Hola, buenas tardes a todos. Bienvenidos a nuestra clase del día de hoy,
a nuestra tutoría. Hoy vamos a encargarnos del repaso de los temas 4, 5 y
6, de la segunda parte del temario. ¿De acuerdo? Buenas tardes a todos los
que se van incorporando a nuestra clase de hoy. Hoy... Buenas tardes.
Bueno, espero ya que todos estemos un poquito mejor, ¿no? Ya que ya nos
dejan caminar un poquito y todo eso. Bueno, pues vamos a empezar ya,
entonces. Y hoy, por el tema que vamos a empezar, va a ser el número 4,
que es el que se encarga de hablarnos del análisis de contenido y del
significado de la historia. De la obra de arte. Todas aquellas corrientes
historiográficas que estudian el contenido, su simbología, la
iconografía, etc. Bien, pues vamos a empezar, entonces. Y les comento,
siempre ha sido una preocupación, ya desde la época clásica, el estudio
del contenido de la obra de arte. ¿Por qué? Porque ya en el mundo
clásico, en la época antigua, había una gran preocupación por
identificar lo que sería el contenido de la obra de arte. Y, por supuesto,
también había los temas que aparecían en diversas obras de arte, tales
como escudos, tales como los templos, con los episodios mitológicos, que
comprendían toda esa cosmología, tanto griega como romana. Entonces,
podemos marcar un interés por el estudio del significado y del simbolismo
del arte ya en la época griega y romana. Sin embargo, la formalización
universitaria... ...de la disciplina, lo que hizo fue que sirviese ese
interés por reconocer el significado de los diferentes símbolos o de las
diferentes imágenes que aparecían en la obra de arte, pero siempre
intentando combinarlo con otras disciplinas humanísticas. ¿Qué sucedía?
Que había un interés por reconstruir el pasado. ¿Y cómo?
Reconstruyéndolo a través del significado... ...de esas obras de arte.
Quien tuvo una gran influencia durante todo el siglo XIX y parte del XX fue
un actor que fue Burkhardt. Burkhardt es el creador de la llamada historia
cultural. La historia cultural consiste en hacer una historia de la
humanidad basada en todos los aspectos culturales, no solo el arte, sino
también la literatura, etcétera, y dándole especial importancia al
contexto. ¿Qué sucede? Que Burkhardt es un precursor, y a él le
seguirán bastantes autores, sobre todo en Centroeuropa, lo que se llama la
Escuela de Viena. Serán Masdóvrak, Alois Riegel y Julius Bomsloscher.
Ellos presentarán una preocupación por el estudio de los contenidos
culturales que poseía la historia del arte, ...y que favorecía la
historia del arte. La inclusión de determinados elementos de iconografía
o elementos simbólicos que servían para analizar la obra de arte. Eso
sí, les comento, Riegel, ojo con Riegel, porque Riegel es también
formalista. Lo único que pasa es que él recurre muchas veces para
realizar su estudio de los estilos al estudio de motivos iconográficos,
ornamentaciones, etcétera. Pero a él lo que le va a interesar, sobre
todo, van a ser los estudios sobre formas y evolución de las formas. Sin
embargo, Schlosser y Dobran son mucho más puros en cuanto al estudio de la
iconografía y de los motivos simbólicos. ¿Sí? ¿Hasta aquí entendido?
Hola, buenas tardes a los que se han incorporado. ¿Alguna duda? Sin
embargo, el gran estudioso del contenido va a ser Avi Warburg. Avi Warburg
desarrolla su labor en Hamburgo, en Alemania. Y ofrece un método
alternativo al formalismo que en la época en la que él trabaja,
principios del siglo XX, estaba muy de moda. Él estudia el contenido
simbólico de la obra de arte y combina la historia cultural, temática
burgandiana, con la antropología. Y, además, lo combina con un autor que
se llama Riegel. Se llama Ernst Kassirer y que hace estudios sobre las
formas simbólicas. Es decir, todo, por ejemplo, que está relacionado con
el círculo, con la divinidad, todo este tipo de cosas. Él lo junta todo y
añade algunos rasgos del estudio psicoanalítico y hace su propia
iconología. Es decir, su propia técnica para el estudio de las imágenes.
