Bueno, pues nos habíamos quedado aquí, en Reims. Estábamos hablando de
escultura. Bueno, por cierto, si queréis comentarme alguna cosa, ya
sabéis, en cualquier momento. Como decía, estábamos hablando de Notre
Dame de Reims y en primer lugar nos habíamos parado, nos habíamos dejado
concretamente en la fachada occidental. Estamos mirando a esta gran fachada
que es producto de la reconstrucción de la catedral a partir de 1210, que
se produce después de un incendio. Y que, bueno, es interesante recordar
que Reims, como ya decíamos, hablar de arquitectura, Notre Dame de Reims
es una catedral muy importante y un gran símbolo para la monarquía
francesa. Es el lugar donde se coronan. Y así como Saint-Denis tiene su
simbolismo como lugar de enterramiento, pues Reims es también un lugar
clave. Como veis, en la fachada occidental, en general, vemos una escultura
que ya se desborda, que colma toda la fachada. Vemos esa galería de reyes
en la zona alta, de nuevo poniendo en relación a los reyes del Antiguo
Testamento y los reyes de Francia, como también veíamos en Notre Dame de
París. Y por primera vez, a diferencia de las catedrales que llevamos
visto en escultura, de lo que hemos visto en la última clase, pues en esta
catedral nos encontramos que los tímpanos de las tres portadas, además,
carecen de escultura. Están horadados, están calados a base de tracería.
Se cierran con vidriera y con tracería. O sea que ese deja de ser un marco
para la escultura. Es el proceso de desmaterialización del muro que,
paulatinamente, va afectando a la arquitectura gótica y da lugar a
situaciones como esta, en las que los tímpanos de las portadas
desaparecen, dejan de ser murales, para, en su lugar, dejar pasar la luz.
¿Qué pasa entonces con los habituales programas, las habituales
historias, figuras que nos encontrábamos en esos tímpanos? Bueno, pues en
este caso, de manera también particular, nos encontramos que que son los
gavletes los que contienen, esos tres gavletes, bueno, son en realidad
cinco, porque tenemos también estos dos, estos extremos, también habría
que contabilizar, los que se transforman en un soporte escultórico de
la... Bueno, en un soporte escultórico, ¿no? Donde nos encontramos esa
escena de la portada central que es la coronación de la Virgen. Recordad
la importancia que se le daba a la Virgen, que a menudo se colocaba en pie
de igualdad, lo habíamos visto en otras portadas, en Saint-Lys, por
ejemplo, veíamos como la Virgen y Cristo aparecían en sus respectivos
tronos, entronizados, en pie de igualdad y aparece la Virgen siendo
coronada. Es exactamente lo que vemos aquí. Aunque es cierto que se le da
un peldaño más, en este caso a Cristo, frente a la Virgen se le da un
peldaño más, pero en términos generales los vemos colocados en razonable
pie de igualdad. Bueno, de todas formas, lo más interesante en cuanto a
escultura en Reims se sitúa en las jambas. Recordad lo importante que eran
las estatuas columnas de las jambas en Chartres, pues aquí, de nuevo, son
las estatuas que se sitúan en las jambas de la portada las que tienen la
mayor importancia. Pero a nivel estilístico vemos que hay un cambio
abismal con respecto a las de Chartres. En este momento nos encontramos,
prácticamente, estamos un siglo después que lo que veíamos en Chartres,
en la portada real de Chartres. Y en torno a 1240-1245, bueno, tenemos un
cierto baile de dataciones, nos encontramos con, en estas jambas, una serie
de figuras que tienen que ver con esto. Con la infancia de Jesús y la vida
de María. Concretamente, estas dos son las que más nos interesan. Son la
Anunciación, por un lado, que es la que está a la izquierda y a la
derecha tenemos la Visitación. Dos escenas angélicas que se realizan a
través de dos estilos muy diferentes A ver... Ah, pero... Hay alguien que
no me está escuchando... Pero veo que sí, que los demás me estáis
oyendo. Vale. A ver, intenta volver a entrar, a ver si me puedes seguir
mejor. ¿Ahora ya me escuchas? Laura, ¿ya funciona? ¿Te funciona mejor
ahora? Sí, vale, estupendo. Bueno, pues estábamos hablando de la portada
occidental de Reims y ahora nos estábamos centrando en las estatuas de las
jambas, estableciendo una comparación tipológica con las que habíamos
visto, con las estatuas-columna que habíamos visto en chat. Y vemos que,
estilísticamente, estas son muy diferentes. Son estatuas muy diferentes, a
pesar de responder a ese concepto de estatua-columna, a priori, o estatua
situada en las jambas de entrada al... De la portada, ¿no? De la catedral.
