el cual
vemos perfectamente pues esa galería con pinturas con muchísimas
esculturas pero también con algunos elementos de carácter científico nos
recuerdan o nos aluden al carácter científico los cuadros, los
cartagones, libros o ese propio globo terráqueo vamos a pasar a
continuación al siguiente capítulo sería el apartado 3 de este tema
linajes y estrategias de la imagen desde la Edad Media la construcción
ideológica de la nobleza como estamento se levantaba sobre el linaje y las
virtudes efectivamente ahora, en cambio en la Edad Moderna la nobleza
tiende a firmar la noción del linaje a través de las marcas de
distinción con carácter transgeneracional y colectiva y en este caso las
obras de arte juegan ese papel para su comportamiento habla Giovanni
Battista en el siglo XVI como los palacios de los grandes hombres debían
contener cosas magníficas que representaran esas virtudes heroicas de los
hombres merecedores de ellas las gestas en definitiva de sus antepasados y
bueno pues tenemos algún ejemplo al respecto tenemos esta imagen, este
cuadro que es la prisión del Condéstal de Montmercy en la batalla de San
Quintín de Lucas Giordano de 1692 a 1693 fue Condéstal este Condéstal de
Montmercy fue uno de los más destacados militares que tomaron parte en la
batalla de San Quintín y bueno, durante la misma fue herido y capturado
por las tropas de Felipe II murió en 1567 por otras heridas sufridas en la
batalla de San Denís y bueno pues Giordano compone esta escena en la que
refleja el momento final de la batalla correctamente cuando Montmercy
desarmado y sin señal alguna de las graves heridas infringidas que
representa a Filiberto Manuel de Saboya concretamente el general de las
tropas españolas también aparecen detrás de este Condéstal unos jinetes
que portan banderas también apresadas bueno pues lo que os comentaba antes
decíamos como de alguna forma estos retratos de alguna forma lo que van a
avalar para futuras generaciones son las características de este personaje
de Montmercy pero en definitiva la identificación de los valores que se
pretende para ese linaje o esa casa nobiliaria también tenemos otro retato
de carácter visual que es el duque d'Urbino recordamos a aquel Federico de
Montefeltro que nos aparecía con su mujer pintada pintado vestido de rojo
un señor con ese porte como jefe de estado recordáis en el primer tema
que estuvimos hablando de ello y bueno pues como esa Batista esforza que
era su mujer pues también aparece retratada y por la parte de atrás
aparecen en esa tabla, ese díctico una serie de alegorías ahora la imagen
de ese Federico Montefeltro el duque d'Urbino es distinta pintada por Pedro
Berrubete no aparece tanto como un hombre de estado sino con unas
cualidades unas características en las cuales de forma clara trata de
transmitir y con elementos de carácter simbólico trata de transmitir a
generaciones posteriores en este caso pues aparece con su hijo con esa
armadura un caballero pero también como un hombre que aprecia en este caso
las artes o la cultura o la literatura pues aparece con ese libro mucho
más digamos relajada muy espontánea pues es el retrato en este caso de
Giuseppo y su hijo Adriano da Porto pintado por Pablo Veronese pues mucho
más fresco además no tan erguida no con ese porte tan nobiliario como
veíamos en el anterior esta es la tumba del Dogo Pietro Mocénico que
también pues es explicita en este caso en la escultura el monumento del
poder dinástico de San Pablo de Venecia o de Pietro Lombardo en este caso
el retrato del Dogo está acompañado por narraciones victorias militares y
la indicación de que la tumba había sido sufragada por los beneficios de
ésta otra vez un aval de nobleza en este caso un panteón una sepultura
como símbolo de nobleza para sus descendientes pasamos a la siguiente
diapositiva en esta otra diapositiva se está colgando un poco también
junto al retrato se utilizan otros elementos de carácter iconográfico con
inclusión de temas que aluden a la reivindicación dinástica diferentes
imágenes diciendo que no funcionaba bien internet otra vez bueno pues son
también los tapices son otros materiales que se utilizan en el caso de los
tapices como los diseñados por Bernard Van Orley entre el año 1521 y 1531
por encargo de los tapices flamencos en los que se narra la batalla de
Pavia en esta batalla Ábalos había intervenido pero además el tema
recordaba vamos a ir a esta diapositiva el tema recordaba la tradición
familiar su tío Ferrante de quien había heredado el mando militar y fue
uno de los protagonistas de la batalla se había hecho enterrar colocando
en su sepulcro la espada que Francisco I entregó según su bendición y
bueno pues de esta forma Pavia se había convertido en un signo o marca de
linaje en este caso pues una batalla como marca de linaje son magníficos
tapices diseñados por Van Orley y bueno pues pasamos también a un espacio
impresionante, magnífico que es Bomarzo, el jardín del palacio de Bomarzo
una auténtica preciosidad mandado a construir por este noble romano Vicino
Ossini hacia el año 1552 y concretamente en recuerdo de su difunta mujer
pues aparece con diferentes motivos decorativos Arcadia, el Parnaso, etc.
