Bueno, pues nada, vamos a comenzar la última clase. Vamos a ver el
último tema que es el capítulo 15, el artista. Bueno, pues ese papel que
tiene el artista con algunos ejemplos, esos nuevos apeles que se van dando
a cabo, mandando con el pijano, en la semejanza con apeles. Vamos a ir
viendo también los valores simbólicos de las obras, ese artista de corte,
qué papel tiene en el mismo. Y bueno, pues incluso van a aparecer algunas
obras que hemos estado viendo a lo largo del curso. Hablamos también, por
ejemplo, de los apices, los palacios, el poder, cómo se manifiesta
también en estos espacios. Otra vez retomamos a Bernini, el tema de su
viaje de Roma a París, el papel del artista burgués, también lo hemos
visto, ¿os acordáis? Esos artistas o esos burgués, una parte del artista
que quiere enredecerse y otra parte del artista que quiere enredecerse.
Otra parte del artista burgués es que quiere enredecerse también el
estatus de noble, pero bueno, ahí me viene. Hablamos también de la
pintura holandesa y bueno, ponemos un inciso, por ejemplo, con el tema de
Murillo, que luego aparece también. Bueno, Heisburg, que también lo hemos
visto. Vamos a dar un repasito a todo esto y estoy comentando que el tema
14 no lo vamos a ver, que es el tema de Bellas Artes. Pensaba que había un
grupo allí, así lo comenzamos, como de prisa, viendo los temas. Bueno, el
tema 14 lo hemos colgado como resumen, lo tenéis en la página
correspondiente nuestra y hacemos lo mismo con el tema 15. Bueno, pues
vamos allá, partimos de Rafael Sancio, como un artista prototipo de esta
época y tenemos ahí la magnífica, mágico monumento del Panteón. O la
iglesia de Santa María de la Rotonda, en Roma, donde hay diferentes
hombres ilustres, y entre ellos está Rafael Sancio, que murió en el año
1520, y bueno, pues se va de alguna forma a la tumba, a la escultura, la
tenéis en esta otra diapositiva. Y es el intento de búsqueda de gloria en
ese entorno, en ese espacio tan magnífico. Y bueno, pues muy emblemático
esa gloria que veía más allá de la eternidad. Dice, es a finales del
siglo XV, el genio y la posición de Sancio de los grandes artistas, se
llega a discutir. Ahora es así también, una parte, cuando vamos a adaptar
el tema del artista de corte, no se precisaba en el proceso de
autobalabación ser, la importancia que tenía ser artista de corte. Aquí
tenemos el retrato de Giverti, un autorretrato en las puertas de Batisterio
de Florencia, y ese papel de consolidación del estatus de artista de corte
va a venir posteriormente, concretamente, ya entrado en el siglo XVI.
Puerta del paraíso, que decía Miguel Ángel, de enfrente de la catedral
de Florencia, en las puertas de Batisterio. Artistas que se van a
autoincluir en autorretratos, ahí tenemos el ejemplo de Draftke, cómo se
perpetúa para la historia, las reinas. También estatus que se manifiestan
en la esfera privada. Strauss, por ejemplo, es de Rembrandt, que es
autorretrata. Cerca de 40 autorretratos lleva a cabo en el ámbito de la
esfera privada. Y uno puede ver retratos que unos artistas hacían de otros
y que acentuaban, de alguna forma, ese estatus de exclusividad de este
gremio, podríamos decir. El caso de Rafa de Sancio, otra obra clásica muy
conocida en la escuela de Atenas. Tenemos aquí grandes géneros del arte
del nacimiento como reencarnaciones de los sabios de la antigüedad.
También tenemos el caso de Bernardino Campi retratando a Sofonisba
Anguissola, completamente un retrato de Sofonisba Anguissola. Hace el año
1555. En este caso, pues, el artista retratado, aparte que el paestro de la
pintura en el caso de Sofonisba, y bueno, por un tijel que le es ajeno. Y
recordamos también aquella posición que querían adquirir los artistas
para enloblecerse un poco con esos elementos también simbólicos aspirando
a este estatus. Es el valor de la imagen, la conciencia que tiene el
artista sobre la necesidad de su trabajo, del poder que tiene su trabajo y,
como decimos, pues, perpetuarse en la historia, en el tiempo, en pasar a la
posterioridad. Lo hace también, aquí tenéis un texto, en la página 413,
de Vicente Carducho sobre, en el diálogo de la pintura, sobre el
Condestable de Castilla como ejemplo en el que une las armas y las letras.
