en directo, no hay problema, o por audio. Vamos a llevar esto para acá,
aquí. Esto lo ponemos aquí abajo. Bueno, pues, buenas tardes. Mientras
que trato de agarrar un poquito esta pantalla para poder empezar a
trabajar. Bienvenidos a todos. A los que estáis ahí, a Maripaz, a Javier,
también a Patricia, a Monse, que está aquí en clase. Bueno, pues,
bienvenidos a la asignatura. Voy a hacer disminuir un poquito, hoy no.
Bienvenidos a la asignatura de el modelo veneciano, la pintura occidental,
de este curso de tercero de grado de arte. Y, bueno, pues, como ya habéis
podido ver por vuestros papeles y demás, soy Luis Francisco Peñalver, voy
a ser el doctor vuestro de esta asignatura a lo largo de este año. Ya hoy
empezamos un poquito regular porque tenía la clase preparada para ver a
Georgion y seguro que no nos va a dar tiempo del todo a terminarla. Ha
habido por más técnicos aquí en Talavera, la reina, y bueno, pues vamos
a comenzar enseguida. Luego os digo, pues, bienvenidos a esta asignatura
que os aseguro que es preciosa. Bueno, pues, ¿de qué voy a tratar? Pues
vamos a centrarnos en ese modelo de pintura de Venecia y del siglo XVI,
fundamentalmente XV y XVI, fundamentalmente cuando se desarrolla, y un tipo
de pintura que luego va, de alguna forma, a influir sobre la historia de la
pintura en general y del arte en general a lo largo de los siglos. El
primer tema es Georgion. Y vamos a hacer algunas recordaciones. Vamos a
hacer algunos recordatorios. Bueno, pues estamos emitiendo esta tutoría,
la tutoría número 2, es para Ciudad Real, Jaén Úbeda, Madrid y Sur,
Motril, Talavera de la Reina. Por lo tanto, a los que estéis aquí
presentes y a los que veáis esta clase en diferido, pues un saludo de
verdad a todos. Cuestiones que tenemos que tener pendientes. Bueno, pues
vamos a ver algunas cosas que tengo por aquí. En primer lugar, el tema de
biografía recomendada por los profesores de la asignatura. Bueno, quizá
Alicia Cámara, ahí lo tenéis. Por supuesto, el libro de texto habitual
que tenemos nosotros. Y bueno, pues otra serie de libros que si podéis
poner de ellos en las bibliotecas, pues la verdad que son muy interesantes.
Este tenemos aquí, el de Checa, Tiziano, Manorquía Hispánica, lo tenemos
aquí en la Biblioteca de Talavera de la Reina, se puede consultar en sala.
Y luego, bueno, pues los demás, tanto el de Tiziano, que es sobre la
exposición también que hubo en Madrid el año 2003 en Museo del Prado, o
la de Tintoretto, también en el Prado en 2007. Son también libros muy
interesantes. Que os interese tanto el tema de un noticiano como de
Tintoretto, que podéis profundizar al respecto. Y sí que os recomiendo
que es fácil, lo podéis conseguir, es fácilmente asequible. Pues
conseguirlo en la casa del libro, porque también te lo compré yo este,
¿verdad? Es Arte y Vida en el Renacimiento, no sé si lo podéis ver en
esta pantalla. Bueno, que voy a repetir, que es fácilmente asequible. Y es
un libro precioso sobre la vida del Renacimiento en Venecia. Conectamente
de Patricia Fortini Brown. Un libro muy interesante, precioso, que os
recomiendo que lo tengáis incluso en casa. No solamente para la
asignatura, sino para poderlo, en un momento determinado, pues echar un
vistazo para lo que os apetezca. Bueno, pues intentaré a lo largo de este
curso realizar las máximas grabaciones posibles. Ya hoy empezamos mal, lo
voy a repetir. Pero es lo que hay. Esta asignatura no la han planteado de
forma quincenal. He pedido que en el mes de marzo se plantee semanalmente,
parece así que lo vamos a conseguir. Y entonces ya os avisaría. Para ir
adelantando materia, ya lo que he hecho durante estos días pasados es
colgaros una grabación del año pasado. Bueno, pues me pareció que era de
Tintoretto, una grabación sobre Tintoretto. El tema 3, la primera parte,
que no lo llamo 3, es muy fácil que entréis. Primero, como os he mandado
el enlace en la página correspondiente de nuestro foro. Lo tenéis ahí,
en el foro de la tutoría. Y en segundo lugar, simplemente con poner mi
apellido, Peñalver, en Inteka diferido, aparte de otras grabaciones que
podéis encontrar en otras asignaturas que a mí me imparto como tutor,
seguro que os saldrá esta del modelo veneciano en la pintura occidental y
concretamente Tintoretto del año pasado. Pues vamos adelantando materia.
Bueno, pues los que me conocéis, veo Maripaz, que ya me conoce de otros
años también, Monse, vemos aquí otros. Y tengo alumnos que es como en
otras asignaturas. Pues ya sabéis que lo que suelo hacer es hacer la
presentación en clase, de la materia hasta el tema, mediante
webconferencia, la grabamos y luego os mando el enlace. Y por otra parte,
para que podáis bajarlo, incluso cargarlo en MP3 para que podáis
escucharlo cuando vayáis de viaje, que son esos datos que tengo muertos de
algunas veces. Porque soy de Madrid, ¿no? Por ejemplo, en el metro,
autobús. Y también aportarles los documentos que crean convenientes, pero
digo lo mismo a vosotros. Si vosotros también por otra parte hay
documentos o cuestiones que podemos ir planteando, para eso tenemos la
página nuestra de la tutoría, ¿de acuerdo? Bueno, pues ya empezamos. Que
sepáis que de momento en los documentos de la tutoría ya estas
diapositivas, una selección de ellas, no todas, pero una selección de
ellas ya están colgadas y que incluso os puede venir bien para ahora
repasar porque también hay textos, junto a las imágenes también hay
textos. Bueno, mirad, tengo la pantalla muy pequeñita, entonces lo que voy
a hacer va a ser reducir las ventanas de chat y demás y no voy a tener
acceso. Bueno, vamos a comenzar la clase. Ahí tenemos la presentación.