La diferencia fundamental es que todas estas figuras, las cuatro, vistas en
términos generales, y luego ya entraremos en diferenciaciones entre ellas,
las cuatro dejan de ser figuras sometidas al soporte arquitectónico. Dejan
de ser estatuas-columna, propiamente dichas. Dejan de ser estatuas
convertidas en fustes, estatuas rígidas, rectas, hieráticas... Tendentes
a la frontalidad. En este caso, ya no son así. Esas son palabras que
podríamos atribuir a la descripción que dimos del pórtico real de la
catedral de Chartres. Aquí no tenemos nada de esto. Estamos 100 años
después de lo que se hizo en Chartres. Estamos en torno a 1250. Y tenemos
cuatro figuras que se agrupan en dos grupos diferentes. Por un lado las de
la izquierda, que corresponden con la Anunciación, y por el lado derecho
tenemos la Visitación. Son figuras que, como podéis constatar a simple
vista, están realizadas con un estilo diferente. Formalmente son
distintas. Y ahora vamos a ver en qué. Por ello se atribuyen a diferente
autor. Está claro que no pueden ser obra del mismo autor. Y por ello, en
consecuencia, también se les da diferente datación, aunque con esto hay
algunos bailes y no está del todo claro. Aunque todas las cuatro figuras
corresponden a mediados del siglo XIII, se ha dicho que, por ejemplo, la
Anunciación, la que está a la izquierda, podría ser un poquito posterior
que la Visitación. Se hablaba de la Anunciación como 1252-75, más o
menos, y la Visitación de 1240 al 45. En todo caso, lo más interesante,
al margen de estos bailes y estas controversias historiográficas, la
cuestión es que las cuatro figuras pertenecen a mediados del siglo XIII y
sobre todo las de la derecha suponen una recuperación de la estatuaria
clásica. Muy importante, ofrecen características formales que la conectan
con la estatuaria clásica y, en todo caso, las cuatro representan un
concepto formal absolutamente diferente del de Chartres. Y ahora vamos una
por una. Fijaos entonces a la izquierda. A la izquierda tenemos a Gabriel y
a María. Como ya decimos, es la Anunciación. Son los dos personajes de la
Anunciación los que nos encontramos ahí. Y a la derecha tenemos a María
e Isabel, los personajes de la Visitación. Cuando María visita a su prima
Isabel, que también está embarazada. Observamos de cerca las figuras.
Bueno, esta es, por cierto, la última diapositiva que traigo, entonces es
mejor que hagamos una visión más general de momento porque nos van a
interesar los ropajes. Fijaos qué diferencia hay en la forma en que se
labran en la piedra los ropajes. Los ropajes de las figuras de la derecha
responden, en gran medida, a ese concepto de paños húmedos o paños
mojados de conexión tan clásica, que a menudo se usaba ese concepto para
ilustrar o para caracterizar la forma de los plegados de Fidias. Paños
húmedos o los paños mojados. Paños que generan muchos pliegues y además
traslucen la forma de la anatomía. Fijaos en esa rodilla. ¿Cómo se
trasluce? Es por ello que decimos que son paños húmedos o mojados, porque
si adhieren a la piel y además de formar muchas ondulaciones, pues
permiten averiguar o intuir no sólo la anatomía, sino la posición de los
miembros que cubren. ¿Qué pasa con las figuras de la derecha? Bueno, las
figuras de la derecha se pueden poner en relación con lo que veíamos en
la portada donde se encuentra la Virgen de Dorada. Aquella Virgen que, si
recordáis, aparecía con un ligero contrapuesto, girándose un poco sobre
sí misma y con una sonrisa. Con una sonrisa un tanto esquemática, pero al
fin y al cabo una sonrisa. Bueno, pues esta sonrisa es la misma que aparece
en la cara de ese ángel, de ese Gabriel. Luego lo vemos más de cerca.
