¿Queréis hacerme así algún comentario de primeras? ¿Alguna cuestión?
No, no nos dará tiempo a ver todo el libro. Desde luego que no. Lo que
vamos a hacer en la próxima tutoría, me gustaría, es ver pintura de las
monarquías ibéricas. Pero todo el libro es imposible. Imposible
totalmente. Y ya nos hemos saltado cosas. Pero bueno, cierto que vamos
lentos. Cierto que hemos ido lentos. Pero el próximo día me gustaría ver
cosas del capítulo quinto. Vale, es todo lo que podemos llegar. Entiendo
que también nos hemos parado mucho en algunas cuestiones. Pero que hasta
cierto punto eso os va a ayudar a llevar esas partes más trilladas. Hasta
cierto punto, yo creo. Hemos visto en algunos casos más ejemplos de los
que os planteaba el manual. Pero en la misma línea, y para reforzar las
ideas que os planteaba el manual, yo pienso que... De todas formas, si
queréis preguntar cuestiones concretas sobre los capítulos siguientes,
cualquiera de ellos, escribidme. Y lo hablamos, largo y tendido. ¿Vale?
Sin ningún problema. Cualquier cosa que os plantee dudas o dificultades.
En principio lo que vamos a hacer hoy es acabar con la pintura holandesa.
¿Vale? Nos habíamos quedado el otro día aquí viendo la enorme
importancia que se da en el contexto holandés a las naturalezas muertas, a
los objetos ordinarios, a elementos que conectan con el mundo de la
mercancía. Sabéis que estamos hablando de una sociedad de comerciantes,
una sociedad de navegantes, pero también una sociedad bíblica. Una
sociedad muy doméstica que valora la intimidad del hogar y los objetos que
visten ese hogar. Esto último que habíamos visto, la de Jan Janstrek, la
naturaleza muerta con jarra de peltre y dos platos de porcelana, sí, es la
última. La próxima semana es la última. Efectivamente. Pero ya os digo.
Bueno. Podéis escribirme... Podéis escribirme en cualquier momento y
podemos hablar de lo que necesitéis, aparte de esa última tutoría. Las
cuestiones del PEC los suelo corregir todos juntos, ¿vale? A pesar que
queda todo el mes. Normalmente en la UNED se acaba a mediados de mayo. Este
año se acaba un poquito más tarde de mediados. Pero yo he acabado algún
curso hacia el 16 o 17. Es así. Habitualmente es así porque
inmediatamente después ya son las semanas de exámenes. Lo que os decía
respecto al PEC es que lo suelo corregir todos juntos. Entonces, cuando
acabe el plazo, lo antes posible, para que sepáis la nota y podáis con
ella plantear vuestra estrategia de cara al examen, pues las publicaré
todas juntas. Vale. No suelo ir corrigiendo según me las van mandando
porque además prefiero ver todos los trabajos juntos para tener una idea
global de todo el mundo, ¿no? De más o menos las facilidades o las
dificultades con las que se encuentra todo el mundo a la vez y en función
de eso también evaluar. Porque con un solo trabajo que evalúe
tempranamente puedo a lo mejor arrepentirme y encontrar que a lo mejor pues
en un contexto global, pues merece una nota mejor, ¿no? O sea que prefiero
verlos todos al mismo tiempo. Si no os importa, no os impacientéis por esa
cuestión que yo en cuanto termine el plazo de entrega rápidamente
intentaré tenerlos. Decíamos entonces que que bueno, que los pintores
holandeses tienen un objetivo muy importante que conecta también en
términos generales con la con la voluntad de los pintores barrocos de en
Europa en general, que es el interés por la naturaleza. El objetivo
ilusionista de la pintura, el simulacro. Pero en el caso holandés, este
simulacro lo vamos a ver buscado a través de medios particulares, a
través de ese gusto por la naturaleza muerta, a través del uso por
instrumentos ópticos de carácter científico, de un acercamiento a la
realidad desde un punto de vista mucho más empírico, científico,
riguroso, ya digo, a través de elementos ópticos. Veíamos ejemplos el
otro día con Karel Fabritius y la vista de él. Y ahora nos vamos a salir
del interior del hogar, de esas naturalezas muertas, y vamos a mirar al
