Bueno, yo agradezco la presentación que ha hecho Manuel Barea, que no sé
si los demás alumnos la habrán oído o no, pero bueno, está hecha, así
que muchas gracias. Os agradezco a todos vosotros, los que estáis aquí y
los que están viéndonos por videoconferencia, que hayan querido
participar y asistir en este seminario. Y bueno, yo como dice el título de
mi intervención voy a hablar de la producción en prosa en esas primeras
décadas del siglo XX. Antes me gustaría puntualizar algunos conceptos,
algunas nociones generales sobre la vanguardia, pero no me voy a detener
mucho en ello porque por lo que poquitos he podido ver ayer y por lo que
supongo ya habéis hablado suficientemente. Hay muchas nociones de teoría
y de conceptos respecto a la vanguardia, pero sí hay algunos aspectos en
los que me gustaría insistir un poquito. Y luego me voy a centrar en la
producción en prosa y finalmente, que va a ser la parte más enjundiosa,
vamos a leer algunos textos, que creo que al final siempre es lo más
provechoso porque ahí es donde se ve realmente cómo trabajan la prosa. Y
luego me voy a centrar en la producción en prosa y finalmente, que va a
ser la parte más enjundiosa, vamos a leer algunos textos, Y luego me voy a
centrar en la producción en prosa. literatura española. Otros, siguiendo
un criterio histórico, se refieren a 1925, que es el año de comienzo de
la dictadura de Primo de Rivera, para situar ese vanguardismo español,
digamos. Y para finalizar, sitúan en 1931, esto ya con mucho más
consenso, el fin de la época vanguardista, que es con el advenimiento de
la Segunda República. Estos límites temporales son muy didácticos y nos
permiten decir que la vanguardia en España se desarrolla en un arco
temporal definido, que no tienen demasiada trascendencia, etcétera, que es
lo que un poco estamos acostumbrados a oír. Pero realmente, si nos fijamos
en las obras literarias que se producen en las primeras tres décadas del
siglo XX, y estoy hablando solo de prosa, ¿eh? historia, que es el libro
de la historia. Y también tenemos algunas obras que no tendrían
explicación, sino en el ámbito de esas nuevas sensibilidades que se
empiezan a difundir en todo el occidente, ¿no? Una es Niebla, de Unamuno,
que sin duda pretende romper con la tradición anterior, es una novela, una
nivola, mejor dicho, en la que se ve todo el andamiaje de la construcción,
en la que se plantea la... la narración, bueno, la novela realmente, como
un problema estético. Luego tenemos La medianoche de... de Vallenclán, La
medianoche, visión estelar de un momento de guerra, que es de 1917 y que
también bebe de las vanguardias europeas que ya están activas. Y Ramón
Gómez de la Serna escribe su Greguería en 1917. Por lo tanto, esas fechas
no las podemos plantear a partir de 1920. Y luego, para poner un ejemplo
que va más allá de la proclamación de la República, tenemos Yo vivo, de
Max Aub, que es de 1934. Y yendo un poco más allá, en los... en textos
posteriores al fin de la guerra, de Max Aub, no... vamos a decir que son
textos vanguardistas, pero así la técnica vanguardista está totalmente
incorporada. Por lo tanto, es... yo creo que contraproducente intentar
enmarcar un fenómeno como el vanguardismo dentro de cualquier tipo de
corsé, el cronológico, el ideológico o cualquiera... o el del género
literario, ¿vale? Otra cuestión que quería destacar es el error que
todavía se suele cometer a veces de identificar la vanguardia con
generación del 27. Aparte de lo discutible que puede llegar a ser la
clasificación generalizcional en la historiografía literaria, y de hecho
lo es, en el caso del vanguardismo español es evidente que se trata de una
sensibilidad que por un tiempo y en diferentes medidas comparten las tres
generaciones que en ese momento hacen grande la edad de plata o la edad de
oro liberal, como decía la profesora Clementina. Tenemos escritores del
98, como Vallenclán, Unamuno, del 14, o novicentistas como Gómez de la
Serna, los jóvenes del 37... y entre los jóvenes del 37 también me
gustaría matizar que no se trata de la nómina de diez poetas que solemos
ver en esa foto del homenaje a Góngora que todos tenemos en la retina. La
generación del 27 va mucho más allá. Y de hecho, los que vamos a ver hoy
son poéticos que se han convertido en escritores de la época. Bueno,
algunos de ellos no forman parte de esa nómina tan conocida, ¿no? Y
también hay mujeres en la generación del 27 que no se suelen nombrar. Y
lo curioso es que, bueno, en esa nómina de los escritores del 27 siempre
tenemos muy en cuenta a los poetas, hombres, pero hay muchos otros
escritores que quizás justamente porque se han ocupado de prosa, estoy
hablando de Díaz Fernández, Arturo Barea, Ramón J. Sender, etcétera, se
han ocupado de prosa, no han entrado en ese canon típico de la generación
del 27 como de poesía y nos solemos olvidar de ellos, ¿no? Hoy vamos a
hablar por ejemplo de José María Hinojosa, que es un gran olvidado de la
generación del 27 también, y luego están las mujeres. Las mujeres que se
han ido, bueno, que no han llegado nunca a estar en el canon de la
literatura que se estudia en los institutos o en las universidades. Hoy
vamos a hablar por ejemplo de Rosa Chassel, que tiene unas obras
importantísimas, vanguardistas en estos años. ¿Chassel no era la
editora? También lo fue, también lo fue. Fue poeta, empezó con la
escultura, empezó con la escultura, en realidad, empezó cuando fue de
escultura, luego fue traductora, ensayista, crítica literaria, novelista,
tiene una gran trayectoria. Bueno, hemos dicho entonces que tenemos varias,
bueno, tres generaciones por lo menos en este periodo, ¿no? Pero ¿qué
comparten estas generaciones? Según Ana Rodríguez Fischer, que es autora
de una antología de prosa de vanguardia muy interesante, editada por la
Universidad de Madrid, que es una de las más importantes Castalia, luego
la tenéis en la bibliografía. Bueno, según Ana Rodríguez Fischer, para
comprender la proteica producción literaria de aquellos tiempos, hay que
prestar atención a la época que todos ellos están viviendo y ante la que
reaccionan. Ellos comparten un momento histórico, además un momento
histórico trascendental. Juan Chavas, escritor de la época también,
define así lo que sería una época y dice, un tiempo histórico social,
las relaciones humanas, las diversas manifestaciones y movimientos de
cultura, sus conquistas, sus contradicciones, sus desfallecimientos,
parecen que se hallan sujetos a circunstancias semejantes y que se
encadenan y desarrollan como afectados por leyes idénticas. Este
desarrollo ofrece formas específicas de sensibilidad en las colectividades
y en las élites. Ellos están compartiendo una serie de circunstancias,
además, como decía, muy importantes desde todos los puntos de vista y
esas circunstancias despiertan una sensibilidad nueva que afecta a las
colectividades y es lo que a nosotros nos atañe más a las élites. Así
define Juan Chabaz lo que es una época. Y siguiendo el hilo de esta
definición llegamos también a Ortega y Gasset, que en su ensayo El tema
de nuestro tiempo, habla justamente de una sensibilidad vital, como el
fenómeno primario en historia y lo primero que debemos comprender para
definir una época. Y dice así, somos de una época en la medida en que
nos sentimos capaces de aceptar su dilema y combatir desde uno de los
bordes de la trinchera que éste ha atajado, porque vivir es, en esencial
sentido, alistamiento bajo banderas y disposición al combate. Cada
generación ha de ser luchadora. Lo que los hebreos llaman Neftali, que
quiere decir yo he combatido mis combatir. Bueno aquí Ortega habla de un
dilema. Este dilema creo, yo interpreto que es el conflicto que surge en
este momento clarísimamente con todo lo que es anterior. Un conflicto que
toca todos los ámbitos de la vida en realidad. Desde la política habla de
la nueva y la vieja política, hasta el arte, ¿no? Y por eso habla del
nuevo arte, de la nueva sensibilidad. Entonces, estos autores comparten ese
dilema y todos deciden alistarse, como dice Ortega, en el bando de los
innovadores, de los que ya quieren acabar con lo anterior y proponer un
hombre nuevo, otra vez en palabras de Ortega, ¿no? Y bueno, aquí este
fragmento también nos llevaría a hablar del belicismo que caracterizó a
las vanguardias, pero ahora nos vamos a focalizar más en comprender ese
compromiso, esa fidelidad que esos autores sienten con respecto a la época
que les ha tocado vivir, desde un punto de vista ético y también
estético, por supuesto, ¿no? Guillermo de Torre dice, seamos fieles a la
época, no nos dejemos devorar por el dragón de la eternidad, y exclamemos
con quevedo, solamente lo fugitivo permanece y dura. Me parece una
reflexión muy profunda y muy acertada, ¿no? Sobre todo aplicada a esta
época de la vanguardia, porque efectivamente ellos en ese momento sienten
que están en un momento fugitivo, pero también tienen la conciencia de
que todo producto estético tiene un valor cuando surge de... de un momento
histórico, ¿no? Está cuando hunde sus raíces en un momento histórico,
¿no? Aunque luego pueda trascender y convertirse en algo universal, ¿no?
