Hola, buenas tardes. Bienvenidos a esta última clase y tutoría de la
asignatura de la Construcción Historiográfica del Arte. Bien, como
llevamos haciendo la semana anterior y haremos esta, esta clase está
dedicada a preparar el examen. En este caso he seleccionado también una
serie de preguntas que serían preguntas las cuales podrían ser objeto de
examen y objeto del examen en esta ocasión. Buenas tardes a los que se
están incorporando ahora, ¿qué tal? Bien, pues les decía que hoy damos
comienzo ahora mismo a la última tutoría y clase de este semestre. La
cual la vamos a dedicar a la preparación del examen. En esta ocasión,
igual que hicimos la semana pasada, he preparado una serie de preguntas y
las he respondido para que ustedes puedan tener una idea de cómo afrontar
esas preguntas en el examen. Aprovecho también para comentarles que
cualquier duda que tengan, por favor, pregunte. Y para decirles... Y para
decirles que aunque se haya producido, bueno, que esta sea la última
tutoría y clase del semestre, que estaré a su disposición, ¿de
acuerdo?, en el foro y también en el correo electrónico hasta el momento
del examen y luego hasta el 14 de julio, ¿de acuerdo?, que es la fecha de
cierre del foro. Pero también me tienen a disposición para cualquier duda
sobre convocatoria extraordinaria, etc., a partir de esa fecha en el correo
electrónico, ¿de acuerdo? Pues vamos a empezar entonces. Pues vamos a
empezar entonces con esas preguntas de examen. Bien, la primera que he
propuesto y que les propongo es explique las bases teóricas del
historicismo. Bien, primeramente comentarles un poquito qué sería el
historicismo. Historicismo, nos referimos con ello a todas aquellas
metodologías que tienen un importante... componente de desarrollo
histórico, es decir, que la historia va a convertirse en el paradigma
principal y la evolución a través del tiempo. Entonces, como bien saben,
casi todas las teorías historiográficas clásicas, siglo XIX, siglo XX,
hasta más o menos mediados del siglo XX, van a tener un componente
importante de historicismo. Porque van a ser desarrollos en el tiempo,
desarrollos históricos. Y la lectura que se va a hacer de las obras de
arte va a ser sobre todo una lectura histórica. Bien, por lo tanto,
tenemos que hablar de sus bases teóricas, en qué se basan, quiénes son
los precedentes, etc. Entonces, en el caso del historicismo, en la
historiografía, tenemos que hablar de dos autores, von Herbert, alemán...
y coetáneo, de Ziereritz Hegel. Y Hegel quizás sea el que más en el
manual hablamos de él, pero digamos que a nivel historiografía son los
dos que son los iniciadores de la corriente historicista. ¿Por qué?
Porque ellos le dan, en cualquier disciplina especial, valor a la historia.
Y más, en el caso de Hegel, respecto a la historia del arte. ¿Por qué?
Porque ellos le dan, en cualquier disciplina especial, valor a la historia.
Otro, digamos, teórico del historicismo y que marca, pues bueno, un modelo
a seguir va a ser Winckelmann, con su historia del arte en antigüedad.
¿Por qué? Porque él nos habla del desarrollo del arte a través de la
historia. Y lo hace refiriéndose al arte antiguo, al arte de Grecia. Es a
mediados del siglo XIX cuando hablamos del gran esplendor del historicismo.
¿Por qué? Pues bueno, porque tenemos a Dillteich, que es un autor
también alemán, al igual que Hegel, Herder o Winckelmann, y que nos va a
hablar de la historia, la historia como algo importantísimo y del
desarrollo histórico, como lo que puede explicar desde la concepción de
la naturaleza hasta el arte, hasta la política, los grupos sociales, etc.
Y luego tendremos, por otro lado, y lo que sería en relación al arte, un
historicismo pero de origen francés, que es el historicismo documental de
Comte. Comte, como bien les expliqué el otro día, es un filósofo
positivista y él, en cuanto a la historia del arte y la historia, va a
hacer un historicismo documental. Es decir, va a dar como válido... Todo
aquello que podemos demostrar sobre evolución histórica, sobre el arte en
el tiempo, etc., con documentos. Él le va a dar valor al documento
histórico. Por eso, aunque sea, digamos, el creador del positivismo, hay
que nombrarlo en cuanto al historicismo, porque él la justificación del
tiempo histórico y de la evolución a lo largo de la historia del arte la
comprueba con documentos. Documentos históricos. Además, cabe decir que
la antigua historia contextual de la escuela alemana de finales del XIX y
principios del XX va a ser historicista y va a sentar bases teóricas
porque va a abogar por la reconstrucción del pasado. ¿Y cómo lo va a
hacer? Va a decirnos que la obra del arte va a ser la expresión, más
representativa de un momento histórico concreto. ¿Sí? Bien, yo esto
mismo que les he dicho se los redacté. Von Herder y Friedrich Hegel pueden
considerarse iniciadores de la corriente historicista, al igual que la obra
Historia del arte en la antigüedad de Winckelmann. Pero es a mediados del
siglo XIX cuando el historicismo alcanza su máximo esplendor con Diltheim
y también, por ejemplo, con el historicismo documental de Comte. La
antigua historia... ...contextual de la escuela alemana del siglo XIX aboga
por la reconstrucción del pasado, magnificando a la obra de arte como
expresión representativa de un momento histórico. ¿Sí? ¿Comprendido?