horizonte porque vamos a hablar un poco de paisajismo. Ya hemos hablado un
poquito de paisajismo en el caso de algunos autores, por ejemplo, en el
caso de Aníbal. Habíamos hablado un poquito de paisajismo. Habíamos
mencionado también a Poussin, a Claudio Lorena, ambos franceses. Poussin
con conexiones, bueno, tienen conexiones con Italia, pero son franceses y
ofrecen una pintura cuyas características en muchos casos difiere de lo
que vemos en Holanda. En Holanda el paisaje es muy realista, muy realista,
sin sublimación. Sin sensibilizaciones, sin idealizaciones, sin
referencias a la historia, a grandes pasajes de la historia sagrada, a la
mitología, no. En realidad nos encontramos con representaciones de
ciudades reales de esa Holanda de ese tiempo. O sea que comparado con
Lorena, con Poussin o con Carracci, es un paisaje muy realista. No hay nada
de fantasía. O sea, hay... Hay poca fantasía. En general estamos
asistiendo a un régimen empírico. Los pintores se acercan a sus propios
paisajes y los intentan representar con la mayor fidelidad posible. Los
objetos, las luces, las figuras... Vemos por ello representadas actividades
económicas, rurales y urbanas. ¿A qué se dedican las gentes? Gentes a
menudo figuras pequeñas. Que ocupan el paisaje como en esta vista de
Emmerich, de Van Goghien, de 1645. Se nos muestra la ciudad como
protagonista, con esas torres... Perdón, no quería hacer esa raya. Con
esas torres al fondo de la ciudad. Y con elementos comunes, interesantes.
Como son el horizonte bajo. La pintura holandesa a menudo nos vamos a
encontrar con horizontes bajos. Y con un desarrollo muy importante del
cielo. Cielos a menudo animados por nubes, por nubes en movimiento. Pero lo
que está en el plano bajo, lo que está en el plano terrestre, está
representado con fidelidad. Es una sociedad que conecta también con ese...
Con el orgullo por el escenario que habitan. Hay una concepción... De la
misma manera que se representan orgullosos en sus retratos colectivos de
corporaciones, los holandeses van a representar con orgullo las ciudades
prósperas, comercialmente bollantes, que están levantando. Bueno, este es
un cuadro de Willem van de Velde. Parecido a uno que os trae el manual, que
se titula El Cañonazo. Yo os traigo otro, diferente. No os traigo El
Cañonazo, pero es un cuadro que se puede comentar en los mismos términos
porque trata el mismo tema y de una manera muy parecida. Se titula Soldados
y naves holandesas en un remanso. Es de hacia 1665. El del Cañonazo es de
hacia 1680, es algo posterior. ¿Y qué nos interesa aquí? Fijaos, de
nuevo. Cielo muy desarrollado. Horizonte bajo. Y un horizonte plagado de
elementos conectados con las actividades humanas representados con la
máxima fidelidad. En este caso hablamos de barcos. Los pintores necesitan
en este momento documentarse exhaustivamente de los objetos que
representan. Por eso hablamos de método empírico. Necesitan documentarse
casi desde un punto de vista científico. A los encargantes, a las
personas, a la burguesía que compra este tipo de obras no les gusta que
los pintores les aporten representaciones de los objetos que ellos conocen
perfectamente de una manera sin fidelidad. Es decir, estos comerciantes,
estos navegantes conocen perfectamente sus barcos. Saben lo que es una
goleta, una fragata, un bergantín y cómo se diferencia cada uno de sus
elementos y cómo se llaman cada una de las partes de esas naves. Por lo
tanto el pintor tiene que ser absolutamente riguroso al representarlas y
las tiene que estudiar minuciosamente. Veis que estamos ante una pintura
minuciosa, detallista. Una pintura que está muy lejos de luego la
evolución que tendrá el arte a partir del siglo XIX. Donde las cuestiones
de contenido, las cuestiones representativas y de fidelidad al original van
a perder peso. Aquí estamos en todo lo contrario. Estamos en un arte que
quiere conseguir la máxima fidelidad al original. Avanzamos. Salomón van
Ruisdael. Uno de los Ruisdael importantes. Luego veremos a su sobrino.