Procesos desde el paso de artífice a artesano, el que pertenece a un
gremio, hasta al artista académico que va a llegar ya en el siglo XXI. Una
reivindicación continua durante este periodo para que el arte fuera un
arte liberal y no solamente algo en el que, como nos indica nuestra autora
Alicia Cámara, que fuera considerado simplemente a la misma altura de un
carpintero, a la misma altura de cualquier artesano en una ciudad. Y
también hacemos la distinción que no es lo mismo ser arquitecto que ser
pintor, que ser escritor, tanto los arquitectos como los ingenieros. Sobre
todo de carácter militar, bueno pues tenían una consideración social
más amplia que tanto pintores que escultores. La obra de Vitruvio, de
arquitectura, va a contribuir a que esos arquitectos tengan un
reconocimiento social más amplio. Los escultores lo tienen en un punto
más difícil hasta el principio. Y tenéis también un comentario en la
página 414 al respecto de eso que comenta Leonardo. Pintores que incluso
llegan a tardar en conseguir ese reconocimiento, ¿no? El caso de
Velázquez para ser nombrado caballero de Santiago, pues porque los que
practicaban un oficio de carácter mecánico no podían acceder a la orden,
al hábito de Santiago y tuvo que demostrar efectivamente su condición de
servidor del palacio y servidor como cortesano. Es determinante la
relación que establece el artista con respecto al poder político. Ahí
tenemos una imagen del retrato de David Tarnier, joven, de Osterman, joven,
que trabajaba para el archiduque Leopoldo Guillermo de Austria, y uno pues
por medio de grabados da a conocer la colección de pinturas del archiduque
y de paso ese reconocimiento, esa unión que le une al poder político el
reconocimiento en su estatus de artista o la importancia que debe recobrar.
También recordamos la obra de Filippo Migliani sobre la ciudad de
Florencia final del siglo XIV que incluía a los pintores como ciudadanos
ilustres. Otros ejemplos, recordamos también las pitas de Vasari, cómo se
construye una historia del arte que evoluciona por los artistas y no por
los poderosos. Y bueno, también la reivindicación del papel del artista
con la creación también de Pobre Vasari de la Academia de las Artes de
Diseño. Aquí tenemos al Sapele, esos Sapele y esos Alejandros revivivos a
lo largo de la historia, la comparación que se hace en primer lugar entre
la poesía y la pintura. La poesía como arte liberal, comparando la
pintura con la poesía, ayudaba al ascenso social de aquella, de la primera
pintura. La poesía como pintura hablada por una parte y la pintura como
poesía muda. Tenemos así esa máxima de Horacio, una frase de Horacio, y
de cómo la pintura así es la poesía, o pintura poesis. Como viene unida
a una forma para potenciar, como decimos, la pintura. También referencias
evangélicas utilizadas por los pintores. Ahora llegaremos, volvemos un
poquito más para atrás con el tema de Giappelli, que todavía no hemos
visto. Lo que hemos terminado aquí, era que San Lucas se le consideraba no
sólo como evangelista sino como el pintor de la Virgen, por lo que no se
podía negar estatus social a los pintores y San Lucas había sido también
pintor. Y lo de Apeles, esa comparación de Apeles con Apeles a los cuales
se le otorgaba o se les rezaba el título de excelencia. Y bueno, pues en
unión a su Alejandro Magno. Apeles retratando a Pascape, a quien tenemos
Sebastiano Ricci, a comienzos del siglo XVIII. Y bueno, pues la escena en
la cual muestra a Alejandro Magno que visitaba el taller de Apeles, que
había prohibido que ningún pintor le retratase. El mayor afecto lo
mostró encargando, en este caso con Alejandro, encargando a Apeles que
retratara a su concubina favorita Pascape. Alejandro se dio cuenta de que
el pintor se había enamorado de ella y se la regaló. Es un tema
recurrente a lo largo de la historia, este de Apeles, ese retratista de un
rey poderoso. Ya veis, así va a ser un tema casi subyacente que van a
imitar otros pintores como el caso de Meninas del Árqued, cuando aparece
el rey ahí al fondo, al fondo reflejado en el cristal me refiero, Felipe
IV. Y bueno, pues el caso de Felipe II también, que en secreto iba al
obrador de Sánchez Coella a verle pintar. Y cómo no, el papel que cobra
Tiziano como el nuevo Apeles, en referencia también a aquel que pudiera
ser Alejandro Magno. Nosotros nos referimos al emperador Carlos V. Bueno,
pues diferentes posiciones al respecto, renovativas del papel que cobra
este Apeles y bueno, pasamos a hablar de la artista de corte. Hablamos de
Arsimboldo, Giuseppe Arsimboldo como el modelo de artista de corte.