Warburg es muy importante no sólo por la renovación que hace en la
disciplina y por el estudio que hace del contenido, que es interdisciplinar
y además es muy novedoso, sino también porque cuando su biblioteca, por
el tema del dominio nazi, se va para Inglaterra, para Reino Unido, para
Londres, se va a crear allí como un conjunto, un grupo de estudiosos que
van a seguir su trabajo. Sus enseñanzas. A él le debemos la iconología,
fundamentalmente, y ese estudio multidisciplinar del contenido de las obras
de arte. Él se centró mucho, porque fue a lo que dedicó su tesis, al
estudio de los mitos y cómo los mitos clásicos pervivían en el
Renacimiento y en otros movimientos artísticos. Y además, a todo esto le
debemos la iconología. Por ello, le añadió un estudio, pero no de forma
histórico-lineal. Es decir, él no decía lo clásico aparece como norma
en el Renacimiento. No, el Renacimiento podía parecer algo griego, algo
romano, como algo propio de la prehistoria de la región de Italia donde se
estuviese haciendo esa obra de arte. No habla de un discurso histórico
lineal en cuanto a las imágenes, sino se centra más en la simbología. Y
además hay una cosa que es muy curiosa, que él también dice que ciertos
temas mitológicos y ciertas expresiones que vemos en las figuras, etc.,
por ejemplo imaginemos la Venus de Botticelli, porque Botticelli fue uno de
los autores que él más estudió, pues que representan arquetipos de
estados psicológicos. Y hay uno al que le da especial importancia, que es
el pathos, lo patético, la emoción exacerbada. Y dice que esto se da
mucho y que hay un arquetipo importante de esos sentimientos y de esas
representaciones psicológicas en el Renacimiento. Los últimos años de su
vida lo dedicó a algo que es muy importante y que el otro día un
compañero suyo, un alumno, colgó en el foro un artículo muy interesante.
Sobre eso, que es el atlasnimosin. Fue su último proyecto vital inacabado,
en el cual pretendía hacer una historia de las imágenes. Una historia
visual a lo largo del tiempo, intentando distinguir qué imágenes habían
sido las más importantes para la humanidad, qué simbologías, etc. Y lo
hacía colocando diferentes reproducciones de imágenes, de cuadros, de
esculturas, etc. También mapas, recortes de prensa, etc. De diferentes
épocas, intentando hacer esa gran memoria visual de la humanidad. ¿Alguna
duda respecto a Warburg? Perfecto. Bien, además de ese método
iconológico de Warburg, tenemos el método psicoanalítico de Sigmund
Freud. Sigmund Freud utilizó el arte para demostrar de forma práctica que
todas las teorías psicoanalíticas eran fáciles de aplicar a la realidad.
¿Qué pasó? Que él se centró en una de las cosas que más le gustaba,
que eran los traumas infantiles y los traumas en relación con la
sexualidad. Entonces los explicó a los grandes maestros del Renacimiento,
a Leonardo y Miguel Ángel. ¿Qué pasa? Que esa teoría psicoanalítica,
tal como la planteó Freud para esos autores, hacía aguas por todos los
lados. ¿Por qué? No teníamos datos biográficos veraces para comprobar
que había esos traumas en relación con la madre, los falos, etc.
Entonces, claro, la teoría, tal como la planteó Freud, se caía. Pero
muchos de sus argumentos, sobre todo en cuanto a metodología, fueron
bastante populares en el siglo XX. Sobre todo en un autor que es Ernst
Chris. Él era historiador del arte. Sí, efectivamente. Sus dos grandes
obsesiones eran el comportamiento sexual y la infancia, los traumas
infantiles. Entonces él lo aplicaba a todo. Y claro, teniendo unas
biografías poco fidedignas de los autores, geniales del Renacimiento, pues
la verdad es que eso no se podía demostrar. Pero ya digo, lo que es su
metodología, el utilizar el estudio del arte como la forma en que los
artistas sus obsesiones las plasman o las intentan pausar, etc., a través
de la representación pictórica, escultórica o la que sea, es algo que
está detrás todavía de muchas teorías del arte y de la historiografía
del siglo XX. De hecho, el que les comentaba, Ernst Chris, era
psicoanalista y historiador del arte. Y él junto con Otto Kurz hace una
obra muy curiosa que se llama La leyenda del artista. Y en él va
estudiando todos esos temas de personalidad artística, el concepto de
genio y también una cosa que es muy importante y que tiene que ver con
esto que comentábamos de Freud, ¿no? Que él no tiene datos veraces para
demostrar nada. Chris y Kurz, pero sobre todo Chris, insiste en que los
genios siempre son deizados, es decir, deificados, que siempre se les
considera como dioses y hay un montón de historias que se cuentan sobre
ellos que no son reales y que entonces corresponden a un arquetipo o una
tipología de que la vida del genio o la inspiración del genio tiene que
ser así. Entonces él lo estudia desde el punto de vista psicológico,
psiquiátrico y psicoanalítico. Bien, vamos ahora a centrarnos en lo que
ya serían los estudios sobre iconografía. La acuñación del término
iconología como definición de campo de trabajo de la historia del arte,
aunque ya lo utilizaba... No, el método psicoanalítico tal como lo