Perfecto. Muy bien, pues vamos a hablar entonces ahora de la siguiente
pregunta que está también, como les decía el otro día, que había una
serie de caballos ganadores, esta también, que es una de las favoritas. Yo
la he adaptado un poquito larga, pero recuerden que las respuestas por el
espacio que van a tener en el examen va a ser un poquito más corta. Pero
bueno, para que lo entiendan y lo tengan más claro, pues les voy a
explicar e hice una redacción de una forma un poco más larga. Esta
pregunta se titula Explique las similitudes entre los acercamientos
iconológicos de Warburg y Panoski. Bien, recuerda que estos dos autores
están en la parte de la historiografía que se encarga del contenido. Y
son los que hacen una aproximación desde la iconología. Iconología es un
término que nace en el siglo XVI a través de un libro que se llama
Iconología y es de César Ríos. En este libro se describen una serie de
motivos relacionados con la emblemática. Y digamos que son el punto de
partida para denominar a una disciplina o herramienta auxiliar que se
encarga de explicar el significado de los contenidos o los símbolos de la
obra de arte. Bien, este término se empieza en el siglo XIX. Y se empieza
a utilizar para referirse a una disciplina en torno a la historia del arte
en 1912, en un congreso de historia del arte que se celebra en Italia. Y
Warburg lo utiliza en sus estudios y Panoski también. Pero ¿cuál es la
diferencia entre uno y otro? Que Warburg lo utiliza como algo auxiliar y
Panoski ya nos habla... de la iconología como disciplina incorporada a un
método de análisis de las obras de arte. Panoski fue discípulo de
Warburg, de hecho le ayudó en su biblioteca, le ayudó en el proyecto del
Mosini, etc. Y en 1933 se marcha a Estados Unidos. ¿Qué es lo que hace
con la iconología de Warburg? Pues la incorpora... su método y la
sistematiza. Es decir, hace que forma parte de un análisis mucho más
claro y más simplificado. Entonces él, Panoski, cuando hace su método
iconográfico, también denominado método iconológico, él nos habla de
tres significados de la obra de arte y tres estructuras de análisis. Y uno
de ellos será el de la iconología. Que será el estudio del significado,
de esa imagen, de ese símbolo, pero en relación con el contexto en el que
está. El contexto histórico, cultural y social. Esto se lo he redactado
de una manera para que quede así un poquito más clara, pero está de una
manera un poquito larga. Entonces, Panoski fue discípulo de Warburg,
colaboró con Warburg y su biblioteca desde 1921 hasta que en 1933 se
marcha a Estados Unidos. Allí tratará de convertir el método warburgiano
que toma elementos de diferentes disciplinas en una herramienta
metodológica de aplicación básica para la historia del arte en el
entorno disciplinar académico. ¿Qué quiere decir esto? Lo que les he
comentado muchas veces a lo largo de las clases, que nosotros cuando
hacemos un análisis de una obra de arte, de una lámina, todavía
utilizamos ese método de Panoski. Porque tenemos que explicar el
significado de esos símbolos, de esa iconografía que tenemos en esa obra
de arte en concreto y ponernos en relación con el contexto, con la
producción del autor, con la sociedad de la época, con la historia,
etcétera. Y eso nació con Panoski, que además instauró ese método de
análisis y que es aún hoy en día el método del análisis disciplinar,
es decir, típico de la disciplina. Por lo tanto, ¿qué sucede? Que ambos,
tanto Warburg como Panoski, tienen el objetivo común de descifrar el
significado simbólico de las imágenes. Pero ¿qué les pasa? Que tienen
dos objetivos diferentes. Warburg lo que busca es estudiar la pervivencia
de cierta simbología, de ciertos elementos que configuran mitologías en
diferentes obras de arte y en diferentes periodos de la historia. ¿Qué
sucede? Que no lo hace desde el punto de vista histórico porque no cree
que sea lineal. Entonces, por ejemplo, él estudia cómo motivos clásicos
aparecen en el Renacimiento y cómo estos quedan codificados, especialmente
todos aquellos en relación con la expresión patética, digamos, la
expresión sentimental y cómo van apareciendo en diferentes culturas, etc.
Sin embargo, Panoski lo que busca es la reconstrucción de esos símbolos y
esas expresiones de emociones en un momento concreto. Lo sitúa en un
momento concreto de la historia e intenta descifrar por qué y por qué
suceden en ese momento concreto, por qué aparecen y por qué en ese
contexto social y cultural. La iconología se convierte para los dos,
aunque tengan al fin y al cabo objetivos diferentes, en una herramienta muy
útil. Y Panoski, a través de su método, al convertirla en algo como
mucho más... Sí, uno da importancia a la historia y el otro no. Y
Panoski, al sistematizarla, es decir, al establecer unos pasos, etc., la
convierte en la disciplina de la identificación sintética y la
comprensión de los significados totales. Es decir, nosotros para
comprender qué significa un determinado motivo tenemos que recurrir a la
iconología. ¿Ha quedado claro? Digamos que tienen objetivos comunes pero
también diferentes. Digamos que, por así decirlo, Panoski mejora a
Warburg. Porque Warburg, por ejemplo, era un poco caótico, porque de hecho
cuando configura la Trasmemosine lo que hacía era, ya se lo había contado
alguna vez, colocar en unos paneles de color oscuro diferentes tipos de
imágenes sin orden ni concierto. Y entonces era como algo incluso un poco
más caótico, más arbitrario. Sin embargo, el método lo sistematiza
Panoski. Y, por supuesto, Panoski se va a referir solamente a las bellas
artes. ¿De acuerdo? Si bien Warburg lo mismo podía valorar en sus
estudios sobre el significado de las imágenes y en su iconología, pues un
mapa, un artículo de periódico, etc., Panoski no. Sí, uno de ellos. Pero
quizás el que más fama ha tenido de los protocolos. Porque luego ya
tenemos Didi-Huberman con el anacronismo ya ahora en el siglo XXI, etc.
