Continuamos un poco donde lo habíamos dejado el último día estamos
todavía en ese tema introducción y sobre la figura de artista se me
escucha, ¿no? Se me escucha, creo que sí Habríamos hablado un poco al
hablar de ese prestigio social que el artista reclamaba para sí y que
todavía le será bastante complicado durante la edad moderna por lo menos
durante los primeros siglos, durante el Renacimiento y el Barroco cimentar
ese prestigio social que los artistas están reclamando y comentábamos un
poco los distintos niveles que tenía esa nueva percepción del artista del
artista, o mejor dicho, de la creación de ese concepto del artista porque
realmente si miramos un poco con distancia lo que es la edad moderna con
respecto a la edad media, por ejemplo la diferencia y lo que es la
diferencia entre la edad moderna y lo que va a ser en cierta forma una
novedad en estos momentos es la idea de que el artista no es una profesión
como otra cualquiera Habíamos visto que la sociedad de la época moderna
es una sociedad que tiene ese prejuicio sobre determinados oficios que se
realizan con las manos, que son actividades manuales o mecánicas
fundamentalmente porque de cierta forma responde a esa ideología de una
sociedad muy marcada por la edad moderna que es marcada por los valores
aristocráticos y que entiende que las actividades que se hacen con la mano
que se hacen sudando, que se hacen con esfuerzo son deshonrosas, por lo
tanto en cierta forma, en principio los artistas tendrían una actividad no
muy digna según este orden de valores pero las cosas como digo empiezan a
cambiar en estos momentos y la serie de argumentos que van a utilizar los
artistas para un poco dignificar ese papel que tienen en la sociedad es un
papel importante porque ellos están muy cerca como explicamos el otro día
de las élites son los que permiten, los que ponen los medios para que esas
élites expresen a través de objetos artísticos de edificios, de
estatuas, de objetos decorativos expresen ese poder nuevo que están
adquiriendo ese poder que están adquiriendo los estados modernos que
están adquiriendo la aristocracia que está adquiriendo incluso el papado
en cierta forma, en estos momentos han reforzado su papel político lo
estaban reforzando ya desde el final de la media pero en estos momentos va
a adquirir un especial protagonismo por lo menos durante unos cuantos años
hasta que entremos en conflicto con el mundo protestante pero bueno, no nos
liamos más como decíamos el último día uno de los argumentos que van a
utilizar los artistas para dignificar su labor, su labor como artistas como
algo distinto a la labor de un artesano hay que destacar, por ejemplo que a
estos momentos todavía se sigue utilizando el concepto de arts, de arte en
el sentido que tenía en latín en el sentido que tenía en la Edad Media
es decir, artista y artesano tienen la misma raíz y no es por casualidad
el arts de un cestero era saber hacer cestos y eso requería una cierta
habilidad en ese sentido, un artista, un pintor, un escritor, un arquitecto
también necesitaba esas ciertas habilidades técnicas pero los artistas
van a defender que su actividad es en cierta forma algo intrínsecamente
distinto a las otras actividades artesanales y que en cierta forma son
acreedores de un estatus más digno y más noble que las otras actividades
que se realizan también con las manos y uno de los argumentos que van a
utilizar es que las artes no son sólo un oficio manual sino que sobre todo
son una actividad intelectual algo que para nosotros puede parecer tan
obvio como que el arte es también un producto intelectual también es un
producto no sólo de una serie de habilidades adquiridas en el manejo de
una serie de materiales o una serie de principios como puede ser la
arquitectura, principios físicos pues los artistas van a empezar ahora a
argumentar no sólo ya a través de una serie de tratados de bibliografías
de artistas van a, en cierta forma a argumentar este carácter distintivo
que según ellos tiene su arte, su oficio y uno de esos principales
argumentos va a ser la equiparación de las disciplinas artísticas la
pintura, la arquitectura, la escultura con las artes liberales las artes
liberales que son básicamente aquellas actividades intelectuales que
tienen que ver con el arte que tienen un cierto prestigio y que sobre todo
están vinculadas a los saberes considerados como canónicos aquellos
saberes que se enseñan en las universidades y cuya base estaba, como
explicamos el último día en dos conjuntos de disciplinas el llamado
tridium la gramática, la retórica y la dialéctica y por otro lado el
quadridium que estaba formado por la aritmética la música, la geometría
y la astronomía como vimos el último día inmediatamente los artistas van
a argumentar que sus obras y su oficio tienen mucho que ver con estas artes
liberales sobre todo con el quadridium que de cierta forma era considerado
un poco un escalón superior de conocimiento de conocimiento intelectual
con respecto a la base del conocimiento intelectual que era la gramática,
la retórica y la dialéctica podríamos decir que mientras que el tridium
era los estudios de primer grado el quadridium, el dominio del quadridium
era de cierta forma ya los estudios de segundo grado que se preparaban para
una formación superior en filosofía, en teología, en derecho u otra
serie de disciplinas entonces, equiparar las disciplinas artísticas con el
quadridium también se puede equiparar con el tridium, como por ejemplo la
equivalencia que van a hacer muchos pintores entre la pintura y la poesía
que en realidad son dos disciplinas siendo que de cierta forma ellos la
imitación de la realidad imitación estetizante que hace la realidad de la
pintura es muy similar a la que con palabras hace la literatura la poesía
o la escritura o la narrativa pero bueno lo más obvio y lo más lo más