¿Qué pasa con los ropajes? Los ropajes también tienen muchos pliegues,
es verdad. Pero son un tanto más rígidos, esos pliegues. Son menos,
además, numéricamente los pliegues. Y no traslucen la posición de los
miembros ni la forma de la anatomía que está detrás. Salvando algún
caso puntual, bueno, los pechos de María, pero de una manera muy, muy
somera. Fijaos que no podemos imaginarnos en qué posición tienen las
piernas estos personajes, a diferencia de lo que vemos en las dos figuras
de la derecha. En el caso de las figuras de la izquierda, la composición
en general... Perdón, perdonadme un momento. Lo que dije antes de la
Virgen Dorada, hablaba de Amián, ¿vale? No de Chartres. Hablaba de
Amián, de la Virgen Dorada de Amián, ¿vale? No de Chartres. De Chartres
es el pórtico real de las estatuas con lumbra, ¿vale? La composición de
las figuras de la izquierda en general es más vertical que la de las de la
derecha, aunque se observa en el ángel un ligero contraposto, un ligero
efecto helicoidal, un ligero efecto de giro sobre sí mismo, pero nada
comparado con las figuras de la izquierda. Las figuras están ligeramente
más sometidas a la arquitectura que el grupo de la derecha. El movimiento
es más contenido. Son figuras más rectas, más estáticas. Los pliegues
son más rígidos, todos ellos. Y poco profundos en general. Sin embargo,
las figuras de la derecha, las de la visitación, que se atribuyen a un
maestro diferente... Las figuras de la izquierda, ya digo, podrían
relacionarse con el maestro de la Virgen Dorada de Amián. Las figuras de
la derecha serían de un autor diferente. Ofrecen el tema de los paños que
ya decía. El tema del contraposto muy marcado. La posición de la figura
es claramente deudora del contraposto clásico. Se abandona de forma muy
clara el principio de sometimiento al marco, que era típico de las figuras
rígidas y rectas de Chard. Y, en definitiva, estas dos figuras de la
visitación son un punto culminante en la recuperación de la escultura
clásica en época medieval. Es decir, estamos en la Edad Media, en un
momento en el que nos vamos a encontrar con puntuales recuperaciones de la
escultura clásica del estilo clásico en escultura. Pero son
recuperaciones en general puntuales y que no van a tener la entidad y la
sistematización que nos vamos a encontrar a partir del Renacimiento. Por
ello, este tipo de figuras no generan escuela de una manera consistente y
no se convierten en una moda global. Digamos que son experiencias con
cierto carácter puntual pero que en todo caso constituyen una
consecución, un logro en cuanto a la recuperación del estilo de la
estatuaria clásica. Bueno, solamente fijaos en los rostros. Vamos a mirar
de cerca las dos figuras. La figura del ángel, la figura de Isabel, la
prima de María... Fijaos qué diferencia a nivel de caracterización El
ángel ofrece un rostro idealizado, de facciones bastante neutras, con una
sonrisa... La figura de la derecha es una figura mucho más realista que
parte de un concepto mucho más retratístico de la representación del
rostro. Más arrugada, se le nota la edad y además acusa un cierto
dramatismo, digamos que hay un cierto retrato psicológico. No como el caso
del ángel que parece una figura mucho más fría. Le decimos la sonrisa,
está bien, es un elemento de humanización típico del gótico, nos
interesa pero todavía tiene mucho de esquemático, de receta, aplicada de
un modo un tanto frío. Bueno, ¿qué tal? ¿Me seguís? Es interesante, si
queréis podemos echar un ojo a la figura que veíamos el otro día de la
Virgen Dorada en Amián que la tenemos en la diapositiva, a ver si acierto
a la primera... Vale, ¿la veis? Me refería a esta figura. Una figura que
al igual que el ángel que acabamos de ver ofrece un contraposto bastante
disimulado detrás de esos pesados ropajes que no permiten averiguar la
anatomía y una sonrisa esquemática que anuncia esa conexión humana entre
madre e hijo. Bueno, pues aquí terminamos la clase de escultura gótica y
nos vamos a las artes del color que corresponde ya al tema 6. Bueno, con
las artes del color vamos a englobar toda una serie de técnicas y de
manifestaciones artísticas relacionadas con las artes plásticas pero que
van a incluir una técnica que no es habitual en otras épocas históricas
que es la de la vidriera. También trataremos la miniatura, es decir, las
ilustraciones de libros y hablaremos también algo de pinturas murales, de
