El último día estuvimos viendo el Docento y habíamos empezado a ver el
Trecciano. Estábamos entrando, por tanto, en Italia, perfectamente en la
pintura. Lo último que habíamos visto era una serie de maestras, de
vírgenes entronizadas de Quimayue. Estas y esta otra. Bueno, pues ahora
vamos a pasar a hablar de su discípulo, Giotto. Una figura que alcanza una
importancia fundamental como precursor del Renacimiento y que, como
discípulo de Quimayue, lo supera completamente, digamos que lo sobrepasa.
El alumno es un maestro. Según él... Según se cuenta, esto es un tema un
poco legendario, que comentaba Sari en su Vida de Artistas. Dice que
Quimayue descubre a Giotto mientras éste estaba pintando sobre una piedra
un rebaño de ovejas. Bueno, el caso es que es su discípulo, eso es lo
fundamental. Y es una persona que llega a adquirir un gran prestigio en su
época. En ese sentido, tiene importancia porque casi la pieza supone un
cambio en el estatus del artista, en el reconocimiento social que tiene el
artista, gracias al enorme reconocimiento que tiene y la cantidad de
encargos que le hacen en múltiples lugares. En Florencia, en Asís, en
Padova, veremos también algo, en Bolonia... Ya veis como Asís vuelve a
estar ahí. Eh... En el centro fundamental. En el centro fundamental,
durante esa época, donde muchos artistas van a trabajar en su basílica.
Hablamos, por lo tanto, de patrocinio por parte de los franciscanos, que ya
habíamos dicho el otro día, que era una orden mendicante fundamental en
esta época, que se funda a principios del siglo XIII. Giotto es un artista
polifacético, en algunos aspectos. En ese sentido, también prefigura un
poco a los artistas del Renacimiento, ya que no solo lo vemos trabajar como
pintor, sino que también... Se habla de que intervino como arquitecto en
el Campanile de Florencia e incluso en la Capilla Estrobeni, que decora él
mismo, que pinta él mismo, sus interiores, que luego veremos. ¿Cuáles
son las características fundamentales formales de la pintura de Giotto?
Bueno, pues... Características fundamentales que rompen o que abundan...
En lo anterior, que va un paso más allá, es el desarrollo de la
tridimensionalidad del espacio. Ese es uno de ellos y fundamental. Lo cual
se hace especialmente mediante arquitecturas con efecto de fuga, vistas en
perspectiva, aunque no es una perspectiva científica o propiamente tónica
como se maneja luego en el Renacimiento. De todas formas, sirve para
construir el espacio tridimensionalmente, como lo vemos en este ejemplo.
Relacionado con eso está la volumetría, el trabajo del modelado de los
propios personajes y de los objetos sobre la escena que los dota de
corporeidad, de volumen. No tienen ese efecto figura plana que tenían las
figuras de raíz bizantina. Son figuras que tienen un volumen... A través
del modelado de sus facciones, de su anatomía, de sus ropajes... Se las
dota de volumen. Y además esas figuras se caracterizan por tener una
enorme gestualidad. Gestualidad novedosa. Estamos hablando no de recetario,
como podríamos encontrarnos relacionado con Bizancio. No, sino que
hablamos de gestos nuevos. No propios, ni convertidos en una receta de uso
habitual. Relacionado con la gestualidad está la expresividad de los
personajes. Se los dota de contenido anímico, de contenido psíquico. En
el uso del color también es importante que usa una gama más luminosa de
colores, contrastes más vivos y una... Bueno... Hay un aclaramiento
general de la paleta comparado con lo que suponía el trabajo de la maniera
greca, que hablábamos el otro día. El relacionado con Bizancio. Otro
elemento importante es el detallismo en las obras. Empiezan a representar
detalles pequeños que complementan el sentido, el significado de las
escenas que estamos viendo. En cuanto a detallismo, vamos a ver después
que en Siena, porque ahora mismo nos encontramos en Florencia, ahora
seguimos dentro de Florencia. Luego vamos a cambiar de ámbito y hablar de
Siena. Pues cuando hablemos de Siena también recalcaremos que el
detallismo es una característica fundamental. Todavía más o en otro
sentido diferente que en Giotto, pero también está ahí. Fijaos en todos
esos elementos que se distribuyen por encima de la mesa, que vemos ahí.