Bueno, y de esa época quizá lo más importante que pasó fue la Primera
Guerra Mundial, ¿no? Es verdad que España fue neutral en la Primera
Guerra Mundial, pero espiritualmente los españoles... Sí, que la
vivieron. Y esto lo demuestran, por un lado, las repercusiones en las obras
de los intelectuales, por ejemplo, nombré antes la obra de Vallenclán, La
Medianoche, y también la afluencia de extranjeros a España que
influenció la vida cultural del país. Díaz Fernández, José Díaz
Fernández, el autor del blocao y del ensayo El Nuevo Romanticismo, que es
de 1930, define así a la Primera Guerra Mundial, dice Y surge por fin la
gran prueba que ha de justificar el caudal de verdad y de idealismo que el
siglo XIX transportaba en su hinchado vientre. Se produce la guerra
europea. La guerra es el fracaso de todos los principios y de todas las
predicciones del último siglo. Y así es como se vive esa primera
contienda mundial, ¿no? Como una ruptura definitiva, como el fracaso
definitivo, del positivismo del siglo XIX. Que realmente, si lo pensamos,
ya había tenido una primera acta de defunción con el primero de los
sismos, que es el modernismo. No tenemos que olvidar que el modernismo nace
también como un movimiento de ruptura y pocos años antes, ¿no? Y
también en contra de ese arte burgués, de ese arte novescentista del
siglo XIX. Gómez de la Serna dice Así interpreta Gómez de la Serna ese
momento. Y, de hecho, los intelectuales de esta época tienen conciencia de
estar viviendo en una nueva antigüedad, de estar ante una nueva estética
que aún es indefinible, pero que claramente ellos la ven configurada como
algo novedoso, como si se abriera un periodo auroral en el que todo es
posible. Lo único que no es posible es dar un paso atrás. Todas las
posibilidades están abiertas, ¿no? Por eso, creo que fue Ortega el que lo
dijo, decía Todo arte moderno digno de este nombre es un arte moderno
digno de este nombre, es un arte de ensayo. Porque están en un momento en
el que están probándolo todo. Todavía no saben por dónde van a ir
exactamente los tiros, pero saben que hay que moverse, ¿no? Y eso, en ese
momento de transición, de búsqueda de nuevos horizontes estéticos, los
cambios se producen con gran rapidez. Creo que ayer el profesor Manuel
Baré habló de los sismos, ¿no? De esos cambios que se dan constantemente
y que dan pie a nuevas estéticas que a veces varían muy poco de una a
otra, ¿no? Y Octavio Paz denominaba aceleración y multiplicación a esa
generación de sismos que reflejaba los cambios estéticos. Y voy a leer
una cita de Los hijos del limo, que es una obra fundamental de 1974 de
Octavio Paz. Dice así Aunque la vanguardia abre nuevos caminos, los
artistas y poetas los recorren con tan prisa que no tardan en llegar al fin
y tropezar con un muro. No queda más recurso que una nueva transgresión,
perforar el muro, saltar al abismo. A cada transgresión sucede un nuevo
obstáculo y a cada obstáculo otro salto, siempre entre la espada y la
pared. La vanguardia es una intensificación del cambio inaugurada por el
romanticismo. Bueno, me interesaba que vieras esa rapidez del cambio. La
vanguardia y, bueno, realmente todo lo que viene después del romanticismo
es en realidad una modificación del romanticismo. Es una idea que no es
sólo de Octavio Paz y creo que ayer la profesora Clementa Millán también
se refirió a ello, ¿no? Bueno, para hablar de los últimos dos conceptos
clave antes de entrar en el tema de la prosa, tenemos por un lado el
concepto de la deshumanización, del que creo que se ha hablado ayer
bastante, y el concepto del antipasadismo, ¿no? Como he dicho, es un
periodo en el que todavía no se podía definir positivamente el arte
nuevo, pero lo que sí estaba claro es que se repudiaba todo lo viejo, lo
inmóvil, lo establecido. Para definir qué es este carácter innovador,
tenemos aquí otra cita también de Ortega, pero tomada del espectador, que
dice así. Yo veo en la innovación, en la invención, el síntoma más
puro de vitalidad. En consecuencia, yo quisiera un arte de lo heroico donde
todo fuera inventado, un arte dinámico y tumultuoso que desplazara a la
realidad, la novedad, ¿vale? Y luego el otro concepto es el de la
deshumanización. Bueno, para hablar de deshumanización tenemos que
recurrir a la deshumanización del arte, obviamente. Y como ya dice desde
el título, aquí Ortega... Primero habría que decir que lo que hace
Ortega es una obra descriptiva. Él no quiere decir cómo hay que escribir
o cómo hay que hacer arte, sino que él describe lo que ve, ¿vale? Y él
habla de que, dice que el arte de estos años tiene un carácter no humano.
O sea, es un arte no sentimental, un arte que produce un goce puramente
estético independiente del factor humano del creador y del receptor. Y por
este motivo el arte de esta época es elitista, no por una cuestión de
gustos, sino porque es una cuestión de capacidad o incapacidad para
entender unas manifestaciones artísticas que en vez de intentar estimular
los sentimientos intentan estimular el goce estético, para el que si uno
ha sido educado o se ha formado o ha sido entrenado para poderlo captar, lo
capta. Y si no, es imposible, ¿no? Y de hecho esta época de vanguardia
supuso un gran entrenamiento no solo para las élites, sino también para
la población para poder captar nuevas estéticas. Quizá el entrenamiento
masivo fue el del cine, ¿no? Cuando surgió el cine la gente no entendía
lo de los planos, etc. Y poco a poco se fue aprendiendo a interpretar esas
nuevas estrategias comunicativas. Es lo mismo que ocurre, bueno, ha
ocurrido siempre con la literatura también. En la Edad Media o incluso en
el Siglo de Oro no se entendían los saltos temporales y la gente necesitó
décadas o siglos para saber lidiar con esas técnicas narrativas, ¿no?
Creo que en El Quijote cuando hay un momento en el que Sancho está en el
palacio y... no, Sancho está en la Isla Barataria y El Quijote está en el
palacio y el narrador tiene que decir constantemente en el mismo momento
mientras esto ocurría en el otro lado y tiene que decirlo mucho porque la
gente no estaba acostumbrada a trabajar en dos planos, ¿no? Bueno, esto
ocurrió, imaginaos, con el cine y con el montaje. Eso era absolutamente
nuevo y la literatura de vanguardia también proponía una narrativa muy
nueva al igual que la pintura con el cubismo, etc. Entonces fueron unos
años realmente de entrenamiento que si no hubieran existido no podríamos
ver las series que vemos ahora, ¿no? En las que la narrativa está
totalmente... desestructurada, ¿no? Bueno, pero aparte de eso yo estaba
hablando de la deshumanización por eso tengo un guión porque si no me voy
y no vuelvo. Estábamos hablando de la deshumanización y vamos a ver lo
que decía Ortega sobre la deshumanización que es muy clarito, decía vida
es una cosa, poesía es otra piensan o al menos sienten no las mezclemos el
poeta empieza donde el hombre acaba el destino de éste es vivir su
itinerario humano del hombre la misión de Alquel, del poeta es inventar lo
que no existe de esta manera se justifica el oficio poético el poeta
aumenta el mundo añadiendo a lo real que ya está ahí por sí mismo un
irreal continente y esto es lo que se hacía en aquella época se intentaba
no hacer una literatura sentimental o que reflejara directamente los
sentimientos humanos o la realidad tal y como era bueno, no sé si tenéis
del todo claro cómo podían hacer esta desrealización o esta
deshumanización yo creo que lo vamos a ver claro en los textos pero para
que tengamos una idea el autor vanguardista no sólo en literatura sino
bueno, el artista intenta huir de la mimesis pero las limitaciones del ser
humano y de la realidad en la que vivimos son las que son por lo tanto, la
inspiración sí que se la sigue dando la realidad y los objetos y todo lo
que nos rodea lo que pasa es que ahora el autor, si hablamos de literatura
intenta mirar a la realidad con otra mirada con una mirada limpia limpia de
prejuicios limpia de los condicionamientos que nos da el ser humano limpia
también de la carga social o psicológica que pueden tener los objetos y
entonces intenta registrar la realidad primero registrarla tal y como es y
luego seleccionar seleccionar los elementos y luego montar esa selección
de elementos de una manera totalmente arbitraria que depende de su
creatividad y de su originalidad para crear un producto nuevo un artefacto
artístico valga la redundancia que tenga un valor estético por sí solo y
que por lo tanto de esa manera trascienda la realidad objetiva ¿qué pasa?
