Pues empezamos, vamos en el blog y aquí tenéis la escultura del
monstruo. Es un dossier, como ya os digo, con 76 páginas. Esta primera es
de introducción, como veis es la escultura del monstruo de Miguel Ángel,
que está en San Pietro, en Vinto y en Roma. Es la presentación y primero
vamos a empezar, voy a empezar hablando de la familia de la roya. La
familia de la roya se compuesta por varios miembros, el más famoso de todo
el royo que es Lepa de la Roja y la familia de la roya se dedica a trabajar
con la roya. Esta es la misma librera que tenéis aquí, normalmente es un
fundación de las figuras que se dan en blanco, es lo más habitual en la
familia del royo, debería ser la que se utiliza. Y luego suele meterle una
pequeña especie de coronas, tipo flores, casucas, entonces es lo
característico de la familia. Esto que tenéis aquí, bueno, son distintas
formas de piezas, la actividad, la madera de la familia, el tema de la
resurrección, la actividad de Cristo. La siguiente escena fijaros es la
infección, la corrección de la Virgen, varios temas pequeños. Entonces
estas mirraldas, las flores, las casucas, son típicos de esto. Y estos son
elementos decorativos que hacen mentalmente lo que parece una familia de la
roya, ello por supuesto no es importante para la persona. En el hospital de
los mil gentes, ¿os acordáis cuando hablé de Brunellesco y yo decía que
Brunellesco era el hospital de los mil gentes? Era el exterior de los mil
gentes. El hospital de los mil gentes está reparado también por todos los
milagros. Aquí veis como se colocan, se colocan unas escopetas de los
arcos, las escopetas son un espacio que hay dentro del hospital de los mil
gentes, y desde ahí se ponen escopetas y allí se pertenecen a la familia
de los mil gentes. Aquí tenéis estos medallones para reparar como eran
estos hospitales de los mil gentes y si os dais cuenta aquí lo que tenéis
es de cerca esos temas de franquicia, ya que veáis que aparecen estos
minifastados sobre todo aquí, la historia metabólica que responde aquí,
yo creo que los que tienen parte del cuerpo abierto, Enjutas, sí, mirad
esta parte de aquí, lo que cae entre un arco y el cimiento son enjutas. Y
ya de la familia de los brunellescos y de la familia de los mil gentes
vamos a ver otro interés. Las cantorías eran un elemento de coraje, y
veis que se hicieron en un cimiento para decorar el interior de
Santandería del Fiore, de la Catedral de Floresta. Entonces se hacen las
cantorías en el primero la lupa de la robia, esta cantoria de lupa de la
robia está en el gran museo del diómenis, la de la robia, entonces si os
dais cuenta divide a través de pilastras cargadas como si fueran mitetas,
si os dais cuenta es un poco la misma idea, tenemos un cojero de pilastras
cargadas que va a mirar al teatro, porque realmente se están pintando los
poderes de las cantorías, entonces ahí tenemos que se van poniendo
escenas de las mismas cantorías, cuatro aquí en el frente, una en la
parte lateral y otras cuatro en la parte inferior de Santandería del
Fiore. Una cerámica maravillosa, una pieza fantástica de la familia de la
propia Catedral de Floresta. Voy a ir un poquito deprisa para que me dé
tiempo a todo porque hay mucho tiempo. Este es el maravilloso David de
Donatello, 7.440 está en el museo del diómenis. Este David de Donatello
como sabéis se hizo para la familia Medici y estaba en el centro del
palacio, en la ciudad del palacio de Donatello, en el jardín que era donde
vivía la familia de Donatello. Bueno, es la primera escultura ya
plenamente artística, fijaros que son todos bíblicos, todos son de David,
y Donatello nos hace un David totalmente nuevo. Esto es una vuelta a
Donatello. En la ciudad del plástico, en la ciudad de Grecia, es las
figuras masculinas que han crecido. Porque la belleza se pierde en un
masculino vestido, y la elegancia es la mejor vestida. Entonces Donatello
nos abrió el talento de los plásticos y nos hizo esto en una belleza que
ha visto, ha venido en la 58, pequeñito y grande. Pero fijaros que
todavía parece que necesitaba un poco de reparo, de pillarlo, y le ponen
gorro y bota. Entonces fijaros, le ponen aquí el sombrero estupendo y le
ponen unas botas hasta la rodilla. Pero desde la rodilla hasta el rostro,
esto cambia. Con lo cual, esto ya es vital, es tan bueno para este minuto,
porque si no, no hace que las figuras crezcan bien. Es muy, muy difícil.
Bueno, David salió estudiando al ciudadano todavía. Aquí le ponemos su
espalda. Aquí le tenemos su espalda. Fijaros, todavía tiene una pose, es
muy divertido porque antes fue un desnudo, todavía tiene esa pose
enamorada, chingosa del gótico. Entonces fijaros esta pose totalmente
enamorada, con la cadera saliendo, con el brazo así. Y aquí en la mano
izquierda tiene la piedra con la que le va a lanzar a Rolí. Entonces
acordaros que la piedra se la lanza con la ambas, le da en la frente, Rolí
hace los labios secos y cuando sale suelo le corta la espalda. Por eso
lleva en una mano la piedra y en otra mano la espalda. ¿De acuerdo? Bien.
Este es un detalle del busto, fijaros el sombrero, el rostro. Fijaros el
estudio anatómico del torso del David, cómo se hace un estudio anatómico
perfecto. Esto es maravilloso porque tened en cuenta que no sabíamos los
estudios anatómicos desde la Antigüedad Clásica. Hemos saltado un
montón de siglos para poder volver a un recibo y a un estudio anatómico
bueno. Entonces fijaros cómo Anatole es el primero que nos ha enseñado el
rostro y ese estudio. Aquí tenemos un detalle magnífico de la cabeza de
Goliat en la que nadie se fija cuando el David tiene una piedra. Yo cuando
vi al estudio de Araela le dije a la gente que se fijen la cabeza porque en
una mano la habéis visto que tiene una piedra, en la otra tienen una
espalda, pero abajo se tiene... ¡Ah! Pues bajar la persona. Sí, sí, pues
esto, ¿verdad? Claro que esto lo veo estupendamente. Bajar, bajar la
persona. Y si bajarla es un reloj. Bueno, pues fijaros lo que nos vamos a
encontrar es esa cabeza de Goliat. ¿Avanza? Pues incluso bajarla otra vez
si queréis. ¿Puedes bajarla otra vez? Está dura, ¿no? Bueno, pues aquí
tenéis esa cabeza de Goliat, el gigante Goliat, cómo le está pisando con
el pie la cabeza y David es... Gracias, ya está. Y David es el símbolo de
la libertad en el Antiguo Testamento. David significa que va a vencer a
Goliat y con ello va a llegar a su pueblo a la liberación, a la libertad.
Hay dos grandes libertadores en el Antiguo Testamento y los míos que sacan
a su pueblo el regalo divino que existe y los que hay que resiste los
divinos ven de las puertas del paraíso el otro es David que los libera de
la libertad. Y bueno, las esculturas se tienen que ver con cualquiera. La
libertad. Sí, la libertad de la señoría de Florencia. De hecho, en David
se trabaja muchísimo la señoría de Florencia indicando que la señoría
de Florencia es el símbolo de la libertad es el símbolo un poco de lo que
está en la cabeza del resto de las ciudades españolas. Siempre tiene ese
símbolo. Sí, sí, sí. David siempre es el símbolo de la libertad, ¿eh?
De la fuerza y de la libertad. Entonces, no hace suerte una fuerza abrupta
física sin trabajar con la mente. David, fijaros, David es un adolescente
que se encuentra en el gigante y entonces una lucha cuerpo a cuerpo no
tiene sentido que no es tan importante la fuerza física sino que cómo con
la inteligencia puedes vencer a la fuerza abrupta ¿no? Esa es la
simbología que tiene el símbolo de la libertad. Pues no, no, pero tampoco
me voy a detener en cosas que no tienen trascendencia porque no es una
sanatoria ¿no? Vale, bueno, pues ahí tenéis la historia lo requirió el
encargo de hacer la segunda cantería si os dais cuenta las cuantas en la
era la cantería que no tiene muchos elementos entre las otras aquí
tenemos que la misma donde debe tener unas pilas también de bóquita
porque no tienen la paleta y aquí se explicó el concepto de una pantería
que primero se hizo la de la robia, la de la robia, que es una pieza de
mármol dividida en cinco espacios y concretamente la de la robia, que
tiene esos pupis bailando. ¿Me oís ahora? ¿Me oís ahora, por favor?