Bueno, esto que estáis viendo en pantalla pertenece a la vida de San
Francisco, a las escenas de la vida de San Francisco que se representan en
la Basílica Superior de Asís. Son un conjunto de escenas que siguen la
biografía que de San Francisco hace San Buenaventura unos años antes. Es
decir, la única biografía aceptada del santo. Y entonces ese es el texto
que está detrás de las imágenes, el texto que da soporte a iconografía.
La obra que vemos es de hacia 1296-1300, aunque hay otra cronología
también un poquito anterior que se propone, pero más probablemente sea
esta. Y los episodios que se recogen de la vida de San Francisco son 28 en
total. Este es uno de ellos. 28 episodios desde la juventud del santo. Ya
sabéis que era un santo que había vivido poco tiempo atrás y esto era
una novedad representar a una figura que era casi poetánea, casi
contemporánea como un santo. Eso era una novedad iconográfica. Bueno,
pues se lo representa desde su juventud hasta su muerte. Y después, los
milagros que ocurren después de esta muerte. Esto que vemos es una escena
que se titula La predicción de la muerte del caballero de Celano. No os
puedo concretar más, no sé exactamente a qué se refiere, pero es un...
bueno, es una escena que a nivel formal nos vamos a centrar en que en que
nos encontramos con una narración ante todo. A ver, es un... Esta es otra
de las características que hay que subrayar de las obras de Giotto. En
muchos casos nos encontramos con obras de carácter narrativo, es decir,
donde aparecen escenas que se desarrollan en el tiempo. Entonces aquí nos
encontramos con una primera parte donde tenemos una predicción y una
segunda donde se consuma esa predicción. La muerte de ese caballero.
Numéricamente es el 16, el episodio número 16 de todos los que están
allí. Y bueno, vemos esa... Vamos a recorrer todos esos elementos de los
que hablábamos, el tema de la profundidad tridimensional mediante esa
arquitectura, la eliminación de los colores típicos de la manera greca,
por ejemplo al usar ese azul de fondo que bueno, sigue siendo un fondo
neutro, pero dentro de la neutralidad ya tiende hacia el naturalismo. Se
trabaja la volumetría de los personajes mediante efectos de claro oscuro
en los ropajes, es decir, no con líneas, no con caligrafías lineales sino
mediante claroscuros, mediante medias tintas. Y después está el tema de
la gestualidad. Nos encontramos con figuras que concentran mucho la acción
en sus manos. Las manos llevan gran parte del peso de la narración.
También fijaos en cómo se construye el espacio en ese grupo de personas
que asiste a la muerte del caballero que se colocan de manera orgánica
unas detrás de otras y no siguiendo la típica receta bizantina que era la
de la isocefalia donde todas las cabecitas iban una detrás de otra en
friso y sin efecto de profundidad. Otra escena que pertenece a la misma
serie esta se titula La curación de un hombre llamado Juan no tengo mejor
calidad pero más o menos nos da para apreciar las características que
hemos dicho. Por ejemplo, el tema de la presencia arquitectónica creando
un efecto tridimensional muy marcado. Muchas veces nos encontramos con
figuras sobredimensionadas con respecto a los edificios a las arquitecturas
que los contienen. Es verdad que la arquitectura tal y como se representa
tiene tridimensionalidad tiene profundidad tiene un efecto de fuga para el
que por ejemplo en este caso se emplean casetones estos elementos se llaman
casetones estos cuadraditos se llaman casetones que van disminuyendo en
profundidad y creando ese efecto de fuga. Pero eso no quiere decir como
decía antes que las figuras se amolden en escala al tamaño de la
arquitectura En otras obras lo vemos todavía mucho más claro De hecho, en
el libro me parece que está relacionado con la dimensión de la orden o
con la aceptación de la orden por parte del Papa También se desarrolla un
interior que es demasiado pequeño para el tamaño de las figuras pero que
en todo caso espacialmente está bien construido. Bueno, esto sería uno de
los últimos episodios de toda la serie El número 26 es uno de los
milagros de una de esas escenas que suceden tras la muerte del santo Bueno,
también podemos apreciar los temas de la volumetría de las figuras el
modelado de los repajes y el efecto la importancia que tienen ahí las
