Pues seguimos con el tema de Dioniso, de Baco. El otro día estuvimos
viendo un poco toda la idea de Dioniso y nos quedamos en el tema de
Ariadna. Acordaros cómo Teseo abandona a Ariadna en la isla de Narsos y
para suerte por Ariadna la encuentra allí Dionisos y se va a casar con
él. Entonces la lleva al Olimpo y la convierte en su esposa. Recordad que
estuvimos viendo esta escultura de taller romano que tenemos en el Museo
del Prado de Madrid. En esa sala circular donde empieza la zona de
esculturas. Además está sobre un pedestal estupendo que hoy en día antes
estaba pegado a una pared, ahora puede circular en torno a ella. Yo ayer
estuve en el Prado y se ve perfectamente el cabello suelto y largo como le
cae por detrás de ese brazo tan sensual que tiene. Bueno, vamos a ver
ahora una pintura que puede que os choque que esté aquí, que es el
Jardín de la Villa Medici de Velázquez. ¿Por qué voy a hacer alusión a
esta pintura? Porque el otro día ya hablé que esta ariagna que tenemos
aquí está inspirada en esta que estaba en el Jardín de la Villa Medici
que pinta Velázquez. La pintura de Velázquez se cree que es de 1630 y es
un paisaje que va a plasmar Velázquez al aire libre sin ningún pretexto
narrativo, es decir, sin un tema. Bueno, esto es una novedad tremenda.
Fijaros, hasta ahora en la historia del arte para que un artista pintara
tenía que haber... primero un cliente que encargará la obra, un
comitente, un cliente, llamarle como queráis, que encargará la obra.
Después un tema, un tema religioso, un retrato, un tema mitológico, el
tema que fuera, un tema. Pero Velázquez por primera vez en la historia del
arte, fijaros lo que estoy diciendo, estamos en 1630, se coge un lienzo de
muy pequeñito formato, porque fijaros el formato 44x38 es un lienzo casi
cuadrado, muy pequeñito, y sale a pintar al aire libre el jardín de la
Villa Medici, a pintarla en natural. Esto es algo totalmente novedoso. Esto
es lo que 250 años después van a hacer los impresionistas. Es decir,
trabajar sin encargo, trabajar sin tema predeterminado y pintar al aire
libre del natural lo que se les ocurra. Por eso cuando los impresionistas
conocen la pintura de Velázquez, aparte de que Velázquez es un gran genio
de la pintura por la perspectiva aérea y por todo lo que hemos estudiado,
le consideran como un antecesor del impresionismo y de toda la pintura
moderna precisamente por estos jardines de la villa. ¿Qué es lo que está
pintando en estos jardines de la Villa Medici? Pues realmente está
pintando la luz, el aire, la atmósfera, son los protagonistas del cuadro.
Esa luz, ese aire, esa atmósfera son los verdaderos protagonistas. No
tenemos una temática como habíamos tenido en el resto de las pinturas.
Fijaros, se plasma un momento en el que él sale a pintar, bien puede ser
por la tarde, bien puede ser al mediodía y esto quién lo va a volver a
hacer? Lo va a volver a hacer Claude Monet cuando pinta la Catedral de
Rouen. Yo no sé si conocéis la obra de Claude Monet. Claude Monet pinta
la Catedral de Rouen a distintas horas del día. Sabéis que Claude Monet
se alquiló un apartamento, se alquiló un piso en frente de la Catedral de
Rouen para poder plasmar la Catedral de Rouen a distintas horas. Bueno,
esto que hizo Monet fue algo tremendamente novedoso. Sabemos que
dependiendo de la luz que dé, las fachadas son de una manera o son de
otra. Las fachadas, no sé si sabéis, que las fachadas de las iglesias,
salvo excepciones, están orientadas al oeste. ¿Por qué? Siempre la
cabecera de una iglesia está al este, porque es por donde sale la luz y se
identifica con Dios, y los pies, lo que es la fachada, está al oeste
porque es el mundo del pecado y el mal desde donde entramos a los
pecadores. Por eso al estar la fachada del oeste no es lo mismo tener una
luz de por la mañana. en la que no hay sol, tener una luz del mediodía
donde el sol está totalmente perpendicular o tener una luz de atardecer
donde la fachada está totalmente iluminada por el sol. ¿De acuerdo?