Bien, continuamos. Si ustedes tienen cualquier duda, por favor,
interrúmpanme. Porque a veces me da la impresión que yo vuelvo demasiado
rápido ni se quedan cosas en el tintero o no les queda claro. Bien, vamos
con la siguiente pregunta. ¿Qué relación hay entre los tratados de arte
y de retrórica? Bien, hay que contextualizar dónde nace esta relación.
En el Renacimiento y en el Barroco es donde se da. ¿Por qué? Porque,
bueno, hay una sistematización del conocimiento y ¿qué sucede? Que a la
obra de arte se le considera un método de comunicación que utiliza
recursos muy similares a los de la literatura. En la literatura, palabras
para transmitir ideas y en el arte, imágenes para transmitir ideas. Por
eso hay una relación en el Renacimiento y en el Barroco entre los tratados
de arte y de retórica. En ambos tenemos la noción de belleza muy similar.
También la forma de exponer los contenidos ya sean literarios o ya sean
artísticos. Y también la existencia de una retórica estética, es decir,
de unas normas estéticas tanto en literatura como en arte. Entonces, eso
que hace que ambas cosas, tratados de arte y de retórica, en esa época en
concreto, en el Renacimiento y en el Barroco, sean equiparables. De hecho,
si nosotros ahora analizamos las vidas de Vasari, veremos que su forma de
expresarse y de describir las vidas de los artistas y las obras son como
muy poéticas y muy literarias. No hace, digamos, algo objetivo, sino que
utiliza unas palabras pues muy rimbombantes, muy poéticas, etcétera. Por
eso existe esa relación. Y en el Barroco sucede algo muy parecido porque
¿qué pasa? La literatura artística, sobre todo esa corriente biográfica
que instaura Vasari en el XVI, en el XVII, va a continuar y van a ser todas
las obras del estilo aledite, a las vidas de Vasari. Yo lo he redactado de
la siguiente forma. En el Renacimiento y el Barroco la obra de arte era un
medio de comunicación paralelo a la literatura en el que se utilizaban
imágenes para transmitir ideas a través de procedimientos formales
visuales. En los tratados de arte de la época se utiliza una noción de
belleza, de exposición de los contenidos y de retórica estética
equiparable a la de los tratados de retórica y literatura y a las obras
literarias. Además, acuérdense, ¿se acuerdan cuando hablamos la semana
pasada de Ephrasis? La Ephrasis no deja de ser una descripción de tipo
literario y una obra de arte. Entonces se utiliza también esa Ephrasis
recursos de la retórica y de la literatura. ¿Qué? Retórica no deja de
ser el arte de hablar, de expresarse correctamente. Entonces siempre va a
haber en esa primera época de nacimiento de la escritura sobre arte esa
relación por esto que les comentaba. Y de hecho, cuando describen obras
los tratadistas o los biógrafos del renacimiento y el barroco van a
recurrir a esa Ephrasis, descripción literaria de arte. Sí, muchas veces
efectivamente en muchas ocasiones las obras de arte narran textos
literarios por ejemplo en el renacimiento tenemos una gran cantidad de
representaciones basadas en las grandes obras clásicas Ilíada, Odisea,
etc. Y el arte contemporáneo no lo hace porque la referencia no es esa.
Estamos entre un arte más autónomo, más el arte por el arte y que no
quiere referirse ni a la realidad ni tampoco a esa realidad imaginada de la
mitología o de la literatura. Además, si nos fijamos también el arte del
renacimiento y el barroco es muy retórico ya de por sí porque nosotros
observamos por ejemplo, me viene ahora a la cabeza pues las
representaciones en relación a María de Merici en la corte de Francia y
todo el ciclo en el cual se quiere reivindicar a María de Merici como
creadora del linaje etcétera y todo es retórica literaria es decir, todo
es referencias a los clásicos referencias a libros etcétera,
efectivamente. Bien, vamos a continuar ¿Ha quedado entendido esa relación
entre tratados de arte y de retórica? Recuerden que además Alberti, el
ejemplo más claro quizás estaría en Vasari Alberti, sí, pero Alberti
muchas veces se detiene más en cosas más técnicas que verdaderamente
hacer una descripción o utilizar pues técnicas de la retórica Pero es
una característica común a todo el renacimiento y el barroco igual que lo
utilizan en la propia obra de arte en sí también en la literatura
artística. Recuerden además, a nivel contemporáneo el tema que hoy en
día muchas obras son analizadas desde el punto de vista del análisis del
discurso como elementos de la comunicación y por lo tanto se estudia la
retórica interna el arte del lenguaje que se utiliza para transmitir esos
contenidos o esas ideas Bien, vamos a continuar con otra pregunta que suele
aparecer en bastantes ocasiones que es quién era Baudelaire y qué
importancia tiene para la crítica de arte Baudelaire poeta, francés
máximo exponente del simbolismo y que además para solventar una
situación económica que era la típica de un poeta, de un literato en el
siglo XIX se dedica a la crítica de arte ¿Qué sucede con Baudelaire? Que
es un innovador porque tiene una concepción de arte muy diferente a la que
tenía la gente de su época porque es de los primeros que en el siglo XIX
hace mención a la autonomía del arte es decir, a ese concepto del arte
por el arte el arte no queriendo reflejar la realidad, no queriendo sino el
arte como mera creación Entonces es un concepto totalmente nuevo y es una
concepción totalmente moderna, que podríamos decir prácticamente
contemporánea ¿Qué efecto tuvo en la crítica de arte? Bueno a