pinturas de pared, normalmente al fresco. Bueno, avanzamos. Sabéis que una
de las consecuencias del crecimiento de los edificios en altura y de la,
digamos, de la desmaterialización del edificio a sus elementos
estructurales y esqueléticos da lugar al aumento del espacio para las
ventanas, para los vanos y, en consecuencia, al aumento del espacio para
las vidrieras. Ese es uno de los elementos característicos que nos vamos a
encontrar en este momento. Un gran desarrollo del arte de la vidriera. En
consecuencia, hay menos espacio también para el muro y por ello se reduce
la superficie para las pinturas. Con una excepción, la arquitectura civil
donde vamos a encontrar aún algunos ejemplos de pinturas sobre pared en
general relacionados con temas profanos. Temas profanos, es decir, que no
tienen que ver con santos, temas cortesanos, temas caballerescos, con un
cierto desarrollo del escenario porque en ello se representa la ciudad, el
paisaje y, en muchos casos, nos vamos a encontrar también con un lenguaje
formal común más allá del soporte, más allá de que hablemos, por
ejemplo, de miniatura o de vidriera. Vamos a ver elementos en común que
tienen que ver con la versatilidad de los artistas con artistas que
podrían tocar varios palos. O sea, que tendremos similitudes formales en
diferentes técnicas. De lo primero que vamos a hablar es de la miniatura,
de la ilustración de libros. Y para hablar de miniatura, en primer lugar,
el manual nos hace referencia a un estilo que se desarrolla en el ámbito
inglés que es el protogótico, que se vincula al estilo 1200. Recordad
cuando hablábamos del estilo 1200 en la clase anterior que lo
conectábamos directamente con una recuperación de la antigüedad, de los
rasgos, de la representación de las figuras con un aspecto antiquizante.
Recordad aquel relicario de los Reyes Magos de la Catedral de Colonia.
Bueno, es una escultura que además se liga con el Valle del Mosa, con la
orfebrería muchas veces. Y ese estilo antiquizante se manifiesta sobre
todo en el tema de los plegados. Los plegados que en muchas ocasiones
tienen esa característica de la que hablábamos al tratar Reims y su
visitación. Es decir, plegados que nos recuerdan a los paños mojados.
Bueno, pues ¿qué pasa en Inglaterra? En Inglaterra el protogótico nos
encontramos con un estilo que denominamos protogótico que conjunta la
tradición local con elementos de carácter bizantino. Y nos interesa
además que en este momento se desarrolla una nueva clientela de perfil
más cortesano. El destino de muchas de estas obras va a ser cortesano para
las clases altas. Y entonces se van a hacer libros de devoción para uso
particular, para uso de determinadas personas importantes. Entre esos
libros destaca sobre todo el Salterio, que es un tipo de libro que como su
nombre indica recoge los salmos de manera ilustrada y recoge los salmos.
Nos encontramos a principios del siglo XIII y vemos cómo se desarrollan al
mismo tiempo. Si antes teníamos talleres evidentemente monacales, dentro
de los escriptorios monacales... Bueno, pues ahora vamos a ver cómo
trabajan artistas laicos, profesionales laicos, perdiendo la primacía esos
escriptorios de los monasterios. Dejan de estar a la cabeza de este tipo de
encargos. Así que nos vamos a encontrar obras cuyo destino no es
litúrgico. Estos salterios, ya decimos, luego veremos uno, un salterio en
concreto, cuyo destino es cortesano. La imagen que veis a la izquierda
corresponde, es la hoja Morgan desde el ámbito inglés, del protocóptico
inglés, datado hacia 1200. Ya decimos que este estilo se liga hacia el
1200 y es una pintura que se liga con la pintura que se realiza en la
Biblia de Winchester. Tenéis dos ejemplos de la Biblia de Winchester en
las imágenes pequeñas de la derecha. La Biblia de Winchester es un
ejemplo románico de hacia 1160 o 1175 y ofrece características muy
similares a las de la hoja Morgan. No necesariamente la hoja Morgan
pertenece a la obra de la Biblia de Winchester, pero sí forma parte de una
obra mayor que no conservamos. Por cierto, al mismo tiempo, de manera
curiosa y como señala el manual la conexión entre el estilo 1200, el
protocóptico inglés, la Biblia de Winchester también nos lleva a
mencionar, algunos autores han señalado que la autoría de la decoración
de la sala capitular del monasterio de Sigena en España correspondería al
mismo autor. Al mismo autor o a un autor del ámbito de la hoja Morgan.