¿Qué tratamos en el tema? Vamos a poner pues el protagonismo de Giorgione
completamente, su obra. Y sube en el nacimiento un modelo pictórico
diferenciado en Venecia con respecto a la tradición anterior y a partir de
ahora va a haber otras formas de pintar, otras consideraciones al respecto.
Hay interpretaciones también sobre su legado. Aportaciones de Giorgione a
la construcción de un lenguaje formal veneciano, el uso de la luz y el
color. Lo vamos a repetir en bastantes ocasiones, ¿verdad? La luz, el
color, la sombra, los tonos, el paisaje. Son elementos, son denominaciones
que nos van a aparecer de forma continuada en las explicaciones que hagamos
sobre este tema y los siguientes, porque son las características de esta
pintura veneciana. También vamos a hablar de la contribución de Giorgione
a la creación de un nuevo repertorio de temas y también sus culturas de
la pintura en el espacio doméstico veneciano. Si antes estábamos hablando
de iglesias, de palacios, recordad los que habéis dado asignatura de arte
y poder, pues aquí quizás nos estamos refiriendo a la intervención de
este pintor más en el ámbito de carácter doméstico. Están basados los
apuntes, los apuntes que hay en la diapositiva están basados en el libro
del profesor, concretamente del capítulo del profesor Urquiza. Que es el
que ha redactado concretamente el mismo. Bueno, pues tenemos sobre
Giorgione, podemos decir algunos aspectos de su vida, mientras que vais
leyendo un poquito la diapositiva, ¿verdad? Nace en 1479 en Castelfranco,
en un pueblecito que está a 40 kilómetros de Venecia. Muere en 1510 en
esa ciudad a causa de la peste. Bueno, son muy poquitas las pinturas que
son reconocidas con certezas de este pintor que alguna vez incluso llega a
ser enigmático. Un pintor, una figura que rodea cierto misterio. Incluso
que llegamos a desconocer el significado real de lo que quiso exponer en su
obra. Ese, consideramos que es el fundador de la pintura veneciana y bueno,
pues también junto a él, a Parfaitiziano, un personaje más joven y que,
bueno, pues una escuela que como os he comentado antes, está diferenciada
por el color, por la transmisión de ese estado de ánimo en contraste con
la pintura florentina en la cual se acentúa mucho más el diseño. Aquí
va a ser más el colorido, ese colorito, ese colorido y muchas veces
buscando una serie de tonalidades que de alguna forma si habéis visitado
Venecia, pues nos recuerda esa atmósfera mágica, maravillosa de Venecia,
muchas veces por esa bruma que se queda en la laguna, ¿de acuerdo? La
laguna se transmite también en esas cuadras, en esas imágenes. Tenemos
pocos datos sobre su vida, Basari habla en sus vidas, hace referencias
sobre Giorgione, tampoco conocemos muy bien exactamente a qué edad llegó
a Venecia. En Venecia, Ridolfi, otro de estos historiadores o que del arte
o de la literatura relacionada con el arte, pues parece, nos dice que
parece que se fue admitido a la edad de 10 años como aprendiz en el taller
de Giovanni Bellini, que era por entonces en Venecia pintor más famoso y
bueno, pues hubo otros pintores que también pudieran influir en su obra,
¿verdad? Concretamente, Antonio da Messina y bueno, pues también incluso
el propio Leonardo da Vinci que visitó Venecia en su momento determinado y
sobre todo el esfumato, esa sombra que se va regando en las caras y demás
y que vamos a ver hoy. Pito de Carpaccio, también en movimientos
iniciales. Vasari dice que en el año 1500, con 23 años, pintó los
retratos del duque Agostino Barbarigo y el condotiero Gonzalo Ferrante. En
1504 se le encarga un retablo para la iglesia de San Liderano y
Castelfranco. Y bueno, pues también participa tres años más tarde en el
Palacio Ducal de Venecia. Es una obra que, un trabajo que desapareció.
Bueno, pues ahí tenéis algunos aspectos. Esa imagen literaria de
Giorgione, esa oscurantez, esa certeza sobre su vida, sobre su propia obra.
Hablando del terreno de la náufraga, da nebulositad y confusión. Esa
carga breve, también, porque va a morir un joven por peste. Y bueno, pues
el modelo otra vez pictórico veneciano basado en el color. Bueno, pues
continuamos, avanzamos con estas diapositivas y ya doy por hecho que esta
clase no va a poder ser. No vamos a poder la ver entera, entera. Entonces
tendré que hacer una segunda grabación. Bueno, pues en esta diapositiva,
en la tercera, pues habla Castiglioni, quien le sitúa, junto a otros
pintores importantes, Leonardo Mantén, Rafael Miguel Ángel, dicen esos
pintores excelentísimos, excelentísimi, ¿no? Luego la referencia que os
he dicho antes, en las vidas de Vasari, que habla de él, también lo
dedico a Dolce, de Dolci, o Simi, ¿verdad? Y bueno, pues hablando esa
comparación de Leonardo, si todo en Florencia y Giorgione en Venecia. El
esfumato, el esfumato de Leonardo que como influye, como os he comentado
también en Giorgione, esa referencia de que estuvo hacia el año 1500 en
Venecia, Leonardo, pero no sabemos exactamente si... Se produjo un
encuentro entre ambos. Junto a Tiziano y otros artistas, trabajó en los
frescos de la fachada del edificio de fondato de Tetechi, muy cerca del
puente Rialto. Se de los mercados alemanes, en Venecia, y bueno, con unos
frescos que fueron terminados en 1808, pero bueno, con el tiempo
desaparecieron fundamentalmente por el fruto de la desambiente, de la
humedad que tiene la ciudad, aunque quedan algunas copias engrapadas del
siglo XVIII y que se conservan en la Academia Veneziana. Él estaba muy
estrechamente relacionado, como os he dicho, con Tiziano, y decía que,
concretamente Vasari, decía que Giorgione fue maestro de Tiziano, mientras
que Rodolfi expresó que ambos eran alumnos de Bellini y que vivían
también en su casa. Lo que sí es verdad, que tras la muerte de Giorgione,
Tiziano terminó algunas de sus pinturas, como vamos a poder ver hoy.