Entonces, Los Mones sí que hizo una serie de pinturas sobre los distintos
momentos de la catedral de Uruguay. Bueno, pues esto va a ser un poquito la
iniciativa que tiene, ¿verdad? Que va a dejarse al jardín y captar ese
momento que tenemos ahí. ¿Qué es lo que pinta exactamente Berlán? Pinta
una serliana. ¿Qué es una serliana? Es una estructura arquitectónica que
combina un arco de medio punto con vanos adientelados, o sea, como el
concepto de un arco de triunfo. Lo vamos a ver ahora. Y está pintando un
detalle de la Villa Medici. Además, en ese fondo de la Villa Medici, de
esa serliana, va a aparecer esa ariana dormida que nos va a dar origen a la
escultura anterior que acabamos de ver. Entonces, lo que hay aquí es
ausencia de tema, plasmación directa de la naturaleza y que la luz y la
atmósfera sean los protagonistas absolutos. No hay una historia sagrada,
no hay una historia mitológica, no hay una vista urbana, es decir, lo que
estoy plasmando, lo que plasma Velázquez es la visión directa de la
naturaleza. Bueno, hay varias teorías de cómo plasma esto. Fijaros, se
cree que lo plasma hacia 1630 porque Velázquez hace un primer viaje a
Italia y vuelve a Madrid en 1630. En ese primer viaje a Italia, Velázquez
estuvo viviendo dos meses. en la Villa Medici. Por lo tanto, se puede
suponer que en esos dos meses que estuvo allí pintara estos jardines de la
Villa Medici. Pero hay una segunda hipótesis y es que el estilo que plasma
Velázquez en estas pinturas es muy avanzado, muy suelto, muy deshecho y
entonces los que son partidarios de esta segunda teoría dicen que sería
del segundo viaje a Italia porque la pincelada es mucho más suelta y mucho
más deshecha. Yo soy más partidaria del primer viaje a Italia,
sencillamente porque está viviendo dos meses en la Villa Medici, me parece
mucho más fácil que el artista baje a pintar del natural y al ser una
obra propia para él, sin encargo, la pinta libremente. Yo creo que eso es
lo que hace que la pincelada sea mucho más suelta y mucho más deshecha
como va a ser después en su producción, pero eso es una opinión
personal. Mirad, aquí tenéis ese famoso jardín de la Villa Medici y con
estas pinturas de la Villa Medici a Velázquez se le considera un precursor
de la pintura contemporánea. Mirad, esto es la serriana, es este arco de
medio punto con los dos vanos que tenemos aquí. Un vano es un hueco de
comunicación, un vano es una puerta, es una ventana, es un arco. Mirad,
eso es un vano. Se les llama vano o luz porque es un hueco de comunicación
o por ello se entra la luz. El central es un arco de medio punto y los dos
laterales son adintelados, como en los arcos de triunfo. Realmente se está
inspirando Serlio y los artistas del Renacimiento, los arquitectos del
Renacimiento se inspiran en los arcos de triunfo romano. Pues aquí lo
mismo, tenemos esa Serliana. Y fijaros, aquí justo debajo del arco de
medio punto veis a la Diana dormida. No sé si la veis bien. Sí, apaga la
luz. Los de casa posiblemente lo veréis mejor, porque yo no sé cómo se
ve esto en casa. El artículo de arco de triunfo, el artículo romano, el
artículo de la medicina romana. Claro, de todo el mundo romano. Bueno,
pues mirad, mirad aquí, se ve esa escultura de la Ariadna dormida que
acabamos de estudiar, la veis, dormida, tumbada, con el brazo derecho
elevado, con esa postura sensual y aquí lo que tenemos es la captación
del paisaje con esta arquitectura serriana y bueno, pues aquí un jardinero
y un caballero, pues realmente Velázquez está pintando lo que está
viendo de natural. Yo os digo que se anticipa casi 250 años a lo que luego
va a ser la pintura impresionista en tamaño. O sea, en formato, en plasmar