lo de la deshumanización es un ideal porque el que realiza todas esas
acciones o sea, el que mira la realidad selecciona los objetos y luego los
recompone es un ser humano entonces siempre vamos a encontrar alguna huella
pero digamos que el ideal al que se tiende es ese desrealizar la realidad y
crear un artefacto poético o literario que trascienda esa realidad
objetiva ¿cómo se hace esto en literatura? bueno en primer lugar esta
renovación del arte atañe dos aspectos uno, el contenido y con contenido
me refiero al tema o el asunto de la obra aquí la temática se va a
caracterizar en estas décadas por la presencia del mundo moderno porque la
obra tiene que ser un hecho vivo un latido actual por lo tanto estarán
reflejados los avances técnicos científicos los acontecimientos que
ocupan la actualidad ayer creo que alguien nombró los poemas que le dedica
Alberti a un jugador de fútbol creo que Cernuda tiene un poema Un
ventilador cosas que tengan que ver con la modernidad de aquella época y
luego la innovación por supuesto atañe al modo de expresión se quiere se
prefiere ahora una técnica constructiva e imaginista que no sea una
técnica descriptiva como lo podía hacer la técnica narrativa del siglo
XIX el rasgo más característico de esta época es el experimentalismo que
abarca todos los ámbitos de la forma la obra literaria se convierte ahora
en una construcción que a menudo no está acabada ni es definitiva
Francisco Ayala llamaba esquema a las narraciones que componían El
boxeador y un ángel una obra de esta época y también bueno son eso muy a
menudo textos no acabados y también que dejan ver el andamiaje que los
sostiene como en Niebla en el estilo también se refleja esa construcción
esa nueva construcción formal el estilo va a ser un estilo muy cuidado muy
pulcro muy claro sin ampulosidad y despojado de retórica en el léxico se
prefieren aquí también vocablos técnicos del ámbito de las matemáticas
del cine de la pintura o de los nuevos campos semánticos del progreso y en
el ámbito de la sintaxis se tiende a romper el orden gramatical se procede
más bien por asociación de ideas según van surgiendo las secuencias del
pensamiento por otro lado esa voluntad de estilo implica también un cambio
de estilo en la mirada como decía antes se quiere tener una mirada limpia
sin carga social o personal que permita que permita que los objetos casi
hablen por sí mismos eso lo vamos a ver muy claramente en el primer texto
que vamos a leer de Gómez de la Serna y en esta desrealización me había
dejado en el pintero hablar del cine que ahí también tiene una
importancia capital en la desrealización porque actúa en un proceso
creativo que era el que perseguían los vanguardistas en literatura
registra la realidad objetiva además con una cámara absolutamente
objetivo luego la manipula para dotarla de virtud estética en el montaje
registrar, seleccionar y montar es el mismo mecanismo bueno vamos entonces
ya a centrarnos y hablar de la prosa de vanguardia y más concretamente de
textos que podríamos llamar narrativos con muchos matices que ahora vamos
a ver como sabéis en el siglo XIX la narrativa y más concretamente la
novela fue el género quizá el más importante y por ese motivo a
principios del siglo XX es el género que se encuentra inmerso en una
crisis muy profunda más profunda que la crisis de los otros géneros y el
movimiento de vanguardia se han hecho propuestas radicales para renovar la
prosa según Selena Millares que es una antóloga también de textos de
prosa de vanguardia estas nuevas modalidades de la prosa de vanguardia
girarían alrededor de dos movimientos esenciales al que yo me he permitido
añadir un tercero el primer movimiento sería el que consiste en la
fragmentación ¿por qué? porque la brevedad admite una intensidad
metafórica que textos demasiado extensos no podrían aguantar el otro
movimiento el segundo es el que consiste en sustituir la linearidad
cronológica horizontal los acontecimientos que suceden en el tiempo por un
alineamiento vertical inmóvil es decir, que en vez de contar
acontecimientos en una línea cronológica se opta ahora por la
exploración del pensamiento y del subconsciente por lo tanto en un momento
inmanente sin un desarrollo cronológico y a estos dos movimientos me
gustaría añadir un tercero que es el de las rupturas de las fronteras
entre los géneros literarios de hecho las fronteras entre prosa y poesía
ya habían empezado a romperse con el modernismo y en vanguardia este
movimiento se lleva aún más allá y esto es muy positivo para la prosa
porque le aporta una intensidad y un lirismo que la prosa del XIX no tenía
y que luego se va a mantener bueno más allá de estas escuetas líneas de
desarrollo es difícil establecer una poética o clasificaciones en la
prosa de vanguardia porque tenemos una diversidad enorme una diversidad que
no admite teorizaciones más factible es definir los textos por la vía de
la negación no son problemas tradicionales porque no tienen rima y medida
no son cuentos tradicionales porque no se rigen por el esquema actancial si
conocéis el esquema actancial de Grey Mask decía que para hacer un texto
narrativo tenía que cumplir con ese esquema que él llama actancial y que
se rige por el eje del deseo es decir, hay un personaje que desea conseguir
algo y toda la narración pues se desarrollará alrededor de esa búsqueda
de conseguir el objeto deseado y ahí entran muchísimos más actores que
ayudan los antagonistas, etc. bueno, los textos en prosa algunos de los que
vamos a ver hoy no tienen un eje del deseo no son realmente textos
narrativos tampoco son poemas es un híbrido entonces hemos dicho que no
son poemas tradicionales no son cuentos tradicionales carecen también del
típico esquema de desenlace bien pues vamos adelante que quiero llegar a
los textos que son los más interesantes bueno ¿dónde y quién escribe
esta prosa de vanguardia en España? bueno las primeras muestras de esta
nueva sensibilidad en la prosa y de la necesidad de renovar el género
narrativo en el tiempo temprano en autores y en obras tan señeras como las
que nombré antes Unamuno con sus Nibolas o Vallenclán con la Medianoche o
el mismo Ramón Gómez de la Serna que ahora vamos a ver algún texto
también o también Juan Ramón Jiménez en su diario de un poeta recién
casado ahí hay poemas en prosa que están muy cerca de la estética
vanguardista aunque luego a él no le gustará nada que se lo dijera pero
además de estos autores están los jóvenes, los del 27 muchos de ellos
pertenecen a la nómina de los poetas pero otros no, otros son Antonio
Espina, José María Hinojosa, Rosa Chassel Josefina de la Torre y un largo
etcétera en estos años en España hay una coyuntura económica muy
favorable que permite el florecimiento de una industria editorial que se
hace eco justamente de estas nuevas directrices literarias y así surgen
revistas como la Revista de Occidente o Cuadernos Literarios La Gaceta
Literaria y también proyectos editoriales como la Compañía
Iberoamericana de Publicaciones o Espasa Calpe todos estos proyectos
editoriales acogen las obras novelescas vanguardistas la Revista de
Occidente en concreto saca la colección Nova Novorum entre 1926 y 1929 en
la que se publican obras como Víspera del Gozo de Salinas El profesor
inútil Paula y Paulita de Benjamín Jarnés Pájaro pinto del que vamos a
ver un fragmento de Antonio Espina y la CIAP la Compañía Iberoamericana
de Publicaciones continúa esta labor entre 1930 y 1931 con su colección
Valores Actuales en la que ven la luz de las obras más representativas de
la vanguardia como Cazador en el Alba de Ayala o Estación ida y vuelta de
Rosa Chassel Bueno, todas las obras que he nombrado hasta ahora están
catalogadas bajo el marbete de novela aunque distan mucho de la sección
clásica del término pero además de esta modalidad de novela la
experimentación vanguardista dio a luz a la publicación de numerosos
textos breves que serían difícilmente catalogables hoy en día aunque los
definimos con muchas dificultades como micro relatos poemas en prosa,
cinegrafía prosas visionarias etcétera Estos relatos, bueno estas prosas,
estos textos fueron apareciendo que os he citado a lo largo de las primeras
décadas del siglo Bueno, por comodidad casi todos los textos que he
elegido para comentar hoy son textos breves aunque alguno es un fragmento
de novela pero cumpliendo con ese requisito de la fragmentariedad y de la
autonomía ya veréis que aunque formen parte son absolutamente autónomos
y se pueden leer, entender y comentar por sí solos Bueno, y el primero que
vamos a ver es un texto de Ramón Gómez de la Serna de Gómez de la Serna
no voy a decir casi nada porque creo que ayer la profesora Clementa Millán
habló mucho de él luego vamos a ver el documental de la cronología de la
prosa de vanguardia en España el primero en aparecer sería sin duda
Ramón Gómez de la Serna porque fue el que más tempranamente intuyó las
nuevas directrices del arte nuevo y las recogió en su ensayo el concepto
de la nueva literatura en 1909 en el 10 escribió ya la proclama futurista
a los españoles en el 15 organizó la primera exposición cubista de
Madrid y creo que en el mismo año fundó la tertulia de Pombo y fijaos lo
que decía en la primera proclama de esa tertulia y que viene muy bien para
introducir estos textos en prosa dice, el libro implasificable el libro
violento el libro ultravertebrado el libro libre en que se libertase el
libro del libro muy Ramón y esto es lo que pretendía y lo que sin duda
muchos consiguieron bueno yo creo que vamos a leer directamente el texto
vamos a ver bueno el texto que os he traído se titula la muñeca rusa y
apareció por primera vez en 1918 está recogido en el libro muestralo es
un texto muy curioso muy bonito de leer que se configura realmente como un
texto descriptivo ya lo vais a ver aunque tiene una parte hacia el final en
la que se incrusta un episodio en el que sucede realmente algo es un relato
en el que Ramón Gómez de la Serna hace eso de lo que yo hablaba antes que
es mirar al mundo de los objetos con una mirada limpia y de hecho de eso
habla del mundo de los objetos en concreto del mundo de las muñecas rusas
y fijaos lo que decía Francisco Ayala de él describiendo a Ramón Gómez
de la Serna decía un hombre solo frente a un mundo lleno de cosas sin
catalogar y algunas de las más recientes manufacturas y esto es lo que
vamos a ver aquí vamos a ver un hombre solo frente a un mundo de objetos y
lo que logra hacer con eso y Rosa Castel decía de ver y de sentir y esto
es lo que quiero que veamos en este texto la mirada poeta en prosa
torrencial que nos impulsaba a explorar la selva de las cosas así que