utiliza Freud no es muy efectivo. Tal cual lo plantea él, no. Sí las
teorías psicoanalíticas, es decir, por ejemplo, para el surrealismo son
muy útiles y, por ejemplo, cuando estudiamos a Dalí, sí, pero para otro
tipo de temas artísticos, no. Bien, pues entonces vamos a centrarnos ahora
en los grandes estudios sobre iconografía e iconología. Hemos visto que
ya Warburg utilizaba el término iconología porque él trabajaba... Él
trabaja a principios del siglo XX y, de hecho, este término se acuña y se
empieza a utilizar para referirse a un campo de trabajo o una metodología
de la historia del arte en el Congreso Internacional de Historia del Arte
que se celebró en Roma en el año 1912. Iconología se define como la
ciencia que estudia el significado de las imágenes en relación con su
contexto. ¿Vale? Viene del término de un libro que se llamaba Iconología
y que fue escrito por el autor César Herripa. Este libro tenía una serie
de emblemas, una serie de representaciones arquetípicas que explicaba y
explicaba su significado, etcétera. Por eso iconología le llamamos a la
explicación del significado simbólico o real de las imágenes. ¿De
acuerdo? Bien, a partir de ahí y a partir de ese Congreso y que la
Biblioteca Warburg se traslada a Londres surge una serie de autores que se
van a dedicar al estudio de la iconología e iconografía. Va a tener gran
influencia todo esto, lo que es la historiografía del arte anglosajona
posterior a la Segunda Guerra Mundial, es decir, a partir del año 45. Y va
a haber grandes autores como Fritz Sanz, Rudolf Wittkower, Edgar Wynne y
Ernst Gombrich. Pero entre todos ellos va a destacar uno que va a ser
Panofsky porque él va a relaborar y reinterpretar el método de Warburg y
lo va a convertir en una herramienta básica para la historia del arte, y
para el estudio de las imágenes. Aún hoy todavía cuando comentamos una
lámina en muchas ocasiones, yo diría que en un tanto por cien importante
de las veces, estamos haciendo el estudio del método iconográfico, es
decir, lo estamos aplicando, el método iconográfico de Panofsky que tiene
tres partes. Primero descripción de lo que vemos y de las formas primarias
de la obra, luego el análisis iconográfico, que sería localizar el tema,
con qué se corresponde, y luego hacer la interpretación descubriendo los
contenidos simbólicos de una obra en relación al tiempo y al espacio en
el que se produjo. Es decir, esto es lo que hacemos todos los días cuando
comentamos una lámina, porque primero la identificamos. Lámina tal, fecha
tal, autor tal. Se trata de pintura, escultura, hablamos de la técnica,
luego hablamos de qué se representa y luego intentamos descifrar la
simbología. Efectivamente, lo estamos utilizando siempre. O sea que
fíjense, el método como tal se inventa a finales más o menos, a finales
de los años 40, principios de los 50 y aún todavía lo seguimos
utilizando como la metodología básica para el análisis, por ejemplo de
una lámina o de una obra. También va a destacar, aunque quizás para
muchos en cuanto a metodología es menos conocido, pero sin embargo, de él
y a él pertenece la Historia del Arte, el volumen de Historia del Arte
más vendido a nivel mundial que es la Historia General del Arte de
Gombrich. Quizás no es tan renombrado en los estudios de iconografía como
Panofsky, pero su Historia del Arte es la más vendida, ¿de acuerdo? Ya lo
comenté en el foro el otro día. Gombrich debe de esa escuela anglosajona
porque él emigra a Inglaterra y es un historiador del arte muy ecléctico.
¿Por qué? Critica el formalismo, tiene algunas cosas en relación con el
formalismo, pero respecto al método iconográfico, él lo revisa.
Introduce un elemento muy novedoso que nadie había tenido en cuenta antes,
que es el papel del espectador. Gombrich dice que nosotros cuando
observamos una obra de arte estamos viendo como una ilusión. Para él el
arte, un cuadro, una arquitectura es un truco de ilusionismo. ¿Por qué?
Porque la percepción en muchas ocasiones no es real. Tenemos trampantojos,
tenemos escorchos, tenemos juegos de perspectiva, claves oscuros, muchas
cosas que lo que nos hacen es crear una ilusión. Entonces él dice que la
obra de arte es una creación que nosotros percibimos de una forma ilusoria
y nuestra percepción va a ser muy importante. ¿Por qué una? Para él el
arte es comunicación. Entonces según nuestra perfección vamos a saber si
el artista logró su objetivo de engañarnos, de hacer un juego de
ilusionismo con nosotros o no y vamos también a saber si la comunicación
ha sido correcta porque fuimos capaces de darle un sentido y comprender la
obra. Ya ven es un doble juego entre lo formal y también lo iconográfico
y lo iconológico, es decir, el contenido. Pero que ese juego vaya bien va
a depender sobre todo de nosotros, de cómo lo percibamos. Él nos dice de
hecho que hay muchos artistas que tanto en su época como en épocas
posteriores no son bien entendidos porque esa comunicación falla, no se
logra ese objetivo, no se logra efectivamente no se logra persuadir o crear
eso o la intención que tenía el artista en el espectador. ¿De acuerdo?