manos del santo ese gesto que hace en relación con el relato de la
curación del hombre Otros elementos también marcan la profundidad como
por ejemplo ese cortinaje en primer plano que es una iconografía muy
típica a lo largo de la historia del arte el tema del cortinaje en primer
plano en gran medida nos hace referencia a la historia de Zeus y Siparraxia
Y en este caso como deja una figura semi-oculta pues sirve para dotar de
profundidad a la escena Hola Estamos viendo Giotto y estamos hablando así
un poco de las características principales de su pintura de estos frescos
en concreto de la basílica de Asís están situados en la basílica alta
de Asís y que forman un conjunto de 28 escenas relacionadas con la vida de
San Francisco Pero ahora nos vamos a cambiar de edificio nos vamos a ir a
otro edificio importante este se le atribuye incluso la autoría
arquitectónica es la capilla de los escrobenios que está en Padua se data
más o menos en 1303-1305 y ya veis en esa imagen que es un espacio de una
sola nave y que todo él aparece revestido de pintura aquí estamos viendo
la capilla hacia su entrada hacia su lado occidental y es que es en el lado
occidental donde se encuentra ese juicio final veis y en este sentido
también conecta con la tradición de colocar los programas que le llaman
estatológicos los programas relacionados con el juicio final es un encargo
del banquero Enríquez Proveñi que lo encarga en gran medida como una
forma de espiar su conciencia era un banquero teóricamente tenía sus
cuestiones de usura o mala conciencia por ello y entonces se encarga esta
capilla y de hecho él mismo se figura en ella en la obra apareciendo aquí
aquí está Enríquez Proveñi del lado de los salvados dentro del juicio
final mientras que en este otro lado ya veis que están los condenados
envueltos en el medio de ese río de lava aparecen figuras monstruosas
aunque se aprecien mal porque la foto es a distancia pues ya veis que hay
una visión clara de los salvados y condenados bueno, en el centro otra
iconografía tradicional Cristo en majestad dentro de una mandorla y
además elementos también llamativos es el hecho de que se decore la
bóveda con un cielo azul estrellado con medallones ahora lo veremos más
claramente y una cuestión más las paredes se desarrollan escenas de la
vida de Cristo en los niveles superiores hay escenas de la vida de la
Virgen y en las escenas medias y entiendo que aquí también pues son
relacionadas con la de Cristo quizá en el registro inferior sean
relacionadas todas ellas con la pasión veis ahí un detalle de ese cielo
estrellado con esos medallones donde lo que parece percibido por la Virgen
con el niño y bueno ya veis que este azul tono de azul es el mismo que se
utiliza para los fondos para los pelajes abstractos o neutros en gran
medida de las escenas siendo abstracto o siendo neutro es más naturalista
que un fondo dorado aquí vemos desde lejos que no he traído listas de
escenas en grande tenéis aquí el lamento sobre Cristo muerto me parece
que viene en el libro una de las más importantes de Giotto una escena en
la que los personajes aparecen mostrando una gran expresividad parece
algún detalle paisajista en las otras vemos aunque sea así a distancia
vemos que aparecen arquitecturas desarrolladas también en tres dimensiones
figuras de grupos colocados generando profundidad con las cabezas una
detrás de las otras bueno ya dije y luego todos los efectos relacionados
con el modelado pero bueno están ahí aquí vemos los fondos dorados se
eliminan este es un detalle de ese pantocrata por cierto en este caso veis
como si tenemos un fondo dorado hay géneros o iconografías que con
dependencia de las novedades que haya acuñado el autor en otros ámbitos
hay iconografías que están como muy definidas, muy codificadas y por lo
tanto en muchos aspectos es normal que se ciña a esas esculturas por
ejemplo la mandorla y el fondo dorado pero fijaros en sus ropas el modelado
del claro oscuro es muy evidente sobre todo aquí esta parte del rostro
está volumétricamente trabajado por medio de un efecto de claro oscuro y
no he traído nada de la capilla Perucci ni la capilla Bardi que eran
interesantes porque también tenían escenas narrativas y me he saltado
directamente a la maestra Unisanti que nos lleva a una iconografía que ya