Ahora estamos con Salomón. Deventer visto desde el noroeste de 1657. De
nuevo, fijaos en los elementos formales comunes. Elementos formales
habituales. Horizonte bajo. Un horizonte bajo sobre el que despuntan los
edificios, los elementos arquitectónicos del paisaje. Paisaje que a menudo
se caracteriza por ser enormemente llano. Estamos hablando de esos campos
holandeses y esos campos de Flandes que no tienen montañas. Y claro, el
artista los mira desde un punto de vista bajo. Un poco como diría en
italiano di sotto in su. Desarrollando al máximo el cielo y haciendo
despuntar los edificios, haciendo resaltar los edificios sobre el
territorio. No solo los edificios sino también los barcos. Fijaos en todos
estos elementos que conectan con las actividades humanas. Más que aporta
una gran viveza. Esos cielos aportan una gran viveza a los escenarios. Los
mueven, les dan dinamismo. No son escenarios petrificados, idealizados y
abstractos. En el sentido de que no sabemos en qué hora del día estamos,
como los paisajes de Pusen. No, estos son escenarios muy vivos. Donde casi
vemos soplar el viento. Fijaos en la iconografía de esas embarcaciones.
Porque ahora que hablamos de Jacob van Ruisdael, su sobrino, nos
encontramos con embarcaciones muy parecidas. Muy parecidas. Mar picado, se
titula esta obra. Es de hacia 1670. Fijaos qué cantidad de efectos
atmosféricos. Cómo se alterna el mar de luces, sombras, luces. ¿Veis?
Luz, sombra, luz. Esas bandas de luces y sombras lo que permiten es
desarrollar la profundidad y además mover el espacio, dotarlo de
vivacidad, de movimiento, de dinamismo. Casi nos imaginamos las nubes
desplazándose sobre el cielo y dejando pasar rayos de sol por momentos y
creando grandes sombras alargadas en otras zonas. Vemos también cómo
ebulle el agua del mar, cómo se espumean esas olas y cómo los barcos son
fuertemente golpeados por el viento de tal manera que se inclinan a un
lado. De nuevo actividades humanas en un horizonte bajo. Con un cielo de
gran desarrollo. El cielo ejerce de factor dramático, es el dinamizador de
la escena y tiene su contrapartida en el suelo o en el nivel de base. En
este caso el agua del mar gracias a las sombras esas que decimos. Fijaos
ese recurso que os decía de la luz y de la sombra alternada lo volvemos a
encontrar aquí. También es una obra de Jacob van Ruisdael y tenemos una
gran sombra en primer plano, una zona enormemente iluminada, una nueva
sombra, una nueva zona de luz y eso anima el paisaje de una forma
espectacular. Le da movilidad. Le da un enorme realismo. Fijaos de nuevo el
punto de vista abajo, el horizonte bajo, el gran desarrollo del cielo que
casi se desarrolla como una pintura abstracta y las arquitecturas
despuntando sobre la línea del horizonte en ese paisaje tan llano. Este es
del año 1647, se alude a la prosperidad de la tierra, a la grandeza de la
naturaleza, los efectos atmosféricos son constantes, la profundidad a
través de la atmósfera, no a través de líneas de fuga o a través de
empequeñecer los objetos conforme nos alejamos. La atmósfera está
ejerciendo de elemento que nos evoca la profundidad. Pero al mismo tiempo
nos encontramos con paisajes que, aunque son dinámicos, son muy
equilibrados en color y en composición y en línea con esa concepción,
con esa planitud del paisaje holandés nos encontramos también con ese
equilibrio compositivo en el resultado de los paisajes. Esta se titula
Vista de Narden con la iglesia de Muidelberg en la distancia. Le voy a
quitar las flechas un momentín. Yo entiendo que la iglesia sea esta o
esta, no lo sé, una de esas dos. Hay un edificio en primer plano en
sombra, digamos, hay un edificio en segundo plano en sombra, no ha marcado
a sombra, mientras que el que está al fondo del todo está completamente
iluminado por la luz. Fijaos qué efecto de profundidad tan impresionante
crea esas alternancias de bandas de luces y sombras sobre la tierra. Esta
obra es pelín diferente de las que llevamos visto, la que os voy a mostrar
ahora. Un pelín diferente. Sin embargo, es la obra que os trae el manual.