Giuseppe Arsimboldo, que es un pintor milanés que posibilitó que la corte
de Praga del siglo XVI fuera conocida por los aficionados al arte con las
diferentes formas. Estas especiales formas de pintar, de retratar al
emperador Massimiliano I y II de las series tanto de las cuatro estaciones
como de los cuatro elementos. Aquí tenemos una parte del otoño, pintada
con esas frutas de otoño, el invierno, la primavera, esas imágenes de
retrato del emperador y uno y por último el verano. Además de los cuatro
elementos fundamentales, el agua, el aire, la tierra y el fuego. Aquí
tenemos, se distingue además con todos esos crustáceos que son geniales.
El rey en manta, como veis, los penecillos por ahí y por ahí, los
corales, es magnífico. Ahí tenemos el aire, la tierra y el fuego con esos
cañones que aparecen también en la parte de abajo y esas llamas en el
cuerpo después. Es un ejemplo de artista de corte como os digo, en el que
son intereses determinados. Una afición, un interés por retratar en este
caso al emperador o insistir, una forma también de perpetuarlo de una
forma característica y muy peculiar. En Florencia aparece Lorenzo el
Magnífico como modelo de eficacia para crear poder. En Florencia, este
Lorenzo magnífico es auxiliado por diferentes artistas entre otros el
pintor de las Palacias y de Centauro, que es Sandro Botticelli. Y bueno,
pues, una de las obras de la historia, cuando estamos cumpliendo los
exámenes de cursos pasados, parece que os la haremos observar. La obra
puede representar a la sabiduría a palas, dominando el mundo de las
pasiones que es el Centauro, como lo tenemos, pero también pudo ser
interpretada por una obra política que magnifica la capacidad como
gobernante de Lorenzo el Magnífico, que había conseguido que el Papa
Sisto IV, un centauro, pueda ser, ir al Reino de Nápoles en mar, no sabía
si encontrar al contraparente aparentemente en el año 1480. En 1481,
Lorenzo envió a Roma, a la Roma de Sisto IV, a lo mejor el pintor de
Ferentino, para recordar también la Capilla Sistina, recordamos, y bueno,
pues, en torno a los gobernantes había una serie de intelectuales que
hacían los poemas iconográficos, como es el caso de las pinturas
mitológicas de Sandro Botticelli. Nos adentramos en el apartado 3-1, los
artistas, que tenían que tener una formación para ser incluidos en la
corte, una formación en clásico, en el conocimiento de la antigüedad,
ese valor simbólico que tenía, pues el conocimiento también de las
fuentes literarias, apasionados por ruinas, por la arqueología, la
admiración por su historia, por los héroes, por sus leyes, etc. Con
diferentes aspectos relacionados, como decimos, con el mundo clásico.
Ambientaba las obras con arcos, columnas, imágenes... El artista también
conocía las proporciones propias de la arquitectura romana, teniendo como
base el Tratado de Vitruvia. El valor simbólico de las obras, como el caso
que tenemos detrás de estas obras que os estoy comentando. Un capricho
arquitectónico con fuente y arco triunfal de Robert, ya que al parecer
podemos diferentes elementos que aparecen en Roma concentrados, como digo,
en esta imagen, en esta deduta o en este capricho. El valor simbólico de
las obras, como digo, tenemos el templete de San Pietro y Montorio muy
encargado por los Reyes Católicos, Salamante. Circular con un sentido
simbólico también, el concepto de círculo, el concepto del símbolo de
la divinidad. Tempos circulares que en la antigüedad también se venían
dedicando a dioses como la diosa Vesta. Palladion recuerda en su Tratado
cómo los tiempos circulares se dedicaban también a la luna, al sol, los
astros que regía la vida de los hombres. El caso del ojimo paralelismo
también, esos astros que regía la vida de los hombres, también como San
Pedro. Había dirigido también la Iglesia. Palladio escribió también un
librito sobre las antigüedades de Roma que se utilizaría como guía para
los peregrinos contribuyendo a esa difusión del conocimiento de Roma en la
antigüedad y que también, me parece, que vimos también en su momento. Y
quizás también la Consociencia Eugénica del Arte, también va como
consejo patrimonio este, también hablaremos de estas obras. La obra de
Palladio en Venecia o Vicenza fueron encargadas por élites culturales.
