Entonces, decía que estamos asistiendo verdaderamente a la disolución de
la tercera dimensión. Es el último estilo en el que se construye el 3D. A
partir de ahora, veremos los post-internacionalistas la semana que viene y
cuando empecemos el siglo XX, empezaremos con las vanguardias y llegaremos
a ficar solo con el ritmo, pero ya tenemos un pez de esa dimensionalidad. O
sea que estamos al final ya del estilo, del reconocimiento visual y de ver
representaciones a las que nosotros estamos acostumbrados. Porque nosotros
nos acostumbramos al 3D. De ahí la dificultad para entender el disco,
porque nuestro ojo no es capaz de componer de esa manera. Bueno, vamos
entonces a empezar con el impresionismo. Impresionismo, que es el estilo,
yo creo, más cercano y más conocido, supongo, por casi todos. De todo lo
que hemos visto anteriormente. A lo largo del siglo XIX se produce un
cambio fundamental en la sociedad y afecta a muchos de los espectadores y
seguidores de parada artística. Con la revolución francesa disminuye el
papel de la aristocracia y la poesía adquiere más protagonismo. Acabará.
Ya sabemos nosotros de eso, ¿no? Los cambios en la estructura social no
suponen una transformación inmediata en la sensibilidad. Claro, la gente
pues aguanta de una manera que se nota dentro de esa pared y completamente
ese gusto de lo galante y esa sensación de lo recondicional, entre
comillas, que tiene. O sea, no se entiende. No se entiende que el pintor
debe presentar en su estudio. No se comprende que el pintor salga por sus
sitios y caballeros y se vaya a sentar al campo, porque tradicionalmente no
es así. Eso será lo que supone verdaderamente el impresionismo. Salir a
la calle, salir al campo y mirar lo que se ve en ese momento. Y luego
volver por la tarde y representar lo que se ve dentro de lo que estamos
viendo. Entonces ese sentido es completamente rompedor. ¿Eh? Los
salones... De los salones imperaba el acto conservador que rechazan el
realismo y el impresionismo. Por cierto, la importancia de los salones ha
sido preguntar examen. Os lo digo para que tengamos una idea de lo que
supone. ¿Eh? Se produce una disociación entre el arte y el público y el
sistema del trabajo casi desaparece. Poco a poco, ¿eh? Esto va a ir
acabando. La Revolución del 48 no impide que el Estado mantenga el control
sobre el arte. Se vuelven a imponer las normas y se recela en todo lo que
tiene que ver con la Revolución Francesa. La Revolución... La Revolución
Artística se asocia con la Revolución Política, con la Comuna de París,
con todo lo que había supuesto el realismo por lo de la connotación
ideológica que tenía. Recordamos que el realismo surge al calor de un
ideario filosófico y político de dependencia socialista y de dependencia
comunista, ¿no? Y el realismo con más o con menos compromiso político
surge al calor de esa situación. Esto, nos tenemos que imaginar que no es
perfectamente aceptado por todas las clases sociales. Naturalmente, porque
habría algunos que estarían en las antiguas de su forma de pensar. O sea
que, bueno, es el principio del fin, pero no siempre cuenta con todas las
bendiciones de los que lo están presenciando normalmente. Los realistas y
los impresionistas fueron rechazados, pero su cultura tenía ampliamientos
distintos, aunque tenían un aspecto común, que era la realidad alejada de
los modelos fijados por la autoridad. Les separaban la conciencia social de
la función del arte. El arte sirve como vehículo de expresión, de
denuncia según qué casos, o sea, refleja la sociedad, en definitiva,
refleja la realidad que hay. Algunas de las realidades que no se habían
representado anteriormente. Entonces, el realismo y el impresionismo ponen
sobre la mesa, sitúan un plan, pero vemos que hasta ahora mismo no se
habían considerado, no habían tenido consideración. La aparición de
corrientes artísticas al margen del academicismo provoca distorsión y
fueron rechazadas hasta épocas avanzadas, hasta el de ayer. Y a
muchísimos de ellos murieron en la masa absoluta de las miserias. O sea
que, por supuesto que ellos rompieron moldes, pero no tuvieron muchos de
ellos esa aceptación y ese... bueno, esa consideración, ¿no? Y además,
teniendo en cuenta que muchos de ellos producían una presa social
importante, o sea, elevada, porque eso siempre es así, ¿no?, que no nos
equivoquemos. Que yo siempre digo, los que hacen la revolución y los que
sirven... No, si es así, porque si no es que estás pendiente de que
tienes que comer y que... Pero ¿quién le mantuvo a su hermano? Él.
Claro. Él no. Él murió en la masa absoluta de las miserias, pero tenía
a su hermano que le protegía hasta donde pudo. O sea que sí que...
Perdón. Es que hay una relación directa entre mi poder artístico... Ah,
no, no, no. Es que siempre es así. Pero es que eso es así. Para que uno
rompa moldes o... No, no, no. las exposiciones en las que aparecen
galerías que aprecian el valor del arte. Más para el claro, ¿qué pasa
ahora? Una galería donde se expone un fulanito que expone el meganito,
¿no? Sin que, por supuesto, la academia dice nada, sino que, bueno, el
arte se independiza, podríamos decir, y el comprador va y elige lo que te
gusta y si no te gusta, pues... ¡Gracias! Sí, tenía algo que...
Marchantes o... Sí, sí, sí. Sí, sí. El origen, pues sí. Se ha
independizado completamente y suje estos tipos diferentes. Algunos ni
siquiera las querían porque como consideraban que no tenían, que iban a
tener aceptación, pues no. No. Se inicia el sistema de galería que se
llama sobre la aceptación actual de los ajustes del siglo XX y del siglo
XXI. Bien. Bien. Bueno, pues este es un jurado de un salón oficial en el
que se va evaluando una representación o casi una crítica de cómo se
valora, cómo se evalúa las... los cuadros. Esa foto siempre se ve ahí
muchísimo peor aquí. Fijaos. Es otra... Una diferencia importantísima
porque es que tiene una factura muy interesante el cuadro y ahí, sin
embargo, parece que está completamente bien. Venga, vamos a ver las nuevas
técnicas y los nuevos temas. El 15 de abril de 1874 Monet, Pissarro, Siste
y Renaud son de la Cézanne constituyen la sociedad la única de artistas y
pintores y exponen sus obras en el estudio de la Garde. ¿Verdad? Eran
fotógrafos. ¿Eh? Y disponen en su estudio. Aparecían como renovadores
escandalosos de la pintura ante el gusto tradicional. El nuevo
impresionismo se lo dio le guau. ¿Eh? O sea, exponen en un taller de un
fotógrafo bueno, de una manera casi amateur, podríamos decir. Bien. Este
es el nombre que da, este es el cuadro que da nombre al movimiento.