¿Qué pasa en estas obras? Pues que nos encontramos con una superación en
general de esos esquemas abstractos que pertenecían al románico. Sobre
todo, se va acusando un mayor naturalismo que lo apreciamos sobre todo en
la representación de los ropajes. Fijaos el concepto de ropajes que
traslucen la anatomía, que se pliegan sobre los muslos de esas figuras,
que generan multitud de pliegues. De todas formas nos seguimos encontrando
con fondos neutros, también fondos dorados que hacen referencia a la
influencia bizantina. En este caso vemos cómo se nos representa, os lo
comento porque no es evidente desde luego, la historia de Absalón, lo que
se representa en la hoja Morgan, la historia de Absalón que es la historia
del hijo de David. Si os fijáis en la última de las escenas aparece a ese
Absalón que era conocido por su bella cabellera quedándose enredado en
las ramas de un árbol durante una batalla y como consecuencia de ello
siendo alcanzado por las flechas de sus enemigos. Así que, en la imagen de
la derecha, voy a coger la lupa a ver si se puede apreciar un poco, veis a
su padre, el rey David, tapándose el rostro como muestra de dolor. Hay una
gestualidad notable, una muestra de los afectos que es llamativa. Bueno,
todas estas obras además del ámbito protagótico se relacionan con las
escuelas de Winchester y de Canterbury que son las principales de miniatura
del momento en Inglaterra. Y además, veremos cómo las... esto conecta
también con las vidrieras porque las vidrieras de la catedral de
Canterbury las encontraremos también relacionadas con el estilo 1200 y con
el estilo antiquizante de su miniatura. Avanzamos y vemos también dentro
del protagótico del ámbito inglés el Salterio de Ingeburge. También
está dentro de ese ámbito del protagótico. Es una obra creada para la
reina de Francia de origen danés, para la reina Ingeburge, reina de
Francia de origen danés y que se crearía en el norte de Francia. Esta
obra se crearía en el norte de Francia, pero la identificamos como de
influencia inglesa. Representa eso que os comentaba de la nueva situación
de obras realizadas por encargo privado y vemos cómo se enriquecen estas
obras con respecto a los habituales encargos de uso litúrgico. Así que
vamos a ver cómo, a menudo, se incluyen miniaturas, ilustraciones ajenas
al texto. ¿Qué es lo que encontramos aquí? En el registro superior vemos
una escena con los reyes magos ante Herodes y en el registro inferior
tenemos una epifanía. De nuevo tenemos a los reyes magos frente a la
virgen y el niño. Fijaos de nuevo en la cuestión de los plegados de los
ropajes, algunos efectos que traslucen la posición de los miembros detrás
de esos plegados. Elementos a la bizantina como son esos fondos dorados,
neutros, abstractos, que no dan cuenta de ningún elemento del escenario y
bueno, por lo general pues el elemento del escenario vamos a ver cómo poco
a poco se va desarrollando pero en un principio en conexión con cuestiones
que vamos a ver en el duechento italiano se va a ir perdiendo. El tema de
los fondos dorados por influencia bizantina va a irse perdiendo y
sustituyéndose por un desarrollo más naturalista del ambiente, del
escenario, del paisaje. Aquí todavía nos encontramos ante esos fondos
simbólicos, abstractos, neutros. Bueno, el primer estilo propiamente
gótico es el que conocemos como francogótico, el estilo francogótico o
gótico lineal que se desarrolla sobre todo en Francia, principalmente en
el ámbito del norte de Francia y en clara conexión con la vidriera, con
la técnica de la vidriera. La influencia de la vidriera es fundamental en
este tipo de miniaturas que cambian estilísticamente mucho con las
anteriores que veíamos porque en ellas vamos a ver las formas, los
contornos marcados a través de visibles líneas negras muy claras. Como
las figuras están encerradas en contornos con líneas negras que también
recuerdan un poco a esos emplomados de las vidrieras que también están
con sus figuras aparecen contorneadas en negro mediante esos emplomados.