la luz, la atmósfera, la pintura al aire libre, en que sea una obra de
motu propio, que no sea un encargo, en la ausencia de temática. ¿De
acuerdo? Por todos esos, y sobre todo en la pincelada suelta deshecha, por
todos esos factores, por esos cinco factores, bueno, pues a ver a qué se
le va a considerar como un antecesor de lo que es la pintura impresionista
y uno de los grandes maestros que se adelanta en las edades. Vamos a ver
otra. Bueno, yo creo que la imagen que tenéis aquí, yo me cuido mucho de
que se viera también bien. Bien, bueno, mirad, vamos a ver ahora una de
las obras, desde mi punto de vista, más bellas de Tiziano, que plasman el
tema del abacanal. Hemos visto el tema de Baco, ahora vamos a ver el tema
del abacanal. Es el abacanal de los Andrios, que está en el Museo del
Prado. Cuando yo estudiaba se llamaba el abacanal a secas. Hoy en día se
la llama el abacanal de los Andrios. Es una pintura del principio de
Tiziano, 1523-1526, un óleo sobre lienzo, que la tenéis en la primera
planta del Museo del Prado, en la sala de los Tizianos. Bueno, Velázquez
va a pintar, perdón, Tiziano va a pintar esta bacanal y lo que nos vamos a
encontrar con esta bacanal es que hoy en día se cree que transcurre en la
isla de Andros, la escena. Por eso hoy en día se la llama la bacanal de
los Andrios. ¿Por qué se cree eso? Porque se decía que la isla de Andros
era una isla tan favorecida por el dios Baco que el vino manaba de un
arroyo. Y entonces cuando nos acercamos a la pintura estamos viendo que hay
un arroyo justo delante de los personajes y en el arroyo no hay agua
transparente, cristalina, se ve rojiza. Y por eso se ha llegado a la
conclusión que es la isla de Ambros donde, ya os digo, el vino manaba de
una roya. Realmente, ¿qué es lo que está plasmando aquí Tiziano? Está
plasmando un abacanal. Y un abacanal es una fiesta donde, según decía
Filostrato, convertía a los hombres en más ricos, más adivosos, más
altos, más guapos. Es decir, cuando uno se toma dos copas, se desinhibe y
se cree que es mucho mejor y mucho más estupendo que los demás. Bueno,
además en primer plano vamos a ver que en primer plano hay dos mujeres y
hay una partitura musical. Y en la partitura musical hay unas letras. Si
esas letras las traducimos al castellano, dice el siguiente texto. Quien
vive y no repite no sabe lo que es beber. O sea, que ya nos está dando una
idea de que tomarse una copa no es suficiente. Hay que tomarse más de una
copa. Hay que repetir para saber lo que es beber. Bueno, Tiziano aquí
está aludiendo a las tres edades del hombre, porque vamos a ver que
aparece un niño, aparece un anciano, aunque la mayoría de los personajes
son jóvenes, disfrutando de esa fiesta, de esa bacanal en torno al
personaje de edad. En el ángulo inferior derecho hay un personaje
femenino, desnudo, de una tremenda sensualidad, que puede ser una menade,
que puede ser una ninfa, pero en fin, lo que nos va a interesar es ese
desnudo femenino. Bien, desde mi punto de vista es uno de los desnudos
femeninos más bellos de la historia del arte. Se la ha considerado en
ocasiones como Ariadna. Ha habido autores que la han considerado como
Ariadna. Yo discrepo totalmente de esa teoría porque Ariadna siempre es la
muestra vestida. Entonces, una figura que aparece desnuda o es una ninfa o
es una menade. Pero Ariadna no porque Ariadna siempre va a parecer dormida
y vestida. Esa es mi opinión personal. Bueno, ¿qué es lo que se está
plasmando aquí? Pues están plasmando hombres y mujeres que sirven de
modelos para estos desnudos. Aparece un anciano que duerme, aparece un
niño haciendo pipí, aparecen parejas bailando y esa mujer que manifiesta