Impresión de Monet, que se lo puso le guau. Fijaos. No se ha roto la
tercera dimensión pero está bien el horizonte aquí, ¿verdad? Pero esto
es novísimo con respecto a a lo anterior, ¿no? No hay, las otras son
claras, no hay nada oscuros, no hay... Aquí, una vez más, se ve mejor.
¿Qué tienen a que ver? ¿No es como en... Sí, es como en... Sí, hay...
Es una delicia. Y esto es verdaderamente, es absolutamente nuevo y no me
extraña que lo existara. Es perfectamente comprensible, ¿no? Que le
rompiera el... los esquemas. Bien. Acometen una renovación innovante en un
aspecto que como la representación espacial se mantiene tridimensional. No
es que no ha roto, pero la tridimensionalidad de un horizonte, que le
gusta. Cambian la estructura de los cuadros y el sentido de la
composición. Y se sienten atraídos por el arte jamones. Pues vamos a ir
viendo... Bien. Fijaos, aquí tenemos una representación de Zola, que la
hace Manet, y aquí tenemos un cuadro que es una estampa japonesa. Bueno,
pues es un guiño a el gusto y a la afición, podríamos decir, que en ese
momento tiene por lo japonés. Bueno, pues... bueno pero vamos a ver yo o
sea que el impresionismo no sólo de asentas y las que no son siempre de
exterior vamos a ir viendo bien temas los temas prácticamente paisajes,
ciudades, estaciones ríos y puentes, puertas, escenas de café de teatro,
ballet, de cabaret de rato, de producto, de aparato estos indican que no
son otras cosas en cuanto a temas van todos todos absolutamente vamos a ir
viendo que algunos tienen una preferencia por unos por otros pero va es la
disociación entre el arte y el público el academicismo encara este estilo
como acto de revertida en el sentamiento económico los impresionistas
renuevan los principios y las formas de percepción un objeto, un paisaje
una calle, una catedral tiene tantos valores como cambios de luz y de color
puedan tener es decir, todo es pasajero y cambiado, eh? la naturaleza, el
aire libre para representar ese principio pero eso lo hacen algunos, otros
no lo que pasa es que como hay algunos que lo hacen pues nosotros lo
enumeramos en realidad esa es una de las características que definen al
impresionismo la captación de la luz y de un objeto o de un edificio a
diferentes horas del día para ver exactamente la influencia de la luz
sobre ese, sobre el edificio sobre ese paisaje o sobre el objeto que se
esté representando porque desde luego no es lo mismo que sea un día
nublado que sea a las 3 de la mañana que sea a las 8 de la tarde cambian
completamente pues esos cambios son los que se pretenden representar y es
una representación de un instante de un momento pero uno hizo ese mismo
excepción de un paisaje en distintos momentos ahora lo vas a ver claro,
claro si, si, es que eso eso es la verdadera la verdadera fijaos esta es la
que pues de todas y con todas estas sensaciones o este aspecto lumínico
diferente fijaos y todos nos hacen esto pero entonces esta es una de las
grandes características que define al impresionismo La representación de
la luz en diferentes momentos del día y del año, porque no es igual el
día de invierno, ¿no? Hoy, por ejemplo, que está el día brumoso y tal,
que un día de abril o un día de agosto, o sea, pues es la influencia de
la luz en los edificios, en el mar, en tal, según el momento del día y el
momento del año. ¿Lo vemos? Si nos pusieran esta diapositiva nos
pondrían en nuestra casa. Es maravillosa para poder contar todo lo que
estamos viendo. Es un ejemplo clarísimo de características del
impresionismo. Bien, no tratan el modelado tradicionalmente, los objetos se
representan con intensidad de punto, los colores no se mezclan en la
paleta. Si no, se aplican sobre el piezo y en nuestro ojo, el que es capaz
de manejarlo. ¿Qué es lo que estamos viendo? Los venecianos, ¿eh? Que
tú te acercas al cuadro y ves las manchas de color, pero que te tienes que
alejar, que tienes que coger cierta distancia para que nuestro ojo, nuestro
cerebro, lo una y te dé la forma que verdaderamente tiene. Bien, ¿lo
vemos? ¿Virtuales? Bueno, el Emulén de la Galera. Esto es de Renoir. Pues
es una escena de fiesta al aire disminuido. Es una escena de la burguesía,
o sea, del país, de, bueno, no sé, tal. Son manchas de color. Si uno se
acerca aquí, y eso que le parece que es bastante malo, uno se acerca y son
manchas de color. No se ha roto la tridimensionalidad, no se ha roto. Pero
si nosotros acercamos, nos acercamos. Si nos acercamos, nos cuesta trabajo
identificar lo representado. Tenemos que verlo a cierta distancia para que
nuestra retina y nuestro nervio óptico mande al cerebro la orden y lo
visualicemos. ¿Lo vemos? Es una escena lúdica de fiesta popular, ¿eh?
Bien, bien. El Puente de Argentés de Monet, pues mirad, pasa lo mismo. Son
puntos de color que si uno se acerca... Lo ve perfectamente y vemos que el
tema es un paisaje en un momento concreto del día, alguna luna por ahí
suelta, si lo representa otro día más oscuro o más oscuro, fijaos
incluso que cae en la figura de este picado. No ha tenido cuidado de
representar el puente completo, porque el puente lo tenemos a medias y el
barco con un estrello adecuado. Eso es una clara diferencia en la
fotografía. Nosotros hacemos la foto y cogemos lo que nos apetece. No
tenemos por qué centrar, porque si queremos efectivamente posicionar el
barco aquí y que veamos un trozo del paisaje lo hacemos. Esto no es eso,
esto es una foto. No es un filtro académico, de ninguna manera. Esta
descentralización podríamos decir de los temas, eso es una clara
influencia de la fotografía. La figura se descentra con una absoluta
normalidad. Me explico lo que quiero decir. Y eso sí que será legal y que
mejor se lo explique, pero se puede ver en diferentes autores cómo esa
influencia se ve. En la imagen que vosotros os pongáis, si esa
característica vosotras las veis, las ponéis. Porque es así, ¿eh? O
sea, que podemos hablar de una cosa en escena que puede no ser una
representación. Claro, la representación no es lo antiacadémico. Es lo
antiacadémico. Y que cuando nos referimos a la fotografía... Claro,
porque tiene una clara diferencia de la fotografía. Cuando se hace una
fotografía, a mí se me puede representar, se ve como un extremo y el
resto a mí. Es lo que a veces hacemos. ¿No? Que el personaje no se sitúa
en el centro. Y eso en un retrato de... ¿Cómo se llama? De estudio, el
personaje está en el centro. O sea, y aquí no, porque como se representa
la naturaleza y los temas valen cualquiera, pues cualquiera sirve. Y esto
nos hace entender que es chilear, que produjera cierta tensión, ¿no?