¿Me oís? ¿Se oye ahora? ¿Un poco mejor? ¿Me oís ahora? ¿Me oís
ahora? ¿Me oís ahora? ¿Se oye ahora? ¿Mejor? Vale, continuamos. ¿Desde
dónde no habéis oído exactamente? Bueno, estoy con el David de Anatello,
¿eh? ¿Nada? Vale. Bueno. Nada mejor en la pieza, ¿no? El equipo de la
verdad. No sé. El equipo de la verdad. No lo sé. ¿Ya oís bien? ¿Puedo
continuar? Vale. Continúa. Vale, muy bien, pues continúa. De acuerdo.
Vale. Bueno, estaba hablando de la familia de la ropia, que es cerámica
vidriada y cómo trabaja la cerámica vidriada, que son las primeras, y
estamos en la… estoy en la página 10 del documento y estoy hablando del
David de Anatello. Bien. Si no, lo sujeto yo, pero no tenía, ¿eh? No
tengo problema. Ah, para ajustarlo. Vale. Ahora se oye mejor, me imagino.
¿Oís, por favor, desde casa? Sí, vale. Perfecto. Muchas gracias. Bueno,
pues os estaba diciendo que lo que he explicado es la cerámica vidriada de
la familia de la ropia, que son las primeras imágenes, y el concepto del
David de Anatello, ¿eh? Sí. Entonces, estamos en la página 10 del
documento en internet, en mi página, y bueno, hemos hablado de Anatello,
de ese David de Anatello que significa siempre la libertad, y que es una
escultura que aunque tiene todavía una pose amanerada, sinuosa, ¿eh?,
sacando mucho la cadera, que eso todavía es muy gótico, pero el hecho de
que vaya totalmente desnudo significa que es la primera escultura ya plena
en internet. De acuerdo. Estamos ahora con la cantoría de Anatello, esa
pieza grande de mármol que tenéis en el Gran Museo del Duomo, y vamos a
ver otras obras de Anatello. Por ejemplo, mirad, esta es la Anunciación de
Anatello, es un relieve, que está en la Iglesia de Santa Croce, en
Florencia. Santa Croce es la iglesia donde están los enterramientos más
importantes, ¿eh? Bueno, pues aquí tenéis esa Anunciación de Anatello
de Santa Croce. Aquí tenemos a San Jorge, San Jorge en el Museo de la
Ópera del Duomo, ¿eh? San Jorge representa... también al Miles Cristi,
al soldado cristiano, ¿eh? San Jorge es también el libertador. Sabéis
que San Jorge libera a una princesa, ¿eh? Es un poco la misma idea que
Perseo, que también en la mitología clásica, que libera a una princesa.
Bueno, pues San Jorge representa al Miles Cristi, el soldado cristiano, que
realmente está liberando, ¿eh? Bueno, pues ahí tenéis esa escultura de
San Jorge de mármol. Bueno, esta es la controvertida Magdalena, la
controvertida Magdanela... Magdalena que está en el Museo de la Ópera del
Duomo, que es horrorosa, ¿eh? Entonces, bueno... Bueno, pues es una
escultura de la Magdalena penitente. Es una escultura de madera, de la
Magdalena penitente. Y entonces lo que nos está intentando mostrar por
Anatello es, bueno, el arrepentimiento de la Magdalena como, bueno, pues
como implora, como llora y realmente de tanto rezar, de tanto implorar por
sus pecados, el lamentable estado en el que ha quedado. O sea, nos está
dando un poquito esa visión de cómo después de pecar mucho, bueno, que
si nos arrepentimos nos va a perdonar, pero de alguna forma a nuestro
cuerpo le va a pasar factura de esa vida de pecado y de pernición, ¿no?
Se le atribuía a Donatello siempre, ¿eh? A mí no me pegaba nada, pero
bueno... Mirad, esta es la maravillosa Judith y los pernos de Donatello en
bronce. En todos los manuales, incluido el vuestro, pone que está en la
plaza de la señoría. Y no está en la plaza de la señoría, está en el
interior del Palazzo Vecchio. Entonces, este es el interior del Palazzo
Vecchio. Es una escultura impresionante y la mayoría de las esculturas que
estaban en la señoría, salvo el Perseo, que no sé por qué sigue el
original en la calle, bueno, pues se han ido llevando a sitios. Entonces,
el original está en el Palazzo Vecchio, ¿eh? Yo cuando hice el primer
viaje a Florencia lo estuve buscando, me lo habían dejado por ningún
sitio, pero yo había estudiado en la plaza de la señoría y cuando fui al
Palazzo Vecchio, mi propuesta es que afortunadamente está en el interior
del Palazzo Vecchio. También significa la libertad. Judith le corta la
cabeza a los Cernes para liberar a su pueblo. Fijaros, todos los símbolos
que había en la plaza de la señoría eran la libertad. El David, Judith y
los Cernes, el Perseo, ¿eh? Son todos símbolos de la libertad. Entonces,
sabéis que Judith era una vida, ¿eh? Y entonces era una vida muy hermosa,
¿eh? Entonces, la libertad era una vida muy hermosa y los Cernes era el
comandante en jefe del ejército que los estaba asediando y, bueno, pues
Judith intenta seducirle. Entonces, le invita a una cena haciéndole pensar
que le va a conceder sus favores y lo que hace es que le da muchísimo
vino. Los Cernes han empezado a beber vino, han empezado a beber vino y
cuenta, se cuenta en la Biblia que cuando ya están los dos en la tienda y
los Cernes, bueno, ha bebido tanto vino, pues ella ya se sienta en la cama
y ya cuando ha bebido mucho, ella le da un pequeño empujón con lo cual
cae hacia la cama y en ese momento ella dice que pues por la libertad de
Israel coge una espada y le corta la cabeza, ¿eh? Lo de cortar la cabeza
ya lo habéis visto es en el caso de David, es en el caso de Judith, va a
ser en el caso del Cernel Bautista, tenemos por ahí varios temas con la
misma idea. Entonces, aquí tenemos el momento mientras que a David le
vemos de una forma mucho más tranquila, a Judith es una mujer, hay que
dejar muy patente que realmente lo que está haciendo es sacrificarse por
su pueblo y lo que le va a hacer es cortarle la cabeza a los Cernes y luego
ya venir su haya, su criada con una bolsa para recortarlo, ¿eh? Entonces,
siempre que veáis la cabeza cortada, si veis una bandeja es en forma
autista, ¿eh? Y si veis una bolsa es el tema de Judith y los Cernes, ¿eh?
Porque la criada la corta. Esto ya os digo es el interior del Palacio del
Barguelo, aquí tenéis la flor de lis de fondo, que es el símbolo de
Florencia, no tiene nada que ver con Francia, es la flor del Liri, ¿eh?
Que lo toma en varios países, lo toma la señoría de Florencia, lo toma
Francia, se toma en otras partes. Bueno, pues aquí tenéis el tema de
Judith y los Cernes en el Palacio. Y les vamos a ir a las obras más
emblemáticas de Donatello, que es el Condotiero Gata Melata. Desde casa,
¿seguís oyendo bien? El Condotiero Gata Melata de Donatello que está en
Padua, que está justo delante de la Basílica de San Antonio de Padua.