hemos visto anteriormente una iconografía típica más tradicional además
enmarcada en ese formato pentagonal pero, pese a todo si nos encontramos
con las novedades típicas aquí recogidas ya dejando a un lado el fondo
dorado que es una convención iconográfica perfectamente normal nos
encontramos con desarrollo arquitectónico en profundidad con algunos
recursos como por ejemplo estos peldaños pero hay algún recurso adicional
que sirve para reforzar la profundidad del escenario y es lo de meter
cabecitas entre los huecos del trono eso colabora a dar profundidad a la
escena en general otro elemento importante son los ropajes sobre todo en
esta parte de arriba son ropajes que quieren un aspecto de transparencia es
decir, todo lo contrario de la caligrafía lineal de la manera de curioso
os lo comento al manual en el caso del niño no se aprecia tan así no es
tan evidente ese trabajo con las prendas en profundidad orgánicamente unas
cabezas detrás de las otras generando espacio modelado de los rostros y en
general una humanización de las figuras eso es el balance principal de
esta representación de la Virgen en majestad es de hacia 1310 como veis
también es una obra sobre tabla luego tiene otros elementos también
convencionales como por ejemplo que el trono sea de estilo gótico veremos
algunos más por ahí bueno luego veremos alguna otra obra que tiene rasgos
más retro, es decir así veremos como en algunos aspectos se vuelve hacia
atrás quedarnos sobre todo con la idea de humanización de las figuras un
poco más de lo mismo esto lo nombra el manual en el último lugar de las
obras de Giotto este es el crítico del cardenal Stefaneschi que hacía
1330 y bueno encontramos en él pues ya veis las convenciones siguen
cesando dependiendo del género en el que nos movamos pero el mayor
lucimiento de Giotto sobre todo se aprecia en las escenas narrativas son de
las que menos os traje pero bueno si podemos hacer referencia a estos
elementos que decíamos antes fijaros en el trono estos brazos del trono
como salen y hacen como una voluta generan espacio incluso este pedestal
trabajo con los del modelado de las prendas pero por otro lado tenemos el
fondo dorado y cambiamos de autor cambiamos de autor y nos vamos a un autor
que trabaja en el taller de Giotto es un discípulo de Giotto por tanto se
llama Tadeo Gadi y en él os traigo unas escenas más de tipo narrativo que
son un poquito más lucidas que las que estuvimos viendo ahora porque no
fui ahí muy especialmente hábil con la selección de Giotto bueno pues
esta obra que vemos aquí es una de las que pertenecen a los frescos de la
Capilla Baroncelli de Florencia la Santa Croce de Florencia del año 1328
aquí está presente mucho de lo que estaba ya presente en Giotto de las
novedades de Giotto esos elementos ya los podemos ir identificando
fácilmente arquitectura y como se representa bueno en este caso si tenemos
algunos detalles paisajísticos de fondo en vez de ese telaje azul tenemos
un fondo vegetal que no es especialmente esquemático tiene una tendencia a
ser naturalista no es una repetición de un motivo las figuras se colocan
en profundidad tapándose unas cabezas con las otras y de alguna manera
pues empequeñeciéndose en profundidad ligeramente bueno, unas se tapan a
las otras en este caso la escena es una de las escenas que aparecían en la
capilla de los Scrovegni si mal no recuerdo los desposorios de la Virgen
bueno pues en este caso Gadi está tratando el mismo tema que Giotto en ese
otro ejemplo que os viene reproducido en el libro y lo representa con
muchos elementos iconográficos repetidos como por ejemplo el hecho de que
la Virgen se está tocando la barriga para indicar que ya lleva en su
vientre a Jesús que más un elemento iconográfico que aparece en otras
ocasiones en los desposorios de la Virgen son esas figuras partiendo ramas
¿sabéis a qué hace referencia? en este caso yo no lo acabo de entender
porque yo tenía entendido que lo de las ramas hace referencia a los otros
pretendientes de la Virgen al ver como su rama no florece a diferencia de
la de José quedan descalificados por decir así y entonces parten su palo
pero bueno, en este caso vemos alguna otra figura que lleva aquí un árbol
encima no sé, no me pidáis razones porque no lo entiendo y aquí hay una