Vasari acentúa la influencia de Giorgione en Giorgione de Leonardo, tras
la vista de éste, como os he comentado, hasta el año 1500. Muere en 1510,
a causa de la peste, y bueno, pues el propio Vasari dice, en este peste,
que se enamoró de una señora y mucho gozaron el uno y la otra de sus
amores. Ocurrió que ella se contaminó de peste, pero Giorgione, ignorante
de su enfermedad, siguió tratándola y se contagió, de manera que en
breve tiempo, a la edad de 34 años, pasó a la otra vida, no sin dolor de
sus amigos, que la amaban por sus virtudes. Todos los relatos coinciden en
la representación de Giorgione como una persona de encanto distinguido,
romántico, gran amante de la música, dado a expresar su... su arte de la
gracia, sensual, imaginativa, pues con una cierta melancolía poética, muy
acorde, como os digo, también con la Venecia de su tiempo. Este es el
aspecto físico, lo podemos reconocer con este autorretrato atribuido a
Giorgione del Museo Erzog de Ulrichsburg, que sirvió como modelo para el
grabado de las segundas ediciones de la vida de Vasari. Aquí, como veis,
se le presenta a una persona joven, con el pelo largo, llega hasta los
hombros, la barbilla elevada, la boca cerrada con una cierta energía,
mirada melancólica, que no se ha denominado antes, y luego se aparecen
unas órbitas oculares ligeramente sombreras. No sé si lo ves bien. La
mirada a modo de reto, volviendo el hombro derecho hacia el espectador,
también esa oscura iluminación al fondo, una transición entre colores
verde, la vestimenta. Y una pieza de metal brillante que destaca aquí,
sobre su hombro. Y piezas de metal que van a reflejarse, en algunos casos,
para reflejar luces, como vamos a ver en otras imágenes. La caseta de
noticias sobre su vida, la dispersión de su obra, pasada de mano en mano
por los coleccionistas, sin haber permanecido fija en iglesias, por su
carácter laico, hace que ya en el siglo XVI empiece a oscurecer su figura.
Además, el hecho de que Tiziano terminara alguna de sus obras, trae
aumentos. Y aumenta la confusión al respecto. En el siglo XVII, diferentes
inexactitudes transmitidas por sus biógrafos, también falsificaciones,
fomentan su mitificación, incluso hasta el extremo de dudar de su
existencia a principios del siglo XIX. A partir de ahí, se realizaron
estudios científicos, serios sobre autor y contribuyeron a esclarecer su
figura en la publicación del 1800 del anónimo moreliano monoscrito de
Marcantonio Michel y la correspondencia también de Isabel Adeste,
publicada en 1888. Como hemos comentado al principio, fue uno de los
primeros pintores de dedicar su arte o su pintura a colecciones de
carácter doméstico y también sus formatos de obra eran medianas, no
quedan grandes paneles o frescos y más que como os comentaba antes, no es
el carácter animático tanto de su vida como de su propia obra. Giorgioni
representó en sus pinturas una nueva gama de temas junto a los retratos y
retablos, pintocuadros que contaban alguna historia. Ya fuera bíblica o
clásica, acentuando la importancia del color, otra vez los estados de
ánimos, un cierto sentimiento lírico, un cierto sentimiento romántico y
bueno pues, como os comentaba aquí, influyó tanto en sus contemporáneos
como en sus sucesores, Tiziano, Sebastiano de Piombo, Padma del Viejo e
incluso sobre el propio maestro Giovanni Berlini. Hizo de la pintura un
avance similar a la realizada por Leonardo en la pintura toscana 20 años
antes, desprendiéndose de esa rigidez artística. Artística arcaica y con
mayor libertad de representación. El profesor Antonio Urquizar habla
efectivamente de esa capacidad de insuflar vida a sus composiciones,
dotando de espíritu a las figuras a través de la luz, de las sombras y de
todo lo que os comentaba. Bueno pues, logra esto evitando copiar a otros
maestros y observando la naturaleza. Dice, cuando pintaba al óleo o al
fresco lograba cosas muy vivas, muy suaves, con tal unidad y esfumadas.
También emulaba esa frescura de la carne, decía Basar. Fijaros otra vez
como dice el tonalismo, el manejo de las sombras, cómo todo esto se nos va
representando en esta imagen, en estas características de este pintor.
Aquí tenemos la pala de Castelfranco, la madona con el niño entre San
Francisco y San Nicasio. Fue realizada en torno al año 1508, un telero de
grandes dimensiones que se encuentra en su emplazamiento original en la
iglesia de San Liberal de Castelfranco. Ahí tenéis que bajo la apariencia
de una típica escena de las sacraconesaciones de composición piramidal,
conforme el gusto bajo medieval, pues comienzan a atisbarse unas ciertas
características novedosas de un nuevo estilo. La composición piramidal
que va desde la Virgen entronizada por el niño, lo tenéis, ¿verdad?