Cuando uno va a Padua se encuentra la extraordinaria sorpresa de tener dos
en uno. Tiene la Basílica de San Antonio de Padua y justo delante de la
puerta está el David Donatello. Esta es una de las cúpulas de San Antonio
de Padua. Mirad, el Condotiero Gata Melata de Donatello y esta es una toma
en la que se ve más la Basílica y justo delante, un poquito a la
izquierda, está el Condotiero Gata Melata. Gata Basílica de San Antonio
de Padua. Me voy a ir hasta el Condotiero, que es en la página 15, y
fijaros que aquí tenéis la escultura del Condotiero. ¿En qué se estaba
haciendo Donatello para hacer el Condotiero? Pues ni más ni menos que en
la estatua ecuestre de Marco Aurelio que se acaba de encontrar en el
Renacimiento. Los condotieros eran personajes del ejército, se los pagaba
para que hicieran alguna guerra, algún acontecimiento en concreto. Estos
son los condotieros, son militares a sueldo y relaciones. Entonces, en
Milán tenemos al Condotiero Esforza, aquí tenemos al Condotiero Gata
Melata y se encarga de una escultura. Como es el tema del personaje
militar, que es realmente de la forja militar, Donatello se basa en esa
escultura del emperador Marco Aurelio. Hemos dicho cuando os expliqué en
un Capitolio que la escultura original está en el Museo pero que ahora
mismo lo que tenemos es una réplica en un Capitolio, pues si os dais
cuenta es el mismo Capitolio. Y como el Renacimiento es un arte de
verticales y horizontales, Gata Melata es la vertical y el caballo es la
vertical. Lo veis ahí perfectamente claro, ¿verdad? Vertical y
horizontal. Y además, como el Renacimiento es un arte de tranquilidad, de
armonía, de belleza, pues lo que se busca es una imagen de serenidad. Y
entonces nos da al caballo, o bien con las cuatro patas en el suelo, o bien
con las cuatro patas en el suelo, aquí con una bola. Fijaros, el de Marco
Aurelio tenía debajo de la pata al enemigo, que el enemigo se ha perdido
con el paso del tiempo. Entonces tiene la pata un pelín levantada porque
debajo tenía la figura del enemigo transmitiendo la idea de que el
emperador Marco Aurelio ha sometido al enemigo y le tiene bajo la pata del
caballo. Aquí lo que nos da es una bola, es decir, un símbolo redondo
donde apoya el caballo en la pata y fijaros, el trasmite una idea sobre
verticales, horizontales, de serenidad, de armonía, de equilibrio, de
belleza, porque son los ideales del Renacimiento. Nada que ver con lo que
va a ser el Barroco. El Barroco intenta plasmar movimiento de uno mismo y
diagonales, con lo cual los caballos del Barroco van a estar en posición
de corretta, es decir, las patas delanteras en posición de corretta. Son
temas con los que luego se trabaja. Pero realmente lo que estamos hablando
es del Renacimiento del Barroco. Siempre que veáis una escultura ecuestre
del Renacimiento o de un periodo clásico va a buscar eso, armonía,
simetría, equilibrio, serenidad y eso solo lo puedes mostrar con un
caballo tranquilo. Mientras que el Barroco que busca movimiento de uno
mismo y diagonales solo lo puede mostrar con un caballo en corretta. Por
eso todos los caballos de delante, fijaros en el príncipe de Altasar
Carlos, en la idea de todas esas... Normalmente van en corretta. Al
principio de la etapa de lácteos hay algún caballo transmitiendo esa
serenidad, pero lo normal es que estén en posición de corretta. El
problema en el Barroco les viene, porque claro, este aspecto en pintura es
muy fácil y podemos hacer un caballo en corretta en escultura. Entonces
por ejemplo en Madrid tenemos la escultura de Felipe IV que tenemos ahí
delante del Palacio Real y entonces esa tiene el caballo en posición de
corretta y no había forma de hacer eso porque claro, le preguntó el
artista a Galileo Galilei cómo podía hacer un caballo en posición de
corretta, un caballo de bronce y Galileo Galilei le dio la solución. De la
mitad del caballo hacia atrás, bronce macizo. De la mitad del caballo
hacia delante, bronce de hueco. Entonces el bronce macizo hace que todo el
peso esté en la parte de atrás y de contrapeso y así puedo levantar las
patas del caballo de adelante. Pues cuando pasáis por la Plaza de Oriente
y veáis el caballo, acordaros que gracias a Galileo Galilei los escultores
le consultaban y se empezaron a hacer los primeros caballos de bronce en
posición de corretta. Por otro lado en pintura es muy fácil pero en
escultura ya es otra historia y Galileo fue el que dio la solución. El
condotiero Gattamelata va a marcar un hito y si os dais cuenta ha marcado
un hito para siempre ya porque aquí hasta no hace muchos años Franco
tenía una escultura exactamente igual. Exactamente igual. Dando la idea de
fuerza, de poder, de ejército militar. Entonces evocamos a Marco Aurelio,
evocamos al Imperio Romano, evocamos a los condotieros del Renacimiento y
evocamos a la fuerza militar que representan estas casas. Bueno pues porque
son realistas. Mientras que los príncipes o las grandes familias van a
querer dar una imagen de belleza, por ejemplo, ya veremos la cabalgata de
los Reyes Magos de Venoso Gozzoli en el Palacio Medici. El Florenzo de
Medici tiene que ser guapísimo, magnífico, maravilloso porque aunque no
es príncipe, es de la alta burguesía, es entre comillas el príncipe del
Renacimiento. Entonces tiene que plasmarse eso. Mientras que en otro tipo
de personajes se puede plasmar tranquilamente el rastro y el retrato como
en Roma. Precisamente un militar lo que quiere es que se le conozca y en
cambio un personaje tipo Luis Medici lo que quiere es dar una imagen ideal
para la posteridad. Esto depende de lo que busquemos. O sea, esto depende
del concepto. O nos basamos en Grecia o nos basamos en Roma. Bueno, mirad,
este es San Marcos de Donatello. Esta está la iglesia de Orsan Michele.
Sabemos que San Marcos fácilmente por el león al lado que tenemos en la
parte inferior. Orsan Michele era una iglesia fundamental que está en
Florencia. Hoy en día es un museo de Roma. Entonces las esculturas
importantes, esta y la de Ropio que vamos a ver a continuación y la de
Tomás, hoy en día se han pasado al interior, que es el museo, y en la
parte exterior se han dejado una réplica. Esto es una cópia. El original
se encuentra en el interior. Y por último ya ese sacrificio de Isaac que
está en el Gran Museo del Duomo y nos muestra el mismo concepto de aquella
iglesia. Y aquí el formato cuadrilobulado que os acordáis que hizo para
concursar con Giverty a las puertas del Paraíso de Florencia. Ahí tenemos
a Abraham con un cuchillo en mano para matar a Isaac. Esta es esa
escultura. Vamos a pasarnos a ver Ropio. Ver Ropio unos años después nos
va a dar la otra imagen del David. Fijaros que Ropio todavía mantiene esa
forma sinuosa, sacando la cadera, que todavía viene del mundo del gótico,
son reminiscencias del mundo del gótico, pero ya Ver Ropio le cubre. Le da
esta especie de caudita, le da como las botas, en fin, nos da un concepto
diferente. Espada en mano que ya no se hace alusión a la onda ni a la
piedra sino espada en mano porque fijaros, le ha cortado la cabeza al final
de Goliad. Aquí sí que le da mucha preponderancia a Ver Ropio a la cabeza
de Goliad. Mientras que la de Donatello, la verdad es que si no te lo
dicen, te pasa desapercibida. Vamos, yo hasta que no la vi en directo no
sabía que la cabeza estaba de Ropio porque nadie te lo dice y realmente es
que te fijas en otras cosas y en cambio en Ver Ropio sí que es muy
presente esa cabeza del gigante Goliad. Mirad, aquí tenéis una foto con
las tres esculturas. El David de Ver Ropio con la cabeza de Goliad, el
David de Donatello y el San Jorge de Donatello. Es como están en el Museo
del Barguelo en Florencia. ¿De acuerdo? Tenemos a las tres esculturas y la
secuencia de las tres está fenomenal para ver las tres en esa posición.
Esta es de 1475. Otra de las grandes esculturas que va a hacer Ver Ropio es
la Duda de Tomás. La Duda de Tomás está en la iglesia de Orsan Michele,
también en Florencia, pero el original se encuentra, como os digo, en el
interior. Esto es una copia que se ha hecho para poner la imagen exterior y
el original se encuentra en el interior. Mirad que el original está en el
interior. Esta ya no son fotos nuestras, todas hasta aquí eran fotos
nuestras. Esta de aquí es una foto tomada de internet porque esto no lo
hemos llegado a ver cuando hemos estado en Orsan Michele. Fijaros en el
momento en el que Tomás, el incrédulo Tomás, dirige sus dedos a la llaga
de Cristo y cómo Cristo mueve su ropa para que él vea la iglesia. Es
allá, acordaros de la frase de Tomás. Y ahora vamos a ver lo más curioso
de todo. Y lo más curioso de todo es esto. ¿Cómo es la escultura? Es de
bronce hueco porque claro, para que lo que tú ves desde la calle, aunque
veas esa parte, es suficiente. Esto está tomado en internet. Yo digo que
yo no he llegado a ver este al final directamente en el museo. Bueno, pues
aquí tenemos esa imagen sacada de internet. Me parece curiosísimo. Y
ahora vamos a ver el condotiero que hace Berroquio. Los grandes condotieros
del Renacimiento son el Atamelata de Amatelo y el Coleoni de Berroquio. El
condotiero Coleoni de Berroquio está en Venecia. La verdad es que está
bastante apartado, hay que irlo a buscar, es profeso. Está delante de la
iglesia de San Juan y San Pablo, que es una iglesia donde se entierran los
drogos venecianos. Y bueno, pues está justo delante de esa iglesia.
Fijaros que es diferente al de Amatelo. En el de Amatelo plasmábamos la
armonía, la serenidad, la calma, la tranquilidad y este es más altivo.
Fijaros la pose, no tiene nada que ver. Fijaros esa pose del condotiero,
esa pose de la cabeza... en fin, tiene una pose más altiva. El caballo
tiene incluso la pata un poquito más levantada. Sigue marcando la vertical
y la horizontal pero les digo que es bastante más altivo que el otro. ¿De
acuerdo? Seguimos con Berroquio, una escultura deliciosa de una dama con un
ramo de flores, un buque de flores, que también está en el Museo del
Valguero de Florencia. Mirad, aquí tenemos esa dama con el peinado de la
época del Renacimiento. Los peinados pueden ser variados pero las mujeres
hasta la Primera Guerra Mundial no se cortan el pelo o no se lo sueltan.