cuando hablamos de desrealización no tenemos que perder de vista que la
realidad está ahí lo que pasa es que pasa por un filtro bien, no lo vamos
a leer entero pero casi lo leo dice así la muñeca rusa es la más
pintoresca de todas las muñecas y la de sentido más profundo creo que lo
voy a ir comentando mientras lo leo porque si no luego vale fijaos aquí
como utiliza esta palabra profundo aplicado a la muñeca rusa, con esa
polisemia porque es profunda, puede ser profunda desde el punto de vista
humano digamos pero también es profunda porque contiene en su interior
todas las otras muñequitas es la gran mujer magnánima hay en su corazón
una simpática aglomeración de corazones aquí vuelve esa ironía se la
abre por el vientre y comienzan a surgir seres más pequeños pero con vida
propia toda su amada familia que ella guarece y cobija en su gran alma
estad atentos a esta palabra alma porque va a ser muy recurrente, en el
próximo párrafo aparece tres veces y cobija en su gran alma el marido, un
buen Juan Lanas el abuelo que ya por la edad es como el hijo de su robusta
hija que está en la plenitud y todos los retoños de la familia todos
hijas siempre todas hijas aunque sospechemos ante el nieto si será niño y
nos quedemos con la sospecha porque está tan fajado y tan embalado no lo
podemos saber fijamente se refiere al último de las muñequitas que viene
siempre tan chiquitito que no tiene ya forma de muñeca la muñeca rusa es
indudable que tiene un alma y esa alma está en su oquedad interior hueca
por dentro no es como esos alfileteros o esas bomboneras o esas cajitas
caprichosas cuyo interior hueco está desprestigiado por lo que han de
guardar en el interior de ella no cabe nada que no sea su alma o su familia
o sus recuerdos pareciéndose a nosotros en el afecto hacemos algo así
como lo que hacen ellas guardar en el alma a quien queremos qué bonito y
fijaos no lo he dicho al principio pero si prestáis atención es todo una
personificación esta es una técnica de desrealización porque de un
objeto inanimado está haciendo lo está personificando le está dando
todos los valores y las características de los seres humanos y aquí está
clarísimo con ese símil como pareciéndose a nosotros que en el afecto
hacemos algo así como lo que hacen ellas guardar en el alma a quien
queremos su interior por eso será respetado siempre y a nadie se le
ocurrirá nunca guardar nada en él la muñeca rusa es ingenua muy mujer de
su casa muy íntima muy guardada en sí misma de esa ironía de Gómez de
la Serna es la hacendosa y próvida aldeana que sabe hacer la vida dulce a
todos los que de su cuidado dependen que gobierna la casa con tanto celo y
blandura que llega a parecer y hasta resultar que la casa es ella misma la
casa prudente, la casa de madera recogida y guarecedora como ningún gran
palacio el hogar feliz enguatado de afecto caldeado reservado y puro la
muñeca rusa tiene unos grandes ojos serenos, azules casi siempre que miran
con candidez y credulidad sigue la personificación porque sus ojos miran
siempre de frente con ensalmo deshaciendo el mal rechazándole con sus
exorcismos espontáneos unos grandes ojos que como un pararrayos protegen
contra la acechanza de fuera a los mayores y a los churumbeles de dentro
sus pestañas parecen destellos negros de la niña negra de sus ojos azules
su cara es sonrosada y sana cara de manzana madura fijaos en las imágenes
aquí el pararrayos algo así que rompe toda esa redondez que hemos visto
hasta ahora todas esas imágenes de cuidado que nos ha dado hasta ahora y
luego el de las pestañas las pestañas fijaos que fragmenta la
ilustración del ojo habéis visto las muñecas rusas que tienen esos ojos
grandes y unas pestañas larguísimas si tenéis en mente esa ilustración
fijaos como él fragmenta la ilustración del ojo sus pestañas parecen
destellos negros de la niña negra de sus ojos azules tenéis que imaginar
la niña negra pequeñita, luego el azul y luego las pestañas como si
fueran el destello del punto que está dentro y luego la imagen final
también muy interesante su cara es sonrosada y sana cara de manzana madura
ves cómo se acercan realidades que no tienen nada que ver entre sí y de
esa manera se enriquece semánticamente el texto eso es lo que hacía
Góngora por eso a los poetas del 27 les gustaba tanto porque era una
metáfora creativa en el sentido de que creaban nuevas realidades no una
metáfora como la de las perlas de los dientes que la tenemos tan vamos,
que vemos los dientes ya no vemos perlas aquí se enriquece la realidad
bueno, vamos a saltar ahora de aquí con esto creo que ha quedado bastante
claro cómo describe a esa muñeca rusa y cómo desrealiza al objeto y
vamos a la siguiente página donde dice la muñeca rusa en el tercer
párrafo de la segunda bueno, de la tercera página la muñeca rusa por eso
es un juguete excepcional para los niños que juegan con ella llenos de un
especial respeto y con mayor cuidado magnánima presencia como juegan los
niños con su querida familia los niños son para ella como los hijos del
gran duque su señor, el dueño de todo su pueblo a los niños les
deslumbra el número y les inmuta les conmueve, les penetra la gran
familiaridad que hay entre unos y otros tan diferentes y tan sucesivos
además ante su número sienten la necesidad de jugar a los colegios porque
no acaban de comprender una familia tan numerosa la formalidad de todos les
induce más a jugar a los colegios pues todos están formales y en pie como
en estos grupos en que se da la elección alrededor de otro niño nombrado
inspector aquí, antes de seguir quiero llamar la atención sobre este
episodio que se va a incrustar hasta ahora había descrito la muñeca rusa
en la parte que nos hemos saltado habla del pueblo en el que vive la
muñeca rusa le crea un universo y ahora empieza a hablar de los niños y
es muy interesante porque como vamos a ver en la conclusión del relato lo
que hace Gómez de la Cerna es mirar a las muñecas rusas con los mismos
ojos con que las miran los niños esos ojos libres de prejuicios que dejan
que del objeto surja todo lo que tiene que surgir entonces aquí incrusta
un episodio que ocurre con un niño pero habéis visto que ya introduce el
tema del juego la tragedia surge sin embargo de pronto en estas relaciones
de los niños con las muñecas rusas el niño por un descuido imperdonable
rompe la cabeza a uno de la familia se ha caído quizá al suelo desde la
alta mesa y la madera vaciada ha saltado de ahí el drama desencadenado un
drama que no es el mismo drama de otra muñeca solitaria falsa y abandonada
esa muñeca cuya muerte no es conflicto sino para el niño que la llora
solitariamente el drama de la muerte violenta de un muñeco ruso se une a
la idea atroz de la responsabilidad ante la familia rusa y del
resentimiento inconsolable de todos ellos toda la familia le culpa y
reclama angustiosamente no podrá ocultar su crimen porque allí están
todos ellos que lo saben que le culpan, que le señalan con los ojos que
gritan con dolor el nombre familiar diminutivo y cariñoso del muerto
resulta terrible y bochornoso el pánico del niño su arrepentimiento, su
temor ya no podrá jugar con la muñeca rusa ya no sentirá su jovialidad
numerosa su padre le dirá ya no juegues con la muñeca rusa tanta ilusión
cuando te la trajeron y ahora se abandonó no se sabe nunca lo que queréis
no se os puede entender el niño, aunque estas palabras le ofendan se
callará y no volverá a jugar con ella él sabe que ya no hay en ella
aquella hilaridad humana que había en aquella familia tan feliz y tan
unida todos los vástagos de la familia aunque nunca hablaron están ahora
más silenciosos que nunca no ha valido encerrarles los unos en los otros
para no darse cuenta de la falta insusanable porque se nota el vacío que
corresponde en el corazón total a aquel que murió un hueco que no podrá
llenar el olvido y se sospecha también algo así como una nostalgia en la
mirada de la madre que los cubre a todos y que medita en la falta, en el
hueco en aquella presencia a la que ha suplido una congoja demasiado
directa porque es en su corazón donde nota la materialidad además de la
espionalidad de la ausencia insusanable el niño entonces y oculta la
muñeca huyendo de ella si pudiera devolvérsela a la aldea natal perdida
entre las nieves sólo un horror de niño es comparable a este horror el
horror de aquel niño que ha matado por torpeza un hijo de la gallina
flueca la gallina como la muñeca rusa no le podrá hacer nada pero él la
teme no se pondrá ante ella soñará con la venganza que prepara contra
él la verán grandecida e imponente bueno me parece preciosa esta
narración este texto creo que lo habéis visto claramente como se pone en
práctica esta desrealización a través de una personificación y como
cuando hablamos de deshumanización tenemos que ir siempre con pies de
plomo porque aquí los sentimientos de los que nos llegan en realidad son
sentimientos muy humanos el cuidado el duelo la pérdida de un hijo
etcétera y luego está la mirada la fantasía del niño no filtra la
realidad a través de la razón y es lo mismo que quiere hacer el autor
aquí y lo consigue la ve con ojos limpios acepta todas las posibilidades
que ésta le ofrece y el escritor vanguardista es así, se abre a las
posibilidades conceptualiza y crea una realidad nueva una realidad que no
existía antes y que tiene sin duda un valor estético bien ¿alguien
quiere comentar algo sobre este texto? o algo que se nos haya escapado o lo
que sea no el niño rompe la cabeza es verdad y luego los sentimientos
vienen en el futuro no podrá ocultar el crimen no le podrá hacer nada no
se pondrá ante ella es curioso porque además como que no se entra en el
presente es como si ocurriera todo en este momento no me había fijado en
que la narración incrustada podría haber estado al pasado como es lo más
habitual en las narraciones y está en el momento presente también muy
típico de la vanguardia de explorar el presente y lo que tú dices que
luego varía al futuro para los sentimientos que experimentará el niño es
porque claro si él nos presenta como un hecho presente el que se rompa la
cabeza en este momento todo lo que viene después lo tiene que poner en el
futuro pues sí, muy bien visto el tiempo verbal también es curioso es
verdad yo como madre había pensado se decía lo mismo en los años 20 que
ahora pero efectivamente si llevamos hasta el final ese paralelismo que
hemos hecho entre el niño y la mirada del niño y el artista vanguardista
es verdad y el padre sería como la sociedad la sociedad que no entiende
qué quieren estos vanguardistas y qué les pasa una muñeca rusa por
ejemplo es verdad muy bien visto también ¿alguien quiere decir algo?