El Cementerio Judío es una obra importante de Jacob van Ruisdael pero
ofrece algunos elementos de carácter menos realista y más una línea de
un paisaje más idealizado, al estilo Carracci, podríamos decir. El
horizonte está más elevado en este caso. Se representa una ruina en
primer término que así tiene un componente romántico extraño. Unos
árboles retorcidos, una serie de tumbas... El Cementerio Judío se titula,
de 1654-55. De todas formas, aparecen efectos atmosféricos, efectos de
luces y sombras alternadas, vemos cómo el edificio se ilumina sobre todo
en su parte superior y cómo el autor tiene la capacidad de monumentalizar
los árboles, dotarlos de monumentalismo, aunque sean trozos, aunque sean
ramas secas, aunque sean árboles viejos, desnudos y secos. Casi, casi,
casi nos acordamos un poquito de Friedrich salvando las distancias en estos
árboles secos del primer plano y en el concepto de cementerio. Un árbol
roto en esta parte un riachuelo pasando a través del primer plano, pero
nos da la idea de un paisaje que no parte de una concepción empírica, no
parte de un paisaje real, sino que se mueve un poco en el plano de lo ideal
o de la fantasía. Nos parece que dejamos de lado aquí un poco esa
dimensión casi fotográfica tan viva de la realidad, tan empírica para
entrar más dentro de una concepción más barroca, más propiamente
barroca donde lo que se ve, donde las imágenes que se nos muestran no
están del todo claras, se juega un poco con la ambigüedad hasta cierto
punto, con la impresión sensorial. Bueno, este arco iris que se nos cuela
por aquí también tiene así un componente extraño. Avanzamos. Jobema.
Este es el cuadro más conocido, más importante de Jobema que es el Camino
en Middleharmis de 1689. Volvemos al paisajismo convencional que estábamos
viendo hasta ahora de la mano de Ruisdael y nos encontramos con, de nuevo,
un paisaje, el paisaje de una llanura con punto de vista abajo, con un
horizonte situado casi en la quinta parte inferior del cuadro donde los
edificios despuntan por encima del horizonte gracias a ese punto de vista
abajo. Los árboles, por supuesto, también despuntan por encima y este
cuadro ofrece una particularidad muy interesante. Una particularidad que
estriba en su composición. Se trata de que se representa quizá por
primera vez en la historia del arte un camino que se fuga en línea recta
desde el punto de vista del observador. Es una composición que va a tener
un gran éxito en el futuro. En el siglo XIX, por ejemplo, la escuela de
Barbizón va a echar mano de múltiples de los encuadres de los holandeses
y entre ellos este será uno de los que tenga más éxito. Fijaos cómo se
nos representa de la misma manera que antes ese mundo rural, próspero,
cultivado, ambientado por figuras que pululan. Es un mundo cuidado. No es
una naturaleza inhóspita, una naturaleza abandonada, no es un paisaje
heroico del estilo de Poussin o del estilo de Lorena. Hablamos de paisajes
ordinarios, sencillos, reconocibles por cualquier ojo, por cualquier
habitante de esos lugares en esa época. Paisajes realistas. También la
importancia del cielo destaca en este caso en cuanto a espacio que ocupa,
pero en este caso el cielo aparece, parece claramente invadido por esa
línea de árboles que forma esa gran avenida que se fuga en profundidad.