Esto que os quedo muy claro, que ha ido de cara a la serie de los Medici
que es muy buena, pero tiene fallos y alguno de los fallos es eso. Mientras
que en la primera guerra mundial la primera temporada sí que todas las
mujeres las hacían con el cabello recogido, la segunda temporada, que es
la del ángel magnífico, las hacen atrás con el pelo suelto. Esto es
impensable hasta después de la Primera Guerra Mundial. Las mujeres tenían
que tener el cabello largo porque era lo que les gustaba a los hombres pero
siempre llevan recogido atrás como un moño, igual que en la antigua
Grecia, igual que en la antigua Roma, porque la parte sensual de una mujer
era el cuello. Es lo único que la veían, claro. Entonces la parte sensual
es el cuello. Pues las mujeres se soltarían el pelo en la antigua guerra
mundial. Pues se les soltaban para ciertas cosas, pero si hablamos del
término de que soltarse el pelo solo lo hacían las ménades o mujeres que
acompañaban a Dionisos en las bacanales, etcétera. Pero aquí fijaros esa
escultura maravillosa de esta dama. Fijaros por detrás cómo lleva esa
especie de tocado recogido el cabello. La vemos perfectamente el cuello,
exactamente. Bueno, mira, a ver si puedes estar por aquí. Sí. Bueno,
aquí tenemos otra imagen de este busto femenino. Fijaros qué maravilla.
Aquí tenemos ese cabello recogido, ese tocado. Y aquí tenemos otra imagen
más en la que aparece ese tocado. Con lo cual fijaros cómo está
perfectamente dibujado este busto femenino. ¿Por qué se empiezan a hacer
ahora los bustos? Pues sencillamente porque el renacimiento ha vuelto a la
antropología. El antropocentrismo de la antigüedad. Y con ese
antropocentrismo recuperamos no solamente la figura del artista, sino que
la gente recupera el concepto de retrato. Entonces, yo os decía el primer
día que durante la Edad Media solo ha habido temática religiosa. A partir
del renacimiento hay temática religiosa, por supuesto, que es la base
durante toda la historia del arte hasta el siglo XIX. Pero también hay
mitología, porque en la Antigüedad Clásica hay también retratos por la
misma idea. ¿De acuerdo? Entonces tenemos esos retratos que, en el caso de
las familias importantes, quieren dejar una imagen bella, ideal para la
posteridad. Y en el caso de los condotieros, quieren dejar una imagen mucho
más real para que lo recuperen. ¿De acuerdo? Depende un poquito del
concepto. Eso era más típico de las flamencas. Las mejores flamencas en
Italia no era eso la mayoría. Sí, sí, sí. Se le rapaban. Eso era muy
típico, pero es una moda que viene de Centroeuropa. Es una moda que
existen en Flandes. Y entonces en Flandes tienen la moda de que se rapan
las mujeres el pelo un poquito hasta las orejas, por decirlo de alguna
forma. Y luego se ponían un tocado para que llevan dos cornos a los lados.
¿No os habéis fijado en el matrimonio de Arnolfini? Bueno, pues ahí se
ven muy bien las cosas que hacemos con las modas de la época. Vamos a ver
ahora una de las grandes esculturas de Miguel Ángel que se estudia un
poco, que es el Baco de Miguel Ángel. Es una de sus primeras esculturas.
Fue usada en 1496-1497. Miguel Ángel tenía 21 años cuando hizo esto. El
dios Baco, el dios Dioniso, el dios Baco, aparece aquí, por supuesto, un
desnudo. Estamos hablando de un dios mitológico. Estamos ya con tema de
mitología. Si os dais cuenta, hasta ahora era un tema píblico. Donatello,
Berropio... David ya trabaja a final de siglo el tema mitológico con ese
Baco. Y, por supuesto, en la mano lleva una copa para el vino. En el
cabello lleva uvas. Y vamos a girar. Mirad, esto es de forma lateral.
Fijaros aquí la copa, las uvas en el cabello. Y fijaros justo detrás de
él cómo sujeta con la mano un racimo de uvas y detrás de él tenemos un
sátiro que está aquí comiéndose picaramente esas uvas. Entonces, ¿no
os dais cuenta? Bueno, fijaros qué imagen tan simpática del sátiro
comiéndose esas uvas en el momento que el Baco no se da cuenta. Aquí le
tenéis con sus patas de cabra comiéndose las uvas. Es un pequeño fauno
porque tiene cuernecitos, las orejas contiagudas... Estamos dentro de esa
primera escultura mitológica en honor al dios Baco. Esta es por detrás.
Fijaros qué maravilla. Tenemos una escultura de Baco, ¿eh? Vista por
detrás y desde el otro lado. La tenemos vista desde todas partes. Con lo
cual, bueno, pues nos vamos a ir ese Baco y si os dais cuenta la figura de
Baco sigue. Representa la verticalidad aunque todavía no con la gracia o
la elegancia que le va a hacer el David. Pero fijaros, os damos... Miguel
Ángel nace en el 75. Es jovencísimo, ¿eh? Miguel Ángel se va a
contrapuntar a la fama con este Baco. Este Baco es el símbolo del
hedonismo. El hedonismo, sabéis, que es la filosofía de vida de buscar el
placer por encima de todo. Que tengáis el placer, buena comida, buena
bebida, buena compañía... En fin, lo que nos gustaría a todos. Buena
casa, buen de todo, ¿no? Bueno, pues es el símbolo... El Baco tiene ese
significado. El símbolo del hedonismo. La búsqueda del placer por encima
de todo. Entonces fijaros que es muy importante porque mientras que el
cristianismo propugna que esto es un valle de lágrimas y el mundo es un
valle de lágrimas, el conocimiento, pues transmitir una idea de este tipo
es arriesgado en la época, ¿eh? Y entonces, bueno, es que no es tanto un
valle de lágrimas, también hay cosas agradables y hay que disfrutarla,
¿no? Entonces está transmitiendo ese símbolo del hedonismo en una época
bastante dura. Bueno, hemos visto el Baco gracias a las fotos que tenemos
en sitio desde todos los puntos de vista posibles. Y nos vamos ahora con la
obra más emblemática del Renacimiento. ¿Desde casa me oís bien? La obra
más emblemática del Renacimiento que es el David de Miguel Ángel IV. El
David de Miguel Ángel, como veis, representa la verticalidad del
Renacimiento, pero sobre todo es el símbolo de lo que es el Renacimiento
puro. Esta es de 1501 y 1504. Y esto significa verticalidad, serenidad,
armonía, equilibrio y belleza ideal por encima de todo. Son los grandes
símbolos del Renacimiento, exactamente los mismos que los de la Grecia
clásica. La verticalidad está clarísima en la figura de David. Fijaros
cómo plasma esa serenidad. Nos plasma un David que tiene la onda sobre, o
sea, la mano izquierda, ¿eh?, tiene la onda sobre el hombro y en esta mano
derecha que es la que vemos aquí abajo a la altura de su pierna, lo que
agarra es la pierna, con la que va a lanzar la onda. Pero, ¿qué momento
elige Miguel Ángel? Pues como estamos en el Renacimiento, elige el momento
de la serenidad, de la tranquilidad, de la armonía, de la belleza. El
instante en el que David está pensando que le va a lanzar la piedra del
rey. No la he querido poner para que nos liarais, ¿eh? Hay un David de...
En clase la voy a poner, los que estéis en casa. El David de Gian Lorenzo
Bernini, que está en la Galería Borghese de Roma. Y fijaros cómo el tema
va a ser siempre el mismo, pero ¿qué diferencia? Este es el David de
Bernini y fijaros, no tiene nada que ver, ¿eh? Mirad, este es el David de
Gian Lorenzo Bernini. Mientras que el David de Miguel Ángel marca la
verticalidad, la belleza, la armonía, la serenidad, el equilibrio, todos
los ideales del Renacimiento, el David de Bernini marca la verticalidad, la
armonía, la serenidad, justo los ideales del barroco. Movimiento,
esforzos, expresión en el rostro, absolutamente todo. Si yo me acerco más
al David de Bernini no me puede acercar nada. Pero bueno, si os dais
cuenta, el David de Bernini tiene los labios más apretados, el ceño
fruncido, porque está haciendo el esfuerzo de lanzar el disco, ¿eh?
Mientras que si nos vamos al David de Miguel Ángel, mirad, el rostro lo
que plasma es la serenidad. ¿Y esto qué es? Esto es Grecia. Los griegos
veían que la belleza estaba en la inexpresividad. Por eso el discóbalo de
Mirón está haciendo un esfuerzo físico, pero el rostro es sereno. No es
que los griegos no sepan plasmarlo, es que lo quieren. Es muy diferente.