yo cuando hablo de esto de este tema con mis alumnos les decía que es como
si fuera una especie de parque temático es un bosque sagrado que como os
he comentado es el autor, es el príncipe de Ossini y la idea era
aprovechar la roca volcánica original del lugar que era el peperino que es
fácilmente moldeable para elegir una especie de microcosmos de edificios,
esculturas fantásticas entre el año 1552 a 1580 con las órdenes del
príncipe fueron trabajando diferentes escultores arquitectos fueron
disponiendo sobre las enormes rocas trabajando sobre ellas realizó una
especie de zoológico imaginario que incluía animales reales también
míticos elementos casi imposibles, arpillas logros junto a árboles,
arroyos dragones, elefantes diferentes figuras que se iban alineando
algunas de ellas muy amplias casi hasta 4 metros de altura os digo que
tengo problemas en la emisión y completamente se ha ido la imagen no sé
si vos me podéis ver ahora la vuelvo otra vez a dar fijaros en este caso
en una especie de monstruo con una boca muy amplia en la cual se entra en
una sala circular puede tener un lenguaje simbólico que es el vientre de
la tierra el lugar donde el polvo y el agua se condensan quizá donde la
muerte se convierte en un lenguaje muy poético donde la muerte se
convierte en morada definitiva hay una novela de Mojica Lainez que hace
referencia a este jardín a este espacio que se llama así, Bumarzo ahí
tenéis esos elementos fantásticos esos dragones una torre inclinada cerca
de Viterbo y ahí tenéis la panorámica de la ciudad bueno pues también
jugó importante cierta importancia la construcción de la imagen de la
nobleza en el que permaneciera éstas a lo largo del tiempo las
disposiciones jurídicas que se fueron realizando a lo largo de esa época
concretamente las que permitían favorecían la herencia de los
primogénitos y también la acumulación de capitales que en España se
llama mayorazgo una transmisión de carácter intergeneracional en la cual
también se incluían objetos objetos que a la larga se convertían en
reliquias familiares tenemos el caso de Francisco de Cobos secretario de
Carlos V que incluyo en su mayorazgo la cama y el anillo que había llevado
el soberano en su coronación imperiano bueno pues son objetos que
representan el linaje y que van aumentando el valor tanto que pertenecía a
una familia y por lo tanto no es que el anillo de la cama tuviera un valor
económico en sí ya que era corriente pero tal como nos dice nuestro
profesor Hugo Kizar el anillo simbolizaba la cercanía secretaria en este
caso a la emperada algo parecido pasó con los marqueses de Comares a
finales del siglo XIX y qué bueno que conservaron todavía los ropajes las
armas en su palacio familiar que sus antepasados habían obtenido en el
año 1483 al hacer prisionero a Guatín elementos que eran señas
identitarias de la familia al igual que otras piezas de carácter también
artístico y bueno pues concretamente era el retrato de un antepasado el
del rey al que se le ha servido el paisaje como castillo familiar una
fábula, etcétera todo ello era un soporte de herencia inmaterial o seña
de identidad de esa familia eran como decíamos antes a modo de escudo de
armas familiares propios de la nobleza que hacían en este caso visible o
transmitían con ese lenguaje simbólico la virtud, el linaje de la misma
aquí tenemos un retrato concretamente del caballero Pietro Seco Suardo de
Giovanni Battista Moroni Moroni retrata a este bergamés que es su
compatriota Pietro Seco Suardo y bueno pues que era un personaje destacado
en la ciudad de Bérgamo y además fue embajador en Venecia sitúa unos
cuantos elementos acompañando al mismo pero con esas características
simbólicas la sombra, vista ocenada en los paneles del piso una ventana
con vistas a la ciudad con la torre del ayuntamiento un pedestal con un
brasero que Pietro está señalando con un dedo que era el emblema de la
familia como veis tomando de Evangelio de San Lucas con todo esto formando
el acrónimo del apellido en este caso del caballero simplemente comentaros
que muy cerca de Bérgamo está el pueblo de Score y allí está una de las
fincas con el palacio de los Suardi muy cerca también de Milán dentro de
ese palacio hay una capilla excelente con unos frescos dedicados al
martillo de Santa Clara tengo la experiencia de haber volado exclusivamente