Esos árboles suben tanto que se convierten en protagonistas, además que
su forma recta tan como lanzas tan disparadas hacia el cielo y sin ramas en
horizontal pues también acusa su protagonismo dentro del cuadro. Parece
eso, como si fuesen lanzas flanqueando el paso por ese camino. Otro autor,
nos seguimos moviendo dentro del paisaje aunque en este caso el paisaje
tiene un matiz y es que son paisajes con presencias de animales. Hablamos
en este caso de Paulus Potter. Paulus Potter es uno de estos artistas
especialistas en paisajes con animales que se menciona junto con otro
artista del que no traigo la obra que es Albert Quip. Esta obra se titula
El ternero o el joven toro es de 1647 Fijaos aquí el paisaje tiene
importancia sin duda hay un desarrollo del paisaje en este fondo, un
paisaje que después después de todo pues también tenemos un punto de
vista bajo con un cielo muy desarrollado en el que se sitúa en este caso
un pájaro y también tenemos alusiones a elementos culturales como ese
árbol que también tiene una fuerte presencia en el conjunto del cuadro y
que y entorno al cual se sitúan las diferentes figuras. La figura
protagonista es ese wey o ese joven toro, mejor dicho ese ternero o joven
toro que se sitúa aquí. Es el centro de nuevo con ese gusto por ensalzar
las riquezas los elementos de prosperidad de que goza ese rural, ese mundo
próspero, que es un rural muy próspero que conecta al mismo tiempo con
unas ciudades prósperas. Y vemos también como hay una figura aquí y
otros animales acompañando al protagonista. En todo caso el paisaje sigue
siendo importante en la medida que se abre hacia el fondo y se detalla en
esa apertura que se hace hacia la derecha. Avanzamos. Avanzamos y vamos a
ver a un pintor importante, uno de los pintores más importantes entre los
holandeses un pintor que trabaja en el ámbito de Delft una ciudad también
próspera, importante en ese momento. Se trata de Vermeer Vermeer según
parece ser que se pronuncia se escribe con dos es Voy a volver a la
diapositiva que me interesaba Bueno, pues Vermeer es una figura que va a
destacar sobre todo por sus vistus, sus representaciones íntimas en el
escenario de la habitación con tipos de figuras muy repetitivas, suele
usar de una manera frecuente con unas composiciones marcadamente basadas en
verticales y horizontales un equilibrio compositivo muy fuerte, muy marcado
como hablábamos en otras obras paisajísticas Se va a usar en esas
representaciones de interiores un pavimento a menudo que se fuga en
diagonal para generar espacio y vamos a tener una pintura muy detallista de
pincelada pequeña De nuevo nos interesa el detalle nos interesa lo
minucioso Encontraremos en estas obras además de lo formal además de lo
puramente visual y sensorial cuestiones relacionadas con simbolismos con
niveles de lectura que tiene que ver con la iconología Panofsky participó
en la interpretación de muchas de estas obras y identificó diferentes
niveles de lectura de las obras, desde lo superficial hasta lo profundo Por
ejemplo, muchas de estas alusiones, estos simbolismos tienen que ver con
las referencias a la fugacidad a la vanitas De todas formas antes de ver
ese tipo de interiores la primera obra que os traigo es un paisaje porque
vamos a hacer un poco con voluntad de hacer record conectamos con las obras
que estábamos viendo antes paisajísticas y la primera que vemos de
Vermeer es este paisaje esta vista de Delta de hacia 1660-61 Es también
una obra de carácter rigurosamente empírico que quizás se llevó a cabo
a través del uso parcial al menos de la cámara oscura aunque se hicieron
reajustes de taller es habitual La pintura paisajista en este momento no es
plenairista no se realiza con el caballete al aire libre Es una pintura que
parte de los apuntes del natural pero que luego se realiza en el taller Eso
es importante tenerlo en cuenta porque hasta el siglo XIX no tendremos
pintores propiamente plenairistas que trabajen propiamente al aire libre
que terminen sus cuadros al aire libre Es una obra que estaría en la
estela de Fabritius lo que mencionábamos antes como autor de naturalezas
muertas y de aquella vista de Delft con el puesto de vendedor ambulante De
nuevo lo que ya hemos hablado recordad toda esta retahíla de cuestiones
formales horizonte bajo, cielo desarrollado arquitecturas despuntan sobre
la línea del horizonte fidelidad al original presencia de las actividades