Entonces, en el discóbalo de Mirón, pues una escultura que está haciendo
un tremendo esfuerzo físico para lanzar el disco, si os dais al rostro del
discóbalo de Mirón, pues veréis que es un rostro totalmente sereno.
Porque ya os digo que el discóbalo de Mirón es un rostro totalmente
sereno. Porque en Grecia lo que se busca es ese concepto de la belleza, la
serenidad. Entonces, mirad el discóbalo de Mirón, fijaros en su rostro.
Fijaros qué es la serenidad. Entonces, es imposible tener esta posición
forzada donde se nos marcan las costillas, donde se nos marca los músculos
de las piernas, donde se nos marca todo y en cambio tener este rostro
totalmente sereno como si estuviéramos durmiendo. Es técnicamente
imposible. ¿Qué hacen los griegos? Pues demostrarnos que dominan
perfectamente bien la técnica del estudio anatómico, del estudio del
movimiento, porque para hacer ese brazo de Mirón hay que tener en el
estudio la técnica muy importante, pero en cambio el rostro, si vosotros
quitáis el rostro y lo ponéis para conseguir que está tranquilamente
tumbado en algún sitio, no lo plasman porque la belleza es la inmensidad.
La belleza solo son hombres y mujeres jóvenes e inexpresivos. Los griegos
nunca hacen esculturas de ancianos o de niños. Siempre hombres y mujeres
jóvenes, inexpresivos y proporcionadas. Esa es la belleza. La proporción
y el equilibrio entre las partes y el todo. Esa es la belleza. Y ese es el
concepto de belleza que tenemos. Y en cambio aquí, fijaros, tenemos eso
que os he dicho. Tenemos proporción, equilibrio, armonía, ese ideal de
belleza clásico y esa proporción entre las partes y el todo. Porque si
manifestamos alegría o dolor, la serenidad se nos da y ya perdemos la
belleza natural. Por eso ellos que buscan por encima de todo la belleza sí
que nos dan un cuerpo extraordinario porque hacen culto al cuerpo. El
primer culto al cuerpo se inventa en el siglo séptimo antes de Cristo en
Grecia. Y tenemos un cuerpo extraordinario con un rostro extraordinario,
combinando esas dos facetas. Bueno, es que es distinto. Es distinto.
Mientras que los atletas representan el concepto de Dios ideal, la primera
generación de dioses olímpicos, tanto Zeus como Hades como Poseidón,
como son primera generación y son más mayores, siempre son maduros y
bárbaros. Pero porque tienen que representar que son la primera
generación de dioses olímpicos y están por encima de los demás. En
cambio ya los hijos de Zeus ya son imbébiles, ya no vivan bárbaros, son
más jóvenes, pues son los hijos de Zeus. Nos tienen que dar la diferencia
de edad entre el padre y los hijos. Entonces, claro, tienen que marcar la
diferencia generacional. No nos pueden hacer a Zeus, a Poseidón y a Hades.
Son los tres hermanos, primera generación de dioses olímpicos son los que
aparecen maduros y bárbaros para marcarlo. No, son los primeros dioses
olímpicos. Y los hijos de Cronos, sí. Los hijos de Cronos. ¿De acuerdo?
Bueno, pues fijaros en ese discólogo. Fijaros, como os he dicho, en el
David Ebermín y cómo plasman el rostro extraordinario. Esa expresividad,
pero en cambio a Miguel Ángel no le interesa eso. A Miguel Ángel estamos
como en el discólogo. Nos interesa la belleza ideal por encima de todo.
Por lo tanto, serenidad, armonía, equilibrio, proporción y belleza ideal
por encima de todo. Por eso el David Ebermín y el Ángel está considerado
el sumo de la belleza masculina porque nos plasma no solamente un cuerpo
extraordinario, sino también un rostro extraordinario. Serenio, armónico,
bello. Con ese concepto, bello ciudadano. ¿De acuerdo? ¿Tiene que ver con
la desproporción en la mano? Ah, sí, sí, sí. Hay una desproporción en
la mano. La mano es demasiado grande. Eso es una alusión que se le dijo a
Miguel Ángel que había hecho que la mano estaba desproporcionada. Y
efectivamente la mano, si os dais cuenta, si estirara esa mano, le llevaba
casi a la rodilla. ¿Eh? Entonces, le criticaron la mano y él, bueno, él
en su defensa dijo que realmente David era un efevo, era un adolescente y
que estaba creciendo, vamos, que todavía no estaba formado. Y que, bueno,
que él realmente estaba plasmando eso. No, no, no está tensa. Si me
dejáis pasar, si me dejáis... Es que si no, no me va a dar tiempo a
llegar. Mirad, la mano está tranquilamente en reposo, sin ningún
problema, sin ningún problema. Está sujetando la piedra. Entonces, aquí
tenéis el David por detrás y está, esa mano derecha está sujetando la
piedra. Aquí se ve esa piedra. Además es que justo aquí hay un banquito
así continuo, corrido. Es estupendo para sentarte cuando trae el David de
espaldas porque de frente es muy bonito pero de perfil y de espaldas es
maravilloso. Tiene un cuerpo y entonces, bueno, pues fijaros en la espalda
del David o el perfil del David. Es mucho más bonito visto desde aquí.
Esta escultura está pensada para ser vista desde aquí. Lo que pasa es
que, bueno, aquí se me pasa esto porque tengo la mano perfectamente y yo
iba a esperar aquí. Entonces, fijaros qué maravilla ese rostro, esa
mirada serena, esos labios relajados, plasman esa serenidad, esa
tranquilidad, ese equilibrio, esa armonía, esa belleza en el cultivo que
se busca de forma ideal desde la antigüedad griega y que él plasmaba.
Sí, pero expresa un montón pero es inexpresivo. Bueno, nos vamos con la
piedad porque si no nos quedamos a vivir con el David. Nos vamos con la
piedad. Bueno, la piedad de Miguel Ángel es otra de las primeras obras del
artista, un tema religioso evidentemente y es un tema en el que la Virgen
está sentada y en su regazo viene el Huespo ya muerto de su hijo Cristo.
La piedad es bellísima. Aquí no, bueno, ya sabéis que estaba con un
rostro blindado entonces aquí, bueno, las puedes hacer desde distintas
ópticas pero siempre de frente porque tampoco se puede hacer mucho más.
Cosas de la piedad, mirad, detalles de la piedad. Fijaros esos dedos de la
Virgen que a través del manto llegan al cuerpo de su hijo. Pues fijaros
cómo esos dedos se emiten a través de la piedad, de forma magistral.
¿Veis? Fijaros los pliegues de la vestimenta de la Virgen. Fijaros los
pliegues de la vestimenta de Cristo. Y el rostro de Cristo no podemos hacer
imágenes más cercanas porque esto es lo máximo que hemos podido
conseguir. Pero fijaros ese rostro de Cristo sereno, un Cristo que ya ha
muerto, que ya ha dejado sufrir, ese rostro sereno. Un rostro precioso y
maravilloso que hemos encontrado en la escultura de Galindiano en la que
representa a un Cristo muerto y avatares de la vida para la que posee su
amigo Eduardo Rosales, que murió hace poco tiempo. Eduardo Rosales murió
jovencísimo. Y entonces hay un Cristo maravilloso entrado de Eduardo
Rosales. Mirad la Virgen. La Virgen tiene aquí una banda y es la única
obra que firmó Miguel Ángel. Aquí pone Miguel Ángel Pérez. Esta banda
que tiene aquí la Virgen pone que la hizo él. Bueno, a partir del Baco y
de la Piedad, Miguel Ángel se catapultó a la fama de tal manera que no
volvió a firmar una obra. Todo el mundo sabía que aquello era de Miguel
Ángel. Pasa un poco como le pasaba a Velázquez, que no firmaba los
cuadros, pero todo el mundo le hacía para la corte y todo el mundo sabía
que eran los cuadros de Velázquez y pasa con otras cosas. Bueno, la
Virgen. ¿Notáis algo raro en la Virgen? ¿O algo que os llame la
atención? Demasiado raro, evidentemente. La Virgen es más joven que
Jesucristo. Mira, Cristo tenía en torno a treinta y tres años cuando
muere. La Virgen tiene en torno a quince años cuando nace Jesús. Pues
ponemos a calcular, tenía cuarenta y ocho años. Cuarenta y ocho años en
esa época es un rostro de una mujer de setenta de edad. Y, en cambio,
fijaros el rostro que tiene la Virgen. Más joven que Cristo. ¿Por qué?