abiertamente su sensualidad. Mirad, esta es la bacana de los sangrios que
tenemos en el Museo del Prado, bellísima, uno de los cuadros más bellos
de Tiziano, que lo habréis visto en montones de ocasiones. Bueno, aquí
justo esto es ese arroyo que se ve un poco rojizo. Yo estuve ayer viéndola
en el prado. Cuando os acerquéis, no sé si aquí lo percibís mucho, esta
es una zona verde, una zona de hierba. Esto es un arroyo un poquito rojo,
un poco rojizo. Eso es lo que hace pensar que es la isla de Andros donde
hay ese arroyo en el que hay vino en vez de agua. Dos fijaros, vamos a ir
leyendo la pintura de izquierda a derecha. Las pinturas siempre se leen de
izquierda a derecha, igual que escribimos. Y se miran así, de izquierda a
derecha. Entonces mira, aquí de izquierda tenemos un personaje que está
bebiendo vino. Y otro que ha cargado en una vasija, en un ánfora, ha
cargado el vino del arroyo y se la lleva. Aquí tenemos otro personaje y si
os dais cuenta tiene ahí la mano con otra vasija recogiendo vino del
arroyo. Aquí tenemos otro hombre desnudo que está escanceando vino en el
plato de esta mujer que tenemos aquí. Aquí tenemos a estas dos mujeres
que justo aquí delante tienen esa partitura musical en la que viene esa
frase que os he dicho, quien bebe y no vuelve a beber no sabe lo que es
beber. Bueno, las mujeres, si os dais cuenta, todavía tienen el cabello
recogido. Es decir, todavía no han bebido en exceso. Tienen un escote
pronunciado, están muestras sexualmente el hombro, pero todavía tienen el
cabello recogido. Eso quiere decir, ya os digo, que todavía no han bebido
en exceso porque uno de los efectos del alcohol es que uno se desinhibe.
Entonces, es el momento en el que las mujeres se sueltan el cabello. Aquí
tenéis un niño que se está levantando la túnica y está haciendo pipí.
El niño ha bebido un poco y entonces el efecto es que hace pipí. Aquí
tenemos otro personaje con otra vasija de vino. Y aquí tenemos una pareja
que están bailando. Uno de los efectos del alcohol es que te desinhibe y
te hace que estés más contento y que tengas ganas de cantar y que tengas
ganas de bailar. Y bueno, aquí tenemos esa pareja que están bailando. Y
fijaros ya cómo va. Él ya no tiene calzas, solamente lleva el blusón. Y
ella nos enseña el hombro, nos enseña la pierna y lleva el cabello
suelto. O sea que vamos encrechendo. Están contentos, han bebido vino,
cantan, bailan, están disfrutando de la fiesta en honor a Bach. En la
parte superior tenemos a un anciano. ¿Y qué es lo que le pasa al anciano?
Se ha tomado dos copas y se ha dormido. Por lo tanto, el efecto en el niño
que hace pipí, el efecto en el anciano que se ha dormido. Y por último,
la figura más bella de toda la composición, sin lugar a dudas. A mí me
parece uno de los, a mí personalmente, uno de los dedos más bonitos y
más sensuales de la historia del arte. Este personaje femenino, que
posiblemente sea una menade porque si estamos en una fiesta en un abacanal,
este personaje femenino, fijaros la postura, fijaros la sensualidad, con la
cabeza echada hacia atrás. Eso es lo que a mí me lleva a pensar que es
una menade. Las menades son las que más me gustan. Las menades son mujeres
que beben, que van ligeras de ropa, que se contorsionan hacia atrás, que
echan la cabeza hacia atrás, que llevan el cabello suelto, la cabeza
atrás, el cabello suelto. Todo parece indicar que puede ser una menade o
una ninfa. Bueno, fijaros nuevamente el brazo levantado, subiendo el busto
en esa postura sensual, fijaros las piernas, una pierna avanzada sobre
otra, marcando una clarísima diagonal en la composición, marcando una
marcada sensualidad, erotismo, es una pintura de una belleza indiscutible.