Baudelaire como pensaba que el arte no tenía que ser objetivo sino que
tenía que ser arte por el arte pura creatividad él no hará críticas que
sean objetivas subjetivas es decir, manifestando sus opiniones por encima
de todo además era especialmente por así decirlo mordaz muy puntilloso
con el tema de cambios de gusto él era muy consciente de que vivía en una
época en la cual todo estaba cambiando en la época que ya viven que es
mediados del siglo XIX que todo estaba cambiando y entonces es
especialmente sensible a esos cambios en el gusto y en las modas y eso lo
plasmará en sus críticas él de hecho hace las críticas y escribe sobre
los salones de 1845 1846 1855 y 1859 y por ejemplo en esos salones ya
tenemos eh los prolegómenos del arte moderno y de muchas obras que son
capitales ahí para entender lo que supuso el cambio de finales del siglo
XIX al XX entonces es importantísimo para la crítica porque él incluso
será bastante duro con los realistas por ejemplo con Courbet y otros
autores que intentan perfilar o representar la realidad y es más
benevolente pues por ejemplo con otro tipo de pintores en los que ve cosas
más novedosas y ve ese afán de creatividad además él le gusta que las
obras sean especialmente imaginativas porque dice que la imaginación sí,
comenzaba a ser diferente pero él el que transmite la verdad y la denuncia
suya no le gusta a Baudelaire no le gusta en absoluto él le gusta más
esas obras de arte que tienen efectivamente va más hacia esos
pre-impresionistas que hacen cosas mucho más novedosas, que ponen su
imaginación de manifiesto y también además él hace un libro que
también es importante ¿no? de cómo se concibe el arte moderno que es el
pintor de la vida moderna ¿no? en el cual él hace gala de lo que entiende
por arte y por arte moderno, etcétera bien, lo he redactado en la
siguiente forma que es Baudelaire es un poeta francés del siglo XIX es uno
de los primeros escritores del siglo XIX que hace mención a la autonomía
del arte combina poesía y actividad crítica y nunca persiguió la
objetividad sino la subjetividad para él la crítica debe ser interesada
el crítico debía ser consciente de su tiempo para percibir los cambios
del gusto marcados por la incidencia de la moda y su ruptura con la
anterior es decir, un crítico debe hablar de todas las novedades no hacer
como por ejemplo la crítica de arte de Diderot que se basaba mucho en lo
que era políticamente correcto y lo que era totalmente clasicista y lo que
estaba bien ejecutado y tal siempre siguiendo las normas de la academia
etcétera Baudelaire es todo lo contrario Baudelaire no parte de que hay
que educar en el arte que es correcto, que es clasicista sino que hay que
poner al espectador al día de las novedades y de lo que es moderno y de
los cambios que hay descubre nuevos valores en función del grado de
novedad y originalidad él por ejemplo no va a decir que tal autor como
hacía Diderot resulta poco adecuado el tratamiento que hace del tema si se
trata de un cuadro de género no, él lo que le va a gustar es la novedad y
quiere hacer partícipe a quien lea la crítica de eso como les decía
escribió sobre los anones de 1845-1849 1846-1855 y 1859 y lo recopila en
un volumen que se llama curiosidades estéticas de 1868 también lo que les
comentaba escribió el pintor de la vida moderna lo escribió entre 1859 y
1860 pero lo publicó en 1863 él defendió el arte de su tiempo, el papel
del artista y definió una idea muy concreta de lo bello además se
manifestó contra la fotografía y la pintura realista en lo pictórico
porque decía que pretendían plasmar la realidad objetivamente dejando de
un lado la labor de interpretación sin sentirla con plenitud sin
reflejarse personal e íntimamente el artista con ella aparte dice
literalmente renuncia a alcanzar la belleza denunciar el sentimiento, la
pasión y la imaginación, es decir es lo que hablaba al principio cuando
abordé esta pregunta es arte por el arte de hecho yo diría que es de los
autores que están más vinculados a la crítica de arte el que es más
novedoso y el que sienta las bases de lo que es la crítica contemporánea
del arte porque hoy en día si leemos crítica de arte veremos que una de
las cosas que se intenta mediatizar o que se intenta provocar es el
interés por lo nuevo por lo novedoso, por lo rompedor etcétera entonces
lo pueden redactar así como quieran pero siempre insistiendo en la
modernidad y la subjetividad que tiene su forma de hacer crítica de arte
¿lo han comprendido? ¿alguna duda? es que ya ven es que es modernísimo
es decir, rompedor totalmente bien, vamos con otro también otro caballo
ganador otra pregunta también interesante y a la que se le puede sacar
bastante jugo aunque en este caso he hecho la redacción de una forma corta
señale las diferencias entre historiografía crítica y filosofía del
arte bien, aquí tenemos tres disciplinas tres disciplinas que tienen un
objeto común que es el estudio del arte historiografía que es más
historia de la historia del arte, es decir la historia de todas aquellas
interpretaciones que se han hecho sobre el arte de la literatura
artística, etcétera crítica es la que intenta mediatizar e influir en la
experiencia artística y la filosofía del arte es una disciplina más
teórica y más abstracta porque se encarga de responder una serie de
preguntas teóricas muchas veces tengan en cuenta, sobre todo en el siglo
XIX que estas disciplinas van parejas y van en conjunto también con la