Otro digamos criterio o metodología que utilizamos para estudiar el
significado de la obra de arte es la semiótica. Siguiendo la estela de las
ideas sobre la percepción y la comunicación en la obra de arte la
semiótica convirtió a la obra de arte en un medio de comunicación, en un
proceso comunicativo en el cual hay un emisor que es el autor, un receptor
que es el espectador el que contempla la obra y determinó que la técnica
utilizada es el digamos el medio y el código es el lenguaje simbólico o
iconográfico que utiliza ese autor. Entonces se analiza la obra de arte
según la semiótica como si fuese un acto de comunicación. Como si fuese
el acto de comunicación lingüística que estudian por ejemplo los niños
en primero de la ESO comunicación pues es emisor, receptor eso pero
aplicado a la obra de arte. Entonces se aplicó literalmente siguiendo el
mismo método que se utilizaba para la lengua para los estudios
lingüísticos y se basaron en Saussure que fue el creador del concepto de
signo y también fue el creador de la estructura esta del esquema de la
comunicación. ¿Sí? ¿Comprendido? Emisor, receptor la obra es el objeto
que utilizamos para comunicarnos a través del código pues ¿por qué se
empieza a aplicar? Pues por moda. La semiótica se estaba introduciendo en
aquel momento en muchos por así decirlo muchos ámbitos no sólo en lo que
sería arte sino también en lingüística en literatura incluso luego a
posteriori en cine es decir fue una moda y que a la hora de incorporar sí
esa sería la idea y ahora a la hora de incorporar pues bueno nuevas
metodologías para el arte funcionaba muy bien porque teníamos un emisor
un receptor y un mensaje entonces por eso se pero bueno realmente como
pueden ver la historiografía debe mucho de modas según la moda que haya
en cada momento hoy en día todo este tema de la moda está un poquito
superado ¿no? por lo que serían las teorías postmodernas etcétera
durante gran parte del siglo XX cada vez que salía algo nuevo y se
utilizaba en diferentes disciplinas de humanidades y ciencias sociales pues
también se utilizaba en arte siempre con ese interés de que cada vez la
historia del arte fuese más científica ¿comprendido? bien respecto a las
teorías más actuales sobre el estudio del contenido de las obras de arte
y de su significado tenemos a Norman Bryson como principal exponente Norman
Bryson además de ser de los que defiende no historia del arte sino
estudios visuales es un pionero en un tema que se llama neuro art history
historia del arte neurológica podríamos decir entonces en combinación
historiadores del arte con científicos especializados en neurología se
dedican a estudiar el proceso creativo el proceso de percepción y la
reacción de la gente ante las imágenes entonces han demostrado que bueno
los genios o las personas que tienen un instinto creativo activan ciertas
horas ciertas partes del cerebro ciertas neuronas y que hay imágenes hay
estilos hay bueno cierto tipo de cosas que a nivel visual que son
estímulos y que también se pueden leer o se puede estimular con ellos
ciertas partes del cerebro entonces va por ahí lo de Norman Bryson pero en
un principio lo que hace es que oiga la obra de arte tiene multiplicidad de
significados porque va a depender mucho del espectador y de lo que le
estimule y lo que no entonces ya ven que lo que él en un principio estudia
a través de lo que es la mirada del espectador tiene que ver mucho con el
campo en el que se mete después esa combinación entre estudios de
historia del arte y neurología porque no a todos se nos estimula lo mismo
y hay imágenes que generan ciertas sensaciones y cierta activación en el
cerebro la verdad que es un tema muy muy interesante que está muy de moda
porque ahora pues muero muchos estudian neuroemociones neurobiología y ya
ven que la historia del arte no es ajena a ello y aparte tenemos un campo
muy interesante que es tanto el de la estética como el de la creatividad
en este proceso ¿no? de crear estas teorías contemporáneas y que le van
a dar mucha importancia al espectador no es que tengan unas neuronas
diferentes sino que se activan partes diferentes del cerebro y la capacidad
neuronal en cuanto a transmisión o generación de ciertas sustancias y
activaciones es diferente digamos por así decirlo que sus cerebros
funcionarían de otra forma porque se activan de hecho bueno no todos
tenemos las mismas capacidades hay gente con más capacidad
lógico-matemática otra con más capacidad lingüística el estudio de los
artistas pues eso también sucede y hay algunos incluso que según esos
estudios tienen más capacidad por ejemplo para reflejar e interpretar
formas abstractas y otros para eh interpretar y representar pues otro tipo
de obras pues como más figurativas bien volviendo al tema de la
importancia del espectador de las percepciones de la mirada artística
etcétera hay una autora que es muy importante también en las teorías
contemporáneas que es Mieke Ball estudia por un lado pues cosas
relacionadas con el feminismo pero también el papel del espectador y la
percepción del espectador en cuanto a la exposición de la obra de arte
ella nos dice que según como se exponga una obra de arte la percepción y
la interpretación puede ser distinta y que incluso nos pueden estar por
ejemplo motivando o induciendo a pensar ciertas cosas por ejemplo si
nosotros en una sala exponemos cierto tipo de obras y todas relacionadas
entre sí la percepción va a ser diferente de que si esas obras las