seguimos con otro texto bueno, el siguiente que quiero comentar el
siguiente es un texto de Juan Ramón Jiménez para quedarnos primero con
los mayores de Juan Ramón Jiménez no creo que tenga que decir porque sí
que lo conocemos todos muy bien pero para situarnos un poquito el texto que
vamos a leer pertenece al diario de un poeta recién casado que se publicó
entre 1916 y 1917 y que como sabéis se trata de una obra que combina
poemas poemas tradicionales digamos, entre muchas comillas y poemas en
prosa y que se considera dentro de la obra de Juan Ramón Jiménez la
poética juanramoniana como marca un punto de inflexión porque pasa de una
estética modernista la anterior al diario de un poeta recién casado pasa
de una estética modernista a un simbolismo pero a un simbolismo a lo Juan
Ramón a un simbolismo purista que es el que va a caracterizar la siguiente
etapa y este diario de un poeta recién casado además, la presencia de
esas prosas poéticas demuestra la voluntad del poeta de Moguer de romper
estructuras de romper las estructuras fijas y de inaugurar unas prosas
líricas que además tuvieron muchísima repercusión entre los nuevos
poetas de la generación del 27 que no olvidemos en esta primera época lo
tienen a Juan Ramón como un gran maestro luego se irán distanciando
también por bueno, por circunstancias y por el carácter que tenía Juan
Ramón bueno, vamos a leer directamente el texto 17 de junio nubes de cobre
grana ponen de cobre el mar azul de hierro, metales líquidos de oro vivo
el oriente fulgura irresistible acercando con su duro límite el estado de
azul prusia el horizonte del agua en el confuso despertar el derramamiento
amarillo sobre el agua es como si se hubiera exaltado hasta un oro máximo
hecho grito, estallido resurrección, el derramamiento de diamante, alas
blancas y platería que anoche aquí mismo esparcía la luna en el mar de
acero parece que el cielo se ha roto como un gran huevo fresco y que una
yema sorprendente y nunca presumida cuelga por doquiera del inmenso
rascarón y que la brisa clara ha manado infinitamente de un plomo del
tamaño del mundo como un unánime raudal de alegría y de vida
filtrándose por todo esto que es todo y traspasándonos a nosotros que
somos únicos y que con este amanecer hemos tornado mar y cielo con el
cielo y el mar a las cosas en un nuevo arreglo del universo precioso bueno
lo que más nos interesa me interesa destacar de este texto muy complejo si
lo queremos analizar en su simbología son las imágenes apocalípticas son
auténticas visiones que además establecen un profundo simbolismo con el
alma del poeta no tenemos que olvidar que las vanguardias las vanguardias
de las que habéis hablado ayer y tal tienen como antecedente muy muy
cercano ya hemos dicho el modernismo pero el simbolismo también y de aquí
bebe Juan Ramón Jiménez entonces tiene como decía establecen un profundo
simbolismo con el alma del poeta aquí Juan Ramón observa una realidad al
igual que lo hacía Gómez de la Serna en el texto anterior con una mirada
pura una mirada que le permite seleccionar los elementos necesarios
conceptualizarlos y dotarlos de un nuevo significado absolutamente personal
en este caso que simboliza el drama interior que él está viviendo en ese
momento concreto de su vida y que representa realmente su crecimiento
espiritual la luna de miel de Juan Ramón y su novia supuso para Juan
Ramón Jiménez la salida de Moguer la salida de un universo conocido el
abandono de una vida solitaria de una vida obsesiva para emprender una
nueva existencia que en ese momento se le abría como una novedad absoluta
es el hombre que se abre a una nueva vida a través del amor y en el diario
de un poeta recién casado lo que él expresa es toda esa transformación
personal de crecimiento personal y en este texto es evidente esa
transformación aquí todo lo exterior simboliza su mundo interior y más
concretamente de lo que nos habla es de un renacer el universo se rehace
cada día al igual que él está renaciendo en este viaje físico y
espiritual a través de fueron a Nueva York fijaos en el primer párrafo
dice de oro vivo el oriente fulgura irresistible acercando el horizonte del
agua en el confuso despertar su derramamiento sobre el agua hacia un oro
máximo hecho grito fijaos la sinestesia un color hecho grito estallido
resurrección lo dice claramente es una resurrección es un renacer lo más
importante esto tiene muchos significados simbólicos pero lo más
importante aquí sin duda es el renacer del sol que anuncia la
resurrección del alma que a su vez da lugar a una nueva reordenación del
universo interior del poeta y del universo exterior como dice en el segundo
párrafo cuando termina diciendo en un nuevo arreglo del universo este
nuevo arreglo del universo es el universo interior psicológico del poeta y
luego tenemos la imagen impactante del cielo como un gran huevo fresco que
se derrama de su cascarón este huevo fresco que se derrama nos recuerda al
huevo cosmogónico de los mitos de creación de las antiguas sociedades el
huevo está relacionado con los emblemas de la renovación de la naturaleza
y sobre todo tiene que ver con lo que es el renacer y la recreación del
mundo por lo tanto él aquí a través de todas estas imágenes impactantes
lo que hace es plasmar ese renacer interior por lo tanto está en cierto
sentido haciendo lo mismo que hacía Ramón de seleccionar la realidad y
darle un nuevo significado pero además aquí lo hace con unas imágenes
absolutamente impactantes con esos colores esas texturas los metales los
brillos bueno seguimos con otro texto porque son seis y me parece que si no
nos va a dar tiempo algún comentario sobre este léela Nuria por favor
léela cobre, grana, cobre hierro, metales, líquidos, oro pieles, sedes
imita el estado de azul eso es claramente una bueno también yo no lo
había asociado a las olas del mar es todo muy líquido y es que las
imágenes son todas muy líquidas y es todo líquido es como si todo se
derritiera de repente el universo se derrite para renacer por eso todas
esas R y esas L esa es una una reminiscencia modernista totalmente estas
aliteraciones la sinestesia pero es que el modernismo es el primero de los
sismos no... es vanguardia también en su momento 2011 a 2019 no del 16 es
del 16 ya estamos en plena sensibilidad vanguardista en el 16 muy bien
seguimos con el Pájaro Pinto entonces de Antonio Espina Antonio Espina es
uno de los olvidados de esa generación del 27 fue un autor muy muy
importante en la preguerra y como tantos nosotros al estallar la vida civil
vio truncada una carrera literaria que era absolutamente prometedora y su
obra y la valía de su obra no han sido todavía suficientemente
reivindicadas de hecho se lee muy poco se nombra pero se lee muy poco de
hecho es posible que no hayáis oído hablar de él o que no hayáis leído
nada él nació en Madrid en 1991 uy aquí tengo 91 y 94 94 creo que es
más acertado y murió en 1972 fue referente de la literatura de vanguardia
publicó textos literarios y periodísticos en todas las principales
revistas de la época desde la Gaceta Literaria a la Revista del Occidente
pasando por Grecia, Vida Nueva Heraldo de Madrid, La Pluma Editoral, Verso
y Prosa, Índice etcétera etcétera fundó la Nueva España también fue
editor asistía regularmente a las tertulias madrileñas como la de Pombo o
también el Ateneo de Madrid y estaba estrechamente vinculado con proyectos
progresistas de la institución libre de enseñanza y de hecho en la
tertulia del Ateneo de Madrid él participaba realmente en reuniones
subversivas en contra de la dictadura de Primo de Rivera y allí estaba en
contacto con los institucionistas una de las características más notables
de Antonio Espina es que él combinó la militancia política con la
militancia vanguardista y es un buen ejemplo que desmiente ese carácter de
evasión que se le suele atribuir siempre al arte de vanguardia y de hecho
el Pájaro Pinto que es de donde vamos a tomar el fragmento que vamos a
leer hoy el Pájaro Pinto es una obra absolutamente vanguardista pero es
también una clara denuncia de la deshumanización de la sociedad de la
época y de la irracionalidad de la vida y de la condición humana él
realiza allí una crítica ácida y corrosiva de todos los valores
anticuados burgueses de los primeros años del siglo y bueno sabéis que