Bueno, las guinfeas de Monet también tienen una serie de guinfeas para
ver, o menúfales, para ver la luz sobre el agua y cómo se refleja
dependiendo del momento del día. Y aquí lo veis mejor, porque el colorido
es más... Fijaos la paleta tan clara que utiliza. Las sombras, si es que
las hay, son claras. No utiliza claroscuros, no hay fondos difuminados. No
hay... Es una paleta bastante, bastante, bastante más clara. Bien. Pese a
estas renovaciones, el impresionismo no rompe radicalmente con la
tradición. Representa el punto de partida de la renovación contemporánea
y el final de una tradición desarrollada por la cultura de antes. Hemos
empezado a ver en el Renacimiento. Cómo se va... Cómo se construye la
casa espacial. Hemos acabado, bueno, no hemos acabado todavía, pero hemos
visto cómo Leonardo introduce el esfumato, los estudios de perspectiva
aérea, los pintores venecianos captan esa atmósfera bastante acertada y
llegaremos al barroco, llegaremos a Velázquez, que verdaderamente
consolida y la forma perfectamente, o sea, consolida la perspectiva aérea,
¿no? Pues todo eso se ha... Se ha ido desarrollando, se ha ido... Y llega
un punto casi de agotamiento, podríamos decir, que acaba aquí y que
empezamos con las vanguardias. Entonces, en este sentido, no rompe con la
tradición porque todavía hay representación espacial. Aparece la
fotografía como un instrumento de representación de la realidad, no de
copiarla ni de imitarla. Es una forma de representar. ¿Eh? Producirá...
Un impacto por la posibilidad de captación del instante. Claro. Si es que,
si yo estoy representando el puente y va pasando un barco, pues a mí el
barco a lo mejor me tira aquí en la representación. Si a lo mejor lo
pongo dentro de un momento, pues entonces el barco se está yendo. Es un
instante. ¿No? Y no importa cómo esté descentrado o descentrado, porque
es que eso no es el motivo de la representación. Que se estaba yendo. Y ya
está. O estaba viniendo. Se rechazan los temas convencionales y se presta
atención a lo real, siendo el paisaje un campo de experimentación
fabuloso. Claro. Es que en el paisaje es donde mejor se ve el efecto de la
luz, es donde mejor se capta el instante. Claro. El paisaje da, o sea, da
mucho juego. ¿Eh? El paisaje, el cielo, los caminos y el color pueden ser
el verdadero protagonista de los cuadros que se necesitan. Hasta 1870 no se
puede hablar de impresionismo, aunque con la antigüedad se van forjando
estos planteamientos. Ya sabéis, no llega un modelo impresionista a todo
el mundo, sino que hay, primeramente, un calvo de cultivo en donde se va
desarrollando. En el impresionismo se dan dos planteamientos. Los artistas
desarrollan una nueva forma de pintar, basada en la fragmentación y las
superficies, con esas pinceladas de color. Un color libre, una luz que
introduce los cambios. Y por otra parte, hay una transformación radical de
la práctica artística. El pintor sale del estudio. Esas son las dos
características que condicionan y que dan forma al impresionismo. La
pintura, o sea, desaparece la pintura de caballete de estudio, sino que el
artista sale a la calle y las superficies que se fragmentan se utilizan
como una absoluta libertad y la luz es determinante porque es la que va,
verdaderamente, a plasmar esos cambios. Es el instante en que se intenta
representar con la luz como motor. ¿Me explico? ¿En la fragmentación de
las superficies no? Tú lo ves en otro lugar. Si tú ves alguno de los
cuadros que hemos visto anteriormente, mira. A lo mejor aquí no lo
aprecias tan bien. Pero aquí, a lo mejor un poquito más. Si uno se fija
en el cuadro, tú te acercas al cuadro y lo que ves son puntos de color.
Tú te acercas al cuadro y no lo ves absolutamente. A ver, no lo ves. Hay
que echarle una chispa de imaginación. Pero quiero decir, lo que yo creo
que te decís es que cambia la percepción si estás más cerca o si estás
más lejos. Si tú estás más cerca, ¿ves los puntos de color? Es como si
tú lo ves muy cerca. Es como si estuviera mal hecho, es como si
estuviera... Y no está definido, no está dibujado. No está dado la
libertad de entender. No está dibujado. Sí, está conjunto. Claro. O sea,
no tiene el perfil, no está contorneado. No está. Entonces son manchas de
color que van con que conforman. Entonces tú lo ves cerca y esas manchas
de color van con su identidad. Amarillo, verde, tostado y limón. Los
identificas. Y nuestra retina, nuestro nervio óptico, tiene más
dificultad para conformar la forma, para identificar la forma, ¿no? Claro,
porque lo vemos aquí. Si nos alejamos. Si nos alejamos, pues esas manchas
de color se forman, se conforman, es decir, se unifican. Nuestra retina y
nuestro nervio óptico lo identifican porque ya le ha dado forma, porque no
hay contornos. Es que son paletadas. Son paletadas. Entonces, según nos
alejamos, nuestro sistema operativo lo identifica. Y a mi defecta no es
que... No es que de repente... Que sea, lo veamos de cerca y hablemos en la
palabra. Y no, si sea que tú lo atractas, no es atracto, ¿no? Sino que
tú lo desentrañas. Sí. No, no, hay una gran frecuencia de los efectos
técnicos que se imponen ahora con respecto a lo que se disponía
anteriormente. Y el tipo de actitud que se impone hoy en día para poder
hacer el trabajo. Ah, no, pero es una diferencia. No. Yo me imagino que
si... Gracias o incluso... y no lo acabamos de ver en la clase de antes que
tú te acercas porque además no hacen bocetos ellos lo que hacen es pintar
sobre lo que se llama los arrepentimientos y comentaba a ellos que yo sobre
todo pues a veces que hablan de exposiciones de cosas y hay que sacarlos
del amor que es muy curioso y se acaban hace poco hace poco más viejo que
la orilla al mar con los mediante los láser tú puedes ellos se pueden ver
los diferentes dibujos que se han hecho hasta llegar al definitivo esos son
los arrepentimientos no me gusta lo cambio como a veces en la pata del
caballo de las que ha tenido siete patas hasta que se ha llegado a la
definitiva pero que tiene se dibujaba es que se aplica el color se aplica