estética esa estética sobre todo de raíz hegeliana y kantiana luego a lo
largo del tiempo ya se van separando y van teniendo objetivos diferentes y
bien definidos pero tienen en común que todas estudian arte desde
diferentes perspectivas o con diferentes tipos de conocimiento la
historiografía desde un principio se presenta como ciencia porque es la
disciplina que analiza la historia del arte, los cambios metodológicos que
proceden en la concepción de arte y de historia del arte además hay que
destacar que es una construcción intelectual es decir, ¿por qué? porque
en cada época según las corrientes intelectuales que se produzcan y que
estén en boga la historiografía va a ser de una forma o de otra además
tiene carácter empírico porque nosotros podemos analizarla prácticamente
como historiografía a través de una serie de textos etcétera la crítica
es subjetiva totalmente porque va a depender de quién la haga detrás de
las críticas hay un escritor hay un autor y van a expresar sobre todo la
opinión personal que tienen sobre las obras ¿para qué? para intentar
mediatizar la experiencia artística es decir, quieren influir sobre el
espectador la filosofía del arte responde a preguntas muy abstractas y muy
diferentes y trata de forma específica la teoría del arte es decir,
preguntas de la filosofía del arte van a ser ¿qué es el arte? ¿qué es
la creatividad? ¿por qué creamos? etcétera es más teórica sin duda es
la más teórica de las tres pero a la vez la que se ocupa de temas más
abstractos ¿por qué? para la historiografía necesitamos la obra de arte
y la literatura artística para la crítica la obra de arte en sí y para
la filosofía del arte sí, la obra de arte pero sobre todo van a ser todas
esas adquisiciones teóricas que rodean a la creación a qué es el arte
etcétera y luego aquí entraría que luego lo veremos en una pregunta
aparte otra disciplina a destacar la estética se definió en el siglo XIX
como ciencia de lo bello la estética que se pregunta qué es belleza y
cómo las obras de arte responden a ese canon de belleza ¿alguna duda? no,
¿en serio? ¿de verdad? porque miren que son conceptos ya saben cómo es
esta asignatura y que son cosas muy muy abstractas entonces prefiero que lo
tengan claro y sobre todo me gusta explicárselo así con estas palabras
para que lo entiendan bien, vamos con la siguiente otro caballo vanador,
Wolfling además este año no, porque bueno ya han visto que la PEC ha sido
de otra forma en el año anterior tuvimos Wolfling durante todo el semestre
a gusto bien, ¿en qué consistía el sistema de comparación contrastante
de Wolfling? vale, Wolfling máximo exponente del formalismo y ¿en qué
basa este análisis formal? en la comparación de una serie de categorías
que él llama categorías de la visión ¿y qué son? conceptos opuestos
lineal pictórico lineal referido por ejemplo a perspectiva pictórico
refiriéndose a todos los mecanismos de profundidad etcétera llevados a
cabo con la luz con el color, o sea renacimiento y barroco él va a basar
toda su teoría y toda su metodología en comparar mediante opuestos
renacimiento y barroco y con esto lo que él hace es un método de
análisis que es bastante útil pero que sólo podemos aplicar a
renacimiento y barroco porque para otro tipo de periodos o para otro tipo
de obras no nos vale porque en el arte no hay siempre épocas clásicas y
épocas barrocas no siempre se da eso sobre todo más si nos referimos al
arte contemporáneo bien, entonces yo lo he redactado de la siguiente forma
¿en qué consistía el sistema de comparación contrastante de Wolfling?
en el examen estructural y comparativo de las formas de la obra de arte
basándose en varias obras a partir de las cuales establecía una teoría
general sobre la evolución del estilo que se sostenía en la definición
de pares contrapuestos que servían para delimitar las diferencias entre
los tipos clásicos del renacimiento y el barroco tomando como modelo a
Italia él siempre va a tomar como modelo el barroco italiano y el
renacimiento italiano estos polos o pares contrapuestos porque son pares de
conceptos totalmente opuestos se llaman categorías de la visión y entre
ellas tenemos linealidad y pictoricismo ideal y pictórico formas cerradas,
formas abiertas unicidad, multiplicidad etcétera por ponerles un ejemplo
linealidad perspectiva típica del renacimiento y sobre todo perspectiva
que aparece en los tratados de Alberti, etcétera pictoricismo del barroco
escorzos utilización de la luz para crear profundidad etcétera esta
pregunta yo creo que es bastante asequible porque es fácil explicar cómo
hace los opuestos y con dos estilos que son muy opuestos como son el
renacimiento y el barroco ¿alguna duda? bien, nos la podrían preguntar
también cuál es el sistema de categorías de Wolfring cuál es el sistema
de categorías de la visión de Wolfring o explique los polos contrapuestos
de Wolfring bien, vamos con una de las preguntas que es un poquito más
complicada porque es con unos conceptos un poquito filosóficos que es la
de bases teóricas de la hermenéutica de Kant y Gadamer bien, alemanes
entonces hermenéutica es un término que viene del griego y se refiere a
la interpretación la interpretación sobre todo de textos entonces,
hermenéutica de Kant y Gadamer nos habla de la interpretación entonces
Kant, ¿qué hace? defiende la autonomía del arte y también que tiene que
haber un método propio de interpretación y análisis de la obra de arte y
que éste debe estar basado en la estética es decir, en la belleza cuando