dentro de la vanguardia finalmente sí que se vuelve a la rehumanización y
se empieza una literatura comprometida socialmente concretamente con el
surrealismo francés, se da ese giro ya en los años 30 en España eso no
ocurre exactamente así porque en España la literatura social se recupera
desde otros postulados que se oponen frontalmente al arte de vanguardia y
me refiero a la rehumanización que se promueve a partir de los años 30 en
revistas como Ginete Verde para la Poesía Neruda, no sé si os suena todo
eso entonces la nueva literatura social se opone frontalmente a la
vanguardia pero realmente la literatura vanguardista que proponía Antonio
Espina iba ya en esa dirección iba en esa dirección y probablemente si
él hubiese seguido si no hubiese llegado la guerra y si no hubiese pasado
todo lo que pasó a lo mejor se hubiese podido continuar por ahí, no se
sabe eso es fanta literatura pero bueno, lo seguro es que este libro fue un
libro emblemático de la narrativa de vanguardia y que bueno, recoge una
serie de textos caprichosos como lo define Guillermo de Torre en el que
Antonio Espina lleva a cabo esa crítica absoluta del mundo frívolo que lo
rodea pero a través de una estética absolutamente vanguardista, el libro
se compone de siete episodios tres de los cuales componen una novela breve
titulada Shelfa, carne de cera nosotros vamos a leer solo los primeros
fragmentos del principio del libro y es justamente ese texto titulado
Pájaro Pinto pero no lo vamos a leer todo el pájaro pinto que era el
pájaro frívolo que tenía la humanidad para sus niños y para sus biombos
teatrales se transmutó en pájaro grave después de la guerra volaba por
el mundo hasta hace poco y un día, como se dirá luego a su debido tiempo,
al final desapareció el año 19 a raíz del primer aniversario del
armisticio fue nombrado como el ser de la más última y magnífica
inocencia ministro de relaciones exteriores de las cruces de madera todos
sabemos lo que son las cruces de madera bueno a ver, el pájaro pinto se
configura desde el principio como un símbolo de la frivolidad de la época
un ser que revolotea por ahí no lo podemos imaginar de colores dice que
servía para adornar los biombos yo me imagino un biombo de estos
modernistas y aquí en estas primeras oraciones nos sitúa en la época
histórica enseguida, nos dice en el año 19, a raíz del primer
aniversario del armisticio es el primer aniversario del fin de la primera
guerra mundial entonces este pájaro símbolo de la frivolidad se
transforma en la posguerra en un pájaro como dice, grave entonces serio y
le dan una misión, que es esta la de ser ministro de relaciones exteriores
de las cruces de madera las cruces de madera todos sabemos lo que son las
cruces de madera la primera vez que el confidente vio uno de estos huertos
especiales como llaman los cementerios huertos especiales le pareció un
campo de aviación silencioso, con las escuadrillas fuera de los hangares
prontas y formadas para emprender el vuelo esto es lo que ve el pájaro
pinto la primera vez que sobrevuela un cementerio la más visible cosecha
de la gran guerra ha sido esta se trata de huertos simplemente unos grandes
huertos alegres hasta donde es posible en los que brotan plantas en la
curiosa disposición de los plantillos vulgares y cada una de aquellas en
forma de cruz fijaos aquí la ironía o mejor el cinismo con el que
presenta esos grandes cementerios de la primera posguerra cada una tiene
cuatro antenas una superior y otra inferior por las dos laterales comunica
con todo el mundo que hace ruido lo mismo que cualesquiera otros aparatos
de radio y por la antena superior no se sabe realmente aquí también la
ironía debería decir que se comunica con el cielo no se sabe realmente
como se dirige hacia arriba suponen algunos que comunica con pero la biblia
recomienda que no hagamos juicios temerarios para que hacerlo pues lo que
si es seguro es que por la antena vertical inferior comunica con el
infierno el palo clavado en tierra recibe por su afilada punta chispas
mensajeras y las envía con regularidad van y vienen del verdadero infierno
a la punta del palo y de la punta del palo al verdadero infierno este se
halla muy pasado el de barbuce por lo tanto y algo lejos del de dante el
pájaro pinto se puso serio después de la confidencia meditabundo,
estúpido dejó de acudir al llamamiento de los niños y de posarse al lado
del pelícano y del dragón amarillo en el biombo del cabinete bueno esto
sigue os voy a decir como acaba para que entendáis hasta donde llega la
crítica de Antonio Espina el pájaro pinto al pájaro pinto le dan que han
cometido de ser el ministro de asuntos exteriores entonces el ministro de
asuntos exteriores de las cruces de madera lo que tiene que hacer es
recibir los mensajes que las cruces de madera le envían a él a través de
esas antenas y ese mensaje transmitírselo a la familia a la familia y a
los vivos que han quedado pero que pasa que ni la familia ni la sociedad en
general vamos los vivos no quieren saber nada de los mensajes de los
muertos entonces finalmente el pájaro pinto renuncia y desaparece todo
esto el significado la gran crítica que tiene es algo que no podíamos
aplicar otra vez que la sociedad no quiere saber nada de su pasado ni
responsabilizar ni recuperar la memoria de los muertos lo que pretende
Antonio Espina con ese texto es mantener viva la memoria de esos muertos
fijaos que tiene un contenido social muy fuerte una crítica social
también muy que incide mucho pero lo hace a través de una estética
vanguardista bueno aquí simplemente en estos tres fragmentos vamos a ver
cómo acerca planos diferentes como hacía el cine con el montaje son
planos de realidades diferentes que no hay en los que no hay el narrador no
nos explica el cambio de plano primero nos habla del pájaro pinto luego ya
vemos directamente el cementerio desde arriba y luego ya nos está hablando
de cómo reacciona el pájaro pinto ante una confidencia entonces esa
unión de planos diferentes luego la ironía, el cinismo y las imágenes
esas cruces de madera que son antenas que tienen que ver con las radios que
era un instrumento absolutamente fundamental en la época y todo un
símbolo de los avances técnicos y de las comunicaciones etc pues hacen de
este texto sin duda vanguardista pero que no renuncia a la crítica social
y por eso lo he querido traer para que veáis que en realidad no estaban
del todo reñidas es un autor que escribe sobre un infierno como Dante con
la Divina Comedia ahí simplemente lo que hace es decir dónde está
situado ese infierno con el que se comunican las cruces de madera dice
éste sea ya muy pasado el de Barbusse muy pasado el infierno de Barbusse
creo que la fotocopia lo tenéis en nota bueno vamos a pasar a otro
queréis comentar algo de esto no no la nombra pero está claro exactamente
estamos seguros de que hay un infierno pero no podemos estar seguros todo
apunta a que exactamente si las cruces de madera se comunican directamente
con el infierno ahí no hay duda el infierno puede ser la misma guerra de
donde han surgido es posible bueno la civil todavía le quedan 6 años pero
desde luego el ambiente en Europa dejaba presagiar que algo vendría y el
hecho de que la sociedad quisiera olvidar tan pronto a esos muertos
significa que es una sociedad que no va a aprender de sus errores y de
hecho no aprendió bueno el siguiente texto es un texto precioso es una
joya de la literatura porque es cortito pero perfecto y es de Francisco
Ayala bueno no he dicho nada de Antonio Espina si perdón lo digo porque
como nunca se habla de él Antonio Espina fue este gran escritor en la
preguerra y luego la guerra les desbarato la vida porque él fue gobernador
civil en Baleares bueno ya estuvo en la cárcel en el 34-35 y luego durante
la guerra lo apresaron estuvo en la cárcel fue depurado sufrió
represalios de todo tipo hasta que logró huir en el 42 o 43 ahí creo que
lo pone bueno en el 46 logró huir huyó a París luego a México en el 53
y bueno regresó y siguió la vida de lo que se llama el exilio interior
nunca pudo recuperar ni el prestigio que tenía ni reanudar esa producción
literaria tan vanguardista en todos los sentidos que tenía durante la
preguerra y es uno de los grandes olvidados de la generación del 27 y
ahora vamos con otro exiliado Francisco Ayala es más conocido ¿por qué?