Custodada por San Nicasio, que en principio se creía que era San Liberal,
que era el patrono de Castelfranco, y a la derecha nuestra tenemos a San
Francisco de Asís. Bueno, pues es un esquema tradicional de la
composición, pero bueno, que se va aligerando por una serie de elementos
que se van incorporando, como es la autorización de ese trono y también
del paisaje en la parte que tenéis, la parte de atrás. Fue encargado esta
pala por Tuzio, el condotiero Tuzio Constanzo, para su capilla funeraria en
la catedral de Castelfranco. La capilla había sido... La capilla había
sido adquirida tras la muerte de su hijo Mateo, y bueno, pues aparece una
composición ciertamente original. La Virgen se coloca con el niño en un
trono muy alto, creando una separación vertical muy amplia con los dos
santos que se encuentran en la parte inferior, como podéis observar. En el
centro, entre dichos santos, se coloca un sarcófago de porfido rojo que
simbólicamente representa la tumba de ese hijo muerto muy joven, el tal
Mateo. Y en el centro aparece el escudo de arma de los santos. Te lo dice
en el libro, ¿verdad? Esta imagen la estás viendo, ¿no? No sé si se
puede observar, ¿verdad? Bueno, pues sobre el sarcófago, Giorgione, como
podéis observar, coloca una especie de pedestal de mármol blanco y encima
el trono de la Virgen y el Niño. En la parte de más baja, aparecen los
santos, como observáis. Bueno, pues sobre un fondo una pared cubierta de
una cortina roja y en el nivel superior aparece ese paisaje, paisaje al que
continuamente vamos a estar haciendo referencia. Saludos de Susana y Pedro
de Madrid. Ok, saludos también a los otros. San Icasio porta un estandarte
con cruz blanca sobre fondo rojo y que se corresponde con la orden de los
hospitalarios de San Juan de Jerusalén, a la cual pertenecían. Único
santo de la orden, por cierto, este San Icasio. Y que era reverenciado,
perdón, tanto en Palermo como en Messina, donde ese culto se asociaba a su
vez a San Francisco. Véis un poquito ahí este juego que está realizando
el pintor al respecto, ¿verdad? San Icasio, San Francisco, todo este
juego. A través de San Icasio, Giorgione alude tanto a la dignidad de la
orden como a miembros prominentes de la familia de este hombre, el
condotiero Tucio Constanzo. Y bueno, pues que tenía su procedencia, era de
una familia. También nobles de Sicilia. Bueno, pues... Surgen novedades en
esta obra con respecto a la que decía anteriormente, por ejemplo, de San
Icasio, que era porque también a su vez tenía un tanto tan reverenciado
también en Sicilia. El nuevo tratamiento de naturaleza que os he
comentado, que hemos estado hablando, que es copia de natural, se aleja de
un cierto idealismo anterior, de los puntos anteriores, el esfumato
leonardesco, que lo vamos a ver con más detalle en la siguiente
diapositiva, los rostros, que son auténticos retratos, una cierta pastilla
espectacular, la tonalidad de la carne que decía Vasari, y esa nueva
aplicación de aplicar el color, algo que tenemos que pensar, decían
algunos que no sabía dibujar y por tanto pintaba, y lo que hacía era
desarrollar esas pinceladas o esos empastes. Una pintura de carácter tonal
con el uso directo del color sin dibujo, no hay líneas de contorno,
iluminación, color, cromatismo, como os he comentado antes, de alguna
forma esa creación de atmósfera que vamos a ver en la tempestad, en los
tres hilosos, en esos cuadros, que insisto, si habéis viajado a Venecia o
si viajáis a Venecia, ver un diálogo entre estos pintores, lo que ellos
representan, y esa atmósfera mágica también de Venecia. La novedad que
os comentaba antes, ese brillo, el brillo en las armaduras, que ya nos ha
aparecido en esa especie de broche que aparecía en el autorretrato
anterior del propio Giorgione, y que aparece en esa armadura de San
Liberal, como os estoy señalando, vamos a ver luego también en otros
cuadros. ... Aparece el brillo, esa luz difusa, la sombra en la pared, el
suelo con ese juego ajedrezado del mismo que surgió una especie de
continuidad llegando a la Virgen y al niño que están en el punto elevado.
Esta pala nos va a recordar también a otras dos pinturas interesantes, las
dos palas, la de Giovanni Bellini y también la pala de Pesaro de Tiziano
que estudiaremos también a lo largo de este curso. Dos detalles que
tenéis de la pala de Scastelfranco. Fijaros que os digo, esa luminosidad,
esa graduación que realiza el paisaje, esa naturalidad, esas tonalidades.
No es tan a la pintura tan chica como hacía Bellini. Antes se pintaba con
capas de pintura, estos más bien con más empaste buscando esa tonalidad o
ese esfumato, ese sombreado aprendido relacionado en este caso con Leonardo
da Vinci. Bueno. Bueno, pues Giovanni Bellini, la Virgen con el niño y los
santos, otra referencia a otra pala, ¿verdad? Y la otra que os he
comentado, creo que la tengo por aquí puesta también. Bueno, no la de...
me falta la de... no, no sé si la veo puesta, bueno, aparecerá. La de
Tiziano. Bueno, pues fijaros la diferencia entre ambas. Aquí tenéis esta
diapositiva, la diapositiva número 10. Giorgioni lo tenéis a vuestra
izquierda, Virgen con el niño y Bellini, Giovanni Bellini, Virgen con el
niño y los santos. Bueno, pues este retablo alude al enfoque artístico
desarrollado, ¿verdad?, por Giovanni Bellini. Giorgioni ablanda la
atmósfera, que rodea la figura, se vuelve más densa, ¿no? Un velo
atmosférico, ese sombreado, como os digo, que se va recibiendo, que va
ligando, por así decirlo, los objetos del fondo con el propio personaje.