Porque volvemos al mismo concepto que en el David. La Virgen no está
plasmando el concepto de una mujer de cuarenta y tres años. Sino que está
plasmando el concepto del ideal de madre, del ideal de mujer, de la
perfección de belleza femenina. Entonces, la Virgen es esa madre que nos
representa a todos, que es madre de todos, y tiene las cualidades que nos
referirían a todos los que tuvieran nuestra madre. Es joven, es bella, es
dulce, es tierna, es cariñosa... El ideal que ponemos en la madre es el
ideal que tiene la Virgen María. Todas esas cualidades maravillosas de
ternura, de comprensión, que a todos nos gustaría tener la figura de una
madre, se las atribuimos a la figura de la Virgen. Por eso el cristianismo
te conforma si no te ha caído en la lotería de la vida una madre buena,
tienes una madre que es la Virgen. Si no te ha caído un padre bueno,
tienes un padre que es Dios. Entonces, estamos compensando siempre desde el
cristianismo las carencias que podamos tener en este mundo. Fijaros qué
belleza la Virgen. Qué delicadeza y qué belleza hace el enrosque de la
Virgen. Bueno, yo hace unos años, yo no sé si lo llevasteis a ver, yo
creo que no me había ido a mi casa, por ahí andaría. Hace unos 30 años
no estoy hablando. Hubo una exposición maravillosa en la Plaza de la Paz,
en la Iglesia de... ¿Cómo se llama? En la Capilla de San Isidro, con
fotos Bueno, pues, en la... Hubo una exposición de fotografías de la
Piedad de Miguel. Maravillosas, o sea, las hicieron fue un estudio
fotográfico que se hizo claro, sin cristal, específico de la Piedad. Yo
en mi vida no he visto una fotografía con la Piedad de Miguel. Esto yo lo
pasé en el año 90. Yo no sé si esto fue un poquito antes de pasarme un
poquito inmediatamente. Sin cristal. Bueno, yo fui a Roma la primera vez en
el 80 y yo creo que no tenía cristal tampoco. Pero bueno, el cristal se lo
pusieron porque sabes que un demente le rompió la nariz y aquí se nota
perfectamente esa puntita de la nariz que estaba diferente. Le dieron un
martillazo y desde entonces se cubrió con ese cristal limpio. Vamos a una
Virgen con un niño que tiene Miguel Ángel y que poca gente conoce, que es
la de las Capillas Mediceas. Cuando hablamos de las Capillas Mediceas, que
voy a hablar ahora de ellas, tenemos esta imagen de la Virgen con el niño
que está en las Capillas Mediceas. Justo esta imagen está encima de la
tumba de Lorenzo el Magnífico. Bueno, pues a los lados de la Virgen está
San Antonio y San Damián, que no son de Miguel Ángel porque tanto no voy
a hablar de ellos. Y entonces en el centro de la tumba está esta Madonna
con el niño. Una Virgen bellísima exactamente igual pero fijaros,
evidentemente el niño hace jóvenes y le pega tener esa imagen porque
dicumbría 16 años. ¿En qué forma 16 años la Virgen? En esta imagen
bellísima de la Virgen con el niño. Aquí la tenéis desde un lateral,
fijaros. Es mucho más bella la del Vaticano, pero esta es muy bella
también. Esa Virgen con el niño, esa Madonna con el niño. Y aquí
tenemos las famosas tumbas mediceas. Cuando estudiamos en su día vimos que
Miguel Ángel había hecho la arquitectura y ahora vamos a ver la parte
escritórica. Bueno, en todas esas tumbas mediceas para Giuliano y Lorenzo
de Medici tenemos aquí a Lorenzo. Lorenzo es el pensiero, el pensador el
tranquilo, el relajado. Fijaros ya con las posturas inverosímiles de
Miguel Ángel. Fijaros, ese tiene una mano en la cara pensando pero fijaros
la otra mano. Esa postura no me entendéis hacerla porque partís un brazo.
Esa postura es humanamente imposible. Y eso lo hace muchísimo Miguel
Ángel en las esculturas y en las pinturas. Hace posturas que son
realmente... Eso tú lo puedes hacer un segundo, pero no mantenerlo. Hace
una postura tan sumamente forzada que es imposible de mantener. Este es
Lorenzo y estas son las esculturas del Crepúsculo y la Aurora. Un desnudo
femenino representando a la Aurora, un desnudo masculino representando al
Crepúsculo. Es la primera vez en una obra de arte que las figuras
secundarias van a ser más importantes que las principales. Esta es la
tumba de los Medici, pero tiene el más renombre, más fama y más de todo
el día y la noche, el Crepúsculo y la Aurora que son las esculturas
secundarias que están aquí deslizándose por la tumba de Lorenzo de
Medici. Tienen más importancia que nada porque, sencillamente, fijaros
aquí entramos ya en el manierismo de Miguel Ángel. Tenemos esta tumba en
la que tenemos este frontón curvo abierto que es un signo de rotura, de
manierismo, y nos pone a una figura masculina y otra femenina a cada lado
que se están deslizando por esas tumbas. Esa idea de deslizarse, ya no
tenemos una verticalidad una horizontalidad, un equilibrio, tenemos algo
que se desliza, es decir está en continuo movimiento. Eso ya es manierista
eso ya es manierismo, es lo que luego va a desembocar el barroco esa
postura forzada es manierismo. Ya no tiene nada que ver con la piedad o con
el bajo, como hemos visto al principio. Entonces esto ya es manierismo
Entonces fijaros esa pequeña racina entre esos frontones curvos coloca la
figura de Lorenzo, pero estas tumbas se caracterizan porque las esculturas
secundarias entre Púsculo y la Aurora, el día y la noche, son mucho
importantes que lo que es la figura principal. Aquí tenéis un detalle de
Lorenzo, fijaros ese brazo es del toro inverosímil maravilloso. Y aquí
tenemos a Juliano de Menzies Juliano de Menzies, si Lorenzo es el pensiero,
es el pensativo, Lorenzo es el dinámico, es el activo. Fijaros en esta
pierna que está como en disposición de levantarse, es la misma postura
que vamos a tener en David, en el Moisés, por tanto. Esa idea de que nos
da la sensación de que va a empezar un movimiento, no hay movimiento, pero
intenta transmitir esa idea de movimiento. Aquí tenemos a Juliano de
Menzies y aquí tenemos el día y la noche. La noche es maravillosa Tenemos
esa figura de la noche que, bueno, aquí tenéis a Juliano de Menzies pero
es que tengo aquí detalles, por eso os lo quería contar. Mirad, aquí
tenemos la noche La noche plasmada con un ramo de amapolas. Las amapolas
tienen un sentido en medicina natural que son somniferas, ayudan a dormir.
Son una opiación. Si tomáis alguna vez un jarabe de amapola cuando
estáis atarrados o algo, vais a dormir estupendamente. Bueno, pues la
amapola sirve para dormir. Tenemos a un búho, que es un símbolo de la
noche Y aquí tenemos una máscara muy inquietante, porque es una máscara
dentro de otra Desde aquí en la perspectiva no se ve, pero tiene unos ojos
dentro de la cuenta de otros ojos Es tremendamente inquietante. La figura
es bellísima, una figura perfectamente trabajada. Con los senos un poco
raros, pero bueno, en fin. Ya sabemos que no era un buen conocedor de la
anatomía femenina. Y aquí tenemos la imagen del día. Bueno, el día
mientras que la noche está perfectamente acabada, el día no. Ya sabéis
que Miguel Ángel llega a un momento en el que termina de hacer sus
esculturas por acabadas, porque piensa que para él ya tiene sentido y no
las acaba. Lo más complicado para un escultor es pulir una obra, porque ya
no es bonito para ellos. Lo interesante para ellos es sacar la escultura.
Una vez que está sacada, ahí llega un momento en el que ya tiene una
cara, tiene un restículo y deja de interesar eso y deja las esculturas
inacabadas. Se habla de eso y se habla también de su obsesión por la
muerte El dejarla inacabada es como que algo está en proceso como que no
ha muerto. No sé si entendéis la diferencia. Él tenía una obsesión por
la muerte que era importante y de alguna forma en esas esculturas
inacabadas nos está explanando ya lo que ha terminado y lo que todavía
está por hacerse. No sé si entendéis un poco el concepto, pero se
entiende perfectamente esa escultura. Y ya no os digo la postura del día.
Fijaros en esa postura lo mismo. Intentes hacerlo y os hacéis una
contractura tranquilamente. La de las piernas vaya que vaya, pero la del
cuerpo, la de los brazos, la del torso eso es totalmente imposible y el
rostro totalmente no. El Moisés. El Moisés las piezas de la escultura de
Daniela David, la piedad y el Moisés son maravillosas. Yo si me tuviera
que quedar con una piedad con el Moisés. Yo no he visto en mi vida una
escultura con tanta fuerza como el Moisés. Cuando este es el Moisés está
plasmando lo de los cuernos. Ya sabéis que se cuenta que el Moisés sube
al monte Sinaí, protege las tablas de la ley y tal. Cuando baja del monte
Sinaí, baja con un resplandor en la cara. Un resplandor que le sale de la
cabeza que cuando San Jerónimo tradujo la Vulgata hay una palabra poco
vista en hebreo y ese resplandor también puede significar, la traducción
puede significar cuernos. El mismo resplandor puso cuernos. No sé qué
estaría pensando San Jerónimo. Como hizo esa traducción pues hay una
tendencia medieval a ponerlo en ese espacio. Y el cuerno es para simbolizar
ese resplandor que le sale de la cabeza cuando baja del monte Sinaí.