pues porque Francisco Ayala se exilió antes de que acabara la guerra civil
así que no sufrió represalias ni nada de eso él se fue a Argentina y
ahí pues tuvo la suerte de poder reanudar su quehacer literario y bueno
tiene una producción narrativa y ensayística de primerísimo orden para
conocer la historia de la literatura española sobre Francisco Ayala os
aconsejo dos documentales uno está en Radio Televisión Española a la
carta y es el documental Francisco Ayala La ilusión perseguida precioso
porque además Francisco Ayala fue muy longevo murió a los 103 años
entonces pudo contar mucho de todo lo que vivió en la España de antes de
la guerra y también lo que vino después y hay también una entrevista de
1977 en el programa A Fondo en el que Joaquín Soler Serrano lo entrevista
bueno no mayor mayor pero ya a un Francisco Ayala muy maduro y muy
interesante también por si os interesa murió hace poco en el 2006 2004
bueno alguien que no sea de letras aquí es ay no tengo el año de
nacimiento bueno eso lo miramos en Wikipedia luego pero vamos murió en
2000 poco hace poco y bueno y el texto que vamos a leer pertenece a la obra
El boxeador y un ángel que es un libro que ofrece cinco relatos el primero
es el que da título al libro y Susana saliendo del baño es otro de esos
relatos aunque este relato no sabría muy bien como llamarlo porque como
vais a ver no hay eje del deseo no es exactamente un relato aunque si hay
una parte un poco dinámica y lo vamos a leer directamente los dos grifos
de níquel raras aves agarradas a la piel tersa de la bañera miraban
pensativos ya sin agua caliente y fría las hojas verdirrojas que flotaban
huyendo en la concavidad de porcelana el agua ni caliente ni fría cantaba
en sus orejas rosadas y tiernas caracolas una canción de azogue temblaba
en el baño para desviar sus formas le multiplicaba cada perfil en
líquidas ondulaciones y cercenaba su garganta con un hilo verde la cabeza
muerta muertos los ojos en un sueño marítimo un minuto elástico e
inminente surgió un brazo como una señal surcado de venas y chorreando
los cinco dedos cinco raíces clavadas en la esponja se abrió la mano y la
esponja estrella rubia naufragó en una tibia aurora de carne y porcelana
la mano adaptó su caricia húmeda a la curva del contorno nació en aquel
mapa claro la isla de un hombro y el cuello metálico sobre el pecho hoja
de mapamundi dos hemisferios temblorosos con agua y carmín el vientre en
ángulo y las rodillas paralelas Susana pisando el agua saltó una pierna
sobre el borde con gesto audaz de ciclista para poner su pie azul y rosa en
flexible tablero de corcho sin color ni temperatura se levanta, quieta ya
mientras el agua libre de cadena se precipitaba cantando su condenación
por tubos de órgano era admirada del espejo confinado en su elipse
celuloide del rizado lavabo en que se aburría un jabón negro y del
asiento redondo y vegetal se cubrió de largos pliegues blancos arriba la
cabeza mojada y trágica medusa abajo los pies el espejo sonreía como una
ventana sobre la mesa de cristal ¿te parece sensual? a mi me parece tan
geométrico los pechos son dos hemisferios temblorosos con algo de carmín
¿no? bueno en realidad es un relato de lo más banal porque lo que nos
está describiendo es una mujer en la bañera que no hace nada está
absolutamente inmóvil y en un momento el movimiento que hace es el de
pasarse con la esponja y luego sale del baño ¿sale de la bañera? yo lo
veo muy descriptivo si, si es muy descriptivo es una descripción son en
realidad dos secuencias una Susana en la bañera quieta y otra de Susana
saliendo del baño y ya cuando se pone en posición vertical y la
descripción de los objetos que la miran pero justamente eso es lo que
quiero que os fijéis fijaos como realiza aquí Francisco Ayala lo hace
invirtiendo los términos a ella la cosifica y a los objetos los
personifica además matemáticamente fijaos los dos grifos de níquel raras
aves animalización la bañera tiene una piel tersa está personificada las
orejas de ella son caracolas animalización o cosificación no sé según
las caracolas se viva o muerta si está vacía es una cosificación luego
fijamos en el tiempo lo voy a ir comentando saltando un poco el tiempo un
minuto elástico e inminente es un relato absolutamente atemporal es un
minuto elástico no sé un poco bersoniana del tiempo tenemos muchísimas
metáforas marinas los dedos son raíces clavadas en una esponja una
esponja que yo me imagino en este contexto una esponja natural del mar la
cabeza de algas verdes y rojas en el primer par la tercera línea ahí no
sé exactamente a la cabeza de ella cuando estamos en la bañera y el pelo
en el agua parecen como algas algas verdes y rojas será por los reflejos
que le da el agua o a lo mejor porque ella es pelirroja Susana, no lo
sabemos luego hay muchas imágenes geométricas como os decía al principio
que remiten claramente a una estética cubista fijaos el vientre en ángulo
las rodillas paralelas y al final creo que dice cuando sale los pies
apuntados triangularmente y también lo de los pechos que decía María
Ángeles los los pechos dos hemisferios temblorosos con agua el carmín el
carmín sería el pezón fijaos aquí en la imagen que os he puesto como te
parece mucho esa descripción lo del hemisferio luego también hay muchas
líneas la línea que corta el cuello la línea del agua como un bueno es
que podríamos comentar cada frase de este ¿cómo? un gesto audaz de
ciclista eso también es muy vanguardista el deporte esa actitud deportista
que tiene ella al salir de la bañera salta sobre la bañera con un gesto
de ciclista me lo imagino con la rodilla muy levantada rompe esa primera
escena tan estática se rompe con un movimiento deportista esto es también
algo muy de la estética vanguardista futurista casi la velocidad, el
deporte ¿no? el entrenamiento bueno hemos dicho lo de la huella del
cubismo vale, pues pasamos al siguiente texto que veo que se nos ha hecho
el tiempo encima ¿queréis comentar algo más sobre este? no bien, pues
entonces vamos con Quinina Mi Gómez este el siguiente texto es un texto de
Rosa Chassel y bueno ella pertenece a la generación de 27 a la a una
generación a la que se escribieron no pocas mujeres entre ellas algunas
escritoras que que pusieron en práctica las directrices vanguardistas como
Josefina de la Torre María Teresa León o Rosa Chassel vale el relato que
vamos a comentar porque este sí es un relato en el sentido de que narra
unos acontecimientos además en el pasado de la primera persona este relato
apareció en las revistas de Occidente en 1928 y ella lo ideó durante su
estancia en Roma ella bueno, frecuentó por un tiempo la Escuela de Bellas
Artes de San Fernando y allí conoció a su marido Timoteo Pérez Rubio que
era pintor y cuando éste ganó creo que fue con una beca de la Junta de
Ampliación de Estudios me parece ganó una beca para recorrer Europa y
entre los sitios que visitaron uno fue Roma y estando en Roma ella tuvo la
idea de este relato porque todos los días en el periódico veía la
publicidad de un producto capilar esa era la publicidad que ella veía un
producto capilar bueno, en italiano se le diría quinina quinina amigone
que era para fortalecer el cabello un tónico y a ella le llamaba
muchísimo la atención la ilustración del hombre con barba y la mujer con
ese pelo recogido y la niña, la jovencita que está entre los dos y le
llamaba mucho la atención porque ella decía que le parecía el choque de
dos generaciones el siglo XIX encarnado por los padres y por esa figura tan
delicada con ese recogido y ese moño que se ve aquí y la nueva
generación representada por la jovencita y a ella esa imagen le inspiró
este relato este relato titulado quinina amigone en el que le da ese nombre
quinina a la protagonista que es la madre bueno, una de las protagonistas
la madre no lo vamos a poder leer todo es breve en realidad pero es muy
largo para el tiempo que tenemos nosotros pero si quiero contaros por lo
menos de qué va porque aparte de que es un relato muy bonito ella plasma
en este relato justamente lo que se está viviendo en el plano estético en
aquella época el choque de dos generaciones la incomprensión absoluta y
la muerte de los valores del siglo XIX y el surgimiento de una nueva
estética ¿cómo lo hace? bueno, el relato está contado en primera
persona está contado en primera persona por el padre ella procede en el
relato la estructura que tiene son secuencias y esas secuencias están
formadas por escenas no voy a entrar en describiros la estructura porque
para eso tendríamos que leerlo pero las secuencias son bastante evidentes
y hay cambios de una a otra con conectores, etc. la primera escena la
primera secuencia nos describe a Quinina a la madre cuando el padre la
conoció y ella cantaba era una mujer por lo que se entiende en la sociedad
y cantaba y era su manera de expresarse y de sacar todo lo que llevaba
dentro el canto pero el padre bueno, el futuro marido cuando se casa con
ella le prohíbe cantar y la asume en un completo silencio bueno, lo que
quiero que veamos ahora es cómo describe Rosa Chassel a esa mujer y vais a
ver que la describe a través de imágenes que me trocito es el padre el
que habla recuerdo que al entrar en la sala creí sentir que salía pero
precisamente como esos días de ambiente tan cargado en que se sale a la
calle y parece que se entra en algún sitio lo que note fue sin duda que
algo estaba allí trastornado que algo alteraba y deprimía la atmósfera
de modo insufrible yo entraba de puntillas prevenido de antemano ya en el
vestíbulo me impusieron los chichis miraba porque viendo mi curiosidad
esperaba satisfacerme pero no vi más que un círculo silencioso rodeando
el piano negro lago donde quinina cisne navegaba fijaos como nos describe a
esta mujer que yo ya os he dicho que va a encarnar la sociedad del siglo
XIX vale un círculo silencioso que rodea el piano y el piano es un negro
lago es un lago negro donde navega quinina que es un cisne entonces tenemos
el lago la oscuridad el cisne pero ahora vamos a ver más imágenes en la
siguiente página más o menos a mitad dice ella emisora temblaba aún
sobre su tallo aquí ya ha terminado ella de cantar vale ella emisora
temblaba aún sobre su tallo vibración de copa finísima que sólo siente
quien la tiene en la mano me esperaba el vals brotó oportuno para encubrir
nuestro impensado abrazo y luego sigue al final del siguiente párrafo yo
la veía semi oculta como la luna entre los cedros las imágenes que nos
presentan aquí ninas son el piano el lago la oscuridad y aquí se suma el
tallo la copa finísima el vals se asocia a ella y la luna dice yo la veía
semi oculta como la luna entre los cedros son todas imágenes que describen
la feminidad del siglo XIX la fragilidad la quietud del lago el misterio la
oscuridad la luna esa imagen la vibración del tallo como si fuera algo
absolutamente frágil entonces ya aquí nina está caracterizada como una
dama del siglo un poco antigua antigua, frágil y lo que viene después del
trato que le da al marido eso ya es brutal como os dije él le prohíbe
cantar él la domina totalmente él quiere que sea suya y como cantar es
algo que ella y su manera de expresarse él la quiere aplacar lo que más
de ella quería escapar era lo que yo sujetaba exactamente la voz y en la
siguiente página dice ni después cuando la tuve conmigo encontré nunca
bastante fuerte muralla de insociabilidad para esconderla sentía que nos
acechaba la banal codicia de la gente todos me decían la tienes ahogada y
luego nos cuenta un episodio en el que él llega a la casa y se había
colado gente y esa gente que se había colado se había puesto a tocar el
piano y quinina estaba a punto de empezar a cantar y dice la casa estaba
llena desde la puerta su presión me impedía avanzar pensé en abalanzarme
a extinguir el foco y temino llegar con vida pero ciego ya iba
atravesándolas antes que yo llegó mi grito y los tres pajarracos saltaron
revolotearon espantados quinina en cambio junto al piano quieta con él
como dos niños acusados él con la boca abierta y ella callada fijaos que
imagen preciosa digo la imagen de ella y el piano como dos chiquillos que
acaban de ser sorprendidos el piano con la boca abierta y ella con la boca
cerrada que estaba a punto de despejarse y las páginas se movieron se
movió Pero algo pugnaba dentro por forzarlos, algo interiormente
impulsado, algo ya desplazado, que tenía que fundirse fatalmente pródigo.