encontrásemos aisladas en otras salas sin esa interconexión entre ellas
entonces ella estudia eso por ejemplo en el manual se nombra ¿no? el tema
de Betsabe etcétera y el texto ¿no? en el que dice cómo se expone esa
obra nos incita a pensar una serie de cosas estas líneas de pensamiento la
importancia la multiplicidad de interpretaciones y del espectador también
la estética de la recepción ¿vale? la estética de la recepción ya lo
dice su nombre ¿no? el estudio de la belleza del arte y del significado en
cuanto a la recepción en cuanto a cómo el espectador lo ve quien
introdujo esto de una manera primitiva fue Gadamer y a partir de un autor
que se llama Hans Loverhaus la estética de la recepción se ha
desarrollado en múltiples corrientes es decir es algo que está muy de
moda y es aplicable además tanto al estudio del significado en la obra de
arte como el estudio del gusto estético porque partimos de que no todos
tenemos el mismo gusto no todos tenemos las mismas actitudes de
contemplación y no todos tenemos la misma digamos capacidad de interpretar
la obra de arte o entenderla por ejemplo no tenemos nosotros la misma
percepción ni el mismo temor cuando vemos pues unos capiteles con
monstruos de la edad media que tenía el hombre medieval a nivel cultural
por ejemplo hay cosas que los asiáticos por ejemplo no entienden en obras
de arte etcétera y muchas veces según nuestra cultura pues podemos pensar
que un desnudo en una obra de arte es un escándalo sí es decir pues la
estética de la recepción y las corrientes contemporáneas van hacia ahí
yo siempre lo digo personalmente me encantan las obras que hay en el Prado
pero sinceramente a mí el tapizado y esas telas y tal me distraen mucho de
la contemplación y creo que a veces le restan eh al los cuadros restan
importancia muchas veces esos rojos esos verdes esos terciopelos esos por
eso yo siempre lo digo no aunque no soy de contemporáneo y me gusta el
arte contemporáneo eh me gustan esas salas de arte contemporáneo porque
el blanco que provoca que te sientes en la obra y no en lo que hay
alrededor no pues mi queval va por eso por esos temas por ejemplo
comprendido hombre en ese sentido sí porque es un poquito más eh fácil
de observar sí el cubo blanco sí porque yo vamos a ver pienso que muchas
veces distrae todo la aparatología es decir los grandes museos sobre todo
esos grandes museos de cine onómicos pecan de eso no sólo de la falta de
espacio y de a veces de la acumulación de obras sino también de que hay
ciertas distracciones para para el espectador y saben en qué se nota
muchísimo les cuento ha sido una anécdota que no tiene nada que ver pero
bueno para que lo entiendan yo trabajé muchos años en museos vale y
trabajaba con niños unas realizando talleres actividades didácticas ese
tipo de exposición que no es del cubo blanco ni de la pared les distrae
muchísimo por ejemplo en estas típicas actividades que se hacen con
niños de búsqueda del tesoro buscas tal en un cuadro tal les despistan
sí y claro el proyecto museológico que se podía hacer en el siglo XIX no
tiene nada que ver con el proyecto museológico y museográfico que podemos
tener actualmente bien vamos a continuar porque ahora vamos a ver el tema 5
de acuerdo que es el que se encarga de arte política y sociedad hemos
visto la interpretación del significado de la historia del arte y de la
obra de arte vamos a ver ahora lo que es el estudio de la política de la
ideología de la sociedad la sociología etcétera bien adquieren un papel
muy relevante los estudios sobre sociedad y sobre ideología a la hora no
sólo de estudiar la historia del arte sino también de las formas visuales
en general no debemos olvidar nunca que el fenómeno artístico es
ideológico cultural económico y político a la vez que estético es decir
es un fenómeno en el cual intervienen muchas cosas no sólo la búsqueda
de la belleza sino que muchas veces tras las obras etcétera hay una serie
de cosas a veces ocultas y a veces que se ponen de manifiesto desde los
inicios la historia del arte siempre ha estado ligada a la identidad
nacional a expresar los valores las características de un país etcétera
se acuerdan cuando vimos el texto de la PEC de Ramírez que decía la
importancia que tiene el historiador del arte en esos actos en relación
con la ideología el poder etcétera pues bueno esto va un poco por ahí
por ejemplo Vasari cuando realiza Levite las vidas sólo recoge biografías
de artistas italianos y además de aquellos que son florentinos en su
mayoría son del papado Roma religión Venecia comercio Florencia arte
entonces reivindica ese papel de Florencia como lugar artístico por
excelencia donde salen grandes genios y donde hay una gran vida artística
y cultural por eso él fíjense ya está reflejando la identidad nacional
en otros lugares de Europa Francia España y por ejemplo en Holanda Van
Maver cuando hace sus biografías de pintores holandeses él los llega a
comparar con los grandes jefes militares y con los grandes hombres ilustres
de la política etcétera que había en los Países Bajos y en Holanda
fíjense qué importancia les da a los artistas y es por eso que hablamos
de interés en reforzar a través de la historiografía y de la historia
del arte la identidad nacional España no fue ajena porque tuvimos por
ejemplo a Pacheco a Palomino Palomino por ejemplo en su obra en su tratado
sobre pintura hace el Parnaso pintoresco español lo escribe y que es aún
hoy en día la mejor fuente biográfica que tenemos para el siglo de oro