Miguel Ángel todavía mantiene esa tradición medieval de los cuernos,
pero que sepáis que realmente los cuernos están simbolizando ese
resplandor que le sale a Moisés de la cabeza. Fijaros qué barba, qué
barba tan intensa una barba bífida típica hebrea, pero como él la está
mezclando ya se meza los cabellos de la barba con la mano las tablas de la
ley, que sabes que tuve que seguir dos veces a por ellas subió por el
Sinaí a por las tablas de la ley cuando bajó los israelitas estaban
adorando en vez de oro. Él se enfada muchísimo y bueno como tenía un
carácter de armazenar está a las tablas de la ley contra el suelo y las
rompe y tiene que subir una segunda vez y bueno Dios se portó bien y le
dio otras tablas, porque bueno mucho las tablas y luego al final no las
rompió y ya como subió una segunda vez a las tablas decidió hacer el
arca de la alianza para meter ahí las tablas y que estuvieran protegidas,
no sea que se volvieran a romper y evidentemente Dios no le iba a dar
tablas la tercera vez. Bueno pues ahí tenemos La escultura es tan
perfecta, fijaros este brazo de Moisés estas venas, que él llegó un
momento que cogió un martillo y le dijo ¿pero por qué no hablas? y le
dio en la rodilla y aquí hay una especie parece que está operado de
rodilla, tiene aquí una pequeña fractura en esta rodilla derecha que le
vemos y fijaros que eso se lo hizo el propio Müller porque yo de verdad
eso cuando te lo explican en un aula no lo entiendes yo me entendí cuando
llegué ahí, porque yo dije bueno es que parece que se va a levantar y se
va a liar a mamporros con todo lo que está haciendo esa energía que tiene
Moisés. Y fijaros esta pierna hacia atrás en disposición de levantarse,
igual que la de la tumba viruliana de Moisés. Fijaros cómo se mesa la
barra, fijaros ese brazo con esa musculatura cómo se le notan las venas en
los brazos, en las manos fijaros esta musculatura, los nervios, las venas
fijaros ese rostro. El Moisés está hecho para ser visto desde el lateral
no desde el frente y pues esa fuerza que tiene en la mirada eso es
impresionante. Y aquí tenéis una imagen de conjunto porque de Miguel
Ángel Sol Moisés, Raquel y Lía que son la vida activa y la vida
contemplativa que son las dos esculturas que hay al lado, pero todo lo
demás no es de Miguel Ángel Entonces bueno, esta es parte del sepulcro
para Julio II que él empezó a hacer, hizo estas tres figuras, más hizo
los esclavos que están hoy en día aún no sabemos sobre el libro, esto es
la Academia de Florencia Y bueno, al final como Julio II quería nada más
y nada menos de 40 esculturas, era materialmente imposible que llegamos al
acabar aquello, al final se hicieron estas y los esclavos Y bueno, Julio II
la quería poner en el centro de la Basílica Vaticana. Las laterales que
son Raquel y Lía que representan la vida activa y la contemplativa No, no,
no, porque representan otra historia, representan la figura femenina, son
las dos esposas de Jacob que representan la vida activa y la contemplativa.
¿De acuerdo? Nos vamos a la Piedad de Florencia La Piedad de Florencia
estaba en Santa María del Fiore y después se llevó al Gran Museo del
Duomo, que está ya ríoce detrás de lo que es la iglesia, y la Piedad de
Florencia la empezó Miguel Ángel para su propio sepulcro Se dice que la
figura de Nicodemo es un autorretrato del propio artista Aquí tenemos a la
Virgen María, a Jesucristo, a Jesucristo, a Jesucristo. y tenemos a la
Piedad de la Magdalena Fijaros esta mano, que es como la del David ¿La
veis ahí? Esa mano es como la del David Pues tenemos esta imagen. Cristo
está perfectamente acabado, María Magdalena también, pero por ejemplo la
Virgen no Y sobre todo esta escultura, mirad, aquí tenemos esa imagen de
Miguel Ángel, que sabéis que él esculpió y pintaba belleza de maravilla
porque era especialmente un hombre atractivo, un hombre poco atractivo
físicamente. Y aquí tenemos una imagen llamada desde el lateral y vemos
como la figura de María está sin terminar, sin pulir porque entre otras
cosas hubiera corrido riesgo el brazo de Cristo y yo suelo preguntar, por
aquí me pregunto porque voy a contrarreloj A Cristo le falta una pierna.
Le falta una pierna y aquí está justo el agujero de la pierna que le
falta ¿Lo veis ahí? Pues ahí le falta una pierna. Esta es otra la piedra
de otra postura. Afortunadamente ahora está puesta en un sitio que la
podemos rodear, porque la primera vez que yo fui al museo estaba puesta en
una escalera pegada por la pared, con lo cual no podías rodearla con lo
cual Eduardo ha hecho muchas mejores fotos en este viaje y está mejor
iluminada. Fijaros de este lado, fijaros la postura del cuerpo de Cristo
que está en la piedra y fijaros esa mano que os digo. Probablemente es una
mano que os hagáis esta pesquisa Bueno, esta es la piedra de Florencia y
por último, la piedra Rondanini que está en el Castello Esforza Sabéis
que la familia Esforza era otra de las grandes familias y le encarga una
piedad. En su última etapa, esta es la parte trasera de la piedad Sabéis
que las esculturas que van a ser puestas en un sitio donde no tengas que
girar en torno al teatro, se trabaja la parte que no giras. Entonces
fijaros esta es la parte trasera de la piedad. Y esta es la piedad
Rondanini que es una de sus últimas obras Fijaros, nada que ver con las
piedades que hemos visto hasta ahora La Rondanini es una piedad totalmente
manierista. Fijaros esas piernas larguísimas de Cristo, ese cuerpo
larguísimo de la Virgen. Es una piedad también diferente porque la Virgen
está de pie sujetando el cuerpo también de pie de Cristo Son
larguísimas. Y cuando uno ve, lo mismo yo a través de las fotos nunca
había visto que la piedad de Florencia le faltaba una pierna y nunca me lo
habían dicho hasta cuando preparé para ir a Florencia. Y es que a la
piedad Rondanini le sobra un brazo Vamos, le sobra un brazo. Tiene aquí un
brazo que no se corresponde con nada que ver con la piedad. Vean otra
imagen, mirad aquí se ve mejor Aquí se ve el brazo que parece que lo
tiene pegado ¿Lo veis? Parece que tiene el brazo pegado al cuerpo de
Cristo Ahí está esculpiendo el brazo pero aquí claramente vemos que el
brazo, yo no sé si es que se separó este trozo posiblemente al
trabajarlo. Pues si os dais cuenta aquí hay un brazo perfectamente acabado
en una línea clásica que no tiene nada que ver con lo que es la piedad
Rondanini como tal ¿De acuerdo? Bueno, pues esa es su última obra, la
piedad Rondanini Ahí está en Milán un castelo en rojo Esta está por
detrás. Bueno y nos pasamos a otro personaje, voy a agarrarlo para que me
dé tiempo a todo Benvenuto Cellini. Benvenuto Cellini va a tener dos
esculturas maravillosas, tenemos la suerte de tener una en el historial
Este es el Perseo de Franze que está en la logia de la señoría de
Florencia que yo, es la única escultura importante que queda al aire libre
que yo no sé como ni la meten dentro del Museo del Barbel o dentro del
Palazzo Vecchio y hacen una réplica como han hecho con lo demás. Bueno,
la historia de Perseo la sabéis le corta la cabeza a Medusa, no se me voy
a entretener porque voy un poco mal de hora entonces aquí tenemos el
momento en el que Perseo le ha cortado la cabeza a Medusa fijaros el cuerpo
de Medusa, que nunca se hablaba de ella, siempre vemos a Perseo y la cabeza
de Medusa pero aquí nos está dando esa verticalidad maravillosa en un
cuerpo fantástico en bronce de Perseo y aquí tenemos el cuerpo de Medusa,
un cuerpo magnífico femenino y fijaros como le ha cortado la cabeza,
fijaros el chorro de sangre que sale de la cabeza de Medusa que es
espectacular. Aquí marcaríamos la verticalidad de Perseo y la
horizontalidad de Medusa. Fijaros esa cabeza y fijaros como Perseo le
presta, ¿nos acordáis? Mercurio le presta su casco alado y sus sandalias
aladas, entonces aquí se ve por frente perfectamente esas sandalias
aladas. Le vamos a ver de frente, mirar Perseo con la espada en el mano y
la cabeza de Medusa y sobre ese cuerpo de Medusa que visto desde la plaza
de la señoría no se ve tan bien, tienes que entrar dentro de la logia