él hace o dice que hay que hacer esa interpretación hay que dejar fuera
todo tipo de cosas relacionadas con el contenido, la función de la obra de
arte, etcétera solamente para interpretarla hemos de tener en cuenta los
valores estéticos los valores de belleza ¿sí? ¿y en qué se basa? lo
cual es un cambio y que luego va digamos a tener especial trascendencia en
el juicio del espectador es decir para hacer la interpretación tiene que
haber un espectador y que tiene que hacer un juicio de valor estético es
decir, decidir si es bello o no ¿y cómo lo va a hacer? pues interpretando
una serie de formas y viendo si son bellas o no son bellas y captando su
esencia Gadamer sigue a Kant es también de la escuela filosófica alemana
y le da una vuelta más porque ¿qué hace? para él la experiencia
estética es un acto es un juego de rescate y construcción que ejerce el
observador frente a la obra de arte ¿qué sucede aquí? Kant digamos que
sólo se centra en las formas en la belleza y en el juicio del espectador
que hace esto Gadamer pone de manifiesto y pone en juego otras cosas no
sólo tiene que ser la belleza sino también entra en juego el significado
de la obra de arte etcétera porque hay que hacer una labor de rescate y
construcción del significado y de otros elementos que tiene la obra de
arte porque ¿qué sucede? esa obra de arte puede haber sido producida en
otra época que no es la nuestra en otro caso más y de hecho muchas de las
teorías sobre interpretación etcétera que tendremos a posteriori
mediados del siglo XX y siglo XXI se basan en ese tema de la hermenéutica
o en la hermenéutica como la define Gadamer por ejemplo los filósofos y
los historiadores del arte modernos, etcétera tienen una base para hacer
sus interpretaciones en esa hermenéutica de Gadamer sí, él dice que
pueden entrar otras cosas no están basado en la forma y la esencia de la
forma como Kant entonces yo lo he redactado de la siguiente forma
hermenéutica es un término griego y podemos definirlo como
interpretación Kant defiende la autonomía del arte y su interpretación y
análisis que debe de ser puramente estético y quedar desligado de la
funcionalidad y contenido de la obra Kant basa su teoría estética en el
juicio del espectador para Gadamer la experiencia estética sería un acto
de interpretación hermenéutica fundamentado en el juego de rescate y
construcción que ejerce el observador frente a la obra de arte ¿qué
tenemos en común? que ambos valoran al observador al espectador es común
también que ambos quieren hacer una interpretación de la obra de arte
diferencias uno se basa en valores puramente estéticos que van a depender
de la percepción del espectador y el otro se basa en otro tipo de cosas y
en la reconstrucción que hace el espectador de la obra de arte comprendido
para uno y para otro el artista el artista para Kant un genio que crea y
crea cosas bellas y que solo pueden ser comprendidas desde el juicio del
gusto para Gadamer el autor es un transmisor de contenidos no solo de
belleza sino también de una serie de contenidos por eso la postmodernidad
utiliza mucho la hermenéutica de Gadamer bien vamos con la siguiente
explique brevemente la incidencia de Vasari en la historiografía de los
siglos XVI y XVII Vasari es el que institucionaliza el método biográfico
es decir en la escritura sobre arte y la literatura artística de las
biografías de los artistas esto va a tener especial influencia en el
propio siglo en el que vive y en siglos posteriores especialmente en el
XVII porque va a responder a dos necesidades muy concretas de la época
una, reivindicar el papel de los artistas en esa época los artistas
empiezan a desvincularse de los gremios empiezan a fundarse las primeras
escuelas etcétera luego a posteriori las primeras academias entonces es
necesario que el artista tenga una entidad propia y que sea muy bien
considerado por la sociedad para distinguirlo totalmente del artesano se
reivindica su papel en ese sentido pero también la genialidad del artista
el artista para ese momento histórico no es una persona normal tiene la
capacidad de crear cosas bellas, cosas conmovedoras es diferente al resto
de los mortales por así decirlo y también responde a la necesidad de
reforzar las identidades nacionales son épocas bastante conflictivas
políticamente son épocas de bastante delicosidad entonces es necesario
reivindicar el papel de los artistas nacionales entonces hablábamos el
otro día cuando hablábamos de esas identidades nacionales y también se
lo ponía cuando les contesté a las preguntas de examen hablando del caso
de los Países Bajos en los cuales los artistas se equiparaban por su
importancia para la identidad nacional y para la importancia del país con
los militares y que eso sucedía en los Países Bajos entonces digamos el
que influye en todo eso, el creador de estas cosas es Vasari y que luego
esto se distribuye por el resto de Europa en los siglos XVI y XVII se lo he
redactado de la siguiente forma la influencia de Vasari en la
historiografía europea de los siglos XVII consiste en la reivindicación
del papel del artista, del artista como genio de una identidad nacional a
través del género biográfico que popularizó a través de las vidas y
que se generalizó en toda Europa con ejemplos como Van Mander Monsandra di
Hubraken en los Países Bajos Felidiani Pil en Francia o Palomino con el
Parnaso español pintoresco laureado en España ¿Alguna duda sobre esto?