español de artistas y de pintores entonces ahí también está poniendo de
manifiesto la importancia de los pintores españoles del siglo de oro lo
mismo sucede con Felibiano Pils que van a influir sobre los autores
franceses además tenemos un giro más de tuerca respecto a esto que es en
el siglo XIX aparte de que surgen los museos las exposiciones los salones
por ejemplo en los que se hace mucha gala pues de esos tesoros nacionales
de esos artistas nacionales también surgen las primeras exposiciones
internacionales mundiales entonces ahí es digamos un escaparate
importantísimo para esas identidades nacionales y también para los
prestigios para el prestigio de los países etcétera incluso ya en el
siglo XX tenemos el uso de el arte como propaganda y quien digamos más se
unía a esto fue el nazismo a los nazis que son dos historiadores del arte
alemanes un poco malditos por su vinculación al nacionalsocialismo a los
nazis ellos llegan a decir que el arte y los artistas alemanes son un arma
más del Reich un arma más del poder para hablar de esa supremacía de la
raza y de la sociedad alemana sobre el resto del mundo en España en el
siglo XX va a haber un interés por reforzar los estudios locales
nacionales y regionales por eso surgen los primeros institutos de estudios
locales etcétera y todavía pues por ejemplo las universidades etcétera
se tendía mucho al regionalismo y al nacionalismo es decir durante mucho
tiempo en las universidades españolas etcétera temas de tesis tesinas y
demás algo local y si querías hacer algo de fuera de tu comunidad te
tenías que cambiar de universidad etcétera por ejemplo anécdota personal
a mí en mi caso no me criticaron bastante porque yo me puse a estudiar un
tema que ya no era local me puse a estudiar cosas de dos países de España
y de Portugal y entonces ya algún problemilla me dio el tema y estamos
hablando del siglo XXI y tenemos un predominio de estas cosas en cuanto a
tesis etcétera bien además de este interés por las identidades
nacionales a nivel pues bueno de países etcétera también tenemos un tema
que es muy importante que es el de la superioridad del arte occidental
durante muchos años y eso fomentado por la historiografía del siglo XIX
se consideró el arte de los países colonizados como primitivo y sin
importancia y las colonias por ejemplo si ustedes piensan en el arte ¿qué
hice yo en mi tesis? pues una cosa un poco complicada estudié arte
medieval completamente románico en un contexto de fronteras europeas y
español portugal y fue bueno muy bien la verdad me siento muy orgullosa de
ella pero era un tema demasiado amplio y me dieron bastantes palos por
meterme en esos temas internacionalmente gustó porque siempre que llevabas
la tesis fuera gustaba pero aquí en España pecaba demasiado de
internacionalización disculpen un momentito del arte occidental gracias
fíjense que hasta me tuve que poner a la tesis un nombre así un poquito
local para que no me bien pues lo que les comentaba arte primitivo se
consideraba pues por ejemplo el arte precolombino durante mucho tiempo y
especialmente finales del XIX principio del XX se consideraba un arte sin
importancia lo mismo o el arte asiático y cada vez que pues ellos querían
crear algo en las colonias asumían el arte occidental como modelo por eso
por ejemplo en Hispanoamérica vemos ese arte que se llama arte novo
hispano que es o colonial que es la asunción por parte de las colonias
hispanoamericanas del arte que se hacía aquí en el XVII y en el XVIII que
sucede que a la vez que esto se enquista en el siglo XIX y parte del siglo
XX más o menos a finales del siglo XX empiezan a surgir corrientes que van
en contra de ello y que quieren pues un poco reafirmarse y dar a conocer
pues ese arte propio del país propio de China propio de Japón propio de
Hispanoamérica y que durante años había sido denostado por otro lado los
estudios de arte y sociedad van a tener un importante componente de la
sociología la sociología para más o menos mediados del siglo XX es una
disciplina importantísima pero para todo es decir se aplica en arte se
aplica en historia se aplica en muchísimas cosas y de hecho el arte y la
valoración del arte fue una de las cosas que más les gustó analizar a
los sociólogos la sociología surge en el siglo XIX para estudiar los
comportamientos individuales y los comportamientos grupales pero Bordier le
da un giro en los años 70 del siglo pasado en los años 70 del siglo XX
porque es el primero que empieza a aplicar temas de historia del arte y de
obras del arte herramientas como la estadística o la entrevista etcétera
y hace estudios sociológicos sobre el gusto sobre la percepción etcétera
de hecho él es el que acuña dos conceptos que son muy importantes para el
estudio sociológico del arte que son el hábitus o hábito y el capital
cultural las prácticas estructuras juicios y pensamientos que nosotros
tenemos por pertenecer a un determinado grupo social y el capital cultural
se refiere a la educación que hemos aprendido por acumular experiencias en
la escuela en la familia etcétera y él por ejemplo estudia la percepción
que tienen de obras en los museos diferentes grupos sociales por ejemplo
los de un barrio más pudiente los de un barrio menos pudiente y entonces
desarrolla esos términos de hábitus y capital cultural estudios
sociológicos también se pueden considerar los que desarrollan marcy
angels porque ellos estudian las relaciones entre arte cultura y sociedad