inmediato va a ser utilizar el quadridium para dar de cierta forma la idea
de que son disciplinas las artes, la pintura, la escultura la pintura son
también disciplinas liberales que no son meras actividades artesanales
sino actividades mecánicas hemos de entender que por ejemplo la
ingeniería que hoy en día tiene tanto prestigio era considerada una
actividad no científica y no era considerada un arte liberal los
ingenieros de estos momentos los diseñadores de molinos de agua, los
diseñadores de molinos de viento eran fundamentalmente técnicos
considerados como artesanos que tenían una serie de conocimientos
técnicos pero que no tenían mayor prestigio eso es algo que no se creará
hasta el siglo XVIII cuando se cree la idea de la ciencia aplicar de la
ciencia con una utilidad entonces la ciencia era algo abstracto y que de
cierta forma era algo que simplemente era por el goce de tener un mayor
conocimiento de la realidad o de dominar en cierta forma una serie de
disciplinas intelectuales bueno pues como digo me estoy liando un poco
perdón por los circunloquios los artistas inmediatamente van a reclamar la
parte de cuadrillo que tienen cada una de sus disciplinas en el caso de los
arquitectos está muy claro los arquitectos tienen que conocer una serie de
principios matemáticos por lo tanto a la aritmética tienen que conocer
una serie de ecuaciones y tienen que hacer una serie de cálculos
simplemente para que no se le caigan los edificios tienen que calcular
ángulos de descarga presión, esto es una serie de cuestiones que entran
dentro de la ciencia del campo, de la aritmética dentro de unas
disciplinas del cuadrillo pero también tienen que conocer la geometría,
los volúmenes para precisamente planear sus edificios en el caso de los
arquitectos digo de los pintores también es necesario conocer en cierta
forma esos, esas saberes matemáticos y geométricos por ejemplo aquí
tenemos este grabado del bulero en que vemos a un artista copiando la
figura de su modelo a través de esta rendija esta rendija que no tiene
como función la de hacer un calco aproximado podríamos decir milimetrado
de de la modelo como investigar las proporciones del cuerpo humano en
distintas posiciones y a través de ello establecer un canon de medidas de
medidas es decir, un canon de proporciones del cuerpo humano en distintas
posiciones en distintas expresiones que pueda ser utilizado para crear de
cierta forma una representación geométrica ideal del ser humano que
podamos trasplantar a la pintura o a la escultura y en cierta forma los
artistas en esta reclamación del carácter el carácter intelectual de su
disciplina del carácter liberal de su disciplina podían tirar incluso de
ciertas ciertas autoridades clásicas si la tradición clásica fue
descubierta en estos momentos tiene gran importancia en la edad moderna el
crecimiento en el barroco y tendrá también en la ilustración si nos
vamos a lo que a cómo define Vitruvio los saberes de los que debería
estar versado un arquitecto vemos de nuevo que obviamente en palabras de
Vitruvio un arquitecto obviamente no sería un arquitecto sería un mero
técnico con una serie de principios sino que tendría un conocimiento
intelectual muy amplio porque Vitruvio le atribuye no solo a la necesidad
de conocer el dibujo y la traza que era en cierta forma también el
reglamento de la pintura y de la escultura porque de la escultura había
que hacer bocetos previos al propio trabajo de la piedra por eso en cierta
forma los artistas del Renacimiento serán artistas que se manejarán en
estos tres campos pintura, escultura y arquitectura y que aprenderán en el
taller de sus maestros estos tres cambios porque de cierta forma tenían
una serie de rudimentos básicos comunes independientemente de que luego un
artista se decantara más por una disciplina o por otra por ejemplo Miguel
Ángel se decantó más por la escultura pero también intervino en la
creación de la cúpula de San Pedro como arquitecto también pintó la
capilla Sistina también tenía conocimiento de esas otras disciplinas
artísticas pero no solo el dibujo la traza también sino que también
tiene que conocer esas leyes geométricas de la perspectiva tiene que
conocer la aritmética efectivamente para establecer esos cálculos y
evitar que los edificios simplemente no solo no se le vengan abajo sino que
incluso tengan unas proporciones estéticas porque ya desde la época
antigua ya desde ya desde el Partenón se ha estudiado el efecto que tienen
determinados juegos geométricos en la percepción visual de una obra de
arte que ha sido por ejemplo un edificio no se ha percibido de forma no se
ha percibido de forma poco estética podemos decir bueno había que tenemos
que explicar otras cosas que supongo que ya como alumnos de arte conocéis
y que tampoco no hay que explicar aquí pero también tiene que conocer
según Vitruvio la historia tiene que conocer la filosofía la literatura
tiene que conocer la medicina obviamente la mitología pero incluso la
astrología en estos momentos la astrología y la astronomía básicamente
son lo mismo son la misma disciplina no se han separado todavía con lo
cual vemos que según Vitruvio arquitecto romano el arquitecto debería
tener un conocimiento prácticamente enciclopédico cuando hablamos de esa
figura del hombre nacentista ese hombre que se explaya con gran facilidad
en toda una serie de disciplinas y saberes a veces que nos parece que
serían un poco diversos en la actualidad pues estamos hablando todavía de
esa imagen en cierta forma modelada sobre esos modelos de la antigüedad
como el que plantea Vitruvio y como digo las matemáticas y la geometría
tendrán importancia en esta reclamación de ese estatus de arte liberal de
de la de la pintura la escritura o la arquitectura y uno de estos eh ejes
principales de esta cuestión va a ser el tema de la perspectiva el