¿Lo han comprendido? Esa incidencia de Vasari que va a tener especial
trascendencia porque luego todos con sus cambios van a hacer género
biográfico van a hacer literatura artística pero de carácter biográfico
Muy bien continuamos con la siguiente explique el papel de los museos en la
construcción del concepto contemporáneo de arte Bien los museos como tal
los grandes museos existieron en el siglo XIX para muchos actualmente son
vistos como viejos contenedores de obras de arte, etc pero contribuyeron
mucho a la construcción de la idea y el concepto contemporáneo de arte
¿Por qué? Pues por unas razones muy concretas La primera la autonomía
del arte es decir el arte necesitaba ser expuesto en un lugar especialmente
dedicado para ello además las obras de arte tenían que ser expuestas
siguiendo un criterio metodológico y ese criterio metodológico era
específico para el arte además el desplazamiento de las ubicaciones
originales y el ponerlas en un lugar totalmente ajeno donde primitivamente
se ubicaba condiciona la experiencia estética y además contribuye a
definir qué es arte y qué no por la existencia del museo y la colocación
de esas obras de arte en él Entonces yo lo he redactado de la siguiente
forma los museos decinonónicos contribuyeron a la expansión del concepto
de autonomía de arte porque el hecho de desplazar las piezas en una
ubicación original contribuirá a la utilización del discurso
histórico-artístico y otros métodos propios para organizar y distribuir
las obras de arte el desplazamiento contribuye a mediatizar o influir en la
experiencia estética al establecer nuevos medios de relación entre el
arte y el público además de convertirse en espectáculos de masas los
museos contribuyeron a establecer qué debería ser arte y qué no y
actualmente son objetivo principal de las nuevas metodologías porque se
aboga por remodelar el discurso de los mismos con otros paradigmas como el
temático entonces ya ven que la influencia de los museos decinonónicos es
capital porque por primera vez tenemos un lugar específicamente destinado
al arte y que además es público que tiene unos criterios expositivos que
son científicos y son propios de la historia del arte es decir no es por
otras disciplinas será por temas será por evolución cronológica pero
son con criterios y metodologías internas que pertenecen al arte además
contribuyen a crear una relación entre espectador y obra y además van a
influir en cómo es el mecanismo de recepción de esa obra por eso se da
cuenta de cuál es el papel en el concepto contemporáneo de arte ¿lo han
comprendido? bien, vamos con la siguiente otro autor muy manido y muy
preguntado es Winckelmann explique la trascendencia de Winckelmann para la
historiografía del arte y la literatura artística bien, Winckelmann
podemos decir que es el primero que escribió una historia del arte al uso
el primero que nos habla de evolución cronológica y aplicado a un estilo
y a un arte muy concreto entonces esto es una novedad y tiene gran
importancia para la historiografía porque por primera vez hablamos de una
evolución histórica de estilos la división en etapas el historicismo del
que hablamos anteriormente y porque es la primera vez que es una obra de
historia del arte como tal lo he redactado de la siguiente forma Johannes
Joachim Winckelmann escribe Gesichts der Kunst des Altertums bueno, es en
alemán Historia del Arte de la Antigüedad 1764 y es una obra que pretende
superar la sucesión de biografías a través de un historicismo más
articulado siglo anterior y siglo anterior al siglo anterior Basari y todos
los que siguieron después entonces, él por primera vez dice bueno voy a
explicar esto de la evolución histórica y del historicismo para hablar de
arte entonces ¿qué hace? se centra en la obra de arte pero no de una
forma como hacen otros porque desplaza el interés es decir, su interés no
es el autor no es el objeto, no es la obra de arte en sí sino el estilo de
hecho hace una historia de los estilos o de la evolución de los estilos
siendo el primer libro de historia del arte como tal porque si atendemos a
la definición más canónica de historia del arte historia de la
evolución de los estilos artísticos a lo largo del tiempo incorpora un
método es historicismo articulado a través del cual hace lo siguiente
descubre que hay un cierto desarrollo racional en el arte y que en su
historia se dan una serie de estilos que no se dan arbitrariamente sino que
existe una ley interna que le hace evolucionar la segunda parte de su
método es que toda la producción artística es hija de su tiempo esto es,
está íntimamente relacionada influenciada por un contexto ya sea
cultural, geográfico social o histórico la tercera cosa que nos aporta es
que realiza un esfuerzo de síntesis para ordenar cronológica y
estilísticamente los diferentes estilos y la cuarta cosa que nos aporta
por lo que es tan trascendental es que divide a los diferentes estilos en
periodos por lo tanto, es la primera historia del arte al estilo más
clásico y al estilo más canónico que tenemos hombre complicado no
revolucionario más bien, porque es el primero que habla de muchas cosas
que antes que él nos hablaron y por primera vez nos habla de estilos,
etcétera que luego otros autores irán mejorando esto, por ejemplo, Riegel
cuando habla de estilo va a decir que los cambios en los estilos se deben a
la Hunswollen que es la voluntad artística pero Winkelmann ya tiene ahí
un clic en su cabecita que dice uy, hay algo aquí interno que hace que la
época arcaica se pase sí es lo que el problema de lo que adolece
Winkelmann que claro, como es una historia muy primitiva del arte incluso
da copias romanas por auténticas copias romanas ya hace Riegel las da por
auténticas o ya está superado y ahí se inician unas cosas que antes no
se hacían y aparte supone el cambio del método biográfico al método,