Si esta pintura estuviera pintada sola, hubiera sido uno de los grandes
hitos de la historia del arte. ¿Qué pasa? Es demasiado sensual para estar
sola en una pintura. Entonces está aquí como camuflada en una esquina
dentro de un abacanal, bueno, da juego dentro de un abacanal. Como leemos
los cuadros de izquierda a derecha, Tiziano lo ha hecho con toda la
intención. Empezamos mirando aquí pero acabamos mirando a la derecha. Con
lo cual, nuestra imagen final de la vaca en al de los anillos va a ser la
pareja que están bailando con esta mujer de cabello suelto, escote y que
le vemos la pierna y este personaje femenino que tenemos aquí. Nuestra
mirada se va a detener ahí y es lo que vamos a recordar. Pero bueno, es
una obra de arte, maestra. Dime. ¿Lo ve? Pues no lo veo. Espérate que me
ponga las gafas porque yo no veo el pavo real por ningún sitio. ¿En el
árbol de la derecha? Ah, sí. Sí. No, pero no es un pavo real. En todo
caso sería una pava. No tiene cola. No tiene cola. No tiene cola. Sí.
Sí, sí. Puede ser una pava porque no tiene cola. Pues mira, ni la había
visto. Pensé que formaba parte de las ramas. no, no, no tiene no todo
tiene por qué tener significado bueno, pues ahí tenéis esa bacanal de
los angrios que desde mi punto de vista es una de las obras maestras de
Tiziano, la tenemos aquí en el trago además nada más entrar en la planta
de arriba, nada más entrar a la sala de Tiziano lo primero que nos
encontramos de frente es la bacanal de los angrios además se han puesto un
banquito justo enfrente para sentarnos a que nos podamos sentar a disfrutar
¿De acuerdo? Bueno, pues esa pintura la tenéis. No lo sé, no lo sé, eso
ya... No, no lo sé si se podría ejecutar. Me imagino que sí porque los
pintores son muy concienzudos, ¿eh? Yo me imagino. Bueno, vamos a ver otra
bacanal para que veáis, quedaros en la retina con esta bacanal de Tiziano,
porque vamos a ver otra bacanal que hay en el Museo del Prado de la misma
época, fijaros, la de Tiziano es de 1523-1526 y esta otra es del
1525-1526, con lo cual son contemporáneas. Está basada también en el
poeta romano Ovidio, en ese encuentro entre Baco y Ariadna y bueno, vamos a
ver cómo Baco va en su carro tirado por panteras, acompañado de ese
cortejo de sátiros, de menades, precedido por Sileno montado en un asno,
en fin, todo lo que es ese cortejo del que hablamos el otro día. Fijaros
que diferencia la pintura de Nicolas Poussin, es mucho más clasicista, es
un pintor francés y aquí realmente lo que nos vamos a encontrar es una
pintura muchísimo más oscura, no tiene la luz y la vitalidad que tiene
Tiziano ni muchísimo menos. Nos encontramos distintos personajes, fijaros
aquí tenemos a Baco montado en su carro, tirado por esas panteras que hay
aquí, que son como un borrón. Normalmente decimos que en Occidente como
no se conoce la pantera, se plasman tigres o se plasman leones, es lo que
se suele plasmar. Y ahora, por ejemplo, que vengo del Prado de explicar la
de Rubens, bueno, pues en la de Rubens se ve perfectamente el carro tirado
por tigres, que es lo que, pues es normalmente lo que se pone, porque el
concepto de pantera no se tiene claro en la siguiente. Entonces aquí
tenemos ese carro de vaco tirado por esos tigres, bueno, y tenemos pues
todo lo que acompaña a una bacanal, todos esos sátiros, esas menades,
pues en fin, todo ese concepto. ¿Cuál es la gran diferencia? Pues que
Tiziano es un pintor de los nacimientos, un pintor de la luz, del lujo, del
color, y Nicolás Fusán, fijaros que nos da unos tonos mucho más oscuros,
mucho más sombríos, son contemporáneas. Y son dos formas distintas. Son
dos formas diferentes de concebir el mismo tema. Ah, sí, perdona. Sí,
sí, sí, perdona. Sí, pero lo que estoy diciendo es que son dos formas
muy diferentes de concebir. Esto lo que tiene es un contraste de colorido
entre luz y sombra. Fijaros qué diferencia, efectivamente, es desde un
siglo después. Y el Renacimiento es luz. Y concretamente Venecia es luz.