concepto de la perspectiva que obviamente depende mucho de la geometría y
de la percepción con cierta forma orientada por ese dominio de una serie
de leyes de la geometría la perspectiva como sabréis la forma más fácil
de crear la perspectiva básicamente como sabréis pues es básicamente
crear la ilusión en en dos dimensiones es decir en un plano un plano una
pared donde se hace un fresco es alto y ancho eso no tiene más dimensiones
no tiene profundidad no tiene fondo en cierta forma la tercera dimensión
la profundidad el fondo se crea a través de una ilusión que en la pintura
medieval eh era bastante representada en la pintura de formas bastante
pedrestres cuando se representaba que durante gran parte no se representó
y que en el nacimiento y finales de la media empezará a volver a
representarse y cogerá un gran protagonismo en las artes como forma de
crear esa ilusión de profundidad crea ilusión de profundidad en
superficies que solo tienen dos dimensiones alto y ancho la forma más
sencilla es crear simplemente una serie de líneas como veis aquí estas
líneas que se ven muy fácilmente en el suelo en este ajedrezado que
tenemos aquí esta ciudad ideal de estas dos pinturas unas supuestas
ciudades ideales pero también una serie de líneas creadas por la
geometría de todos estos elementos arquitectónicos que tenéis aquí si
cogemos todas estas edificios y vamos siguiendo estas líneas que se trazan
por la fachada nos van a llevar básicamente o estas líneas que se trazan
en estos casetones del techo de este edificio nos van a llevar a converger
en un punto en este horizonte esa idea de líneas que se van alejando que
van creando esa ilusión de alejamiento y que convergen en un punto
imaginario crea esa ilusión de que existe un fondo sobre esas sobre ese
fondo creado por esta ilusión conseguida por la perspectiva lineal si
ponemos una serie de figuras una serie de elementos como por ejemplo estas
columnas con estatuas lo que vamos a crear es esa ilusión de un espacio
intermedio de una profundidad que media entre esas figuras obviamente
siguiendo una serie de principios las figuras que están más cerca por lo
tanto las que se sitúan un poco más adelante con respecto a ese punto de
cruce ideal de todas estas líneas de perspectiva se van a situar en mayor
tamaño porque supone que al estar cerca son percibidas como más grandes y
a medida que nos alejamos las figuras son vistas como cada vez más
pequeñas y los objetos son vistos como cada vez más pequeños si veis os
fijáis un poco en esta imagen de Perugino de la entrega de las llaves a
San Pedro en los frescos de la parte baja de la capilla sistina vemos
también que hay principios geométricos que están actuando si vemos este
edificio vemos que está trazado como podría haber trazado el plano un
arquitecto con una serie de volúmenes geométricos esta forma no sé si es
hexagonal o octagonal no recuerdo bien y esta cúpula entonces así de
elementos geométricos que van creando también un poco esa serie de
ilusión de arquitecturas que no existen otro ejemplo bastante conocido
Santa María Novela más hacho pinta un fresco en el que crea un gran una
ilusión de perspectiva y como crea esta ilusión de perspectiva pues crea
la ilusión de perspectiva a través de estos cuadraditos estos casetones
de este techo que no existe que es un techo falso está pintado pero que
van creando estas líneas que a su vez si trazamos otras líneas vemos que
nos dirigen hasta el centro compositivo de la imagen dándonos la idea de
que tras Cristo crucificado y Dios Padre hay un fondo detrás al mismo
tiempo este escalonamiento de los dedicantes de este fresco y de Santa
María y de San Juan crea puestos en cierta forma escalonados con respecto
a esas líneas de perspectiva da la impresión de que hay un cierto espacio
entre estos personajes y a su vez hay un cierto espacio contra hasta esta
imagen del crucificado que reforzado por el techo da la imagen de que
detrás de estas figuras tenemos todavía un espacio que se prolonga otra
imagen de inicios del renacimiento quiero ver a Francesca la flagelación
de Cristo en la que tenemos lo mismo a través de estos casetones digo de
estos de este ajedrezado y de estas líneas que se trazan en el suelo se
van creando una serie de líneas que nos dirigen dirigen nuestra mirada
hacia un punto de fuga situado más o menos a este lado de la composición
a su vez todas estas vigas del techo y toda esta serie de líneas se van
dirigiendo y van confluyendo en ese mismo punto de fuga que puede ser uno o
puede ser múltiple por este lado también tenemos otro posible punto de
fuga en este lado menos logrado pero bueno esa idea de crear esa ilusión
de espacio espacio intermedio entre las figuras principales esta
graduación del tamaño de las figuras con respecto a ese espacio de juego
geométrico conseguido a través de la perspectiva lineal que va dando un
poco una idea de esa ilusión de la perspectiva creada a través de la
geometría y creada a través de la matemática otra representación otro
grabado de Lubero en el que el artista ya no está sólo estableciendo esas
proporciones del cuerpo que sirven de guía para representar al cuerpo
humano sino que aquí está haciendo una representación de algo bastante
más geométrico en sí mismo está copiando a través de esta rendija y a
través de una serie de cálculos vemos aquí una línea que traza en
cierta forma para establecer esos patrones geométricos para copiar ese
boceto y que le permiten crear una representación más o menos concorde
con esas leyes geométricas y matemáticas del objeto que existe como
objeto y a su vez es utilizada como modelo para lo que será en el futuro
el cuadro o el fresco o el grabado que en estos momentos realice y este
apunte de Leonardo da Vinci es conocido hombre de Vitruvio que nos muestra
las proporciones ideales del cuerpo humano proporciones ideales del cuerpo