mujer que yo entiendo que puede ser la prima de la Virgen Isabel porque
también está embarazada pero también aparece rompiendo una rama no sé
cómo se puede interpretar ahí ojo, estas son cuestiones iconográficas no
cuestiones formales que en toda obra están corriendo en paralelo es decir,
el nivel de los significados es el nivel iconográfico pero bueno, por lo
que se refiere a lo formal, fijaros la importancia de los gestos con las
manos acabamos de decirlo las manos hacen un papel fundamental para
contarnos la historia también en el gesto de José y la Virgen juntando
sus manos debe estar colocándole un anillo y también en el gesto dándose
la barriga más elementos el modelado de los rostros y el modelado de los
ropajes como veis, también creando un efecto de volumen muy marcado a base
de claro oscuro fijaos en los niños es llamativo que los niños se
representan como personitas adultas pero a pequeña escala no tienen
complexión de niño son como adultos reducidos no os parece? porque a mi
niñas no me parecen parece que son como adultos reducidos si verdad, los
de la derecha no bueno vale, que más cosas bueno se hace referencia a este
autor como característica típica de su forma de figurar los personajes,
lo alargado los rostros tienen que ser alargados eso es lo que comenta el
manual en algún caso puede apreciar mejor que en otro pero bueno, estas
son las típicas cosas que yo no acabo de ver entonces las digo así a
medias se incrementa el número de personajes secundarios otra
característica se incrementa mucho el número de personajes secundarios
que no tienen relevancia en la historia al menos una relevancia directa
hablando de gestos, fijaos en este la mano aquí seguimos con la
importancia de las manos pero no tanto los rostros, fijaos las manos sí
que nos dicen mucho más ah esto es Rafael este es el mismo tema tratado
por Rafael este cuadro seguro que os suena también titulado los discursos
de la virgen ya de 1504 y solo quería hacer referencia no a las cuestiones
formales que ya marcan muchísimo sino a las cuestiones iconográficas que
sí se repiten por ejemplo la mano de la virgen en la barriga o las figuras
partiendo ramas lo veis aquí se usan menos personajes se echa mano de
otros recursos para generar profundidad estamos ya dentro de la perspectiva
cónica bueno no nos interesa porque se nos jala del tema y esto seguimos
en la capilla Baranchelli de Contadeo Gadi, esto es la expulsión de
Joaquín del Templo padre de la virgen, de María fijaos la arquitectura
soy muy pesado, ya lo sé los modelados de ropajes y rostros el fondo no
dorado bueno se podría hablar también de los gestos de las manos algún
detalle más que queráis comentar rostros alargados tienen barba mucho y
algún detalle paisajístico algún detalle un colateral en este caso
apenas los apreciamos en otros casos serán mejor bueno con esto nos vamos
a Siena y cambiamos de autores y ahora diréis esto lo hemos visto parece
que ya lo hemos visto pero no no lo hemos visto esto es ducho de Bueniseña
estamos en Siena ya el ámbito Siena se va a caracterizar sobre todo por
también por los gestos van a tener mucho peso se caracterizan como gestos
en general elegantes no tanto con ese efecto expresivo y también la
riqueza de los detalles una gran un esmero especial en la representación
de los detalles fijaos en estas telas de fondo, es un ejemplo de una
representación minuciosa de un tejido otra vez, tabla y pentagonal la
convención estamos ante una maestra una virgen entronizada otra
convención iconográfica en la que aparecen por supuesto la virgen, el
niño y ángeles otra convención iconográfica aparece un trono un trono
que se desarrolla en tres dimensiones este es un elemento que ya toca con
Florencia y este autor Duccio sería un poco equiparable vendría un poco a
representar el papel de Chimabue pero en siena aunque recibe también del
propio Chimabue su influencia no es que sean figuras que vayan en paralelo
sino que este Duccio se ve incluido por Chimabue multiplicación de
detalles no en los términos en los que os decía antes de Giotto, sino
detalles igual menos relevantes que tocan con esa búsqueda de riqueza de
las superficies a ver un detalle fundamental aquí en cuanto a la
construcción del espacio ya decíamos que teníamos un trono desarrollado