Los campos de color se encuentran entre esos emplomados. Cronológicamente
nos movemos entre inicios del siglo XIII, inicios del 1200 y mediados del
XIV. Vamos a tener gótico lineal. La tendencia general es que vamos a
tener las gradaciones, aunque algunas podemos apreciar, en detrimento de
esas líneas negras que no sólo sirven para contornear la figura en su
perímetro sino que también sirven para contornear los detalles interiores
a la figura. El cromatismo general es vivo con pocos matices de color
generalmente se tiende al principio incluso más los colores puros, los
colores típicos que se usan en las vidrieras, como el azul, el verde, el
rojo, los dorados que luego se va enriqueciendo. Y los plegados en
comparación con lo que hemos visto son más ricos y menos sinuosos. Hacen
menos curvas, son menos sinuosos. Aunque es verdad que la línea, esas
líneas negras otorgan un importante movimiento a las figuras. También son
figuras gesticulantes que muestran una gesticulación elegante. De nuevo,
de todas formas se mantienen los fondos neutros, fondos dorados en general.
Y a menudo se utilizan encuadramientos arquitectónicos como veis aquí,
estos arcos trilobulados son los encuadramientos arquitectónicos a los que
me refiero. Si bien el escenario de fondo sigue siendo dorado y neutro. Uno
de los elementos en cuanto al encuadre, en cuanto al enmarque que conectan
más este estilo, este gótico lineal con la vidriera. Entre ellos podemos
nombrar estos encuadres arquitectónicos, tanto los trilobulados como estos
medallones, estos círculos. Los círculos a menudo remiten a la
arquitectura que alberga las vidrieras. Con todo lo que acabamos de decir
nos encontramos ante una pintura que se está alejando del hieratismo
románico, de la rigidez románica que apunta hacia la humanización de los
personajes. Y a veces se muestra como una pintura amable, ingenua, tanto
idealizada. Las cuestiones del ambiente no se van a desarrollar y mucho
menos la perspectiva. Los efectos de profundidad no los encontraremos hasta
que se vaya asimilando la influencia italiana. Veremos en las siguientes
clases cómo Italia empieza a desarrollar, a esbozar una técnica similar a
la perspectiva que luego se sistematizará en época del Renacimiento. Pero
vamos a ver cómo en Italia las cuestiones de profundidad se van a ir
apuntando ya desde el 80. Avanzamos. Bueno, no os he dicho lo que es esto.
Lo que vemos es la Biblia de San Luis que está en la Catedral de Toledo
porque es un probable regalo al rey castellano. Es una Biblia moralizada
que se realiza en París sobre los años 20-30 del siglo XIII por encargo
de Luis IX de... Bueno, para Luis IX de Francia pero se realiza por orden
de su madre, recordad, Blanca de Castilla. Hablamos de San Luis, Luis IX de
Francia. Su madre, Blanca de Castilla, es el rey de la Sainte-Chapelle que
condiciona la aparición de esos emblemas de castillos sobre fondo amarillo
en esa Sainte-Chapelle que veíamos los otros días. Bueno, y el sistema
compositivo, ya os digo, pues está vinculado a la vidriera por lo de las
imágenes inscritas en círculos. Hablamos de Biblia moralizada porque se
trata de una Biblia particular. Una Biblia que selecciona los episodios de
las Sagradas Escrituras en los que se quiere centrar con una finalidad
principalmente edificante. Y el objetivo... Bueno, el objetivo es, de
algún modo, por eso decimos que son Biblias moralizadas, educar, edificar.
Y son todos ellos códices iluminados, ilustrados. Este que vemos aquí es
un salterio. Otro salterio. Este salterio en concreto es el salterio de
Blanca de Castilla que es de principios del siglo XIII y también tiene que
ver con el estilo lineal, con el gótico lineal que se liga a la vidriera.
Veis ahí esa presencia de círculos. El predominio de colores planos, sin
gradaciones, sin modelado. En cuanto a la iconografía vemos cómo se
representa la sinagoga y la iglesia a los lados. Y en los círculos, en el
superior y en el inferior, tenemos el descendimiento y la crucifixión de
Cristo. Todo ello realizado sobre fondos abstractos. Fondos que no remiten
a ningún paisaje, de carácter eminentemente decorativo. Veis incluso
cómo la propia anatomía del brazo de Cristo se realiza a través de
líneas. No hay gradaciones, no hay modelado, no hay claroscuros. Pero
seguimos encontrando novedades. Recordad que antes veíamos la Biblia de
San Luis. Vamos a ver el Salterio de San Luis. Tiene una datación amplia,
se data entre 1235 y 1270 y se considera un punto culminante del estilo del
gótico lineal. Como os menciono en el manual, son frecuentes en este
salterio los enmarques caprichosos con decoración vegetal y animal. Estos
enmarques. La imagen que está en el manual muestra el grupo de enmarques
pero aquí tenéis uno y veis cómo son enmarques de carácter fantasioso
con figuras que mezclan elementos vegetales y animales pero con un
componente fantasioso y caprichoso bastante fuerte. Además, son también
comunes dentro de este salterio los elementos arquitectónicos para
componer el escenario. Elementos arquitectónicos para enmarcar el
escenario, mejor dicho. Puesto que el fondo sigue siendo dorado, neutro.