humano por lo tanto tenemos de nuevo la geometría aquí bastante bien
expresada esa idea de que el cuerpo humano tiene unas proporciones
geométricas a través de esta relación que se establece entre el cuadrado
y el círculo además el cuadrado y el círculo en esta época tienen
ciertos valores simbólicos el cuadrado de cierta forma es entendido como
una forma perfecta representa la perfección y el cuadrado tendrá al mismo
tiempo sus valores simbólicos pero por otro lado esta figura del hombre de
Vitruvio de Leonardo da Vinci está también en relación con algo muy
propio de la aritmética porque las proporciones de este hombre de Vitruvio
de Leonardo da Vinci están en relación con el llamado número aureo ¿y
qué es el número aureo? la proporción aurea pues es un concepto
matemático una serie se llama número phi que era una serie de es como el
número pi pero es el número phi llega a una serie de uno con una
sucesión limitada de dígitos uno de estos conceptos matemáticos muy
abstractos pero que representado trasplantado a la geometría la
representación de este número aureo genera una espiral a partir de la
cual de esta figura curva de la espiral se pueden establecer una serie de
secciones una serie de cuadrados con una serie de proporciones de la imagen
que es lo que se llama la sección aurea que es utilizada ha sido utilizada
por muchos pintores fundamentalmente por una cuestión la sección aurea la
proporción aurea en tal lugar a composiciones estéticamente equilibradas
aunque las figuras no sigan unas reglas de equilibrio en base a un eje de
simetría central y una disposición equilibrada en torno a él la
composición por variada que sea siempre que se ajuste a estas a estas
secciones a estos cuadraditos y rectángulos de la sección aurea va a dar
lugar a un resultado que no resulta estético que no resulta atractivo que
no nos resulta que no nos produce una sensación negativa o de rechazo por
ejemplo la famosa Mona Lisa se ha estudiado la presencia de estas
proporciones aureas en la cara y parte del cuerpo las proporciones la forma
en que están colocadas las manos las meninas también responderían a esta
regla de la sección aurea y muchos cuadros de la sección aurea del
periodo racionista van a estar perfectamente estudiados y perfectamente
controladas las posiciones la disposición de las figuras la disposición
de los edificios en base a esta idea matemática muy astrata esta idea
geométrica muy astrata del número aureo y la sección aurea con lo cual
por parte de las artes liberales por parte de este cuadrín los pintores
los escultores los arquitectos tenían mucho que reclamar para tenían
mucho que argumentar para decir que su arte es un arte liberal pero hay
otro elemento importante para unificar la función del artista y la obra
del artista en estos momentos como hemos dicho el papel de la antigüedad
de los clásicos de cierta forma está renaciendo de hecho ese término
nacimiento de origen medieval porque se crea ya a finales de la edad media
con Petrarca y otros intelectuales florentinos pues da idea un poco del
resurgimiento de esa cultura clásica y el clasicismo va a ser durante todo
el nacimiento algo menos durante el barroco y volverá a rebrotar esta idea
de los clásicos como modelo durante la ilustración va a ser el modelo
ejemplar no sólo como modelo de realizaciones artísticas no sólo como
modelo de edificios no sólo como modelo de órdenes arquitectónicas sino
incluso como modelo ético de cierta forma van a ser referentes las figuras
de la antigüedad van a ser figuras de prestigio con las que se van a
comparar los hombres del renacimiento y entre ellos los artistas y tenemos
pero por el mismo tiempo este mundo de renacimiento no deja ser aparte de
ser un mundo que bebe en lo clásico que bebe en lo antiguo y por lo tanto
también en cierta forma en lo pagano no deja de ser también un mundo
cristiano que tiene que pasar por ese tamiz cristiano esta cultura de la
antigüedad que se pretende reitalizar entonces los artistas en este
sentido van a utilizar tanto ejemplos cristianos como ejemplos paganos para
dignificar su profesión ¿a qué me estoy refiriendo? pues estoy
refiriendo a figuras que van a ser tomadas en cierta forma como héroes por
el gremio de los artistas que van a ser tomadas como ejemplos a seguir y
sobre todo ejemplos con los que compararse con los que comparar su propio
oficio y su propia figura del lado cristiano tenemos nada más y nada menos
que la figura de San Lucas San Lucas al que no sabe muy bien por qué la
tradición cristiana le atribuía la profesión de pintor y el haber sido
el primero que retrató a la Virgen una tradición en parte un poco
apócrifa pero que se da utilizada por la iconografía cristiana y que se
da utilizada en esta época por los artistas para decir que oye mira si
todo un evangelista si todo un apóstol ha sido ha ejercido mi oficio es
que mi oficio no es un oficio indigno no es un oficio poco honorable porque
incluso uno de los primeros discípulos de Jesús fue y ejerció el oficio
de pintor y el oficio de artista entonces esta figura de San Lucas pintando
a la Virgen San Lucas que hemos identificado por este por su animal
emblemático esa vaca de los tres de los cuatro tetramorcos vaca águila
león y ángel de esos cuatro evangelistas en este caso San Lucas y el que
pinta esta representación de San Lucas pintando a la Virgen es Vasari y si
nos fijamos un poco en el reto del trato de Vasari que vimos el anterior
día veremos que hay una cierta similitud entre el propio Vasari y este San
Lucas por lo tanto Vasari se está representando el mismo como San Lucas
pintando a la Virgen entonces está de esta forma haciendo a través de
este cuadro de San Lucas pintando a la Virgen un poco reclamación del
papel de artista incluso haciéndose un poco reclamación de su propio