Ahí tenemos ese amplio espacio en torno a Venecia, en la cual se realizan
esas villas por parte de Palladio. Son realizadas por una élite culta,
exigente, que necesitaba conciliar, por una parte, la representación del
poder y, por otra parte, la lógica exportación, la lógica funcionalidad
que deberían tener estos espacios, estas construcciones con esas
simetrías, con esas proporciones propias palladianas. Un espacio, como he
repetido, de aprovechamiento o de producción agrícola. También hay
ejemplos en la literatura. Hemos pasado a la profesora Lidia Cámara, de
varias fallas, una de las amorosas ejemplares del año 1637, en el que se
expresa la necesidad que tienen los poderosos de la imagen y de la palabra.
Para ellos es importante crear forma para pasar a prosperidad. De todas
formas, si te das cuenta, es algo que va a ser denominador común y que
irá hasta nuestros días. El interés de crear una imagen determinada, por
ejemplo, por bolsas, políticos, por los centros de interés capitalista,
como lo queramos llamar. Esas imágenes se van también construyendo. El
artista de corte debería poseer la inteligencia, la capacidad para
adelantarse a los diarios del señor. Recordamos el papel que cumple
Leonardo en la corte milanesa, también donde se esforza, con elementos de
ingenio, de máquina de cerda, también. Íñigo Jones, que trabajó en la
corte de Rey Jacobo I proyectando mascaradas, pero también arquitecto.
Realizando construcciones como la que tenemos aquí, el Banking House, el
salón de banquetes, la parte de esta diapositiva y también el interior
que tenemos aquí. Este mismo edificio marcado aquí es puesto en la
diapositiva. Grandes casas de nobles con una imagen para construir esa
historia familiar de héroes, etcétera. Tenemos, entre otros, un palacio.
Aquí este palacio de viso del Marqués, en el que tanto la arquitectura,
la escultura y las pinturas nos hablan de su antiguo propietario, uno de
los más importantes militares al servicio de Felipe II. Estamos hablando
de Leonardo de Bazán, el Marqués de Santa Cruz, en el que también aúna
la parte de la inteligencia, el servicio de las letras, las artes y las
armas. Una visión cosmopolita que tiene el Marqués de Santa Cruz. Porjada
por sus viajes y que plasma en diferentes imágenes a lo largo de las
paredes de estos espacios. Aparece Neptuno, luz del mar, que recuerda a la
profesión del Marqués. Tipos de pinturas aludiendo a las ciudades.
Escenarios de subidas, también batallas, también comparando diferentes
tiempos. Ahí tenemos una de estas imágenes. Muy interesante el palacio.
Tenía unas torres que fueron destruidas. Recordamos ese templo. El
terremoto del Iguadán en 1655 que también llegó a nuestras tierras.
Gobernantes y nobleza que tratan también de crear fama y atraer a los
mejores artistas a su servicio. También a lo largo del curso hemos hablado
de este tema, esta cuestión. Tenemos la obra de Lucas Giordano, la obra de
la monarquía hispánica, escorial. Una manifestación de esa bóveda
magnífica con un fuego escénico de profundidad que va a crear muy
parecido a lo que se hace también en San Ignacio. En Roma. La iglesia de
San Ignacio de Marquero. También recuerda la bóveda de Tiziano. Para
atraer a los artistas había que darles también una acción de condiciones
que les exagera directamente venir a esas cortes, no a esos palacios. La
casa como signo de riqueza, de estatus social. Las brevendas que se intenta
en el 480, por ejemplo, a Filarete. Es aquel que recordáis que
confeccionó la idea ideal, la identidad ideal para un de las cocinas.
También pasa lo que ocurre con Mantegna, el manto al manto. Estamos
hablando de la cámara física, la cámara de los esposos. Estuvimos
hablando luego del estudiólogo, Isabel Adeste. En Mantegna nos ha salido
de forma en varias ocasiones a hablar de esta obra, de toda esta asignatura
artífoda. Dubes también, que es una de las mejores casas de Amberes. Y
diferentes singularidades de estos espacios. Continuo a repetir. Es un
artista atraer a los artistas y a los artistas y, por otra parte, como ese
carácter de ennovencimiento, de reconocibimiento, de carácter social...
Más allá del único papel que podrían desarrollar muchos de ellos es
simplemente ser artesanos. A modo de mecánicos, de carpinteros, de
artesanos, como cualquier otro oficio que pudieran tener esas ciudades.