cotidianas pequeñas figuras composición equilibrada y realismo en general
y ausencia de elementos de carácter idealizante o de carácter heroico
mitológico no, hablamos de ciudades reales vistas urbanas también son
interesantes otras vistas urbanas que también pueden entrar dentro del
terreno del género del paisaje como por ejemplo esta callejuela que se
titula así 1657-58 donde vemos ese uso tan típicamente manierista de
fugar la escena del primer plano a través de una puerta ¿como se fuga la
escena a través de esta puerta? eso es un elemento que muy a menudo
veíamos en el manierismo y que aquí pues también es frecuente abrir los
espacios que se representan hacia un fondo que se encuentra en otra
habitación fijaos una escena urbana que pertenece a Vermeer fijaos el
punto de realismo la representación contenida austera, sobria de lo que de
la ciudad sin elementos idealizantes con figuras que se dedican a sus
actividades ordinarias esas mujeres vemos ahora esta obra que es de Pieter
de Hoog se titula Patio de una casa es de 1658 oh perdonad no la tengo pues
no la tengo vaya fallo os vendrá en el manual quizá, puede ser la obra de
Pieter de Hoog de Patio de una casa si, ah perfecto vale pues si os fijáis
ofrece una composición muy similar verdad, en donde la escena principal se
fuga a través de una puerta hacia otro escenario es así verdad corregidme
si me equivoco vale pues eso ya veis que es una receta común ahora por fin
nos vamos a los interiores de Vermeer a esas habitaciones íntimas donde
siempre hay una ventana a la izquierda de nuevo se justifica la
iluminación a través de la izquierda y donde nos encontramos a veces
encuentros íntimos figuras en escenas ordinarias siempre en esa intimidad
de la habitación este este cuadro se titula oficial y chica sonriente del
año 57 y se nos muestran pues esos ecos de emociones íntimas que tienen
que ver con la paz del hogar la belleza de lo cotidiano esa experiencia del
silencio de la tranquilidad del hogar que a veces se puede vincular con la
espera del amor con el deleite de los sentidos y con otros simbolismos que
muchas veces se encuentran ocultos por eso este tipo de cuadros son
susceptibles de lecturas iconológicas en la línea de Panofsky aquí
tenéis un mapa que me parece que os lo menciona el manual en algún
momento y hace referencia a las diferentes provincias de de los Países
Bajos bueno, es una sociedad fascinada por la cartografía por los mapas
por el conocimiento de los territorios ya digo, es una sociedad viajera
pero al mismo tiempo devota del hogar devota de volver a casa es un poco si
me permitís la comparación un poco como como Bill Bolson absolutamente
viajero pero que disfruta enormemente del regreso a casa la lechera de 1658
bueno seguimos en esta línea de interiores con la ventana a la izquierda y
donde en este caso ventana a la izquierda pared al fondo paralela a la
cuarta pared paralela al bastidor del cuadro y en este caso se nos deja ver
un poco el suelo un trocito de suelo es común que nos encontremos mujeres
en soledad como esta lechera la mujer a menudo es protagonista de estos
cuadros y en este caso se complementa la presencia de la mujer con un
bodegón vemos como los géneros se interrelacionan una y otra vez como los
géneros que fuimos destacando durante estos días en la pintura holandesa
se van interrelacionando se nos alude así a cuestiones como los sentidos
el deleite el sentido del gusto lo vemos por ejemplo en este caso esta
chica con vaso de vino de 1659 es un año después de la obra anterior nos
habla del deleite a través del gusto y todo ello se vincula con una escena
de cortejo es una mujer que está siendo cortejada por ese caballero que
aparece ahí vemos de nuevo en cuanto a la composición del espacio vemos
elementos comunes la ventana a la izquierda por la que entra la luz el
suelo endamero que sirve para crear líneas de fuga y componer generar la
profundidad de la estancia y una pared de fondo en la que se encuentra un
cuadro de la misma manera que en otros casos nos encontrábamos mapas
seguimos con interiores a ver si me carga la imagen la conexión va bien me
estáis escuchando bien hoy a mi me está tardando en cargar esta página
vale, pues estupendo vamos a ver si si me responde la obra que vamos a ver
ahora es la lección de música una obra que es interesante sobre todo para
ejemplificar ese esmero con que el autor se detiene en los tejidos en el