papel como artista Vasari recordemos que era pintor nos atriaba pintor
escultor y arquitecto eso por el lado cristiano pero que tenemos por el
lado clásico que tenemos por el lado greco-romano pues tenemos la figura
del pintor Apeles Apeles pintor de cámara de Alejandro de Macedonia de
Alejandro Magno al que solo era el único pintor al que Alejandro permitía
que lo representara directamente que lo representara en natural si los
demás querían representar a Alejandro podían copiar las representaciones
que realizaba Apeles o si eran escultores podían copiar las
representaciones del único que permitía entre los escultores a Alejandro
que representara que era Lisito sólo estos dos podían retratar
directamente a Alejandro desde su propio figura real los demás tenían que
hacer copias en cierta forma plagiar al bueno de Apeles y un episodio en
cierta forma mítico de la vida del pintor Apeles es cuando Alejandro le
ordenó realizar una pintura de una de sus concubinas una de sus amantes
Pancasque un nombre bastante complicado lo que pasa es que como suele
suceder en muchas ocasiones el pintor a medida que iba pintando la modelo
se fue de cierta forma quedado prendando de ella y Alejandro otro elemento
importante que iba regularmente a visitar Apeles a su taller y a observar
cómo funcionaban las obras de Apeles al que admiraba mucho que tenía gran
inconsideración hablar con él en cierta forma ese papel de proximidad
entre el monarca y el artista ese papel esa idea de Apeles y Alejandro en
cierta forma se convertirá en una imagen de la relación que tiene el
artista cortesano con su patrón por ejemplo Carlos I y Tiziano tendrán
una relación en ese sentido también de nuevo Alejandro y nuevo Apeles de
hecho el propio Carlos I cuando ennoblezca al propio Tiziano comparará en
ese diploma de ennoblecimiento al propio Tiziano con las virtudes de pintor
que tenía Apeles por lo tanto ya también se está comparando él con un
nuevo Alejandro con un nuevo soberano universal como en cierta forma era y
esta interrelación entre el poder y el artista en cierta forma será
utilizado y será representado por los propios pintores para dar idea un
poco de la dignidad que tenía su oficio si Alejandro tenía bien acercarse
al taller de Apeles para contemplar cómo Apeles trabajaba pues obviamente
nos está indicando un aprecio por parte del monarca de los virtudes del
artista y por lo tanto nos está indicando que el artista no es un artesano
como otro cualquiera no es un cordelero no es un cestero no es otro tipo de
artesano es alguien que tiene una serie de un prestigio una valía
implícita a sus propias cualidades y a su propio talento que no tiene otro
tipo de actividades manuales pero no sólo la figura de Apeles la figura de
Apeles estas anécdotas están cogidas fundamentalmente de los textos
clásicos y sobre todo de uno de los textos clásicos que era
prácticamente una especie de enciclopedia de antigüedad que era la obra
de Plinio que es capacidades y las habilidades de estos pintores griegos no
sólo Apeles sino por ejemplo también Seuxis del que se decía que pintaba
con tal realismo copiando la realidad que una vez estaba simplemente pintor
griego, Ceusis hizo su truco de pintar uvas y hacer que los pájaros
pintaran las uvas, pero el otro pintor pintó una cortina medio
transparente y Ceusis se fue a la cortina e intentó pasar la cortina de la
pintura. Con lo cual, Ceusis dijo, en cierta forma riéndose un poco de la
situación, diciendo, sí, Ceusis ha engañado a los pájaros, pero no me
acuerdo el nombre del pintor, ha engañado a Ceusis, por lo tanto es mejor
que yo. Y aquí tenemos esta pintura de Rembrandt, ya en la época
Rembrandt ya le hizo una gran cantidad de retratos, muchos de ellos
simplemente para sí mismo, con lo cual volvemos otra vez a esa idea del
retrato, pero lo curioso de este retrato, que no da más indicios en su
representación, en lo que está representado en él, salvo su propio
título, que es Rembrandt autorretratado como Ceusis riéndose, es decir,
autorrepresentándose, comparándose como artista que ha sabido captar la
realidad, que ha sabido captar la realidad tan fielmente como lo captó en
su tiempo Ceusis. Y haciendo tal vez un juego iónico en esa idea de Ceusis
riendo, de la burla que sufrió Ceusis, sí, que había engañado a los
pájaros, pero que fue engañado por una cortina pintada. En cierta forma,
este juego del pintor ya ha entrado en años que se reconoce a sí mismo
como un gran artista comparándose con los mitos del pasado. Todas estas
anécdotas griegas son, en cierta forma, exageraciones. Lo que sabemos de
la pintura griega no da para pensar que llegaran a tal grado de verismo.
Pero bueno, jugaban ese papel ejemplar, ese papel de modelo en el que, en
cierta forma, se veían. Y se hacían dignificar los artistas. De esta
forma, también para dignificarse a sí mismo y para dignificar a su
profesión. Un ejemplo extremo de esto, la Escuela de Atenas de Rafael. La
Escuela de Atenas de Rafael en que se representa a esa figura de los sabios
atenienses. De los sabios atenienses en el que figuran filósofos de la
antigüedad, figuras tales de Mileto, figura Platón, figura Aristóteles,
figuran tal serie de figuras entre las que se han utilizado los rostros de
algunos artistas contemporáneos de Rafael y del propio Rafael que tenéis
aquí representado en esta esquinita. Un poco haciendo ejercicio de
molestia, no se pone en primer plano. Pero sí pone en primer plano
representado como Platón con ese dedo apuntando hacia arriba a ese mundo
de las ideas, a ese mundo que está por encima de lo material. Algo
cuadrada bastante bien con la forma de ser un poco... intelectualoides de
Leonardo da Vinci. Y sobre este bloque de piedra, recostado sobre este
bloque de piedra, Leonardo Buonarroti. Digo, Miguel Ángel Buonarroti. Me
acabo de fundir hablando con Miguel Ángel, perdón por los lazos.