entonces bueno a ver claro sí es que sobre todo lo que pasa es que la gafa
de colores es distinta son colores mucho más claros y no es una pintura
académica Un retrato de caballete, de aparato, el caballo tendrá tres
patas seguramente en bajo y a lo mejor los ojos, la cabeza debe estar
aquí, la han acabado poniendo. Quiero decir que eran representaciones de
otro tipo, eran retratos de aparatos, eran diferentes, pero la idea es la
misma. Ya hemos visto, lo hemos visto con Tiziano, con Piollone, que es que
ellos aplican manchas de color, no hay dibujo. Es que no hay dibujo, es que
tú vas aplicando y dices, tal, tal, tal. Más ortodoxamente, tal, pero
esto ya lo vienen haciendo desde el siglo XVI. O sea que no, lo novedoso es
los temas, la elección de los temas, la ruptura con el mundo académico,
la influencia de la luz, la influencia de la fotografía. Esto sí que es
nuevo, es que ya hemos pasado. Hemos pasado unos cuantos años, entonces ha
habido que se han ido desligando de ese académicismo y se han ido
liberalizando, definitiva. Tiziano no se podía ni... Tiziano y la
compañía se liberaban, entre comillas, cuando hacían retratos, retratos
viendo cuadros, para escenas privadas, para espacios interiores privados,
pero no para ser expuestos. Cambiaba la tecnología. Cambiaba la
tecnología, cambiaba la estructura y era cuando ellos experimentaban las
nuevas formas, las nuevas técnicas. Pero en retrato de aparatos, si
retratan a Carlos I la batalla del Número, es a protocolo y no se mueve ni
medio centímetro. El caballo sale perfecto aunque tenga detrás siete
patas. Pero en escenarios de interior, por ejemplo, Danae recibiendo la
lluvia de oro. El fondo, cuando aparece la lluvia de oro, son puntos de
color. No es lluvia, son puntos. Y hay un contraste clarísimo con la
primera imagen con Danae y la lluvia de oro que aparece detrás. Hay un
contraste especial entre una parte y la anterior. O sea, que es un cuadro
del interior, un cuadro mitológico en el que ellos ensayan y van soltando
tiendas, soltando amarras. ¿Cuáles? ¿Y qué es lo que han dado? Uy, pero
es que, claro. Pero es que estamos hablando del siglo XVI. También es
verdad que por eso suele ser estudiado. Claro, o sea, estamos hablando de
un individuo absolutamente decisivo en la historia de la lectura. O sea,
que por algo... Pero que te digo, que ellos hacían lo que podían en el
momento en el que estamos hablando. O sea, que bueno, ¿no? En fin. Hay
que... Todo esto hay que tomárselo... Os lo digo porque de aquí en
adelante, no tanto lo que nos queda del XIX, porque la cosa va ahí, ya
estamos prácticamente terminando. Pero cuando nos metamos en el siglo XX y
la cosa se nos salga de madre, hablando en términos coloquiales, pues
tenemos que hacer un sobresfuerzo por entender lo que pasa y por no
patalear, porque para eso lo que tenemos que hacer es entenderlo. Si lo
entendemos, absolutamente, o sea, lo comprendemos y dejamos de cargarnos
las tibutas... Ah, mira, es que lo que hacían eran pinceladas. Aquí hay
más, nosotros habrá menos, porque ni todos siguen una línea continua,
uno mismo sigue una línea continua y todos van a la parra. O sea, que la
cosa va al ritmo que va, ¿eh? Y digo, todo... Pero hay que, bueno, o sea,
que no siempre va a ser así. Que no siempre va a haber... Va a tener
nuestro ojo que hacer la tarea. Que va a haber cuadros en los que la tarea
no ha podremos echar, ¿eh? Que son características generales que una vez
se encuentran, que otra vez se nos encuentran, ¿eh? No todos nos siguen y
todos nos siguen, ¿eh? Sino que, bueno... Vosotros también me... ¿Cómo
vamos de hora? Bueno, vamos un poco regular. Bueno, las minfeas que os
decía, también, igual, diferentes. Pese a estas renovaciones... Ah, esto
es. Aquí la práctica sale del artista. Vamos a ver Manet. Manet tiene una
época impresionista después de haber desarrollado un estilo
independiente. Tiene gran influencia de Goya, de Berlanti, y es menos
virtudista que el resto de los impresionistas. Así que... El que lleva la
iniciativa, pero no rompe tanto, sino que mantiene cierta opego y cierta
vinculación con la energía. Esta es la muestra de las siderías. Como es
que la imagen es una patata, pues aquí no hay puntos que nuestro ojo tenga
que organizar. Es una figura, una pintura espejo. La veo en el sitio.
Bueno, pues es bastante convencional, ¿no? Una vez que se falla y hay
otras figuras, hay una composición espacial importante, pero todos por el
caso de la pintura, un foto que se hace bastante convencional, podríamos
decir. Aquí se nota más pintura, más rompedor, pero la foto es todavía
bastante convencional, podríamos decir. Y como se va a decir en la idea de
la música, en las brillerías, el tema sí que es impresionista, lo que no
es una factura. El escalón sobre la hierba, pues es... Fijaos que es una
figura desnuda, es un tema clásico, es una figura de metodología clásica
y la factura es todavía tradicional, no a robo. Los moldes. Aquí no hay
más composición que organizada. El paisaje es bastante frondoso y la luz
no queda tanto, hay una zona más iluminada, la parte central, sobre todo
la zona femenina, que concentra casi toda la zona de iluminación. Parece
que tiene influencia de Giorgione, que es la merienda campesina. Pero
vuestro libro dice ahí que es de Giorgione y los nuevos estudios dicen que
es de Tiziano. Lo digo porque vais a encontrar diferentes, según el libro
que leáis, podéis encontrar diferentes versiones. El concierto campestre
de Giorgione, este es con el que se relaciona, y esto con los estudios de
una obra joven de Tiziano. Es verdad que ese color en la ropa es un propio
de Tiziano. Pero bueno... Quiero decir, os lo he puesto para que lo podáis
identificar, relacionar. La Olimpia de Manet, fijaos, es un tema clásico.
Un tema clásico, ¿no? Una mujer sentada en la cama, pero esta figura
clásica, fijaos que es una figura que mira, es una figura... Ahí no sale
la palabra. Descarada, podríamos decir, ¿no? O sea, es una figura que
mira. Que está posando y que no está ni en una escena pudorosa, ni nada.