diríamos histórico o historicista bien, vamos entonces con nos quedan
dos, esta y otra pregunta más explique qué relación hay entre la
psicología de la percepción y el formalismo historiográfico bien,
psicología de la perfección los estudios psicológicos sobre la
percepción visual y la percepción de las obras de arte, vale nacen en
Alemania y luego se desarrollan en una teoría que se llama la teoría de
la Gestalt Wolfing por ejemplo ya se preocupa por estos temas de la
psicología de la percepción pero quienes mejorarán esto van a ser sobre
todo Rudolf Lange con arte y percepción visual Panofsky que va a escribir
también sobre percepción y Gombrich que quizás sea cogiendo un poquito
de todo el que hace algo más ecléctico sobre esto de la percepción pero
sin duda la psicología de la percepción está muy vinculada al formalismo
porque se basa en la percepción de las formas visuales, etcétera yo lo he
redactado de la siguiente forma el análisis de la forma debe atender
también a los mecanismos de percepción visual la psicología de la
percepción y los mecanismos de percepción visual ya fueron tomados en
cuenta por Wolfing el corpus teórico nació en Alemania entre finales del
siglo XIX y mediados del siglo XX por Christian von Hensen y otros
teóricos como Werheimer que darían lugar a la conocida como teoría de la
Gestalt teoría de la forma, teoría de la estructura o teoría de la
configuración se les llama también estas formas se ocupa esta teoría de
la percepción de la forma como un proceso dinámico porque el receptor
toma parte en la captación de la forma de la estructura visual de la
imagen luego también, pues bueno se habla de temas de percepción
histórica etcétera y van hablando de ello los diferentes autores Rudalar,
Hein, Panowski y Gombrich han sido algunos de los autores que han trabajado
el tema de esta percepción visual y de la psicología de la percepción
Sirie Gambheim ha sido el que más lo ha enfocado hacia el formalismo
historiográfico en su obra Arte y percepción visual 1954 hace un estudio
ahistórico es decir, él no se refiere para nada a la historia y trata de
definir los mecanismos y recursos que utiliza el lenguaje artístico para
componer y el espectador para percibir la obra de arte estos temas son
bastante interesantes el que es más formalista respecto a esto, aunque
Wolfling se adelanta un poquito es Arnheim el resto ya van introduciendo
Panowski y Gombrich temas ya más de contenidos etcétera pero Arnheim es
uno de los más puristas en cuanto a formalismo y percepción visual
¿alguna duda? bien, vamos con la última pregunta que es las relaciones
entre estética y crítica de arte bien antes hablamos de tres disciplinas
y ahora hablamos de la relación entre dos ambas sí ambas tienen un objeto
común que es arte pero hay diferencias entre ellas epistemológicas muchas
veces, sobre todo pasa como las otras disciplinas que vimos en el siglo XIX
los límites son bastante difusos y además tienen que común que ambas
disciplinas dan mucha escritura sobre arte son géneros artigráficos se
relacionan entre sí coexisten sobre todo en los siglos XVIII y XIX ya que
las valoraciones críticas están hechas en muchas ocasiones sobre valores
estéticos pero también sobre elementos subjetivos juicios sobre el gusto,
etcétera y ambas, tanto la estética como la crítica pueden utilizarse
para mediar sobre la experiencia artística porque la estética como
estudian lo bello y la belleza nos puede decir que es bello y que no pero
la crítica nos lo dice pero desde el punto de vista personal la crítica
es muy subjetiva porque entra en ella el punto de vista personal y la
estética es teórica y objetiva porque es una disciplina filosófica que
proporciona un soporte de conocimiento un soporte teórico entre la
percepción sensorial y la belleza, es decir qué es la belleza y cómo la
percibimos yo lo he redactado de la siguiente forma la estética y la
crítica de arte se caracterizan por sus diferencias epistemológicas si
bien sus límites son imprecisos crítica y estética son dos géneros
artigráficos es decir, ambos son escrituras sobre arte y se relacionan
entre sí y coexisten con objetivos comunes en los siglos XVIII y XIX las
valoraciones críticas están hechas sobre el análisis de valores
estéticos subjetivos juicios sobre el gusto, etc. ambas pueden utilizarse
para mediar la experiencia artística la crítica sin embargo es subjetiva
la estética es teórica y subjetiva ya que es una disciplina filosófica
que proporciona soporte teórico a la reflexión sobre arte reflexión
teórica sobre percepción sensorial y belleza no sé si la han entendido
alguna duda sobre esto como ven, ambas se va a escribir mucho sobre ellas
vamos a tener literatura estética literatura crítica pero las formas de
conocimiento son diferentes aunque en el fondo hablan de cosas muy
parecidas y durante un momento convergen pero una es subjetiva y otra
subjetiva bien, ¿alguna duda hasta aquí? de todo lo que hemos visto ¿no?
bueno, pues simplemente darle las gracias por la atención y la asistencia
que han sido todos muy fieles durante todo el semestre y bueno, como bien
saben el examen realmente se va a retrasar respecto a lo que hubiera sido
la fecha oficial pero, es decir lo que son las videoconferencias y las
emisiones para ustedes terminarían en el día de hoy pero sin embargo,
como ya les dije al empezar yo voy a estar a su disposición tanto en el
foro como en el correo electrónico y de hecho estos días les dejaré
también otras diez más o menos diez, quince preguntas para repasar y
sobre otros temas que igual nuestras que hemos hecho estos días no nos ha
dado tiempo a tocar para que tengan una variedad de preguntas para
responder y para saber cómo tienen que responderlas lo más amplia posible
entonces, pues lo dicho muchísimas gracias mucha suerte ya saben que estoy
a su disposición tanto en correo como en el foro ¿de acuerdo? gracias y
mucha suerte y cuídense hasta luego