Representado sobre una piedra obviamente como escultor que es, pero
representado como tales de Mileto, como el gran filósofo y matemático de
la Iglesia. El gran filósofo y matemático que pone un poco las bases de
esa primera filosofía guirena. Y toda una serie de personajes que tenemos
aquí representados, ya de forma más general, idealizándose en figuras.
Pero lo interesante de esta idea es que aquí tenemos a los filósofos, a
los matemáticos de la antigüedad, a los grandes intelectuales convertidos
y reencarnados, en algunos casos, en arreglos. ¿Veis? ¿Veis? ¿Veis?
¿Veis? ¿Veis? ¿Veis? Hay artistas, artistas que trabajan con sus manos
en la pintura, en la escultura o en la arquitectura. Por lo cual tenemos
esa idea de equiparación entre esas disciplinas liberales, esas
disciplinas intelectuales y la propia pintura, escultura y arquitectura.
Bueno, con respecto a la relación y a ese carácter intelectual de las
artes, las artes plásticas. Al hablar de la relación con los artistas,
¿cuál es la diferencia? ¿Cuál Bueno, con respecto a las artes liberales
no hemos comentado que a veces incluso, aunque la formación era común,
aunque luego te especializaras en arquitectura, escultura o pintura, la
formación de cierta forma de los rudimentos de la profesión eran comunes
y por lo tanto estaban versados en los tres palos, podríamos decir. Eso no
quita que luego los que se especializan más en un campo, por ejemplo, la
escultura o por ejemplo la pintura, den ciertas puyas en la relación entre
las artes liberales y las artes plásticas. Por lo tanto, la descripción
se ha convertido en una especie de jerarquía entre las distintas
disciplinas artísticas. Argumentando unos u otros que su disciplina está
más relacionada, es más intelectual por tanto y está más relacionada
con las artes liberales, con la geometría y las de sus convencidos lo
están menos. En el caso de Miguel Hague, digo de Leonardo que tenéis
aquí, Leonardo tendría una argumentación La que dirá, no, pero es que
la escultura es un trabajo que se hace más con el cuerpo, se desgasta más
el cuerpo y la pintura en cambio es un trabajo que se realiza, es una arte
que se realiza con gran esfuerzo de la mente pero con muy poco esfuerzo del
cuerpo. Por lo tanto, esa categoría superior que tendría la pintura con
respecto a la escultura. Estamos jugando un poco con cuál de estas artes
es más mecánica y cuál tiene más parte del intelecto. Por lo tanto,
creando una especie de gradación utilizando un poco esos argumentos para
darse estocadas florentinas unos a otros. Nunca mejor dicho. Bueno, y otro
elemento que estará en esa glorificación, en esa autodignificación del
artista, junto a esa asociación artística. Una de las artes liberales
junto a ese uso ejemplar de la antigüedad para dignificarse será su
propia relación con el poder. Esta asignatura se llama arte y poder. ¿Y
cuáles van a ser las relaciones entre los artistas con el poder? ¿Y con
qué poderes? ¿Y con qué ámbitos de poder? Pues gran parte de los
artistas de esta época, de la edad moderna, trabajarán para lo que se
llama ámbito social. Los cortesanos. Tanto las cortes de aristócratas
como las cortes de las grandes monarquías o incluso una corte que teniendo
otros aspectos distintos a los de otras monarquías de la época también
tiene un importante peso de poder temporal como es la corte papal.
Entonces, el artista cortesano, ese artista que se mueve entre ese mundo
intelectual de las cortes, que en este momento es un mundo muy refinado, es
un mundo muy refinado y tremendamente... tremendamente complejo. Sobre el
que se escriben tratados como el famoso tratado de Baltasar de Castiglione,
el cortesano Baltasar de Castiglione, él mismo un miembro de la alta
nobleza italiana, él mismo un cortesano, una de esas cortes, de esos
estados italianos, y que escribía este tratado en cierta forma
misceláneo, de buenas maneras, de... cierta forma de reglas éticas y de
estilo que debe tener el que se mueva en ese mundo de la corte, el que sea
un buen cortesano. Y que llega a comparar, por ejemplo, la actividad de los
cortesanos con la actividad de los artistas. Porque dice que la principal
virtud del cortesano es llevar a cabo toda esa serie de reglas muy
complicadas de protocolo pero como si fuera algo que le fuera importante.