O sea, ella está fresca y descaradamente mirando a la cámara. Posando,
claramente. Ahora se lo voy a encontrar en la figura. O sea, es un tema
clásico, pero tratado con realismo. Despojado de ese aura, ese sentido que
tenían... Realmente los temas clásicos, ¿no? Es una mujer del momento
mirando con descaro, como digo, a la representación. Y esto, lo que se me
trabe. Se vuelve atrás, no me lo puedo creer. Fijaos, aquí tenemos a
Manet en su barca. Aquí sí que hemos dado un salto. ¿A que sí? ¿Eh?
Esto tenemos... Esto es lo que yo pretendo. Que cuando lo veáis,
identifiquéis lo más o lo menos. Identifiquéis lo que haga. Si la luz
realmente ha condicionado. Aquí sí, claramente. ¿Eh? En otro momento del
día, según el espíritu, sería distinto. Es una escena cotidiana.
Fijaos, que está mirando perfectamente en la calle. ¿Eh? O sea, que es un
cuadro dentro de otro cuadro y que resumiría una de las características
clarísimas de esta pintura que se llama. ¿Lo vemos? Bueno, bueno, la
camarera con cervezas. ¿De este vosotros qué tendríais que decir? Es
dibujístico, es... aunque a mí no se ve... aquí se ve un poquito mejor.
Es una escena de interior, es una escena lúdica, ¿no? Es interior. Aquí
no se tome tanta nitidez, pero sí que hay brochazos para entenderlo. Sí
que hay... Es una encelada suelta, ¿eh? No es... no llega a ser como la
anterior, pero tampoco es como las primeras, ¿eh? Vamos ahí. Como vemos
que hay una línea mínima, ¿no? Ahí empieza... y en filas. Sí, y aquí
la cara menos, porque la cara menos, pero esto es este de que está... esto
es ahí un difuso, ¿no? ¿No? ¿No lo vemos? Pues... bien. Va en el
folivergé. ¿Y aquí? ¿Y aquí? Aquí menos. Aquí, bueno, aquí un
poquito más, ¿no? En el mantel, pero... el fondo también, pero no creo
que se nos ponga aquí, ¿verdad? Que si está perfilado, es lo que digo,
esta zona menos. Está más perfilada y el fondo, a ver, más o menos.
Fijaos que esto es una noche, ¿no? Una luz nocturna, lo que se nos
representa, ¿no? Y es un bar, es una escena de fiesta, de... los temas
tanto usaban en aquel momento. Un tema moderno de la calle, de la vida
cotidiana. Bien, seguimos. Los pintores impresionistas. Vamos, porque Manet
se consideraba el precedente. Monnet es el que establece los principios y
orientaciones de la cultura. El impresionismo basa su pintura en la
representación de lo fugaz, de lo inestable, de los efectos que estos
fenómenos tienen en la naturaleza. Las mujeres en el jardín. Bueno, es un
paisaje bastante cubido. La luz entra por aquí y de difusión, con
disminución, ¿cómo hablamos? Entre que no y que no. Bocados. Pero mira
aquí. Aquí se ve con muchísima magnitud, ¿eh? No son manchas. Es
pintura realista al uso. La luz entra por aquí, ¿verdad? La vemos, que
entra por aquí, que ilumina el vestido de la señora que está de espaldas
y de la mujer que está sentada. Y la parte de esta la tenemos un poco más
en penumbra. Es una luz real. Una luz verosímil, ¿no? Es un paisaje muy
cerrado, con mucha vegetación. Y entra la luz y nos deja esa franja ahí
más iluminada. Solemos encontrarnos que las sombras no suelen ser muy
oscuras. Ahí está más oscura, pero son sombras. Y eso que es un paisaje
tupido y nos puede dar sensación de más oscuridad. Pero el impresionismo
no se caracteriza por hacer unas sombras... ... oscuras otra vez, el puente
del gentil para que veamos lo que hemos visto otra vez, su representación
la catedral de Rubén la influencia de la luz, las ninfeas más ninfeas,
porque hace igual que hace con la catedral hace calidad fijaos que no se ha
molestado en tomar el puente completo ha tomado lo que le interesaba a
Gerardo y el puente lo ha dejado ahí, trazado y ya está bien, Sisley
representa la opción más pura y más ortodoxa del impresionismo
inicialmente se siente atraído por el realismo pero en contacto con él,
le olvida el impresionismo, se dedica exclusivamente a paisajes es verdad
que muchos de ellos parten del realismo, con lo cual la representación de
la realidad es real o sea, como es, y que luego van evolucionando, entonces
en ese ir y venir nos encontramos con mayor realismo o con más más
pincelada bueno, fijaos la inundación en Poc Martí aquí aquí qué pasa
son sueltas sueltas, ¿verdad? el ojo tiene que ver con lo que parece
claro, y porque nosotros reconocemos son calificados manchas, y todo esto
son manchas ¿lo veis? el empedrao, ¿verdad? es que no parece empedrao
vamos a ver a Renoir hace, fijaos el columpio, este sí que es mancha y
mancha y si lo veis aquí más increíble ¿eh? lo vemos pero mira, el
baile de la galería este es de los más conocidos de Renoir, pues es
igual, es una fiesta popular, con esa difuminación de las figuras que
verdaderamente si te alejas es cuando lo ves si te acercas lo ves de alguna
manera y si te alejas, nuestra retina y nuestro cerebro lo lo recompone
¿eh? es un baile a la aire libre o sea, tema completamente esto
impresionista, el sendero entre las hierbas y aquí aquí ¿qué veis
vosotros? ¿veis todo de la misma manera? eh este sendero en esta parte
central, ¿verdad? es como borrachazos, cinteladas sueltas y esta zona de
atrás es una de las esquinas aquí se aprecia mejor está más definido
¿eh? ¿lo veis? bueno y mis queridos alumnos virtuales ¿lo veis también?
bueno, vamos a seguir Bien, Renoir-Beja-Italia le influye a Rafael y hace
que se reconduzca hacia posiciones más académicas. Y hace las bañistas
más influidas por la mitología y por los temas que Rafael trataba.
Entonces, fijaos cómo se ha reconducido, fijaos cómo hace una pintura
muchísimo más logística, cómo la influencia de lo clásico, aunque esa
parte de aquí sigue siendo tal y al mal, Renoir va a influir
importantísimamente en el turismo. Pero ¿lo veis cómo ha cambiado con
respecto a lo anterior? Bien, vamos a ver Pisagó, que le interesa el
paisaje de Corot y de Courbet, y el mundo de la naturaleza, sobre todo el
mundo rural. Casa de Campesinos. Y de aquí... ¿Qué veis vosotros?