en tres dimensiones pero hay otra cosa que seguro que la veis bastante
fácil y que contrasta con lo que veíamos antes ¿cómo? los pies de la
Virgen sí, los pies de la Virgen están a diferente altura como en este
caso pero la clave está en los ángeles y es un elemento más retro que
una novedad los ángeles se colocan flotando es una representación más
abstraca que naturalista los ángeles flotan y por lo tanto se colocan
todos en un mismo nivel en un mismo plano aunque sean figuras con masa y
con volumen porque se modela sus rotajes de esta manera son figuras que
están colocadas en un mismo plano y en ese sentido no generan profundidad
adicional solo generan la profundidad que con su propio volumen que con el
modelado se crea pero más allá no generan profundidad teóricamente
deberían estar en planos diferentes porque vemos que este está a los pies
delante de los brazos del trono este también tiene una mano por delante
del brazo del trono quizá estos están sujetando la tela que está por
detrás o no, o se vienen ya para aquí no lo sabemos sin embargo en estas
otras obras está todo mucho más claro se colocan las figuras unas detrás
de las otras que es mezclo fijaos modelado de las ropas de la virgen que os
parece a la greca o novedoso o naturalista como lo veis fijaos en estos
casos os acordáis de Chimabue que decíamos que en este caso todavía se
representaba el plegado a base de líneas doradas líneas doradas aquí no
hay un modelado como tal vemos que hay una preeminencia de la línea dorada
en este otro caso no lo teníamos en este otro caso sí que hay un modelado
mucho más a base de claroscuro en este caso en el caso de la virgen
modelados a base de claroscuro se aprecian bien esas dos rodillas esas
piernas colocadas en diferente escalón sí, un poquito más hace un efecto
de brillo como si le cayera ahí un poco de luz y eso también ayuda a
modelar una figura pero, y aquí es donde donde antes bueno donde antes
hice una referencia que debía haber trasladado a este a este Jesús como
veis los ropajes de este niño aquí yo sí veo bastante planitud nos
parece que son bastante siempre es una cuestión de grado dice eso ajá,
habla de transparencia aquí en esta prenda en concreto vale eeeh pero en
referencia a la Madonna Ruchelite estás mirando eso vale, vale, vale vale,
vale este libro no es es otro no lo tengo conmigo bueno, pues muy bien
vamos ah, vale yo lo de la transparencia no lo aprecio en este caso me
parece que esa pierna esa pierna de Jesús que está flexionada no genera
espacio ni profundidad ajá vale te refieres a la anatomía ya vale sí sí
hay un modelado ahí bueno, el modelado también lo hay en la prenda pero
digamos que no corresponde no hay un desarrollo como en en la parte de la
biblia por decirlo así bueno, el fondo también es dorado y bueno y nada
más y vamos a ver más ejemplos de este autor vamos a seguir con Duccio y
ahora vamos a ver este crucifijo crucifijo de la colección Salini que
también lo comparamos con una obra de Cimabue aquí lo más destacado es
cómo se va suavizando y perdiendo ese efecto de ese tan marcado tan
sinuoso que era un cliché de la maniera greca aquí el paño de pureza al
igual que en el caso de la derecha sí es transparente sí tiene una gran
transparencia bueno, conste es una obra muy pincelada esta la reproducción
que traigo creo una mejor y está muy pincelada se nota, a la cara de
Cristo apenas se ve, pero bueno nos sirve para darnos cuenta de cómo es
ese paño de pureza y para ver que también hay un modelado en la anatomía
del torso y del vientre y ahora vamos a ver otra maestra el mismo autor
seguimos con Duccio que es la que califican como su obra maestra la maestra
de Siena se llama una obra que tiene dos caras un anverso y un reverso que
en origen era una obra monumental que tenía varios registros ensamblados
unos con otros de la manera que veis aquí abajo creo que esto es una
reconstrucción artificial vía o algo así creo que no es una foto eso es
un montaje de cómo sería la obra que tendría un panel central
rectangular muy apaisado una serie de paneles de registros más pequeños
en las partes superiores unos remates con pináculos góticos esta parte
que aparece aquí un poco tapada se llama Predella a las partes bajas a los
sotabancos de todos los retablos los retablos tienen una parte baja esa