Tenemos esa luz, ese colorido, esa vistosidad. Y en cambio, efectivamente,
un siglo después, en el barroco Nicolás Poussin, lo que va a hacer es que
nos vamos a encontrar con una pintura con grandes contrastes entre luces y
sombras. Y aquí tenemos a las Ménades y a los Sátiros delante del capo
de Dioniso. Es una pintura mucho más oscura, donde lo que hay son grandes
diagonales. Y ese contraste entre la luz y la sombra. Dentro de una pintura
ya de corte barroco. ¿De acuerdo? Bueno. Perdona, ¿y ahí estaría Azna?
No, esto es una bacanal y aquí no estaría Azna. No, pero es que en las
bacanales nunca estaría Azna, ¿eh? Aquí tampoco estaría Azna. Es que he
leído ella en algún sitio, en esta moda, que es de por abajo. Esto me lo
digo. Que papá la curó. No, no. Es narrar el encuentro entre Baco y
Ariadna en la isla de Naxos. Eso es lo que nos dice el Museo del Prado.
Bueno, pues Ariadna sería esta de aquí. El encuentro puede ser este de
aquí, pero realmente sí. El Museo del Prado dice que es el encuentro
entre Baco y Ariadna, con lo cual Ariadna sería este personaje de aquí.
Sí, pero no se resalta mucho. No, no se resalta en absoluto. Ya veréis
ahora que vamos a estudiar otro tema de Baco y Ariadna que no tiene
absolutamente nada que ver. Entonces, además, normalmente Ariadna, como es
su esposa, no participa en los bacanales. Puede ser. Pero entonces no
sería una bacanal, sería el encuentro entre Baco y Ariadna. Bueno, el
siguiente cuadro que vamos a ver es el triunfo de Baco y Ariadna. Ya
veréis qué diferencia. Esta es una pintura barroca de Aníbal Carracci. Y
esta es una pintura maravillosa que yo tuve la suerte de ver hace ya unos
cuantos años en el Palacio Farnese de Roma. Fijaros, el Palacio Farnese de
Roma es uno de los edificios de los nacimientos más importantes de Roma.
Está ubicado en la Piazza Farnese, que es donde está el... Campo di
Fiore, si conocéis Roma, Campo di Fiore, donde está ese mercado de las
flores. El palacio estuvo hecho por Sangalo, por Miguel Ángel y por
Giacomo de la Porta, con lo cual intervienen los mejores arquitectos del
Renacimiento y perteneció a la familia Farnesio. Pero actualmente es la
sede de la Embajada de Francia en Italia. Entonces, cuando yo vi esta
pintura la tuvimos que ver con unos permisos especiales, con un pase
especial, con un grupo de gente muy concreto y entonces para ese palacio
Farnesio, para una sala principal, pues Aníbal Carracci lo decora con el
tema de Baco y Ariadna. Es una sala estrecha de 27 metros. Y realmente la
pintura está enmarcada por estucos como si fuera un cuadro. Este vaco,
fijaros, aquí nos va a poner a vaco sentado en un carro de oro, le veis
aquí a vaco con un vaco joven sentado en un carro de oro, que le veis
tirado por unas, volvemos a ver, que son panteras, pero fijaros cómo
vuelven a ser representados como tigres. Y aquí tenéis otro carro, que en
este caso es blanco, donde va Ariadna en un carro tirado por cabras. Pero
fijaros, aquí plasma el momento en que unos puti, los puti son esa especie
de angelitos, cuando pertenecen al mundo cristiano hablamos de querubines o
de ángeles. Cuando estamos hablando de mitología, esos angelitos con
alas, esos niños con alas se llaman puti, son pequeños genios de la
naturaleza, reciben la denominación de puti. Pues fijaros, es el momento
en el que uno de esos puti le va a colocar una diadema de oro a Ariadna.