para intentar ver esa capilla al final lo conseguí un día de febrero con
muchísimo frío si en principio no me dejaban entrar al final conseguí
adherirme a un grupo de profesores italianos y pasé un par de horas con el
guarda de la finca que era un hombre todo entusiasmado nos contaba en
italiano las referencias hacía esas imágenes de esos frescos de esa
pequeña capillita dedicada a Santa Clara además hacía un frío tal que a
las 4 de la tarde ya era casi de noche y al salir me tuve que meter en un
supermercado un centro comercial simplemente no a comprar porque estaba
caliente aquello pequeñas haciendas esas que hago cuando vuelo para ver
determinadas pinturas o algo que me pueda entusiasmar de paso, no mantiene
vivos aquí tenemos también un retrato de Isabella Westen vamos a hacer
referencia también de ella concretamente nos vamos adentrando a esa
intencionalidad de la creación que se van plasmando de la transmisión
generacional de una generación a otra con esas colecciones de obras de
arte y lo que os digo, son señas de identidad que se van a ir traspasando
unos a otros de padres a hijos hablamos del caso de Albertos Médicis pero
también de la casa de éste que había entendido el valor que generaban
sus colecciones y va transmitiendo a su hija Isabella una persona de la
cual vamos a hablar ya cuando hablemos de las mujeres el retrato femenino,
etc. y la importancia que tienen en este momento también en su vertiente
de personajes públicos y de poder bueno, también su esposo Francisco II
Gonzaga compartía esa visión y la importancia que deja Isabella una mujer
maravillosa interesantísima muy culta en el que deja a la colección sus
herederos y sobre todo ese hábito de coleccionar dentro de su familia
teoría artística del relacimiento que se fundamenta en la forma de
reconocimiento de las obras de arte que incluyen también hábitos
artísticos la interpretación de las imágenes desde sus contenidos
iconográficos las cualidades formales de la obra junto a la maestría de
su autor y todo esto contribuye al coleccionismo y al reconocimiento de la
persona que adquiere o posee esas obras de arte Passari habla en sus
descripciones de estas valoraciones uno de ellos de estas expresiones de
interpretación de elementos iconográficos y cualidades formales son los
studiolos que están en su espacio italiano uno de ellos es el de Isabella
d'Este y que integran programas alegóricos colecciones de obras
importantes maestros importantes de la pintura uno de ellos es Francisco de
Medici estudiólo, en el cual estuvo la coordinación de Passari y también
el asesoramiento de Vincenzo Borghini y Battista Adriani que tenemos el
estudiolo en esta diapositiva de Francisco I en una pequeña estancia
construida por este príncipe se emprende un plan decorativo bastante
ambicioso en el que participan como os he comentado antes Passari, Adriani
y Borghini entre los años 1570 y 1572 es un gabinete que tenemos que
pensar que para Francisco debía ser una especie de despacho también
despontite en el cual se podía refugiar de la cotidianidad social del
momento es un gabinete de curiosidades parece ser que el príncipe
practicaba la quimia y sobre todo disfrutaba de la colección de objetos
raros y se hace rodear de lienzos de gran tamaño de cuatro pinturas de
temas mitológicos, religiosos también representativos de actividades
humanas muy diferentes ese estudiolo como os comentaba que había sido
refugio excepto del duque Francisco fue desmantelado en 1590 por su hermano
Fernando I que era el nuevo gobernante y con el siglo XX sería
reconstruido con una especie de rareza digna para visitar las escuelas
ubicadas con el tiempo correctamente en la tribuna de los Uffizi y olvidado
durante tiempos se había perdido la memoria parece ser que en el año 1910
el superintendente de bienes cultural de la Toscana, un tal Giovanni Poggi
junto al jefe de la oficina de artes de la Comunidad de Florencia se
redescubrieron el paradero de esta habitación perdida poquito a poco se
fueron recuperando los 34 lienzos que estaban en esas estancias conservadas
como digo en parte por los Uffizi una imagen de la recreación del estudio
de Francisco I el uso de las obras de arte para la transmisión de mensajes
a través de colores simbólicos relacionados con las señales de la
nobleza se fue generalizando de forma progresiva en la segunda mitad del