Ahí tenemos este paradigma reflejado en nuestras meninas. Las meninas de
Velázquez. que es, ¿verdad?, cuadro y pintura, digo que es propia de
todos los españoles, que es la que aparece ligado al rey Carlos IV, un
diálogo, para Felipe IV, un diálogo que establece el pintor con
diferentes personajes y sobre todo esa relación, esa perpetuarse para la
posterioridad y que de alguna forma van a pintar luego, van a imitar a
otros pintores, pero cuando ahora, por ejemplo, la imagen que hace Goya en
la familia de Carlos IV, por tener la parte de atrás también retratado,
es un caballete. Bueno, pues todos los aspectos que comprende este tema es
la generación del poder, ¿no? Un rey que va a magnificarse también, va a
magnificarse ese poder en fiestas, en espacios determinados, en lujo, en
palacios, en colgaduras y bueno, pues aquí tenemos los tapices y vamos a
hacer referencia a algunos de ellos también de la casa del patrimonio
real. Ahí lo tenemos. Tapices que fueron un soporte extraordinario, como
decimos, para saltar la forma de los gobernantes, que daba la posibilidad
de una narración histórica, de sus dimensiones y bueno, pues también
eran capaces, eran fáciles de trasladar de un sitio a otro. Hablamos de la
conquista de Túnez, la relación en este caso de Bergmeyer y el tejedor
Peinmacher, pintores, aquí la pasa también Goya, ¿no? Cuando pinta
tapices para hacer la fábrica de tapices de Santa Bárbara en Madrid. Pues
hay relaciones que se establecen. Túnez, en tiempos de Carlos V, se
consideró una de las mayores gestas de la monarquía hispánica en el
proceso de expansión de la Norte África y el control del Mediterráneo
Occidental frente a Alfredo el Turco. Y bueno, pues ahí por su importancia
van a magnificarse, van a llevarse a cabo, van a confeccionar. El papel
desempeñado por los tapices en la decoración como arte cortesano se le
concedió desde la Edad Media un lugar muy importante en las ceremonias, en
las celebraciones de carácter público. Son actos reales y que uno va a ir
perdurando hasta nuestros días. Monarcas españoles que consideraron los
tapices como alhajas, representativas también de su autoridad real y
bueno, pues se van adquiriendo de forma progresiva. Isa de la Católica,
Juana Pérez de la Castilla, Carlos V, Felipe II. Van acentuando
diferentes... van aumentando, van incrementando los encargos de tapices o
se van comprando hasta, como uno de ellos, como lo que tenemos aquí, la
conquista de Túnez. Y luego sucesivas herencias, encargos directos que van
enriqueciendo, el patrimonio real. Una de mis amigas, conservadora de
patrones cuando pasó en los reales, que pensando gana en la conservadora
del Palacio, etcétera, todas me han hablado de estos tapices, de estas
obras y bueno, pues expertos que van conservando, que van realzando y pues
que no hace mucho también pudimos ver, recuerdo, no hace mucho, hace unos
años, cuando el general El Quijote hizo una exposición magnífica
también aquí en el Museo de Santa Fe, en Torreón. Tapices relacentistas,
de los generales de Carlos V, y Felipe II, que son de mayor dimensión, con
alturas superiores a 5 metros, no se han visitado partos reales. Recuerdo
que en alguna de estas exposiciones, algunos de ellos están, por ejemplo,
en la Granja de San Ildefonso, en el Palacio de la Granja de San Ildefonso.