parte baja tiene el nombre de Predella en este caso esto que apenas se ve
aquí la parte baja de esta obra se llama Predella pero nosotros nos vamos
a quedar con el panel central con el panel más importante que es donde
aparece la Virgen entronizada vemos por un lado el anverso en la obra es de
1308 o 1311 datos que ya tenéis en el libro aparecen ángeles santos y
santas la presencia de los ángeles ya vemos que es común
iconográficamente en este caso también se incorporan santos todos ellos
representados con gran esmero en cuestiones de modelado de ropas y no solo
eso, sino que también hay un gran énfasis en las cuestiones de talismo y
preciosismo por ejemplo bueno, en la prenda de este obispo acá suyo se ve
ahí que hay una banda decorada también los propios cajeados del trono
también es un efecto muy decorado el de ese trono con todos esos cajeados
una especie de entablamento tiene también una una especie de textura muy
enrevesada vemos ahí como si hubiera mucho detalle que pudiésemos
apreciar haciendo zoom pero no podemos hacer son elementos que aparecen muy
detallados por lo demás la postura de la Virgen en general mantiene el
mismo esquema que hemos visto hasta ahora y en cuanto al modelado de sus
ropas vemos otra vez el efecto de rodilla iluminada que contribuye a crear
volumen en la figura e indicarnos que hay una pierna entrando en
profundidad hacia nosotros son obras donde los personajes donde la
protagonista la Virgen y el niño en las obras anteriores que representan
esta misma iconografía pues se caracterizan por su humanización
hablábamos con Giotto por primera vez un poco de esa humanización marcada
y aquí también nos encontramos con ese efecto las figuras se colocan
también formando diferentes registros sus cuerpos se tapan los unos a los
otros pero nos encontramos con el fondo dorado otra vez ahí la convención
y bueno, el trono ya veis que también está construido tridimensionalmente
de una forma lógica otro autor Simone Martini perdón no, esto es la parte
de atrás de lo que estábamos viendo antes el reverso y veis que en el
reverso a diferencia de la otra parte nos encontramos con escenas
narrativas con 26 episodios de la pasión de Cristo en concreto el que os
aparece en el manual es este la entrada de Cristo en Jerusalén nos habla
de que es complejo compositivamente y que incluso tiene algunas
incongruencias en la construcción espacial como por ejemplo el tamaño de
las figuras que a veces no se corresponde con la profundidad o con el plano
en el que se encuentran pero por lo demás siguiendo grandes rasgos y sin
centrarnos en lo que representa cada una de las escenas veis como bueno,
tenemos fondos dorados en muchos aspectos pero también tenemos muchas
referencias paisajísticas ya sean arquitectónicas ya sean de naturaleza
tenemos muchos personajes personajes que se solapan los unos a los otros
que gesticulan y que se modelan a base de claroscuros queréis preguntar
algo no sé si tengo aquí algún detalle alguno hay bueno, queréis decir
algo aquí se reconocen un poco mejor las escenas creo reconocer igual un
lavatorio de pies puede ser o Cristo ante Pilatos veis como en todos los
casos hay una arquitectura que se desarrolla en profundidad y como todas
ellas son escenas narrativas donde las manos ejercen un papel importante
para contarnos la historia la historia que no sé en cada caso, no lo sé
pero sí si son los elementos que llevan la fuerza de la composición
fijaos en estas manos todas cómo se dirigen hacia el mismo punto en este
caso yo pensaba en el lavatorio de pies porque veo ahí una figura un tanto
encorvada y con las manos hacia delante no encontré mejor resolución para
la obra pero me ocurre que podría ser podría estar relacionado con ese
episodio y ya nos es hora pero aquí cambiábamos a Simone Martini que es
otro discípulo de Buccio fijaos aquí como también tenemos un desarrollo
espacial a través de un elemento que no es arquitectónico sino que es
efímero un palio y además sujetan físicamente las figuras que están
ahí o sea que todo eso es una tendencia naturalista son las figuras las
que están sujetando esa estructura bueno lo dejamos aquí entonces ya no
tenemos más clases suerte en el examen si todavía tenéis alguna duda o
queréis hablar de cualquier cosa usad el foro y yo seguiré por aquí vale
bueno gracias