siglo XVII a partir de las galerías o la creación de las galerías de
pinturas en el pasado como marca o modelo caballeresco reconocimiento y
aprecio de las bellas artes que en cambio podía ser usurpado fácilmente
por individuos en ascenso o simplemente esa ostentación que podía tener
de lujo y bueno pues la naturaleza cultural en cambio permitía la
transmisión de valores ideológicos y además incluso venía a veces
ligada al propio valor de la cultura la cultura o la educación que se
convierte también en marca de la nobleza como os digo pues de alguna forma
para diferenciar aquellos individuos que simplemente ostentaban la riqueza
sin más la obra de arte como símbolo de reconocimiento de la nobleza se
ve favorecida por una parte por la intensificación de las relaciones
internacionales en la edad moderna en la cual esa nobleza es protagonista
de intercambios de carácter político social o cultural también
anticuarios, artistas, humanistas la relación que tienen con las obras de
arte que son nobles en sus viajes por Italia también por otros países
europeos como esas obras de arte poco a poco son elementos de intercambio
diplomático, regalos que se religan unos principios con otros y por
supuesto no podemos olvidar el Gran Tour ese proceso que realizan sobre
todo los jóvenes ingleses partiendo de Gran Bretaña, van pasando por
Francia llegan a Alemania, bajan hasta Italia y bueno pues jóvenes que
visitan Italia en definitiva para una formación de carácter cultural y
bueno pues que también van valorando el arte y lo que ello representa
incluso se hacen representar ellos mismos en estas piezas u obras de arte,
tenemos un ejemplo concretamente aquí lo tenéis de Pompeo Batoni ahí lo
tenéis el jovencito retrato de Francis Batchet y bueno pues el primer
barón de D'Estemville y bueno pues este Pompeo Batoni debió de hacer el
agosto en Roma invitando a numerosos viajeros ingleses que llegaban para
certificar su estancia en Roma y el valor añadido que tenía antes de
ocupar cargos en la administración el hecho de hacer ese Gran Tour y
visitar la ciudad bueno pues fijaros que aparte del personaje como lo he
retratado pues se hace acompañar por una parte un plano de Roma que tiene
en sus manos pero luego también aparece ya se nos ha quitado la imagen
otra vez, ahí volvemos aparecen elementos arquitectónicos clásicos este
pedestal al fondo la basílica de San Pedro del Vaticano y también aquí a
la izquierda el castillo de San Angelo procesos de progresiva relación
entre las bellas artes y la nobleza que también fueron importantes para
los propios artistas entonces pasa la diapositiva en el cual ellos claro
considerados artesanos tratan o reivindican su posición y su estatus
tratando de alcanzar su estatus nobiliario estoy intentando otra vez abrir
ahí está otra vez la imagen bueno pues promueven en ese sentido para
mejorar su estatus social promueven academias, tratados panfletos, obras de
arte, etc y bueno pues incluso promueven el caso por ejemplo es el retrato
del noble pintor en la que pretendía mostrar la nobleza del oficio
representando al pintor erudito y noble como contrapunto al artesano
ignorante y podemos verlo en algunas de estas imágenes las élites
comenzaron a considerar que apreciar el arte y los artistas no era algo
ajeno a su condición y a partir del siglo XVII se multiplica el número de
nobles que pintaban por afición y que incluso recomiendan el aprendizaje
de sus hijos de este arte es decir, la estampa de Abraham Botse que como
pretende mostrar la nobleza del oficio representando a ese pintor erudito
vestido como noble como contrapunto al artesano que os decía antes si
tenéis una descripción en la página 220 muy interesante bueno pues
seguimos también hay una aceptación común de la relación entre la
familiaridad con las bellas artes y la demostración de las bellas artes
como ocurrió por ejemplo en el caso de la Echelle que hacía el
reconocimiento a las pinturas de Rubens y escenas como esta en la que el
pintor aparece en su entorno concretamente la familia del pintor de Jacobo
Yarden que como se autorretrata con su familia en un entorno ajardinado con
animales, esculturas su propia esposa sentada junto a la hija pequeña el
pintor en pie con la mano apoyada en un sillón como sostiene el laúd
fijaros cómo va vestido tanto la mujer como el propio pintor se quiere