detallismo de los tejidos lección de música es la que quiero ver si me la
deja cargar a vosotros os la cargo porque a lo mejor a vosotros os la carga
antes porque claro, la imagen está en el servidor soy yo la que la tiene
que descargar para mí no, no la veis vale a ti sí vale a ver si me
responde estoy mirando la lámina 25 lección de música la pintura son
obras las que vamos a ver a continuación que nos hablan del deleite de los
sentidos aquí estamos esta lección de música alegoría de la pintura
vamos a ver fijaos como ahí también tenemos un mapa de fondo cerrando la
escena bueno si no fuera tan lento podríamos ahí estamos esta es la
lección de música vale lección de música con un suelo compuesto en
profundidad de la misma manera a través de un damero oblicuo fijaos en los
tejidos en este tapiz que cubre la mesa el bodegón la naturaleza muerta
ese contrabajo violonchelo este clavicordio creo que es un clavicordio la
ventana a la izquierda como siempre con la pared de fondo este espejo donde
se refleja la propia mujer y el encuentro íntimo entre dos figuras donde
también puede haber un componente de cortejo ya que todas estas escenas
están poniendo de manifiesto de una forma muy clara la devoción que
existe al menos en este pintor pero no sólo en este pintor desde luego por
la intimidad del hogar como una magia en esa intimidad del hogar que lo
atrapa y la siguiente obra es la alegoría de la pintura que antes vimos un
momento poquito posterior de 1666-68 y que nos sirve para ilustrar otra vez
la pasión por la cartografía a través de ese mapa que está al fondo con
vistas de ciudades alrededor si veis cómo se representan son vistas de
ciudades que nos recuerdan vistas cartográficas o topográficas mejor
dicho del tipo de Anton van den Vingaerde otro autor del ámbito holandés
que es pionero en la realización de coreografías y de imágenes de
ciudades de paisajes con una voluntad más topográfica que artística el
componente artístico está ahí bueno, pues esta escena hace referencia a
ese elemento cartográfico y a otras tantas cuestiones que ya conocemos
como por ejemplo el tema del lienzo la cortina descorrida el concepto de la
anécdota cada vez que vemos una cortina descorrida realizada
minuciosamente nos tenemos que acordar de la anécdota de Ceusis y Parrasio
el pintor que quiere representar la naturaleza de la manera más rigurosa
posible este suelo en damero con sus líneas en oblicuo y algunos elementos
de bodeón ropas, atrezo del escenario la luz de nuevo entra por la
izquierda la cortina no nos deja ver la ventana bueno, vamos a terminar con
este autor vamos a terminar con este autor que tenemos todavía mucho que
ver a ver si las láminas se aligeran vamos a ver el astrónomo y el
geógrafo dos obras que nos dan cuenta de la pasión por el conocimiento de
esta sociedad estamos hablando todo de Vermeer pasión por el conocimiento
de esta sociedad vamos de nuevo al mundo de los viajes a la sociedad de
navegantes y vemos cómo conecta de alguna manera de una forma muy
simbólica muy metafórica ese mundo inmenso que está fuera se cuela por
la ventana en la intimidad de la habitación de algún modo nos encontramos
el universo entero en un microcosmos qué es esa habitación el universo
entero al que se quiere acceder acaban por generar en esa pequeña
habitación esa intimidad mágica todos los elementos también relacionados
con la composición los tenéis que observar las ventanas, el suelo los
bodegones el recreo en la representación minuciosa de las telas seguimos
avanzando cambiamos de autor y hablamos de Jan Spine una obra que se titula
Alegre compañía también se la denomina Pían los jóvenes como cantaban
los mayores o de tal palo tal astilla una obra de 1663 creo que estos
nombres Pían los jóvenes como cantaban los mayores o de tal palo tal
astilla creo que son referencias que aparecen no sé si en ese texto que
aparece ahí bueno, se nos muestra una familia holandesa con un tono de
desenfado no sé si recordáis aquellas representaciones que habíamos
visto cuando tratamos Francia de familias campesinas en interiores
representadas con un carácter monumental digno bueno, pues en este caso lo
que prima es el desenfado y se cae hasta cierto punto en la caricatura los
elementos típicos de Vermeer los tenemos ahí la ventana a la izquierda el
suelo que se fuga en profundidad la pared del fondo la intimidad del hogar