¿Juntos? ¿Perdón? Pues ahí no hay... Aquí no se ha librado nada. No,
no, que el puntísimo será posterior. Si ya es una posición casi
matemática de ellos, entonces vamos a ver cómo... Si ya, pero eso lo
veremos después. Estos todavía no han llegado a esa sistema de forma
académica y a esas figuras congeladas que se harán después. Esto es
mucho más espontáneo todavía. No están sujetos a matemática como lo
harán después. Bueno, la entrada al Guasén, pues eso. Es un día claro,
¿verdad? Parece de otoño. Y fijaros la cama de hombres que tenemos, ¿no?
Los árboles cuasi desnudos. Las hojas, esto es lleno de... A mí me llenó
el día de hojas. ¿No? Y un día claro de otoño, pero... Bueno, la venida
de la ópera de Picasso... De Pissarro, fijaos el... Y aquí... Es un día
como el inicio, ¿verdad? Está el sol oscuro y llano. Aquí se nos va la
vista. Lógicamente. Aquí se nos va algo menos. Pero verdaderamente son
manchas. Son manchas de color. ¿Eh? ¿Lo tenéis ahí? ¿Ese? Sí. Son
manchas. Bien. Morisot es una mujer, es una técnica distinta a los
impresionistas. No utiliza punto de color, sino que aplica pinceladas
amplias que dan exclusividad. Es una renovación del impresión y... ...de
sus límites. Moderniza el impresión, pero desde dentro. No trasgrede las
normas, sino que vulnera los principios. Fijaos. Esta mujer no utiliza
punto, son pinceladas largas. ¿Vemos la diferencia? ¿Lo vemos? Fijaos
aquí, yo creo que lo vais a ver muchísimo mejor. Aquí. Es una pincelada
larga que define poco, pero que no son manchas. Es como si soltara el
pincel. Claramente. ¿Lo vemos? ¿Veis por las diferencias? Esa es una
diferencia que vosotros tenéis que aprender a... ...y a identificar.
Cuando son brochazos, o es una pincelada suelta y alargada, que no
define... ...o sea, que no crea volantes, ni crea vuelo, ni crea agua, pero
que traza. Que define la superficie, aunque no la marca especialmente.
Marí Casar es norteamericana, participa del impresionismo, pero tiene...
...tiene relación con el arte japonés y es la que se encarga de difundir
el impresionismo. en eeuu la mujer de negro en la ópera parecido más bien
a las estampas japonesas y fijaos ella aparece en un lateral verdad está
viendo un espectáculo está en un momento ella bien de gas de gas es un
gran renovador de la pintura en la figura humana de caballeros es muy y por
la misma actitud ante la modernidad bueno fijaos las bailarinas son escenas
de interior naturalmente es una influencia de la fotografía como si lo
tomáramos con una fotografía y aquí se nos ha quedado fuera sí en qué
sentido sí y por tanto un objeto aquí vemos una escena pero que no se
busca una publicidad no de representar el cuadro. Este trazado largo, esto
es bastante rompedor con respecto a lo que se estaba haciendo. La factura,
fijaos aquí, si tenemos algo de mancha de color, si que es una masa...
Pero sobre todo lo que tiene es una influencia de la fotografía tremenda.
Porque esta mujer está así, pero porque la han pintado así en un
momento, pero se va cambiando la factura. Y la fotografía que está
presentando de una determinada manera y cuando lo termina de mirar ya está
de otra forma. Y eso es lo que ella representa. El instante, en ese
sentido, sí que es impresionista solamente que ha aplicado a la
representación humana, al posado podríamos decir, y al vestuario por la
influencia de la fotografía. En realidad, aquí lo que tenemos es una
clara influencia de la fotografía en cuanto a que son mecenas de interior
y en cuanto a que la luz no nos va a servir porque la luz va a estar
encendida, por lo cual no está igual si se da a las 2 de la mañana que si
se da a las 2 de la noche. No hay esa diferenciación. Es el instante, pero
el instante... en la postura y el descuadre en la postura también, porque
en la fotografía tú puedes tomar el plano donde te dejan colgar. No sé
si me explico bien. Bien, el ajenjo. Esto es una escena de interior de la
bebedora de Arcenta. Podéis encontrar el cuadro también como la bebedora
de Arcenta. Es un cuadro de interior, es un cuadro de un lobre gos, una
mujer de Arcenta hasta las pestañas y de una escena decadente
completamente y es un momento, un momento de verdadera borrachera. La
carrera de caballos. Estos cuadros sí que verdaderamente, hay uno que yo
no sé si vuestro libro lo representa y yo lo he visto, que verdaderamente
parece un caballo, no, no es esta, no. Hay uno que verdaderamente aparece
un caballo partido, o sea, el cuadro se ha cortado por aquí y el cuadro
del caballo se despega en la mitad. Es, bueno, pues es una foto, ¿no? No
nos parece una foto, este caso es que no se está yendo, se ha movido y los
otros van a su, bueno, quizás es una escena de exterior, pero la escena de
la fotografía, fijaos que sí que es más logístico, lo vemos, aunque
luego el interior lo dice un poco. El contorno, lo vemos, o al menos aquí
se ve más. No tenemos que hacer esa composición tan clara de que nuestra
retina, nuestro cerebro tenga que organizar la figura, porque la figura se
nos aparece, se nos muestra contorneada, ¿eh? Bien, seguimos. Bueno, la
bañista, pues es una escena de interior, pero es un, es un momento
concreto, pues ya está secando y va a dejar de secarse inmediatamente,
¿no? Es un instante, es una escena cotidiana, pero tratada con un
planteamiento absolutamente impresionista en ese sentido, ¿eh? Fijaos que
sí que, aunque difumina, pero sí que los contornos se nos aparecen con
más nitidez, ¿eh? ¿Lo veis? Bien. Bueno, las planchadoras, pues es un
momento también, la señora no sabe lo que está haciendo, pero, ¿eh? Lo
vemos. Bueno, vamos a seguir, porque si no... Es escultor también, y hace
bailarinas, las bailarinas las empuja, las esculpe y es lo mismo. Fijaos
que está así y en cualquier momento... Va a cambiar la postura, ¿no? Es
un instante. Y fijaos el tratamiento de la ropa. Bueno, el material está
bien, ¿no? ¿Tiene tela? Sí, tiene tela. Bien. Hay una escultura
impresionista, pregunta vuestro libro. Rodin es el primero sin acabar con
la estatua y con la lógica del monumento. Ya está. Las primeras trazas
que se hacen, o que se hacían antes de llegar al diseño definitivo, pues