¿Lo veis ahí? ¿Por qué? Porque nos cuenta la mitología que en el
momento de la boda de Baco y Ariadna, Baco le regala una diadema de oro que
ha encargado para ella al dios Hefesto o al dios Vulcano. Sabéis que
Hefesto Vulcano se dedicaba a hacer las joyas de las diosas y las armas de
los dioses. Bueno, pues Baco para su matrimonio con Ariadna le regala una
corona de oro y aquí lo que se está plasmando es el momento en el que
Ariadna está recibiendo esa corona de oro por su matrimonio con Baco. Con
lo cual, esta pintura, esta bóveda es un canto al amor terrenal y al amor
divino. Aquí tenemos el amor divino de Baco y Ariadna pero también es un
canto al amor terrenal. ¿Por qué? Porque fijaros, esta pintura del
triunfo de Baco y Ariadna, que si os dais cuenta va rodeada, aquí tenemos
a esos sátiros tocando y aquí tenemos a este sileno, veis aquí un
sátiro anciano montado en un asno, a ese sileno subido en un asno. Bueno,
las vacantes, aquí tenemos una tocando una paredeta, aquí tenemos otra
con un cesto en la cabeza y esos amorcillos o esos putis. Bueno, pues
realmente esta pintura se hizo para conmemorar un matrimonio, el matrimonio
de Ranuccio Farnesio. con Margarita Aldobrandini, que era la sobrina del
Papa Clemente Octavio. Cuando se hace este matrimonio, en 1599, la niña
tenía 11 años. Son esos matrimonios que se hacen de conveniencia. Las
niñas, evidentemente, con esa edad se quedaban viviendo con sus familias
hasta que no tenían 14 o 15 años, no pasaban a vivir con el marido. Y
entonces, bueno, pues realmente se encarga esta decoración para el
matrimonio, para la unión de la familia Farnesio con la familia
Aldobrandini, que es la familia del Papa, dos familias importantes en ese
momento. Por eso os decía que es una valoración del amor divino de Baco y
Ariadna y también del amor terrenal de Farnesio con Aldobrandini. Yo tuve
mucha suerte, yo la vi, esta pintura, yo la visité en febrero, yo estuve
en febrero del 2012, pero bueno, porque iba con un grupo un poco especial y
te llevábamos unos permisos especiales de la Embajada Francesa. Hubo que
pedir un permiso especial de la Embajada Francesa, teníamos que ser menos
de 20, en fin, con unos permisos muy especiales. Luego, por lo que he visto
en internet, porque esta información la he sacado en internet, dice que la
obra ha estado 18 meses en restauración y se ha abierto en el 2015, con lo
cual yo tuve una suerte tremenda porque la debí de ver justo antes de la
restauración. Ha sido una restauración, ha sido una obra de colaboración
franco-italiana para restaurar esta obra maestra de Carracci y fijaros se
ha restaurado con el mecenazmo de la URMF, entonces hoy en día se dice que
hay visitas guiadas a esta galería, con lo cual yo no sé si a raíz de la
restauración se permite ver de otra manera. Entonces, yo os digo, cuando
yo la visité en febrero de 2012 era complicadísimo, con esos permisos muy
especiales, además cuando yo la vi en febrero el permiso lo teníamos como
desde el mes de septiembre, una cosa con mucha antelación. Porque eran
grupos muy restringidos. Pero en cambio ahora lo que te dice la página de
internet es que se puede visitar con visitas guiadas. Así que si vais en
alguna ocasión a Roma, pues intentadlo. Intentadlo porque merece la pena.
Como siempre aquí os he puesto la bibliografía que he utilizado, el
pierro primal, la web del Prado, turismoroma.it, esaleya.org, que aquí es
donde he sacado la información de lo del Palacio Este Farnesio. Y luego un
libro que tengo yo sobre Miguel Ángel, la obra completa para el famoso
vaco de Miguel Ángel que estamos viendo y mi propio. Bueno, pues con esto
acabamos el tema de Baco y Ariadna y vamos a ver ahora...