pero también en relación con la economía ellos van a tener un gran peso
en la historiografía social del siglo 20 y parte de la del 21 porque
acuñan los términos materialismo histórico y los conceptos de estructura
y superestructura es decir que existe un poder económico y político que
influye en la sociedad cómo ésta se comporta etcétera los autores van a
desarrollar esto son dos historiadores marxistas totalmente que son Antal
cuando estudia pues el ambiente de los pintores del primer renacimiento
florentino la importancia del dinero de los mecenas etcétera y Hauser en
sus dos obras historia social del arte y sociología del arte qué le pasa
a Hauser que Hauser es demasiado radical cuando explica su historia social
del arte en los años 50 digamos que le critican muchísimo porque dicen
que es excesivamente marxista y se ve obligado un poquito por así decirlo
realmente y vulgarmente a recular entonces saca su sociología del arte que
ahí pues bueno ya toma esas críticas en consideración y es menos radical
en sus opiniones y sus investigaciones a partir del siglo XX y ya podemos
hablar prácticamente desde mediados va a haber también otro tipo de
teorías en relación con la ideología con la sociedad con la política y
uno de los que van a ser más importantes va a ser Walter Benjamin nos dice
que el arte tiene que convertirse en un arte combativo de transformación
social porque ya reproducir la realidad no merece la pena porque ya tenemos
fotografía ya tenemos cine ya tenemos mil y una técnicas entonces hay que
utilizar el arte para protestar para transformar la sociedad etcétera
también Adorno va a estar en torno a esas teorías y él dice que el arte
y la obra de arte es un medio de redención y de transformación social que
además puede hacerlo y puede ser la obra de arte sin plegarse a las
exigencias del mercado o de la industria del arte él defiende Adorno
muchísimo a todos esos artistas que van contra corriente a las vanguardias
etcétera a partir de los años 60 del siglo XX llega un nuevo modelo
historiográfico que mezcla lo que serían los intereses políticos de tipo
marxista con algunas técnicas del postestructuralismo es decir la
identidad es lo que llamamos historiografía activista van a destacar por
hacer estudios sobre las estrategias de dominación a través de la
arquitectura como por ejemplo Foucault se acuerdan que les hablé de su
obra Vigilar y castigar era el que estudiaba las cárceles y todos los
edificios en relación con el poder que pretendían modificar el digamos el
comportamiento del individuo pues algunos autores no sólo Foucault van a
ir por ese tema la ideología y el poder otros van a centrarse más en el
activismo político estudiando por ejemplo las guerrilla girls o estudiando
el arte combativo de los años 70 en relación con la guerra de Vietnam el
pacifismo etcétera también van a fomentarse los estudios poscoloniales
por ejemplo Spivak es la que hace un estudio sobre qué dicen los
desplazados cuál es el discurso artístico o literario de las personas que
pertenecen a las clases sociales más bajas o a los olvidados de la
sociedad y centrándose mucho pues por ejemplo en los hindúes y en otras
culturas como las afroamericanas que siempre han sido objeto pues bueno de
racismo etcétera también van a fomentarse los estudios de género tanto
de género y de género que es la diversidad sexual etcétera van a
destacar Linda Nochlin estudiosa del feminismo Lucie Garrard que es la que
estudia Artemisia Gentileschi o Griselda Pollock y aquí en España como no
va a destacar Patricia Maillallo historias de mujeres historias de arte y
también se estudiará mucho el tema de la alteridad de lo diferente de lo
marginal en el arte hasta aquí entendido alguna duda bien vamos ahora con
el último tema que tenemos para repasar que es el de la posmodernidad del
mundo actual bien la posmodernidad qué supone pues supone cuestionar todo
lo que se daba por válido universalmente y anteriormente es decir pero no
lo hacen sólo con el arte lo hacen con todas las disciplinas van en contra
de las interpretaciones clásicas porque creen que son demasiado
dependientes de la ideología o de las ideas subjetivas y momento concreto
lo mismo las teorías de la posmodernidad se utilizan en historia del arte
en literatura que en ciencia la teoría posmoderna que nos dice que toda
interpretación del pasado es una hipótesis y que aparte está mediatizada
por unos intereses concretos y creados es decir por ejemplo ellos nos dicen
que toda la historiografía del arte del siglo XIX está marcada por el
canon y por la existencia de la academia y esa concepción de los artistas
la historia del arte es una historia que nos dice que todo es así que es
válido y que todo el mundo acepta pero que nadie critica y que corresponde
a unos intereses creados de hecho nos dicen que sin asistencia previa de la
academia del canon artístico de lo que es bello y lo que no etcétera no
podemos hablar de historia del arte decir que la historia del arte es un
cuento tal como viene concebida hasta el momento que entra la posmodernidad
de los modelo epistemológico en los años 50 en francia tiene gran auge y
son los filósofos y estudiosos post estructuralistas son franceses en su
mayoría son derrida fucol y es decir que hay que deconstruir es decir
todas las interpretaciones todo lo que nos cuenten hay que desmenuzarlo
porque no es algo verdadero es una construcción que hicieron tomando de
aquí y de allá y además utilizando un lenguaje determinado y que parte