En definitiva, el esfumato, ¿verdad?, que tenéis aquí y que también nos
viene señalando, os vengo señalando ese comentario que he hecho en esta
diapositiva. Bueno, pues entre los elementos que contemplamos en la figura
de Ordeón y que supusieron un avance en la pintura, destacamos la riqueza
cromática, el uso de la gama de colores, mucho más rica que en el 480,
ganando de esta forma expresividad. El interés por el color le llevó al
uso de una nueva técnica, que era la del lienzo, que sustituiría a la
tradicional tabla de la pintura italiana. La tela unía a su facilidad en
el transporte y una mayor economía la posibilidad de que sobre su textura
se consiguieran efectos de color más adaptados a su estética. El paisaje,
como venimos diciendo, se convierte en ese eje fundamental de la obra. De
la perspectiva lineal del 480, basada en elementos crométricos, ahora
busca apoyarse en elementos apropiados. En realidad, ¿verdad?, era esa
concepción leonardesca de elementos sombreados, creando esa capacidad
dilucionista que nos dice. Y esto está muy bien, ¿verdad? Dice, la forma
de la aplicación del color supone un cambio determinante a la escuela
veneciana. Se abandonan las múltiples y delgadas capas de pigmento de la
escuela veneciana, las secas en un vasari, hace una aplicación del óleo
en pinceladas más sueltas, como recuerda en este caso, se recuerda, aparte
vasari, hablando de Giorgione, y en ocasiones dice empastada. Bueno, pues,
continuamos. Ahí tenéis esa similitud entre lo que os quería comentar,
ese formato, ese formato de la pintura concretamente de Leonardo da Vinci,
la dije con el uso, del uso, perdón, y ahí tenéis las tres edades del
hombre, que vamos a estudiar después, fijaros, eso es lo que os comentaba
antes, esa transición entre lo que es la carne, el pelo, el paisaje, el
fondo, el escudo, ese sombreado, y demás. Eso es lo que marca, esa
sonoridad, eso es lo que marca un poco la diferencia con respecto a la
pintura anterior. Bueno, ¿lo estáis escuchando bien por ahí? ¿Veis lo
que estáis ahí? Seguimos avanzando. Bueno, pues, Giorgione destacó tanto
la técnica del fresco como el empleo tradicional del temple y el óleo
sobre tabla, así como el innovador uso, como os he comentado antes, del
lienzo. No se sometía en la ejecución final de sus obras a un plan
inicial trazado, sino que iba variando su concepción a medida que iba
realizando el cuadro. Empieza a haber una cierta diferenciación con
respecto, como os he comentado, con respecto al tratamiento del pintor a
épocas anteriores. Hay una primera fase en la que destaca de este periodo
el retado de Castelfranco y se van revelando, perdón, sí, haciéndose
notables esas innovaciones. Y una segunda parte, una segunda etapa en la
que hay mucha mayor libertad de ejecución con efectos cromáticos más
amplios, más expresivos, mayor aumento de uso del paisaje. Y como
comentaba antes, no como marco, sino como una especie de personaje dentro
de la obra. Y ahí es donde destacamos la tempestad de los tres filósofos.
La renovación de la naturaleza de la manera moderna, como venimos
diciendo, según Vasari, esa superación de Bellini por Giorgione se debía
a su interés por el tratamiento de la representación de la naturaleza. La
capacidad de representar la textura de la carne, la iluminación, ¿verdad?
Y que, de alguna forma, fue la semilla de la pintura moderna del
naturalismo posterior, como lo vamos a ver en alguna de las obras. Ahí
tenemos a Francisco María. El retrato es una pintura al óleo sobre tabla
transferida al lienzo que representa al que sería... después con dotiero
y duque de Orvino, el francés comarillo de la Róvere. Este personaje
retratado del cuerpo, joven, con un casco brillante, es el símbolo de su
futuro militar y bueno, pues dicho casco, como veis está adornado con una
estilizada corona de laurel, en bronce dorado. Destacamos lo que os he
dicho antes, igual que hablamos de la armadura, de San Icasio, en la pala
de Castelfranco, pues aquí como podéis ver está el brillo de este yelmo,
de Anisaís o de la superficie y también incluso prácticamente se refleja
un poquito la cara del propio joven. Os he puesto aquí esta imagen, si
habéis estado en las estancias del Vaticano, bueno, aunque no hayáis
estado, conocéis este cuadro de la Escuela de Atenas, ¿verdad? Ahí
tenéis un detalle de una amiga nuestra, esa de, concretamente, la
filósofa Hipatia de Alejandría, que es la única filósofa que aparece en
ese cuadro de Razares. Ahí tenéis un detalle de San Icasio, en las
estancias de la asignatura del Vaticano y fijaros la similitud que existe
entre el rostro, bueno, Monse no lo ve porque le he tapado con la cara a
Francesco María de la Róvere con una de estas pegatinas. Ahora sí,
fijaros la similitud que existe entre Francesco María de la Róvere,
concretamente, y con la imagen de Hipatia de Alejandría pintada por
Rafael. También se puede decir que el modelo podría haber sido Pico de la
Melandona. ¿De acuerdo? Cualquiera de los dos. Vamos a poner otra vez
estas... Estas imágenes aquí y vamos continuando nuestra explicación.
Otra imagen también, este sería un retrato de un arquero internacional,
Gary de Edimburgo. Otra vez fijaros en lo que os comentaba, esas
características propias de la tonalidad del rostro, de la carne, esas
transiciones que existen y fijaros que interesante otra vez la armadura con
ese reflejo que expresa en este caso el retrato. Bueno, pues la importancia
del paisaje, el elemento interesante, presente y omnipresente en la pintura
de Giorgione y aquí nos aparece en este grupo paesético, en vez de el
cisne, el Museo Cívico de Padua y el Idio Rural que justamente está
atribuida también a Giorgione. Sabéis un poco de la mitología, que el
museo se transforma en un cisne para de alguna forma tener relaciones
también con la edad. Fijaros los colores del cielo, esas tonalidades y
demás que son las que vamos a ir observando. Bueno, fantástico, una
auténtica preciosidad, una maravilla. No dejéis de verlo, allí en la
Academia de Venecia, en la galería de la Academia de Venecia, esta imagen
que vamos a estudiar también con más detenimiento, la tempestad,
¿verdad? La tempestad con esos elementos que a veces son un tanto
significativos pero que no son un tanto conceptuales que no logramos
quizás descifrar cuál es el significado de esas columnas partidas que
aparecen aquí. Un personaje que ya puede dar como soldado, un cierto
carácter pastoral y puede ser un pastor. Pues esta persona que está
amamantando al niño, que por la repetición ya estudiaremos el tema. Y
como fondo pues es el momento que todos conocemos, una tormenta en la que
justo se va a destapar esa tempestad, esa tormenta y con el rayo cayendo
sobre la ciudad que sí que se conoce, que es Padua. Y bueno, pues esto
viene a colación de cómo trabaja, en este caso Giorgione, que decimos que
no dibuja, sino que su trabajo se venía realizando a base de esas
pinceladas, se va conformando la pintura a medida que va trabajando al
respecto. Una transparencia, un rayo. una imagen hecha con rayos X creo que
también lo tenéis en vuestro libro y luego que se descubre que es ahí
donde estaba la figura antes, donde estaba ahora la figura de ese
personaje, de ese individuo ese soldado o pastor, aparecía con
anterioridad una mujer también diferente, por lo tanto esa mujer pues la
optó Giorgione por taparla y colocar en su lugar ese otro personaje que
aparece sigue apareciendo la mujer, un poco el puente esos arbolitos, pero
insisto como vamos a volver sobre el respecto pues ya lo veremos los tres
filósofos en los cuales también vamos viendo esas definiciones de la
pintura de Giorgione están en Viena aparece una roca pintada aquí a la
derecha perdón, a la izquierda de nuestra imagen pues con esa definición
de pinceladas, también una pose de panchas indefinidas que nos comenta a
mí el profesor Urquiza y bueno, pues la evolución del paisaje en su obra
muestra el camino hacia la figuración de la naturaleza representada por
recursos que favoreciesen esa percepción ilusionista insisto, el paisaje
no como un elemento que está ahí sino incluso como un especie de
personaje que nos está también, que nos está ahí hablando nos está
indicando bueno, pues vamos a retenernos un poquito con este cuadro, con
esta imagen es el tramonte el tramonto es la puesta del sol es un paisaje
de profundo horizonte una sorprendente banda azul y veis aquí esta banda
azul que tan, tan oscurecida más que luego esa transición con esos
colores más ocres, más anaranjados, a un cielo también otra vez de azul.