Fijaos en cómo se usan estos arcos apuntados, estos rosetones, estos arcos
trilobulados... para enmarcar la escena. Y todo ello a base de colores
planos, colores intensos, saturados, contrastados que se sitúan dentro de
líneas perfectamente... líneas negras perfectamente visibles. La escena
que se representa en el inferior es el sacrificio de Isaac por Abraham.
Vemos cómo se esbozan ligeramente y de forma muy rudimentaria en la
profundidad, como en ese altar que lo vemos oblicuamente en escorzo. Y
también son características de este salterio el tipo de figuras que se
emplean. Pues es un tipo de figuras de canon muy alargado y con una cabeza
muy pequeña. Encontramos en total 78 miniaturas relacionadas con episodios
del Antiguo Testamento. Y seguimos avanzando dentro de la miniatura y vamos
a encontrar novedades. Un cambio de estilo. Este cambio de estilo que
representa el maestro Honoré, así se llama, que trabaja en París a
finales del siglo XIII hacia 1295 pues viene ilustrado por estas dos obras
que... que os muestro en pantalla que son el breviario de Felipe el Hermoso
por un lado, a la izquierda, Felipe IV de Francia, Felipe el Hermoso y a la
derecha tenemos una ilustración de Sondra que es un tipo de libro que se
pone de moda en este momento y que contiene unos escritos de tipo
didáctico o alegórico del... bueno, es un texto de carácter didáctico
que... tiene que aludir a representaciones de personificaciones morales
Bueno, lo que nos interesa especialmente es comparar las cuestiones
formales, las cuestiones estilísticas en este caso. Aún seguimos teniendo
un peso de la... cierto rastro de la línea negra en los contornos pero
vemos cómo se va desarrollando de forma tan clara la cuestión del
modelado, la cuestión del claroscuro las gradaciones de los colores se
aprecia, ¿verdad? en los ropajes en las anatomías fijaos en estos... en
los gemelos de las piernas de esas figuras no sólo eso sino que los
ambientes van perdiendo neutralidad van perdiendo abstracción y van
sustituyendo... bueno, aunque los dorados siguen presentes van
introduciendo elementos arquitectónicos en este castillo algunos elementos
naturales como esta planta aquí hay unas primotamias abstractos seguirían
siendo este ajedrezado no, esa línea de... esa malla de rombos seguiría
en la línea de lo abstracto pero fijaos cómo aquí también tenemos...