pero aquí lo que tenemos es una fiesta donde priman el desenfado y la
caricatura no ese silencio mágico casi religioso bueno avanzamos ya en
Sting carece de misticismo es la familia del pintor por cierto la familia
del pintor que aparece enseñando a fumar a su hijo de ahí el tema de tal
palo tal astilla etcétera bueno, vemos aquí un ejemplo de un género que
se denomina el género de los tronies tronies esto nos lo menciona el
manual pero es interesante aquí significa rostro y es un género barroco
típicamente flamenco y holandés se trata de retratos estos tronies se
tratan de retratos que normalmente son de pequeño tamaño y son retratos
sin duda son retratos porque nos muestran figuras con rasgos más o menos
personales en los que la figura resulta llamativa por una expresión facial
exagerada o por su belleza pero son figuras anónimas retratos anónimos
entonces de algún modo se puede decir que no se solían realizar con
intención retratística sino más bien para mostrar las dotes artísticas
del pintor su maestría a la hora de captar gestos gestos grotescos muchas
veces, expresiones sinónimas sensuales entonces es raro el caso de tronies
en los que se conoce el nombre del encargante de la figura que aparece
representada esa es la joven de la perla de Vermeer que es interesante por
ese por cómo aparece exóticamente ataviado el componente exótico es el
que un poco justifica la realización de ese retrato y aquí tenemos otro
componente exótico que es este cuadro de Hals de Franz Hals el componente
exótico está en la figura que se representa pues es una gitana es un
cuadro de 1625-1630 y el anterior es del año 65, es posterior de nuevo en
este cuadro vemos un planteamiento de retrato basado en la inmediatez el
desenfado hay un componente de dinamismo muy típico de Hals pero es que
Franz Hals nos interesa sobre todo por los retratos de grupo estoy
acelerando un poco porque sería ideal que el próximo día pudiéramos
avanzar dejar todo esto acabado y quizá empezar Velázquez bueno, los
retratos del grupo de Franz Hals que trabaja en Harlem durante un tiempo y
nos hace obras como esta el Banquete de Oficiales de la Milicia Cívica de
San Adrián de Harlem el ejemplo que esto era el manual es muy similar no
es exactamente este cuadro pero es muy similar es de 1627 aquí nos
interesan las expresiones las acciones, las interrelaciones de los
diferentes personajes veis que no es una simple suma de retratos hay como
una integración muy fuerte entre todas las figuras que aparecen ahí
representadas y no pueden funcionar individualmente además se nos muestran
como con un gran dinamismo en una escena de desenfado es como que
prácticamente los cogen en la típica escena en la que el fotógrafo del
periódico hace una foto a los comensales de una fiesta es algo muy
parecido Hals los consigue representar casi distraídos digamos de una
forma absolutamente espontánea además de una pincelada suelta, viva que
aporta ese dinamismo un cromatismo de de viveza veneciana y al mismo tiempo
con todo ello se representa, se nos muestra una sociedad alegre una
sociedad segura de sí misma dotada de naturalidad pero al mismo tiempo de
teatralidad una sociedad vital lo que interesa sobre todo es captar ese
instante ese instante de vitalidad de alegría muy diferente es esta otra
obra que también es un retrato colectivo y que se titula, es también de
Franz Hals se titula Los regentes del asilo de ancianos de Harlem Los
regentes masculinos porque el manual creo que extrae los femeninos es una
obra de 1664 y se puede comentar en los términos en los que comentábamos
la obra femenina una obra con menos color que la anterior austera, severa
menos dinámica sin ese componente instantáneo y en general todos estos
caracteres formales tienen que ver, van en línea con la naturaleza de la
institución hablamos de un asilo de ancianos entonces estas figuras
aparecen tanto con un tono recogido, circunspecto serio no están de fiesta
ya decimos es un cuadro que hace pareja con el retrato femenino de Los
regentes que también muestra un planteamiento muy similar a la austeridad
pero no dejan de ser retratos de grupo que nos dan cuenta del orgullo de
las corporaciones del orgullo de los colectivos que mueven esta sociedad
vale, pues el próximo día vamos a hablar un poquito de Rembrandt y vamos
a ver hasta dónde llegamos ¿Os parece bien así? ¿Me habéis seguido
bien o he ido muy rápido? Vale muchas gracias y hasta el próximo día