Y por cierto, este azul, que luego voy a poner en la diapositiva, que nos
va a recordar a un paisajista maravilloso también, que es Patiñera. Luego
lo vamos a ver. Bueno, pues, esa banda azul, aparecen dos personajes aquí,
aquí en el centro, y bueno, que son dos viajeros que se detienen junto a
la charca que va formando un torrente aquí en el centro de la imagen.
Imagino que estáis destacando el torrente. Dicho torrente le separa a la
derecha de un San Jorge, montado a caballo, como veis, que alza las patas
delanteras, ese caballo, y clava su lanza sobre un pequeño dragón. Los
dos personajes pueden ser San Roque y su ayudante, San Gotardo, del
desgén, que le cura una herida en la pierna. San Roque era el santo
protector de la peste, muy venerado en Venecia. Y bueno, pues, házete
pensar que fue elaborado el cuadro en agradecimiento a la finalización de
la peste en esta ciudad en el año 1504. Pues, vamos a avanzar porque es
sorprendente. Vamos a ver un poco la historia de este cuadro que es muy
interesante. Ahí lo veis con más detalle, lo que os comentaba antes. Y
fijaros, cuando hemos visto antes el detalle de los tres filósofos, ese
juego de pinceladas sobre la roca, pues otra vez se repite aquí y también
sobre este acantilado de esta montaña, este perfil de la montaña, aquí a
mano derecha. El azul es el transición tan intenso, los detalles que
aparecen de la localidad, del pueblo, en la parte de atrás. Y bueno, pues,
aquí una serie de elementos singulares, que son los dos personajes, una
especie de bicho o animal, un poco sin clasificar o no sabemos exactamente
lo que es. Y quiero que os detengáis en la parte de atrás, aunque no se
ve muy bien en la imagen, aquí. Un personaje, un ermitaño que aparece. Y
aquí hay una especie como de cabeza de jabalí o de cuerpo que aparece. Y
Esther Monser, tú no lo vas a ver, aquí hay una especie de ellos sí,
porque no aparecen estas diapositivas de ellos, no aparecen estas
etiquetas. Aparece una especie también de animal como abriendo una boquita
aquí en la parte de abajo. Vamos a quedarnos un poco con esto. Bueno, pues
hacia la derecha se interviene la caverna de la figura de San Antonio Abad,
como os he señalado con antelación, que tenemos aquí. Y bueno, pues
aparecen seres extraños como un pájaro con el pico abierto, un poquito en
la parte de aquí abajo, como os estoy señalando. Un extraño animal
sumergido que nos evoca algunas de las figuras, recordad, del bosco que
tenemos cuadros que aparece en el Museo del Prado. Bueno, pues una obra que
cobra relevancia, el paisaje otra vez como protagonista, como os he dicho.
Y a pesar de su artificialidad nos invita a entrar en la imaginación.
Destaca la continuidad desde el primer plano a través del espacio, luz o
oscuridad que se van alternando, la textura luminosa en el follaje, ese de
las hojas, el árbol con escasas ramas, ya te voy a poner un poquito aquí
la diapositiva, para que lo puedas ver, estas poquitas ramas que aparecen
en el centro, ¿verdad? Y el corto pendiente del terreno a la derecha,
suaves gradaciones que se van estableciendo, tanto de luces, de sombras
cálidas, doradas, contornos, atmósferas borrosas, como si fuera una
bruma. Envuelve a las figuras, pues en una especie de entorno misterioso,
igual que sus animales o monstruos casi imaginarios apenas visibles. La
ciudad a la fondo. Con el cielo nublado, creando una sensación de una
cierta emotividad, una sensación emotiva. nos recuerda el paisaje que
años más tarde pintara Patinir como os he comentado anteriormente y creo
que os he colocado una de esas imágenes también aquí es el detalle de
San Jorge matando al dragón pero bueno, nada es lo que es ahora vamos a
dar una explicación de todo esto porque no es exactamente así lo que
quiso pintar en su momento Giorgione vamos a ver que hay trampa en ese
cuadro por lo que os decía, os acordáis del azul intenso mirad la capa
aquí en esta parte ahí lo tenemos otra vez concretamente en este cuadro
que he escogido que está en el Museo del Prado Talonte cruzando la Laguna
Estigia de Patinir bueno, vamos a ver si entráis en la página de la
National Gallery pues veremos una especie de nos cuenta un poco la historia
de cómo adquirieron este cuadro y sobre todo la restauración del mismo,
del tramonte o el tramonto bueno, pues deciros que su descubrimiento la
dedica a 1930 del tramonto pues tras el mismo fue restaurado tres veces,
concretamente en el periodo de 30 años se fueron abordando diferentes
áreas en estos años y de distintas maneras y a veces haciendo
reconstrucciones de carácter imaginativo y bueno, pues investigaciones que