él lo eleva a categoría de escultura. Y entonces nos da la sensación de
inacabado. No infinito, no terminado. Y además, de esa manera, bueno, esta
es la edad del bronce. Esta sí que está bastante resuelta, fijaos,
pero... Fijaos, un hombre andando. Tiene una clara diferencia con Miguel
Ángel, que si lo veis aquí, a lo mejor lo podéis ver mejor. La
representación anatómica, una anatomía muy potente y muy desarrollada. Y
la influencia que tiene Miguel Ángel de las esculturas helenísticas, que
es un doso, que realmente es esto, pues él lo refleja en esta obra. Porque
lo saca sin cabeza, es un hombre andando, pero con la clara... Con lo cual
los guindos a Miguel Ángel, ya la tradición helenística, está presente,
pero todavía la representación no es tan finita. O sea, podemos
identificar de alguna manera los vasos con más o menos finura, podríamos
decir, con más o menos detalle, pero todavía no ha roto, podríamos
decir... Bueno, aquí son las puertas del infierno, con contraposición a
las puertas del paraíso que hacen vivencia para el... Aquí las tenemos
con más detalle, la cantidad de personajes que se representan y como
vemos, gran parte de ellos están como inacabados. ¿No lo vemos? ¿Lo veis
que están como sin terminar? Lo que interesa es el movimiento y el... ¿El
qué? El pensador. La cara es un boceto, no está ni muchísimo menos
terminado. Fijaos la anatomía, que sí que es una anatomía potente, sí
que todavía está trabajada. El beso. Fijaos la vinculación que tiene con
la materia prima. ¿Cómo parece que se hubiera ido desdibujando, separando
de la escultura igual que hacía Miguel Ángel? Las esculturas de Miguel
Ángel, él decía que lo que tenían que hacer era liberarse de la materia
a la cual pertenecían los... Si vemos la escultura de los esclavos, en la
tumba de Julio II, vemos todavía restos de materia prima, de mármol, en
la zona de los pies, porque están como... saliendo de allí. Y aquí pasa
un poco lo mismo, que se funde con la materia prima. Es como si no
estuvieran terminados, en definitiva. Fuyit, amor. Esto tiene que ver
con... Él tenía un amante que era... ahí, como se llamaba, espera. Que
era su... fue una discípula suya, no me sale. Camille Clodel, claro, que
no me salía. Camille Clodel. Y esto tiene que ver con la relación que
ellos tenían tan clandestina, tan tuntuosa, tan tóxica, se diría ahora a
lo mejor, ¿no? Pues esa es lo que refleja él en la relación que ellos
tenían. Fijaos qué pasa con él, no está sin terminar. Es una obra...
Inacabada, sería un boceto para... según en qué otro momento. Y aquí se
considera una obra terminada. Ugolino, pues pasa lo mismo. Fijaos cómo la
figura se mezcla en... con la materia, con la piedra, con el mármol, con
el granito o lo que sea. Pero luego fijaos por otra parte, la anatomía, el
detallismo que tiene, cómo se le marcan las costillas y si le vamos a
jugar aquí, que era un sonido mezclado. Bueno, esta es Camille Claudel,
que era su amante, era una alumna suya y bueno, pues fijaos, esta parte del
pelo, sin terminar, sin un cimiento, la parte del ojo, que también es una
sensación de expresión de los ojos bajos, de dureza, de tristeza, de no
irradia alegría y gusto por la vida, sino que es una representación.
Bueno, Danayde, pues fijaos aquí, fijaos en esta. ¿Eh? ¿Cómo...?
Saliendo de la espalda, pero además es que está como con todas las
costillas, los músculos, es alucinante. Sí, sí, sí, forzadísima. Sí,
lo que pasa es que él, como también, esto es impresionismo, pero bueno,
se está acercando a un mundo de emociones fuertes, de individualismo y
entonces la forma más de representar los sentimientos es basándose, o
sea, recogiéndose en sí mismo. Sí, mucho más tensa y mucho más
vibrante. Bueno, fijaos, Balzac, esto sí que es absolutamente
contemporáneo, absolutamente actual, inacabado completamente, pero fijaos
la cara, primero la curiosidad de las dimensiones, ¿no? Y la cara, por
ejemplo, está trabajando, trabajando con una expresión, pasando el
expresionismo, rozando unos sentimientos, una expresión de sentimientos
apasionados, ¿no? Y el resto es... Tierra. No está terminada, podríamos
decir, con respecto a lo que hemos visto nosotros hasta ahora. ¿No? ¿Eh?
¿Lo veis vosotros? Bueno. Pero por eso no es curiosidad lo que dice, es la
cara. Sí. Y luego vas a mirar el resto. Sí. Y bueno, y alemán, pero
bueno, pero hay otra cosa más. Este hombre con estas representaciones
está abierto el camino de lo que será la arte del siglo XX. Es un
individuo absolutamente rompedor y punta de lanza de lo que es el siglo XX.
En el siglo XX se optará en un momento determinado por lo inacabado. La
pintura matérica, por ejemplo, de lo que está hablando, es la que se
utiliza, la que se mezcla en materiales, que no se puede trabajar, que se
puede trabajar con piedra, con tejidos, con maderas. ¿Y qué pasa con esos
materiales? Que les falta el paso del tiempo, porque cuando el paso del
tiempo actúa sobre la madera, esa madera se va a modificar. Con lo cual se
considera que esa obra no está terminada. Esa es la obra no infinita. Sí.
Y en ese sentido, Rodin está abriendo las puertas de lo que será el siglo
XX. O sea, que tiene un valor importantísimo porque es un abanderado del
XX. Bueno, entonces los burgueses de Calais van a ser ejecutados para
salvar su ciudad en la invasión inglesa. Es un abrago mucho histórico del
siglo XIV, me parece que es. Y bueno, los cabizbajos son buenos, los
cabizbajos que dan la anatomía prácticamente sólo se concentra en las
paras y en las manos. Aquí hay un problema chistoso. Aquí hay una pierna,
pero vamos, la historia anatómica no le interesa para nada, es la
expresión. Las caras es lo que únicamente está trabajado y lo que
pretende representar es esa, la expresión. A través de los rasgos no
perfectamente definidos, a lo mejor es más fácil que nos transmitan esa
sensación de dolor o de algo de inquietud o de desesperación, ¿no? Con
esos rasgos cuasi-expresionistas. ¿Eh? Pero es que eso, es que eso me
acabas de decir, lo voy a aprovechar. Porque a eso es el gran caballo de
batalla con el que uno se enfrenta cuando, no sé, entrego similar 35-29
años. Y es que tú me dirás, eso lo hago yo. ¿No? Eso lo hago yo. Bueno.