Hay una de las salas en la cual están expuestas partes de estos tapices y
que al público general pasa desapercibido. Nos fijamos más quizás en
esculturas, en pinturas, nos pasa desapercibido estas obras que, como os
digo, son magníficas, ¿vale? Los despejes van a alturas superiores a 5
metros, longitud es que supera los 10 y son, como os digo, pues temas, de
carácter histórico, alcohólicos, y se apoyaban también en extensos
programas iconográficos bien estudiados por humanistas, historiadores,
etcétera, etcétera. Los tapices tejidos en la Real Fábrica Tapires de
Madrid, y estoy dando una cita de patrimonio real, fundada por Felipe V en
1719, se destinaron a la decoración de los apartamentos reales en el
Palacio Real de Madrid y a los palaces de la jornada de Granja de San
Ildefonso, Arapuete, Escorial y El Pardo, colección a la que se suman
también las asombras tapir encargadas por Carlos III. Carlos IV, Fernando
VII para cubrir los suelos de mármoles de las casas de Campo de Aranjuez,
El Pardo y El Escorial. Y bueno, pues en la rememoración, como os digo,
aquellos tapices o aquellos cartones que pinta Goya para la Real Fábrica
de Tapices de Madrid del año 1675 a 1792. Los tapices podían lograr
ambientes efímeros de verdad de lujo porque se podían restaurar, se
podían llevar de un sitio a otro. Aquí tenemos uno de ellos, pues el
Encuentro de Mazarino, que está muy bien la diapositiva, se ve un poco
difuminada la imagen. Y Luis Méndez de Haro en la Isla de los Paisanes al
firmar el Tratado de los Pirineos del año 1659. Palacios también como
espacios en los que se hace la celebración del poder donde los reyes
también pues fueron estampando, fueron desarrollando sus actuaciones, sus
firmas. También son trazados centros de residencia y bueno, pues centros
de recibimiento de embajadores, de espacios, también perfecciones, silas
oficiales, etcétera. Bueno, pues tenemos imágenes que se crean con los
espacios como el caso del Escorial, también Versalles, donde se combinan
el control de la naturaleza para la creación de espacios determinados ya
no solamente en la arquitectura sino también los elementos efímeros que
en un momento determinado se sitúan, se colocan y con o no también pues
esas colonnadas, escaleras monumentales, lesias, etcétera pues se
aparentan a fines. Y bueno, pues ahora en estos siglos, cuando digamos el
siglo XVII, siglo XVIII son modelos alejados de la época de la cientista,
una cierta exuberancia, unos nuevos modelos de época acordes al clasicismo
que se daba, al neoclasicismo que estaba en aquel momento y también los
elementos barrocos que van a imperar en este momento que no dejan de ser
más que los símbolos de pensamientos políticos de barrocos. Lo del
pensamiento político del absolutismo, quiero decir. Bueno, pues préstamos
y viajes, tenemos como modelo el pasaporte del estrés y hacemos referencia
a Bernini, ¿no? Bernini es un pintor que se pone a orden en el caso de
Luis XIV, pero también recordamos por los propios rubens, Ruben que
llegaba a Eulidio XIII con presentes del duque de Manto a Farré Felipe
III, al duque de Lerma. Bueno, pues ¿cómo actúan también? A modo de
correos, a modo de mensajeros, con ciertas actividades casi de carácter
político, diplomático podríamos decir. Ahí tenemos como os digo una de
las imágenes, recordamos también los proyectos de Bernini que no fueron
llevados a cabo en esos viajes que llevó a la corte Luis XIV para realizar
el nuevo proyecto del LUC que recordáis en el tema correspondiente pues no
se llevó a cabo, ¿vale? Aquí tenemos el primer proyecto y otro proyecto
que se presenta también pero que voy a repetir que no nos acomoda a lo que
se pensaba en aquella época que se pedía por la corte de Luis XIV aunque
sí que tiene unas consecuencias en la lectura palaciega posterior.
Recordad también que Bernini y otras cosas pues trabajan ese busto de Luis
XIV ahí también está esta otra imagen de la construcción de la colinata
del LUC y bueno, pues que os quería ir diciendo ese exponente de poder,
¿no? que lleva a cabo este retrato escultórico que lleva a cabo el busto
que lleva Bernini acorde a los cánones del momento. Bueno, esta es la
pintura de retrato un retrato también completamente de Bernini un cuadro
de Gaudí y bueno, pues ahí tenéis un espacio tenéis también un
documento en la página 428 en lo que se habla de esa atracción para
llevar a los mejores artistas convertidos en protagonistas del
agasajamiento que se les lleva a cabo lo tenéis en la página 428 este
documento, este texto sobre la votación de Luis XIV con Bernini, etc.