ha hecho el propio museo han permitido localizar qué zonas son las que son
originales de la obra de Giorgione y cuáles son añadidas La pintura fue
descubierta en una casa, no muy lejos, de Venecia, y una fotografía que
apareció en Illustrated London News en noviembre de 1933 indicaba la fecha
de su aparición. Mostraba un daño sustancial a Italia sin origen, como se
ve en esta imagen, y la pérdida de la pintura en los árboles de la
izquierda, lo podemos ver, estos están hechos blancos, son pérdidas de
pintura, también en el centro de la tela, en las rocas, en la parte
superior derecha. En la zona inferior derecha había un agujero rodeado de
considerables de escamación repintes. En esta fotografía, sin embargo,
tal vez exageraba la magnitud de los daños. En realidad, los detalles,
tales como la puesta del sol o las piedras en primer plano, que han sido
tan importantes en el establecimiento de la atribución de Giorgione,
estaban bien conservados. Avanzamos en esa restauración. Tiempo después
de su descubrimiento, el cuadro fue enviado a Augusto Bergemehen, un
restaurador que también trabajó en Palacaria del Sur. En su fichí en
Florencia. De momento no veis el dragón ni nada, ¿vale? Fijaros, una
segunda fotografía que tenéis aquí, tras limpiarse, tras llenar de
masilla, hacer retoques, muestra el resultado de las intervenciones de este
restaurador, así como las zonas de pérdida que no intentó reconstruir, y
es evidente en la charca, la parte inferior derecha. Continuamos, la
ciencia positiva. Tras esta restauración, la figura del Cabo de San Jorge
aparece en el área mayor de la pérdida. Así como tres piedras, que os he
dicho antes, ese monstruo que nos recordaba a Augusto, ¿vale? Tres piedras
y la técnica utilizada para la reconstrucción de San Jorge fue utilizar
parches de tela pintada antigua. Bueno, pues sugiere que los implicados al
respecto en esta restauración tenían la esperanza de engañar a un futuro
comprador en la creencia de que esta obra estaba menos dañada de lo que
realmente lo era. El engaño es fácilmente localizable por las
radiografías, hablamos de una. Posteriormente se trasladó el cuadro a
Londres, se guarda en la cámara de un banco, donde permanece inédito
hasta la exposición de Giorgione en Venecia en el año 1955. Tras esta, la
National Gallery inició el proceso de adquisición, no sin ciertas
complicaciones por la falta de fondos y por la duda por parte de las
instituciones sobre la calidad del mismo. Fue adquirido finalmente en 1961
y bueno, pues el siguiente paso en su historia es confuso. Aguantamos hasta
el punto. Las tres rocas de la piscina o la charca fueron reemplazadas por
un monstruo acuático. También se llevó a cabo una fuerte
reconstrucción. La reducción del tono de barniz aplicados en 1964 y desde
ese año 1961 el cuadro muestra la actual apariencia. Continuamos, vamos
avanzando y veremos también recientes nuevos exámenes de las
radiografías tomadas en 1956 junto con un nuevo sistema de análisis por
receptograma infrarrojo ha confirmado que las áreas perdidas fueron
insertadas durante las restauraciones 1934 piezas de lientos pintados
viejos, bueno pues el mismo caballo Cris y su manta de la silla se han
armado a partir de muchas piezas de telas antiguas. Por eso he dicho que
nada era casi lo que parecía. Esta es la imagen que tenemos ahora del
mismo y todo esto ha sido añadido prácticamente después. Monstruo que
eran tres piedras, aquí tienes este bicho que te acuerdas que te decía
que no lo veías, el San Jorge y demás. Y incluso parece que ese
dragoncillo sería una especie de raíz. Me parece poco probable,
terminamos con esta exposición de este cuadro, me parece poco probable que
la pintura original de Giorgione nunca incluyera una fotografía. Lo que
ahora parece como la cola del dragón es la pintura original, pero podría
haber sido en origen unas raíces de árbol. Otros datos son
desconcertantes, el ermitaño San Antonio Abad que le tenemos aquí, aquí
le tenemos, me estoy asomando con esta flecha, del que hablamos en este
modo derecho, está muy repintado, bueno es posible que a lo mejor su
cabeza y brazos podrían haber sido fragmentos originales, ese cerdito que
aparece, ese cerdo, esa figura, ese caballo que aparece en la parte de
abajo junto a la charca también. También es posible la transformación de
una roca, toda una especie de montajes, el monstruo del pico que emerge del
agua. El simbolo de izquierda es original, al igual que los hombres
sentados en el centro. El mejor documento para decirnos que quizás de
Giorgione es el paisaje. La parte de atrás es la transición de
sombreados, de colores, de tonalidades, es un poco lo que nos define.