Con una cierta soltura que parecería que simplemente, a pesar de que eso
está logrado con un gran esfuerzo, con un gran esfuerzo de aprender la
serie de códigos muy complicados de protocolo, de estilo, de tener una
serie de conocimientos intelectuales para poder llevar una serie de
conversaciones en determinados ambientes y niveles intelectuales. Pues dice
que de cierta forma los artistas también tienen, con respecto al arte, esa
cualidad de hacer algo que lleva mucho trabajo detrás, creo que se realiza
con una gran sencillez y con una gran naturalidad. Y en concreto pone el
caso de Rafael que dice que es un gran artista, tiene una gran habilidad y
unos grandes conocimientos detrás de él pero lo realiza todo con tal
habilidad y con tal sencillez que parece que simplemente para él lo que
él hace, que es complicadísimo, no es complicado. Los cortesanos también
hacen lo mismo. El buen cortesano que se sabe mover en ese mundo de la
clase alta lo hace todo como si fuera lo más sencillo pero realmente eso,
moverse en ese mundo es muy complicado. Es lo que él llama la exprexa, la
exprexatura. Es un término que no es muy fácil de traducir al castellano
o al gallego o cualquier otra lengua que tengamos próxima pero que indica
un poco eso, esas cosas muy difíciles, seguir esas reglas muy complicadas,
pero como si no hubiera dificultad. Con esa sencillez, con ese
prácticamente... Deja que parecería que se hacen de forma innata y
prácticamente automatizada. Y los príncipes obviamente les interesa
también tener a los artistas en sus cortes para que realicen sus grandes
edificios, para que pinten la decoración de las estancias de sus cortes,
para que realicen cuadros en los que transmiten mensajes no sólo de
representación social de su clase sino también a veces mensajes de
representación social muy políticos y muy incardinados con la vida
política del momento. De cierta forma, mensajes obviamente para un ámbito
muy limitado fundamentalmente para los que están presentes en la corte que
no sólo son nobles locales sino también nobles que vienen desde otras
cortes como emisarios, como representantes y que a través de ese
enfrentamiento a esas formas de representación del poder a esa
fastidiosidad del poder conseguida a través del arte de cierta forma
entran en ese juego de guerra política no sólo establecida por las armas
o por la diplomacia sino también a veces con las propias imágenes y con
la propia representación artística. Y un ejemplo de esto lo tenemos en
este cuadro de Sandro Botticelli Palas y el centauro que tenéis en el
manual de asignatura. Es un cuadro de tema alegórico y de tema
mitológico. Palas, Palas Atenea la diosa Atenea, la diosa de la sabiduría
la diosa de las artes está representada aquí en una escena que no está
contenida en ningún mito griego de los conocidos está agarrando por la
cabeza a un centauro ese ser mitad caballo, mitad hombre que representa en
cierta forma ya desde la antigüedad a lo salvaje, a esa criptadura salvaje
y racional que es domeñada por el intelecto que es domeñada por las artes
que es domeñada por la racionalidad por esta diosa Atenea que expende
todos sus valores pues tenemos ese primer nivel alegórico que de cierta
forma nos habla de ese dominio de lo salvaje, de lo bruto de lo irracional
por parte de lo racional de ese mundo culto de la corte. Pero también
tenemos una segunda lectura alegórica de fondo que está detrás de
algunos de estos elementos que pasan más apercibidos como este barco que
tenéis aquí al fondo. Las pinturas nascentistas en eso también se parece
un poco y juega un poco el arte y la retórica sobre todo el arte y la
poesía están muy influenciadas por esos juegos alegóricos esos juegos
simbólicos que también están muy presentes en la literatura de la época
y en la poesía de la época. ¿Y a qué se refiere este juego alegórico
que tenemos aquí? ¿Y a qué se refiere este pequeño barquito casi
imperceptible que tenemos al fondo sobre este mar? Pues según algunas
interpretaciones Pallas Atenea representaría aquí no sólo ya a la diosa
sino sería la imagen de la propia República de Florencia que domeña a
otra de las potencias italianas de este momento en este caso el papado que
sería representado por este centavo al que agarra por la cabeza y domina
en cierta forma ¿Y qué sería este barco de aquí? Pues sería el poder
naval del reino de Nápoles el reino de las dos Sicilias que en estos
momentos los médicis habían conseguido en cierta forma frustrar una
alianza entre el papado y el reino de Sicilia-Nápoles el reino de las dos
Sicilias y básicamente toda la parte sur de la península itálica con lo
cual era unido a los propios estados municipios era un enemigo bastante
considerable para la política de la República de Florencia con lo cual la
ruptura de esta alianza conseguida a través de la diplomacia por los
médicis se ve representada aquí de forma alegórica y con una cierta
violencia por parte de este artista que trabajaba y que representa este
mensaje alegórico que posiblemente no diseñó él que diseñó algún
poeta o algún cortesano o algún intelectual de la corte de Lorenzo de
Médici pero que fue representado fue utilizado Botticelli para poner
plásticamente sobre la pared esta representación tan alegórica o esta
otra representación alegórica ya sin esta finalidad política en
principio pero una finalidad de cierta forma moral el Parnaso de Andrea
Manteña que fue encargado por no me acuerdo como se llama ahora es la
mujer de un esforza creo que era una este no me acuerdo exactamente cual
era la patrona esta mujer encargó esta representación de este Parnaso el
Parnaso sabéis que es el monte donde estaban todas las minjas junto con
Apolo y las representantes de las artes, las musas pero lo que se
representa en el Parnaso sobre todo es esta escena que tenéis aquí los
amores de Afrodita de Venus y de Marte los amores ilícitos de Afrodita y
de Marte porque Afrodita estaba casada con este señor que tenéis aquí