asemejar al estatus nobiliario y además con algunos elementos como el
propio laúd el significado de la importancia que cobra o mejor decir el
gusto que tiene en este caso por la música uno ha añadido más para hacer
simbólico en definitiva se representa como os he expreso aquí en la
diapositiva un caballero atareado con ropas elegantes interesado por esas
actividades de carácter culto propia de la nobleza como es la música y
bueno pues otros ejemplos dentro de ese vamos a pasar a la diapositiva
otros ejemplos también evidentes de este valor social lo encontramos en el
retrato de Sir Edmund Porter y Van Dyck concretamente pues una especie de
representación de sinergia, de unión entre el estatus social el noble y
el pintor en el cuadro se retrata en plena igualdad a Van Dyck con el noble
pues a modo de como si fuera ese noble de cuna pues a modo de querer poner
al mismo nivel lo que es su estatus como pintor en este caso asimilarlo a
la del nobre recordamos algunos pintores también como por ejemplo Apeles
con Alejandro Mano ese paralelismo y como no verdad que Velázquez al cual
se retrata en el cuadro de las meninas aparece también allá reflejado en
el espejo el propio rey Felipe IV bueno pues el prestigio al que llegan
pintores como Van Dyck, Rubens, Tiziano convierten sus pinturas en objetos
codiciados que otorgan un valor añadido a la posesión de un retrato
ejecutado por ellos como ocurre que a nuestro día son gente famosa de
alguna forma la posesión de ese cuadro de esa pintura cobra un valor
añadido para el que lo posea grandes maestros internacionales en lo cual
su posesión adquiere pues un asunto de prestigio como os comento. Vicente
Carducho describía la colección de la pintura italiana del duque de
Alcalá en su palacio sevillano a comienzos del siglo XVII decía como un
museo fuente de memoria social y familiar en el siglo XVII se destató por
todo loco una auténtica fiebre de interés por encargo por adquisición de
pinturas y esculturas de los clásicos del Renacimiento y los grandes
maestros emergentes también de familia de arte nobiliaria o de reyes ahí
tenemos citados a Carlos I de la Sierra Felipe IV de España digamos
grandes coleccionistas del momento bienes útiles que también las obras de
arte como bienes útiles para regalo pinturas, obras de arte que eran
habitualmente intercambiadas para ganar la benevolencia de los más
poderosos o consolidar también alianzas hay colecciones nobiliarias que
poco a poco se van a abrir a público porque puedan poder visitarlo con el
desarrollo del gusto estético que se va a dar en este momento pues
artistas, poetas y eruditos y grandes colecciones como por ejemplo la del
Marqués de Leganés el que tenía obras de Van Eyck Van der Weyden,
Dürer, Papinier Rubens, Tiziano, etc. también conocimientos artísticos
el propio Rubens y el propio Rubens lo destaca como uno de los mayores
entendidos de esta época que busca Leganés con esa adquisición de tantas
pinturas imitación que están haciendo los reyes lo que está haciendo de
alguna forma es legitimar el título que se le ha concedido recientemente y
que en este caso no obedecía a un linaje heredado Marqués de Leganés que
regala a Felipe IV concretamente esta imagen de Rubens la Inmaculada de
Concepción que está en el Museo del Prado bueno pues al agregar sus
bienes artísticos a su mayorazgo según los inventarios de 1630-1640 este
Marqués de Leganés pretende consolidar nobiliariamente también los
beneficios representativos que le otorga a la colección artística de
alguna forma toda esa colección es una seña identitaria lo que venimos
hablando a lo largo de este de esta clase de esta exposición en definitiva
un proyecto de carácter familiar que se va a proyectar sobre su linaje
como seña de identidad de esta casa nobiliaria bueno pues he podido estar
espeso en algún momento determinado disculpad pero ya tenía ganas de que
esta clase grabarla y el próximo martes nos vemos y si no ocurre nada
vamos a tratar el tema 8 de la PEC para el día 20 y ya algunos me habéis
comentado que habéis visto la clase anterior y concretamente la que
trataba sobre la PEC unas orientaciones al respecto sobre lo mismo espero
que os hubiera venido bien para aquellos que os decidáis realizar esta
prueba de evaluación a distancia bueno pues lo dicho nos vemos el próximo
martes para todos un abrazo