Bueno, pues vamos a ver un par de diapositivas más. Laura, esta
diapositiva 31 nos está hablando de Giorgione y sus discípulos. El
término giorgionismo que hace referencia a cómo pintaba Giorgione y sus
seguidores relevantes que antes os he comentado yo. Sebastián de Pionbo,
Elín, el propio Tiziano. Una carrera breve, la de Giorgione, pero que
marcó de alguna forma a pintores posteriores. Es Laura, también atribuida
a tener Giorgione. Esta pintura también ha sido alterada a lo largo del
tiempo. En principio la imagen era ovalada, se realiza una restauración
para hacer esa composición de carácter rectangular. También es un
retrato un tanto enigmático, a semejanza de otros cuadros, de otras
imágenes de Giorgione. Última en específico, la intención artística es
la expresión de la piel, de la belleza con la piel, como veis muy suave,
bajo una prenda lujosa que ahí se confunde con el propio pecho de Laura,
de esta imagen. Ojos oscuros y brillantes, un fino velo que discurre de
forma sinuosa, seductora alrededor del escote y el pecho, como se comentó
antes descubierto. Unas ramas de laurel, que se pintan con gran realismo y
que podrían dar nombre a este cuadro. que se recortan sobre esa cabeza,
ramas que separan al personaje del fondo de tono profundo, oscuro, como
podéis observar, un fuerte foco de luz que entra desde la izquierda y
resalta la sensualidad de esta mujer, de la belleza de Laura, que podría
ser incluso el mismo modelo que aparece en la tempestad. Representa a una
mujer joven, cortesana, incluso a un poeta, atributo no desconocido en la
venecia de aquella época. Y como os comentaba, aparece ese nombre
relacionado con el de Soja de Laurel, la cabeza en tres cuartos, una cierta
mirada perdida, dirigida hacia afuera de la composición. Un retrato
idealizado, vinculado al neoplatonismo. La siguiente diapositiva, de la 33,
pues aquí hablamos de Michel. Michel, que como habla de los trabajos, hace
mención a los trabajos de Tiziano, realizado, perdón, de Giorgione junto
con Tiziano, Pionbo, la relación de Tiziano, diez años menor que él,
esas influencias. También Michel hace referencia a algunos cuadros o a
unas pinturas, concretamente a las que vamos a ver hoy, pues vamos a
obtener ya después la exposición de hoy, completamente a la Venus de
Désder, que estaba en la casa de Giorlamo Marcello, o que está muerto en
casa de Gabriele Vendramini. También nos hace referencia a lo que os he
comentado antes, que trabajó la fonda con Tietzschi, ¿verdad? Y bueno,
pues, ¿cómo Vasari comenta la vida de Triciano para continuar, para de
alguna forma imprimir ese estilo o aumentar el estilo del propio maestro,
en este caso de Giorgioni, llegando a ser difícil de distinguir? En esta
imagen nos aparece la Venus de Dresde, seguro que nada más observarlo nos
viene a la memoria otras Venus, por ejemplo de Triciano, vamos a hacer
también referencia hoy a la Venus aquí también de Velázquez. Por
cierto, hay un tema muy bonito a lo largo de este curso, es el tema del
desnudo femenino, de la pintura veneciana, que es una auténtica
preciosidad. Hago un paréntesis, el año pasado logramos hacer una
excursión al Museo del Prado, vamos a intentarlo este año, lo que pasa es
que como algunos sabéis, he escrito otra vez la cuarta operación que
tengo a través del brazo, me sigo recuperando y por lo tanto voy a ser
todavía paciente. Me viene que hable mucho pero todavía estoy con el
brazo y no puedo hacer nada. Podéis poner todavía, podemos hacer una
visita porque no estoy todavía bien para hacer ese tipo de actividad. Pero
bueno, si de aquí a un mes o así podemos, no os preocupéis que
planificaremos esa excursión. Bueno pues, mientras tanto que sepáis que
hay una exposición, las Curias, en el Museo del Prado, muy interesante,
que la propia profesora Alicia Cámara recomienda que vayamos a observar,
lo vayamos a ver. Bueno, la Venus dormida o Venus de Dresden, situada en
primer lugar en la casa de Marcelo, en Venecia, y como os comentaba
anteriormente, que luego fue posesión de la casa de este, el educado de
Ferrari y Modena. Adquirida con el tiempo también por la casa de Sajonia,
actualmente está en la Gemal de Galerie Alchemister en Dresden. La textura
de las figuras, de las figuras de las telas, sobre las cuales está
arropada en este caso la Venus, es la tela donde yace tranquilamente la
diosa. Es armonioso y bucólico paisaje, fijaros otra vez como no aparece
ni siquiera una habitación, es la Venus ahí tumbada en el entorno de ese
paisaje. Dotan al cuadro una especie de equilibrio, de placidez, de
sensualidad, y bueno pues tal como nos aparece aquí, es una apobación
individual. Y Giorgione, porque el cuadro quedó inconcurso tras la muerte
de Giorgione y lo terminó tiziano. Fijaros los detalles otra vez
sombreados, esa exquisitez que aparece, esa Venus que va levantando,
tumbada, va levantando el brazo derecho. Ojalá pudiera yo, el brazo
derecho, yo lo levanto en rehabilitación pero malamente, con poleas y con
la ayuda de mi fisio, del fisio Ana. Pues levanta el brazo derecho por
detrás de la cabeza mostrando su asila, a modo de metáfora del seso
femenino. Se curva el cuerpo sobre su mar izquierda que reposa sobre su
pubis. Las curvas suaves del cuerpo establecen un diálogo, de alguna forma
con las que define el paisaje. La luz tenue se remansa sobre su cuerpo,
otra vez las estructuras suaves, la actitud de serenidad. Esa postura
adormilada, distraída al mundo que le rodea es una auténtica preciosidad,
una maravilla. Las tonalidades cálidas que van contrastando con los
colores un tanto de tonalidades más frías de las hojas plateadas también
y bueno pues como os comentaba ese paisaje abierto al fondo y ese rojo
sobre la almohada o sobre ese cojín amplio en el cual reposa también la
Venus. Bueno pues ya sabéis el retazo de la diosa desnuda al aire libre
con ese trasfondo del paisaje pues va a influir posteriormente en la
historia del arte y bueno pues esta obra maestra del desnudo influirá en
otros pintores como Giorgione, como Tiziano, la Venus del espejo, la Venus
del urbino que está en la Galeria del Sufici, la Venus del espejo que
está en la Galeria del Sufici, en Inglés, en Manet, en Rubens, etc. Nos
vamos a quedar aquí. De acuerdo, pues nada tendré que hacer, no sé
cómo, tendré que hacer otra grabación, lo que pasa es que bueno tendré
que hacerlo en casa porque no podemos esperar a otra clase porque
perderíamos bastante. Hay que estar atentos. ¿Qué tal por ahí?
¿Habéis escuchado la clase adecuadamente? Esta primera clase. Bueno pues
nada, animaros a que vayamos entrando en la página web, en la página de
la asignatura, de acuerdo, y poquito a poco vayáis descargando sus
materiales. Y bueno pues ya hablaremos otro día también sobre la PEC.
Bueno, pues lo dicho, un placer, muy interesante, bueno, Marero, pues nos
vemos. Estar atentos, la próxima semana no va a haber clase, estar
atentos, insisto, a esas grabaciones que voy colgando, iremos adelantando,
tengo la pintoreta, posiblemente cuelgo una, no sé si de Loneso o de
Greco, ya veremos, o hago una grabación nueva, y dentro de 15 días lo que
haremos será una clase sobre el tiziano, ¿vale?, que es el tema del libro
y demás. Bueno, pues lo dicho, venga, mucho ánimo con la asignatura, que
lo paséis bien y nos vemos, ¿vale?, un abrazo muy fuerte para todos.