una especie de roble una especie de arbolillo con hojas verdes y un tronco
marrón escenas relacionadas con Moisés las tablas de la ley adoración
del becerro de oro el registro inferior fondos dorados neutros pero
plegados con gradaciones no creados a base de líneas sino creados a base
de claroscuros sigue pesando la... la línea curva que tiene aplica a la
figura una importante capacidad expresiva pero va ganando terreno la mancha
de color y se avanza en esos efectos volumétricos y de modelado fijaos en
estos bucles en los cabellos también esos bucles en los cabellos que casi
no se evocan la técnica del tépano casi... eh... podemos verlos ahuecados
y un ejemplo hispano es el... la obra de las Cantigas de Santa María de
Alfonso X se crean a finales de este siglo del que hablamos a finales del
siglo XIII es una obra que de nuevo se crea a partir del apoyo regio es
decir, del apoyo directo del rey esclave en oposición con... con la
primacía de los monasterios que había habido previamente y se recogen
aquí en estas Cantigas de Santa María los milagros de la Virgen echando
mano de conceptos formales de elementos formales franceses de carácter
lineal se vinculan también a la vidriera pero también elementos
islámicos como por ejemplo la decoración geométrica en estos fondos o en
este banco donde se sientan os recordaría elementos islámicos además en
estas Cantigas hay muchas representaciones de tipo profano ajenas a la
historia sagrada como por ejemplo esta misma de la música aparecen ahí
dos músicos son representaciones típicas del ámbito profano o ámbito
laico y ahora nos vamos a ver un... un par de ejemplos bueno, un ejemplo en
realidad un solo ejemplo de pintura mural es la que os trae el manual es
concretamente La conquista de Palma de Mallorca por Jaime I de finales del
siglo XIII seguimos en este siglo hablando de este mismo siglo XIII y
concretamente aquí se nos muestra se nos muestra el... el asedio de Palma
de Madina Mayurca como entonces se llamaba en el marco de una de esas
cruzadas que realizó Jaime I el conquistador si se consideró esta
conquista como una cruzada esta obra de La conquista de Palma de Mallorca
por Jaime I está compuesta por tres paneles de... de frescos lo que os
muestro es solo... parte de uno y originalmente estaba situada en... en la
sala del palacio Aguilar de Barcelona el palacio medieval de Aguilar de
Barcelona ¿qué nos interesa sobre todo aquí? pues lo que os comentaba
ilustrar la idea que os comentaba antes que en las representaciones murales
que normalmente están asociadas a arquitectura civil se nos muestran
escenas profanas por ejemplo escenas de batalla y al hablar de escenas
profanas no es extraño que nos encontremos representaciones
arquitectónicas y paisajísticas con componentes de la naturaleza como
montañas y árboles las casas el caserío de la Medina el... el Alcázar
Castillo bueno y una serie de figuras combatientes el próximo día vamos a
hablar de las vidrieras antes de terminar hacemos referencia a una obra
más a una obra pictórica más en este caso de de temple sobre tabla
también de finales del siglo XIII es este retablo de San Cristóbal
también del ámbito hispano estas dos últimas estas tres últimas que
hemos visto son del ámbito hispano y se sitúa su origen el origen de esta
obra en un monasterio riojano son obras que se ponen en relación con el
gótico lineal con la vidriera sobre todo por cuestiones como la
organización por escenas esas escenas que se muestran son escenas de la
vida de Jesús conecta pues con los miniaturistas de este momento los
miniaturistas del gótico lineal los ilustradores de libros vemos como
todas las escenas ofrecen fondos dorados fondos dorados con enmarques
relacionados con con arquitecturas como esos arcos trilobulados en estos
casos que se aprecian los espacios en los que se desarrollan las escenas
son indeterminados son espacios dorados genéricos apenas se desarrollan
cuestiones escenográficas no vemos apenas no vemos nada no vemos elementos
escenográficos no vemos elementos de paisaje y bueno paulatinamente a
partir de este tipo de ejemplos vamos a ir viendo cómo nos vamos hacia un
planteamiento más naturalista vamos yendo desde lo simbólico hacia lo
naturalista en esta en este tipo de retablo es una tipología de retablo la
que vemos aquí el que hay más ejemplos es un típico retablo pentagonal
originalmente sería apuntado o sea tendría una punta aquí tendría cinco
lados y por lo tanto sería pentagonal y los diferentes registros las
diferentes casillas se pintan todos ellos no son piezas independientes no
hay elementos estructurales de una pieza lo que vemos aquí en el registro
central al margen de las escenas de cristo que os comentaba antes es a san
cristóbal por eso se llama retablo de san cristóbal aparece san
cristóbal en su iconografía habitual llevando al niño a hombros
atravesando las aguas veis cómo se representa el agua de una manera
bastante esquemática eso vendría a hacer referencia al río al agua que
está mojando las piernas de san cristóbal de una manera pues ya digo
esquemática lineal con estas líneas que hacen referencia pues a los
elementos de la corriente a las ondas del agua y ya digo con su
iconografía habitual aparece con una rueda de molino una moa que decimos
en gallego una rueda de molino una muela y la palma del martirio lleva al
niño en brazos y la palma del martirio a su vez el niño lleva un globo
terráqueo sobre su mano bueno pues si os parece lo dejamos aquí y y el
próximo día empezaremos hablando de vidrieras y enlazaríamos ya con el
tema del duochento para hablar de vidrieras nos vamos a dirigir al mismo
punto donde empezamos otra vez pero esto lo dejamos para la siguiente clase
¿tenéis alguna pregunta? hasta la próxima clase gracias un saludo hasta
luego