contestando iradamente y con aspecto de estar bastante cabreado que es
Vulcano de Cestos el dios del fuego, el dios serrero y que es utilizado
metafóricamente aquí como una representación del amor violento, de la
violencia y de otras cuestiones mientras que paradójicamente eh Marte y
Venus son representados en cierta forma con una representación ideal de la
armonía a la que llega el amor ¿por qué digo armonía? porque el hijo de
este amor este amor adulto mejor dicho, la hija de este amor adultero entre
el amor y la guerra será entre la paz y la guerra podríamos decir, será
nada más y nada menos que armonía la personificación de la armonía
tenemos aquí ese mensaje intelectual de que cuando sabemos juntar el amor
y acallar la guerra con él y a su vez en cierta forma contrapesarnos surge
la armonía es lo que guía toda esta escena paradisiaca que tenemos en el
monte Parnas mientras que la figura aquí de Cesto tiene ese papel de
sujeto un poco irracional incapaz de contener su pasión y en este caso su
ira y mensajes intelectuales muy complejos que van a manejar los artistas y
de nuevo vemos esa relación entre la pintura, la escultura y a veces la
arquitectura pero sobre todo la pintura y la poesía porque que hay más
poético por ejemplo que estas imágenes de la corte de Rodolfo II de
Austria de Augsburgo la corte de Praga donde aparece una serie de conceptos
en este caso hay dos ciclos el ciclo de los elementos agua, tierra, mar,
fuego y aire y el ciclo de las estaciones verano, otoño e invierno o en
este caso este propio retrato del propio emperador Rodolfo II de Austria
representados como veis aquí una serie de elementos naturales en el caso
de esta representación alegórica del agua se hace una imagen compuesta a
partir de toda una serie de animales acuáticos, pulpos cangrejos, peces,
corales o en la presentación del verano con una serie de frutos de
temporada que aparecen en el verano o en el caso del emperador Rodolfo
representado como el dios etrusco Bertumno representado como una especie de
dios de la fecundidad aluvida en todo este juego de frutos que llenan su
cuerpo y su cara obviamente esta representación tan peculiar en cierta
forma tan surrealista y tan llamativa requiere una doble complicidad, el
artista puede plantear este tipo de imágenes pero al mismo tiempo requiere
unos patrones que sean en cierta forma en sintonía con este juego de
imágenes muy abstractas, muy intelectuales y a veces también un poco
desconcertantes de hecho como digo estos dos cuadros que tenéis aquí
serán encargados para una serie que representa en cierta forma
conceptuales, por un lado las estaciones y por otro lado los elementos
naturales con lo cual vemos un poco esa relación que existe, ese carácter
de intelectual que va cogiendo en este medio cortesano el artista el
artista que sirve de al poder para expresar todas esas mensajes alegóricos
y también de nuevo mensajes políticos a veces muy potentes como tenemos
en este fresco de la gloria de Lucas Giordano que está en el Monasterio
del Escorial, en una de las escaleras del Monasterio del Escorial hecho por
Carlos Carlos III, no me equivoco Carlos II Carlos II, perdón uno de los
últimos austrias le encarga a Lucas Giordano una representación de la
gloria, en cierta forma la apoteosis de la monarquía de los austrias
españoles que se representa cuál es la apoteosis en sí de estos
monarcas, pues la tenemos aquí representada, tenemos representada esta
especie de juicio esta imagen partida un poco del juicio final con esta
representación de la gloria con la Santísima Trinidad Dios Padre, Dios
Hijo con la cruz y en medio el Espíritu Santo representando como paloma y
en estas nubes a los pies de la Trinidad bueno, al lado de la Trinidad la
Virgen María el Santo, que por esta parrilla que tenemos aquí
posiblemente sea el propio San Lorenzo como sabemos fue martirizado en una
parrilla donde fue en cierta forma quemado, subrascado y al otro lado
tenemos a la diestra de la Trinidad en cierta forma tenemos a esta serie de
reyes de la monarquía hispánica empezando por este rey con las dos
coronas que obviamente identificamos como Carlos I de España V de Alemania
seguido de Felipe II el rey cuyos dominios en los cuyos dominios se ponía
el sol el llamado rey planeta que ofrece a a esa Trinidad Divina ofrece el
globo terráqueo en su conjunto y otra serie de miembros de esta dinastía
real que están orando delante de esta Santísima Trinidad Fresco, que
está copiando otro ejemplo anterior precisamente de época de el propio
Carlos I que es la llamada Gloria de Tiziano un cuadro que actualmente
está en el Museo del Prado y que formaba parte de la colección particular
de Carlos I y en el que se representa de forma un poco más modesta a
Carlos I, su mujer Isabel de Portugal, su hijo adorando de nuevo a la
Trinidad y a la Virgen María rodeados en su parte inferior con una serie
de personajes del Antiguo y Nuevo Testamento aquí Noé sosteniendo el arca
la paloma encima otra serie de personajes distintos evangelistas esto
posiblemente sea San Juan encima del águila que lo representa pero lo más
interesante es ver que aquí mientras que en el anterior veíamos a los
reyes con sus mejores galas, aquí tenemos a Carlos I únicamente despojado
de todo, únicamente vestido con el sudario con el que lo van a amortizar y
dejando a sus pies, de cierta forma haciendo y supeditando su poder al
poder del Altísimo, la corona del Imperio y su hijo el heredero Felipe II
aquí rezando rodeado de sus hermanas lo dejamos por hoy ya nos hemos
pasado unos pocos minutos de la hora y el próximo día continuaremos
cerraremos este tema y empezaremos a hablar del primer tema, las Cortes
Italianas y empezaremos un poco a ver ejemplos ya más en detalle de cómo
el arte y el artista es utilizado por esos patrones en esas Cortes
Italianas y los mensajes que va a transmitir el artista a través de estas
obras durante este periodo. Muchas gracias