¿Cuál es eso? Pero a ti no se te ocurrió. Y en lo que tú dices, si el
que hace esto esculpe de maravilla escultura de mundo redondo perfectamente
definida siguiendo los patrones clásicos. El que opta por cubismo o por
pintura matérica o por lo que quiera que sea, sabe perfectamente dibujar,
quitar el 3D y hacerlo todo conforme. Conforme a protocolo. Lo que pasa es
que opta por esto perfectamente. Ellos van abriendo puertas a la
modernidad. A estilos venideros. Estilos que vengan después y que, bueno,
que vengan de aquí. Que van, pues eso, adelantándose a su tiempo. Pero
claro. Claro. Pero si yo lo hubiera esculpido de manera tradicional. Y...
Conforme a protocolo lo estaríamos haciendo. Porque nosotros solamente
estudiamos. Ya sabemos que somos muy inquisitos. Y solamente estudiamos a
aquel que rompe moldes. El que no está en su casa. Lo recordarán sus
familias. ¿No? O sea, que... Es así. No... Bueno, me va a echar la
profesora siguiente. Bueno. Medardo Rosso comparte con los impresionistas
la casación de infantes. Pero su obra ha surgido de ruptura con cualquier
posicionamiento y con el concepto de estructura estática. Esa es la risca
del inacabado. Hizo de la expresión escultórica un nuevo lenguaje que
hacía salir de la masa una imagen que la luz sería la que nos modelara.
Cargaba imágenes fugaces de personas e ideas. La fotografía le influye
para captar los efectos prácticos de su obra. Quería convertir la
escultura en algo inmaterial. Quería reflejar la esencia de la vida.
Fijaos, la portera. Es... solamente le interesa el rostro y captar el
mensaje del resto, nada, es lo inacabado, esto sí que es lo inacabado,
absolutamente, ¿verdad? No, solamente se le ve la nariz, la nariz sí, y
el amor materno, ¿qué os parece el amor materno? Aquí está la mami,
aquí tiene el brazo y este es el otro brazo. Ahora, el bebé, mira, es el
mismo, mira, aquí está la madre, mira la nariz de la madre, la boca, la
barbilla, aquí el cuerpo no se ve y aquí también la mano. ¿Eh? Es una
sugerencia, sí, es verdad que es una ecografía, es verdad, pero está
sugerido, nosotros lo acabamos de, va con la esencia, bueno, lo mínimo,
¿no? Bueno, la risueña, pues este es de un... Un dramatismo tremendo,
¿eh? El cuñado, sí. ¿Y el niño enfermo? ¿Le parece un huevo? Claro,
los ojos difuminados completamente, su rostro también sugerente y también
con una carga, ¿verdad? No nos hace pensar que tiene una situación
confortable, ¿verdad? ¿Qué es lo que le pasa? ¿Qué le pasará?
¿Verdad? ¿Lo vemos? Nos ha quedado algo claro. Pero a mí... Bueno, su
experiencia, mi granje, las alas, por favor, cuando yo fui, las alas de la
risa, antes de su usted, tiene dinero en la barra. Sí. Un montón de
dinero en la barra. ¿De Miguel Ángel? De la época final. De la época
final, porque la onda no es la misma. Pero... Sí. También, a ver, con lo
que pasa con Miguel Ángel también estamos... Claro. Sí, no, también es
lo que pasa con Miguel Ángel, que hemos visto una crisis y Miguel ha
perdido mucho. Y no se sabe si al final nos queda toda una crisis vital,
importante, que le llevara a ese tipo de representaciones. Porque la
evolución de Miguel Ángel se ve palpablemente, se ve desde la vida de lo
habitano, con una belleza idealizada, que los pobres tienen un hombre de 33
años muerto, ¿no? No hay una relación materno-fial de ninguna manera.
Llegamos al David y al Moisés, que es que el Moisés solo tiene que
levantarse y hablar. Lo que dio el golpe, ¿no? Y luego el golpe funciona,
pero si no se llega a saber si es que la crisis o un próximo día en que
la defensa es final. Como él consideraba que las obras tenían que
liberarse, pues en ese proceso de liberalización, el mazo, pues se quedó
la ronda ahí. ¿Y a tanto lo que pasa que ha habido una decisión súper
moderna? Sí, sí. Sí, lo que pasa es que en el caso de Miguel Ángel no
lo vamos a saber, porque no fue escrito. Y a tanto, no se puede llegar. O
sea que... Bueno. ¿Ha quedado claro algo? Sí, bastante, pero no ha
llegado. ¿Eh? Es que lo primero que me acaban de decir fue muy... Sí,
bolivianito. No. Pero... Sí, a ver, es que cuando tú hablas de
características generales tú entiendes la ruta. Y tú tienes todas estas.
Y luego dices, anda, este tiene estas horas. Claro, bueno, pero son
características generales, es que las características generales son de
todos. Y luego uno va y ve. Ya sabéis mi afán por leer. Yo veo en el
físico las que hay, pero eso es algo que yo no sabía, porque si no yo no
voy a ser capaz de leer. Pero no me tengo más tiempo que aprender todas de
memoria. Yo, las que ves, ya está. Y luego vemos que dentro de un mismo
personaje, un mismo artista, no tiene una determinada trayectoria lineal,
sino que va, viene y va para arriba y para atrás, según y como. O sea,
que no hay una trayectoria lineal que diga, mira, empieza aquí y va a
acabar allí. Bumba. Con mundos. No. Tiene sus ideas y sus venidas. Tener
claro cuáles son las... Las características generales lo que define a
todo el movimiento. Y luego uno va leyendo y las aplica a la naturaleza, a
los interiores, a las posturas pasadas, al instante en la luz, a las doce
de la mañana y al instante en la postura de la mañana. Y luego uno ve
así, pero que no tiene nada que ver con eso. O sea, que eso es instante
también y eso es la fotografía. O sea, que son variaciones sobre lo
mismo. Lo que pasa es que ha aplicado a la calle, a la luz o ha aplicado a
la postura. Luego unos difuminan más, otros difuminan menos. Según y
como. ¿No? Bueno, chicas, continuará, ¿no? La semana que viene no nos
vemos. Nos vemos. Nos vemos el día 16. Que tengáis un puente maravilloso.
Una semana estupenda y el 16 sin falta. Continuamos. Un beso fuerte y que
descanséis. Ale, buenas noches.