Mi voz como una mano dura había cerrado su boca en el momento en que
subía a ella la frase sagrada, y se agolpaba el divino fluido, se cuajaba
en los resquicios de los lagrimales, sin que los párpados pudiesen
tragarlo. Por entre ellas pisoteé sus gritos y sus protestas, llegué a
tapar con mis labios los ojos que no podían cerrarse. ¿Veis cómo
describe ella la sociedad que quieren romper? Y bueno, ella, Rosa Chacel,
creo que en una de las primeras intervenciones que tuvo en la prensa, la
revista de Occidente me parece, hablaba justamente de las posibilidades que
tenía la mujer en la sociedad de la época. O sea que ella estaba muy
concienciada con el tema del... feminismo, ¿no? Pero bueno, no era de eso
lo que quería hablar, sino de cómo a través de las imágenes nos ha
pintado una sociedad y, bueno, y muy concretamente una relación de pareja
absolutamente nefasta, ¿no? Luego, en la segunda parte del relato, entra
la hija. Después de toda esta represión, la manera que Quinina encuentra
de expresarse es la maternidad, y tiene una hija. Pero la hija le sale muy
nueva, demasiado nueva para ella, ¿no? Y bueno, aquí no da tiempo a
leerlo, pero lo digo yo, la hija pues empieza a no comunicarse con los
padres, ¿no? Es como si pertenecieran a dos mundos absolutamente
diferentes. ¿Y qué es la imagen y el símbolo que representa aquí a la
hija? El cine. La hija se hace una amante de la mujer. La hija es una
amante del cine mudo, que en la época era lo que tocaba, y entonces la
madre está muda por imposición, y la hija es muda pero por elección. Y
de hecho se convierte en actriz. Yo entiendo que se convierte en actriz.
Luego cuando lo leáis me lo decís, porque en ningún momento lo dice,
pero los padres la ven aparecer en la pecera, y si la ven aparecer en la
pecera, significa que la ven en la pantalla, entiendo yo, ¿no? Entonces
ella encuentra el cauce de expresión en esa nueva estética. Se viste de
manera totalmente diferente a la que se visten los padres, etcétera,
etcétera. Y bueno, el relato acaba con la muerte de la madre y el padre
que queda ahí con esta hija con la que no se sabe relacionar y por la que
siente amor y rabia, ¿no? Porque siente que para él es inaccesible.
Bueno, este es un buen ejemplo. Entonces, aparte de la estructura que
tiene, como os dije, son secuencias con escenas, etcétera, y por las
imágenes que utiliza y cómo actúa esa conceptualización de la realidad
a través de imágenes innovadoras. Aparte de eso, lo que me interesaba
aquí era más bien la innovación en el tema y el asunto del relato,
porque es que aquí ella está realmente analizando y expresando lo que se
ve. Está viviendo en este momento la lucha de dos maneras de vivir, pero
también de dos estéticas contrapuestas, ¿no? Y la que representa a la
estética actual es el cine. Y no sé si nos da tiempo de ver el último
texto. Si no, os digo algo y lo leéis vosotros luego. Que son ya casi las
seis, ¿no? José María Hinojosa. Mira, lo que vamos a hacer... Os voy a
hablar un poquito de José María Hinojosa porque lo merece y es un
doblemente olvidado. Y ahora vais a ver por qué. Y el texto es tan
expresivo que realmente lo podéis leer... ¿Dónde está? Ahí está,
vale. Bueno, José María Hinojosa. Bueno. Nació en 1904 y murió en 1936.
Es, os dije, un gran olvidado, mucho más de los que he dicho antes. ¿Por
qué? Porque, bueno, él en su juventud se relacionó con los poetas de la
Residencia de Estudiantes. Fue gran amigo de muchos de ellos. El retrato
que veis aquí se lo hizo Salvador Dalí. Y aquí tenemos ilustraciones de
Moreno Villa, que también fue gran amigo suyo. O sea, que tenía una
relación de amistad muy estrecha con ellos y estaba muy interesado por las
nuevas estéticas. Estuvo en París en el 25-26. A la vuelta escribió un
manifiesto surrealista que nadie quiso firmar. No era un manifiesto
surrealista, perdón. Un manifiesto en contra de la familia, la religión y
no sé qué más. Durísimo, que ni siquiera sus amigos quisieron firmar.
Pero él... Venía de una familia muy, muy, muy conservadora. Que, por
ejemplo, le impidió entrar en la Residencia de Estudiantes. Y él vivía
realmente torturado por esa doble vida que llevaba. Por un lado, se sentía
tan atraído por la nueva estética que se estaba desarrollando en España.
Pero, por otro lado, la familia le pesaba mucho. Muchísimo, muchísimo. Y,
bueno, es el autor del primer libro surrealista, surrealista con todas sus
letras, español, de 1928, La flor de California. Pero ya cuando estalló,
ya en los años 30 empezó a desvincularse de todo el ambiente literario.
Volvió a su trabajo de abogado. Y cuando estalló la guerra civil... Su
familia estaba claramente alineada con los rebeldes, ¿no? Y ocurrió en la
de Málaga... Ocurrió que después de un bombardeo franquista a la
estación de Camsa, al depósito de Camsa, en el que hubo muchos muertos
civiles, etc. La muchedumbre enardecida fue a la cárcel donde él estaba
detenido porque, bueno, después del sublevamiento lo detuvieron a él, a
su padre y a su hermano. Y estaban en la prisión y los sacaron de la
prisión a ellos tres, creo que fueron a seis. Tres eran ellos y otro era
el hermano de Alto Laguirre, Luis Alto Laguirre, del poeta. Y los
fusilaron. Entonces, ¿qué pasó? El régimen no quería saber nada de él
y de su obra porque es que su obra es absolutamente surrealista y va en
contra de todo lo que representó luego el franquismo. Y los exiliados o
los republicanos tampoco querían saber nada de él porque lo consideraban
un traidor, porque realmente él se había alineado con los rebeldes.
Resultado, que sabemos, bueno, poquísimo de José María Hinojosa, es
verdad que se ha estado recuperando el profesor Julio Neira, que es el
catedrático de la UNED. Él editó La flor de California, creo que en el
79, una preciosa edición con una buenísima... Bueno, tiene el prólogo
también de José Moreno Villa, ¿vale? Pero bueno, aunque se haya
intentado la recuperación, lo cierto es que sus textos, por lo menos en
institutos y universidades, no se suelen leer, ¿vale? Entonces, ¿es no
puede que él fundó con Manuel Alto Laguibre una revista en Málaga que se
llama... ahora no me acuerdo. Puede ser, ¿eh? Puede ser, puede ser, pero
no te quiero... A mí me suena de que es que, digamos, era como el que
había por su dinero, ¿no? Para crear esa revista y eso. No estoy segura,
no quiero decirte nada porque no estoy segura. Lo miramos, ¿vale? Lo
miramos. Lo miramos. Y bueno, La flor de California es un texto surrealista
absolutamente. Aquí sí que asume todos los postulados del surrealismo de
Breton. Es un viaje onírico a través de túneles, espacios imaginarios,
visiones oscuras repletas de imágenes de putrefacción, de... Mutilación,
incendios, formas, licuefactas. Bueno, realmente imágenes muy
desagradables, ¿vale? Que el poeta va atravesando, ¿no? Y representan
realmente el inconsciente de José María Nejosa tan torturado por la
época en la que vive y por los conflictos personales que él tiene. Entre
la autoridad representada por su familia y la libertad representada por sus
aficiones literarias y por el círculo de amigos en los que se mueve, ¿no?
Bueno, yo creo que lo vamos a dejar aquí porque si no se nos va a hacer
muy larga. Ya llevamos dos horas y luego nos queda todavía una charla.
Pero os dejo el texto y ya vais a ver que... Bueno, las imágenes son
muy... Evidentes. Y si queréis una interpretación de estas imágenes
podéis buscar la introducción del profesor Julio Neira, ¿vale? A esta
obra. Bueno, hasta aquí yo espero... Lo que quería era mostraros cómo se
lleva a la práctica esa estética vanguardista en los textos en prosa. Por
supuesto no hemos podido ver un muestrario representativo de todo lo que
había en la época. Pero creo que por lo menos hemos hecho algunas calas y
podemos tener en mente cómo eran esos textos vanguardistas. Bueno, pues si
no hay ninguna pregunta, cerramos aquí. Dime. La revista era Litoral.
¿Litoral? Claro. Pero es con José María Hinojosa, ¿no? No es con... No
es con Emilio Prados. Sí. Junto con Emilio Prados fue... Y se fue el
codirector de la revista... Litoral. Sí, sí. De mala. Bueno, pues ¿algo
más? ¿No? Entonces, bueno, lo dejamos aquí y muchas gracias por haberme
escuchado dos horas. Gracias. Bueno, aquí tenéis una mínima
bibliografía. No sé si queréis que el PowerPoint os lo mande o os lo
mando. Si queréis.