Bueno, pues pasamos al artista burgués el artista burgués que hubo otras
formas de ascender socialmente y no solamente con relación a la corte sino
en relación con la pequeña nobleza los pequeños comerciantes esos
espacios urbanos gente que financiaron sus obras también las casas casas
también de religión las ciudades temas que no solamente fueron retratos
obras mitológicas, históricas sino también pinturas religiosas para
abrazos y estribados de carácter funerario patronos acordados también a
aquellas compañías cívicas aquellas patrullas que veíamos que íbamos a
hacer un comentario en Holanda, ¿verdad? artistas que asignaron las
costumbres las formas de vida acomodada de la pobresía urbana o de la
nobleza menor para las cuales también fueron trabajando hay muchos
espacios de todos esos palacios a servicio, por ejemplo, directamente de
comerciantes la profesión de pintor en el caso de Holanda también como en
otros aspectos de la vida que se desarrollan en este momento incluso hubo
pintores que abandonaron su oficio y otros que se inyectaron esa vida
urbana y retrataron temas paisajísticos edificios temas costumbristas como
los que tenemos por ejemplo en la casa de Rembrandt en Werner van pintando
textores o febres apodo también a aquel geógrafo aquellas mujeres que
pintan en su estudio también el propio Werner existió desde el siglo XIV
un mercado de artes realizadas que se vendían también con posterioridad
el busto artístico de Holanda va evolucionando en función de la demanda
de una clase media ¿qué les gustaba verse en sus pinturas? concretamente,
pues tanto verse ahí sus retratos retratados como también verlas colgadas
en sus casas ahí tenemos a Rembrandt Rembrandt es un ejemplo de artista
burgués se explica por sus pinturas, su éxito también por los temas que
realiza de carácter histórico pero también por aquellos retratos que os
comentaba antes de lo que se exalta de virtudes líricas como son aquellas
patrullas aquellas rondas de noche y la autoafirmación del artista
burgués con clientes poderosos conscientes de la propia valía que
también se va plasmando en esos autorretratos que tenemos aquí en la
página hace referencia en la página 430 del libro sobre estos
autorretratos y concretamente hablando de referencia a este autorretrato de
Rembrandt la consolidación del oficio de marchante de pintura permitió
que la producción artística no dependiera en cuanto temas formato,
etcétera del encargo del cliente sino que los pintores iban pintando sus
obras para convertirlas en mercancías y era el marchante quien decidía
los temas que pudieran tener éxito la venta os he comentado en este caso
de Werner que realizaron diferentes funciones incluso ha podido marchante
ha podido ir comerciando tanto sus obras como la de otros pintores ahí
tenemos una obra de Murillo que es otro ejemplo de artista burgués que
desarrolla su obra en Sevilla a lo largo del siglo XVII y bueno pues que
tuvo numerosa clientela en parte debido al potencial que cobra Sevilla en
aquella época en la cantidad de gente que cobró que va que exagera
también españoles que se van afincando en Sevilla ahí tenemos el sueño
de Patricio de Murillo y que Murillo como os comentaba un excelente pintor
de la vida cotidiana sintetizando los elementos con los que definir los
espacios otra de las obras aquí tenemos también Murillo y bueno pues un
espacio de ésta y un autorretrato que aquí tenemos en que solo un pintor
de éxito comentamos y apreciado por los distintos poetas de la ciudad fue
odiado por los artistas retratarse como un profesional orgulloso de su
maestría un burgués bien vestido como representa aquí este trabajo y
bueno como observáis en la parte derecha nuestra pues aparece el pincel
verdad lápiz también aparece ahí una parte un compás la paleta de color
diferentes elementos como vuelvo a repetir signos de alguna forma pues de
su carácter de su dignidad y de esa equiparación al burgués al artista
en una ciudad hemos hablado también o vamos a hablar en este tema de
William Hogarth que fue pintor grabador que se ganó la vida con su arte
que llegó a crear una academia no dejó de reflejar sus críticas a la
sociedad en la que vivía escribió una obra el análisis de la belleza de
9th Beauty y bueno pues sus escenas de interiores domésticos de las clases
elevadas están concebidas como escenas de carácter teatral y fueron
también muy difundidos sus grabados tenemos esta obra El emperador de las
indias por la conquista de México por los españoles de William Hogarth
que representa un momentito es la misma representa una pieza teatral que
tiene por actores a la hija de la familia y sus amigos se refleja una de
esas costumbres ricas de la familia rica que incorporan a las lecturias
edigerios audiciones de música o en este caso pues también un teatro de
aficionados que hacen con hace referencia a la importancia de la educación
infantil al amor al cuidado de los hijos al valor de la familia esquema que
se considera a lo largo también que sigue este tema esta imagen creo que
la tenéis en el libro me equivoco yo no sé si es que no sé si la tenéis
en blanco y negro quizás a lo mejor cuando sea hubo grabado quizás por
eso incluido me parece no sé por qué bueno ahí tenemos la tenemos en