para poder apreciarlo bien y mirar esta es una imagen nocturna de ese
Perseo con la cabeza de Medusa, exactamente igual. Este edificio que
tenéis aquí es el Ossifici, la galería del Ossifici el edificio que
estamos aquí, entonces aquí está la señoría de Florencia este es el
Ossifici y esta es la logia de la señoría. Mirar el Perseo por detrás,
maravilloso, espada en mano fijaros ese estudio anatómico también a
través del grante y el detalle de cómo tiene su pie sobre el cuerpo de
Medusa y como vemos esas sandalias aladas que le prestan Mercurio, todo
esto detrás de la fachada del palacio de la señoría Aquí tenemos un
detalle de la mano de ese Perseo es donde se ve mejor la galería del
Ossifici miraros esa mano perfecta, maravillosa. Y aquí tenéis otra
imagen nocturna en la que vemos a Perseo con el fondo del palacio con el
fondo del palacio de pie y el cuerpo de Medusa Y luego tenemos esa
maravillosa imagen que yo creo que hayan sabido, es el Cristo crucificado
del Escorial, que está entrando a la basílica del Escorial normalmente en
la capilla de la izquierda, mirar este Cristo magnífico del Escorial, es
un Cristo en marfil y es un Cristo totalmente desnudo porque estamos en el
Renacimiento y es la única etapa del Estreo del Arte que está con figuras
de la Biblia desnudas, si os dais cuenta lleva un paño de pereza que es de
tela, realmente se le ha puesto a posteriori, el Cristo es desnudo Aquí
tenemos ese mnemonito eccellini que está en la basílica de San Lorenzo
del Escorial. Y fijaros como el Cristo representa los ideales del
Renacimiento, la verticalidad del cuerpo pero fijaros el rostro, el rostro
nos hace ya un Cristo muerto para plasmar esa serenidad, ese equilibrio,
esa armonía, esa belleza típicas del Renacimiento. Tiene la cabeza
aladeada, un poquito baja, es exactamente lo mismo que va a hacer Velazquez
con su Cristo. O sea, si nosotros hacemos un Cristo que todavía está vivo
está en pleno sufrimiento, es un martirio total. Si hacemos un Cristo que
ya ha muerto como hace Velazquez, pone la cabeza baja, le pega la barbilla
al pecho y entonces ya huimos del expresionismo del dolor y de la sangre y
todo ese tipo de cosas. Y el Cristo más bello para mi vista es, yo si
tengo que quedarme con Cristo me quedo con tres, el del mnemonito
eccellini, el de Velazquez y el de Dalí pero son tres Cristos
espectaculares, aunque el de Bermini que está en el Escorial también es
precioso. El de Bermini que es de Alfonso es precioso Vamos a ver a Vacheva
Minelli, solamente vamos a ver una escultura de él porque Vacheva Minelli
era un poco el rival de Miguel Ángel. Como rival de Miguel Ángel Miguel
Ángel tenía ahí una crocecita con Minelli porque le encargaron el David
como símbolo de fuerza para la señoría de Florencia y sabéis que en el
siglo XIX se hace ese museo maravilloso que es la Academia para el David,
los esclavos y las esculturas de Miguel Ángel aunque hay más cosas.
Bueno, a Miguel Ángel le habían encargado una escultura mitológica para
que fuera pareja del David que era Hércules y Caco. Pero al final después
de haber encargado a Miguel Ángel, ya tenía hecho un boceto que está en
la casa de Maroto y de Florencia pues le encargan a Ciridal que es la
Minelli. Y eso Miguel Ángel lo llevó fatal toda la vida, que le dieron
esa escultura que también tiene cinco metros y la dieron a la Minelli.
Pero no hay color, yo no sé cómo le dieron esa escultura a la Minelli
porque la escultura tiene... no tengo más fotos pero realmente plasma un
gigantismo tremendo. Fijaos ese rostro de Hércules, por favor. Esto está
enfrente de la copia del David de Miguel Ángel. O sea que no tiene
absolutamente nada que ver ese rostro con la belleza que nos está
transmitiendo Miguel Ángel con el David. No me extraña que Miguel Ángel
independientemente de la realidad se enfadara muchísimo porque desde luego
desde el punto de vista de esta escultura es más digno de haber estado
enfrente o sea, haciendo pareja con la de Miguel Ángel toda la vida. Por
último nos vamos a ir a la figura de Jean Bologna. Jean Bologna es el
último escultor. Hace esculturas en la logia de la señoría de Florencia
Este es Hércules. Fijaos qué diferencia. Este Hércules al de la Minelli.
Hércules luchando con el centauro en eso. Es una historia de la mitología
que, bueno, Hércules lucha con el centauro porque intenta violar a su
mujer. Entonces ahí tenemos la lucha de Hércules con el centauro en eso.
Fijaos qué maravilla el estudio escultórico de anatomía de Jean Bologna
que es otro gran escritor, ya del siglo XVI y esa escultura del centauro.
Mirad aquí. Fijaos qué maravilla cómo se ve a Hércules con la maza en
la mano para agredir, para matar al centauro Fijaos ese cuerpo del centauro
como rabona. Sí, sí totalmente. Es que ya a partir de un cierto momento
ya todo fijaos esas patas del caballo, ese cuerpo totalmente retorcido. En
el momento que hay retorcimiento expresión y tal, hemos salido del
Renacimiento. Y esta es la otra escultura importante de Jean Bologna que es
el razco de las Sabinas, que está también en la logia de la señoría
volvemos a ver el palacio de aquí detrás, esta es la logia. El razco de
las Sabinas El razco de las Sabinas también lo sabéis, es el razco en el
que los romanos, que eran un pueblo solo de hombres, pues deciden que
necesitan mujeres y deciden hacer una fiesta e invitan al pueblo de al
lado, que son los Sabinos los ofrecen mucho vino y cuando les han ofrecido
el vino, trajan a sus mujeres entonces ese es el famoso razco de las
Sabinas en la mitología y hay un musical muy antiguo, se llama Se te
mueven todas siete hermanos, que está basado en esta historia pero a
pequeño nivel, ¿no? Bueno, pues una cosa parecida al razco de las
Sabinas. Ya sabéis que lo del razco será muy típico. Fijaos esto esto es
totalmente manuelista, esto es ya de un movimiento, de unas diagonales
efectivamente esto está ya en ese camino a la roca fijaros la escultura de
Jan Bologna, esto ya no tiene nada que ver con el David de Miguel Ángel,
pero la verticalidad, la armonía, el equilibrio la belleza, etc. Fijaros
esta escultura de Jan Bologna, el razco de las Sabinas Ah, y de Jan Bologna
también en el Museo del Barguelo tenemos este océano, esta escultura de
océano, que como normalmente no se trabaja el tema de océano, solamente
se trabaja la Fontana de Trevi y poco más pues esta hemos puesto aquí y
este es océano también, con un poco de desproporción como veis entre el
rostro y el cuerpo, ya no tenemos esa proporción maravillosa del
nacimiento. Y aquí tenemos un Mercurio volante que está en el Museo del
Barguelo también, mirad aquí está el razco de Miguel Ángel que hemos
visto, y este es Mercurio, bueno pues con ese caduceo con ese cascalado,
con esas andalias aladas, el dios del comercio pues aquí tenemos otra foto
de Mercurio, y ya por último para cerrar bueno pues tenemos una foto que a
mi me gusta mucho porque es coger la copia de la vida de Miguel Ángel que
está en la puerta de la señoría a través de los leones que dan entrada
a la logia, y ahí tenéis la selección de fotos que he ido haciendo yo,
todas las fotografías son de mi marido salvo las de la vida de Tomás, de
Orsan Michele y el sacrificio de Isaac, esas las hemos cogido en internet
porque esas no hemos tenido acceso directo a ella, todas las fotos son
nuestras bueno pues he ido a la carrera, espero que... bueno aquí tenéis
un índice con el contenido, los de La Robia, Donatello, Berrocio, Miguel
Ángel Benvenuto Cellini, Bambinelli y Jambolón bueno pues espero que os
guste, lo podéis consultar siempre que queráis en el blog y nada, y bueno
pues como os he dicho desearos felices fiestas y nada y siento que el
sonido no haya sido bueno, tenemos problemas con este ordenador no carga
los PDFs, bueno pero los PDFs tanto el de la ópera entre el batisterio del
otro día y este están en mi página, no os ha tenido problema bueno pues
muchas gracias, que tengáis buenas fiestas y el día 10 de enero que es la
última clase os explicaré la pintura ¿de acuerdo? Muy bien, gracias y
hasta el próximo día