de las concepciones de unas estructuras ideológicas cualquier obra de arte
según la teoría de la deconstrucción dicen que hay que analizar el
lenguaje forma contenido estructuras ideológicas en las que se basa por
ejemplo contexto las técnicas que utiliza ya no sólo a nivel artístico
sino si se está haciendo una simbología o no y hay que saber el origen de
cada una así sabremos hacer un análisis correcto y que no nos engañen y
que no nos vayan contando verdades a medias hay autores como danto o
bartés que dicen que el arte y los autores mueren pero es que no se
refieren que se muera en sí el arte ale no hay más arte no dicen que
muere el arte y el autor según el concepto que tenemos de toda la vida
clásico qué pasa que un autor actualmente tiene un interés pero
realmente muchas veces nosotros nos convertimos en autores porque le
cambiamos el significado a las cosas sí porque hay una serie de
disciplinas artísticas el graffiti el montaje el ready made la performance
el video arte que no caben no tienen cabida en ese concepto de arquitectura
pintura escultura por lo tanto no tiene sentido estudiarlas con esas
teorías y esas formas y metodologías del pasado entonces tiene que ser
una cosa diferente sin embargo tanto los postmodernos como los
postestructuralistas los han criticado mucho por qué porque tienen el
mismo defecto que la historiografía clásica piensan que lo de ellos es
verdad por así decirlo glacialmente piensan que lo de ellos es palabrita
del niño jesús y no es así entonces toda la crítica viene a que ellos
hacen lo mismo que hicieron antaño otros por lo tanto se persigue
actualmente a pesar de que existan pues bueno esas tendencias una nueva
historia del arte a través de John O'Neill de Hans Belting de Didi
Huberman o de Juan Antonio Ramírez ¿de qué nos hablan ellos? de historia
del arte global donde caben múltiples interpretaciones una historia del
arte muy multidisciplinar y nos hablan también mucho de estudios visuales
porque ¿qué pasa? lo que hablábamos antes muchas disciplinas del arte
actual no tienen cabida en la concepción de las tres bellas artes de toda
la vida pero si la tienen en estudios visuales porque no dejan de ser
imágenes un graffiti no deja eso una representación gráfica una imagen o
cuando se hace una performance se graba o queda una imagen en la retina de
los espectadores y es visual fundamentalmente en el mundo actual ¿qué nos
sucede? tenemos metodologías diversas y triunfa todo lo que es
interdisciplinar pero siempre siempre se van a tener dos cosas en cuenta
que ya no vamos a buscar reproducir el contexto original de la producción
de obra de arte no vamos a hacer una reconstrucción histórica porque lo
que llevamos hablando toda la hora es decir nosotros por mucho que queramos
no vamos a tener la percepción del hombre de renacimiento del hombre
medieval ni ellos tendrían la que tenemos nosotros del arte contemporáneo
por ejemplo entonces el fin de la historiografía es analizar las
diferentes tendencias que hay en la historia del arte las diferentes
tendencias ciertas y aceptar diferentes puntos de vista otra idea que hay
que tener en cuenta muy importante es que la noción de obra de arte ya no
nos vale ya es más amplia y hay que utilizar otro tipo de conceptos como
imagen y que implican además el hecho de que haya imagen participación
del público lo que les comentaba antes de las performance del videoarte es
que estilo el movimiento etc porque tampoco nos vale un graffiti al señor
el grafitero de bristol que ahora se me fue la cabeza y no me sale bueno el
panski efectivamente el señor panski es decir no nos entra ningún estilo
diferente etcétera entonces para el arte actual se acabó todo eso por lo
tanto ya no nos vale pero para ninguna aproximación historiográfica
actual entonces en resumen la historiografía actual intenta hacer
recopilación pero también reinterpretación y adaptarse a los tiempos que
vivimos bien ahora vamos no sé si tienen alguna duda algo que quieran
preguntar comentar caray si tengo la boca todo el día gansky ya me
olvidaba de él hoy alguna duda algo bien lo han entendido todo ya saben
que cualquier cosa me escriben cualquier duda que tengan y les de acuerdo y
les explico con más detenimiento lo que necesitan bien no sé si han visto
pues llegado a la convocatoria extraordinaria pues cambiarse la
metodología de exámenes etcétera como para que se hagan una orientación
de lo que pueden preguntar esta semana les voy a dejar preguntas largas
resueltas vale y también preguntas cortas resueltas una recopilación de
diferentes años y también de las más que ha colgado el profesor
Urquízar vale para que sepan cómo responder al examen y las dos próximas
clases la de la semana que viene y la semana siguiente a la que viene las
vamos a dedicar exclusivamente a práctica de examen sobre preguntas ya que
tenemos que adaptarnos un espacio pequeñito etcétera adaptarnos lo más
posible al examen y también para que puedan resolver todas aquellas dudas
que tengan y que o bien no se atreven a preguntar o que bien les surgen
durante el estudio que a veces suele pasar ¿no? cuando estudiamos es
cuando nos surgen de acuerdo pues bien por mi parte nada más simplemente
decirles que se cuiden mucho que aprovechen los paseos etcétera y que nos
vemos la semana que viene vale y para lo que necesiten estoy a su
disposición tanto en el foro como en el correo electrónico ¿de acuerdo?
pues muchísimas gracias por la asistencia y nos vemos la próxima semana
cuídense mucho hasta luego