blanco y negro viene en color vale aquí tenemos diferentes formas de
trabajar desde la tablet super tablet de guillermo hasta esta fotocopia
antes de nada tenéis la mayoría bueno está muy bien todo vale bueno pues
recordad también aquella también obra de la vida del divertido os
acordáis en el hogar en la que mostraba la vida de tom rathwell os
acordáis también la llegamos a ver un tipo comerciante que me ha gastado
su dinero en una vida de lujo y como escritura se juega al fin y al cabo
pues eso por su vida hay un pintor que me gusta bastante que es que es volu
vale quizás porque vive en base hay una una de sus obras al atardecer la
conjugación de colores es muy interesante bueno pues aquí aparece robert
andrews y su esposa miráis volu que el retrato que realiza este matrimonio
refleja la vida en el campo donde se caza la riqueza que se logra con la
explotación de la tierra pues son mensajes subliminales de aquella incluso
directo no de aquellas de aquellas porque si decía aburrecía esa esa
autonomía que se va a lograr con la tranquilidad de vida del profesor
solamente os acordáis hablando de los jardines ingleses y demás en
contraposición a a la estética que se desarrolla en en francia os
acordáis más academicista y demás bueno comentaba que aquí se
representa un espacio real un paisaje magnífico pues con prosperidad por
lo tanto es el mensaje que se quiere si bien su estética no le conviene
demasiado pero no dejó de reconocer la importancia de su obra de arte y
sobre todo pues que es residente en Bath cerca de 20 años ahí y bueno
pues va a retratar esas familias que van allí a esas aguas termales de la
ciudad inglesa de la que os he comentado más de una ocasión lo
interesante que es que esta gente es ahí bueno pues vamos terminando el
tema un tema hoy muy cortito ahí tenemos ya un juego del viejo tenemos la
vista de bolo del viejo una vista que se ha llevado durante mucho tiempo el
sentido porque de manera más inmediata dedicaba al hombre el conocimiento
el poder de imaginar la imagen la exaltación que hubo obras como las de
bolo del viejo dedicada con cinco sentidos en la vista quedan representados
muchos objetos que son imágenes de poder retratos instrumentos
científicos especificidades pues casi estamos recordando alguna de
aquellas pinturas también que nos aparecían también en aquellos momentos
y bueno incluso se llega digamos a identificar algunos cuadros que nos
aparecen por ahí bueno pues vamos a terminar con eso terminamos hoy la
exposición y también terminamos este cuatrimestre y bueno efectivamente
estamos aquí hablando verdad con los compañeros que están aquí en clase
que es una asignatura que si bien es verdad que tiene elementos de
carácter común es otra de esas asignaturas pero quizás hubiera sido
interesante alargarlo un poquito más a otro espacio de acuerdo porque
siendo siendo muy metido ahora que te comenté que se ha quedado sin
conexión no sabrá ah vale creo que puede ser una asignatura de contra
actividad puede dar mucho más de sí yo sigo defendiendo que son las
asignaturas muy atrayentes otra forma de abordar el arte interesante y que
bueno que no solamente sino que la disfrutemos también en el tiempo bueno
pues desde aquí me despido con algunos como Laura que está en patrimonio
tendré que verla con mucho gusto en la próxima la próxima clase y los
que seáis de grado de arte que tengáis construcción historiográfica o
tengáis la pintura veneciana pues nos podemos ver en el próximo
cuatrimestre vale y pues nada sobre todo pues que ha sido un placer estar
con vosotros con los que estáis aquí con los que habéis seguido de forma
casi directa amor Álvaro amor Laura que habéis sido también permanentes
y sobre todo pues con todos los alumnos de la tutoría nuestra tutoría que
comprende calavera y el espacio y el ámbito de calavera también de pared
donde llegamos más allá no es asignatura de campus no es asignatura de
campus la asignatura de campus va a ser el patrimonio pero eso sí al ser
una asignatura que he ido grabando de forma abierta pues la verdad es que
he recibido correos de diferentes partes de aclaraciones por lo tanto pues
a todos los alumnos y demás os deseo lo mejor que os animéis mucho y
bueno pues yo creo que es una asignatura que en los tiempos que corren en
lo que lo que prima es la funcionalidad en lo que prima es el pragmatismo
el interés inmediato yo creo que tenemos que reivindicar las estéticas
tenemos que ser conscientes como el arte puede servir también para los
poderosos y para estos elementos esas estructuras del capitalismo
enmascarado puede pedir también para ser utilizado para sus beneficios
muchas veces con la palabra arte o artista lo que se va enmascarando es
quizás el llevar a las personas a los individuos a unos gustos estéticos
únicos y muy interesados y bueno a partir pues de este arte que si hemos
hablado de la edad moderna pues nos tenemos que abrir necesariamente a las
corrientes vanguardistas del 19 del 20 que rompe quizás con estas líneas
que hemos estado observando nacimiento fascismo barroco el clasidismo y nos
hable a otras otras dinámicas muchas veces insertas con la propia
estructura con la propia evolución del pensamiento político que lo
tengáis que tengáis muchísima