Bueno, pues muy buenas tardes a todos y bienvenidos a una nueva sesión de
este curso de extensión universitaria de Historia del Arte. Como veis
estamos tratando el tema del renacimiento. Prácticamente ya hemos
sobrepasado el Ecuador y ya nos enfilamos hacia esta recta final del curso.
En la anterior sesión veíamos esa arquitectura de Florencia del 480 y
luego el 580 con Roma. En la clase de hoy nos vamos a ceñir prácticamente
a lo que son las artes plásticas, más concretamente a la escultura. Y ya
finalizaremos la próxima semana este tema tan interesante como es el
renacimiento. Esas estatuas romanas y de esos sarcófagos que se
conservaban en esas antiguas iglesias. La escultura del renacimiento supuso
esa recuperación de la llamada antigüedad clásica. Los artistas
encontraban en esos restos que se descubrían en esa arqueología y en esos
yacimientos de aquella época la inspiración para realizar muchas de sus
obras. Como en el mundo heleno, se buscó la representación más
naturalista, el cuerpo humano desnudo, con una técnica muy perfeccionada
gracias a ese estudio de la anatomía humana. Como veíamos en la anterior
clase, con esos tratados de anatomía perfectamente estudiados. Se va a
buscar en la propia naturaleza, pero una naturaleza en la que se va a
reinterpretar. Se va a inspirar en ella con libertad, pero no se va a
imitar, sino que se va a intentar mejorar esa naturaleza. Como veíamos, el
renacimiento italiano abarca dos grandes periodos, pero lo dividimos casi
en tres. El 480 sería el siglo XV. Con su centro de la historia. Con su
centro sería Florencia. El siglo XVI sería el 580, sería el alto
renacimiento con los papas en Roma. Y la segunda mitad ya sería del siglo
XVI y se iniciaría la corriente manierista o también llamado renacimiento
tardío. Como decimos, surge ese renacimiento, como lo hablábamos, bajo el
mecenazgo del amparo de esas grandes poderosas... ...cíplicas familias
burguesas que gobernaban la península itálica, como veíamos en
Florencia, los Medici, los Esforza en Milán y los Montefeltro en Urbino.
Pero vamos a entrar ya de lleno en lo que son las características
generales de esa escultura del 480 italiano. Como decimos, estamos hablando
del siglo XV. Florencia, igual que veíamos en la arquitectura... ...como
Brunelleschi, va a ser el centro artístico también en el mundo de las
artes plásticas, escultóricas. Hay una gran proporcionalidad y armonía.
Como decimos, se busca ese canon clásico. Otra característica de la
escultura es la utilización del llamado contraposto. Ese contraposto, si
os acordáis, la curva praxiteliana es de influencia griega. El
naturalismo, esa inspiración en la naturaleza y el interés por la figura
humana. Se va a utilizar también la perspectiva y el paisaje, sobre todo
cuando hablemos de relieve, bajorrelieves o altorrelieves. Se va a buscar
ese fondo, esa perspectiva. Se va a buscar ese ideal de belleza, también
rebuscando en el mundo clásico. Se estudia y se reproduce la naturaleza.
La naturaleza como fuente de inspiración. Pero, como decíamos, esa
naturaleza reinterpretada. El antropocentrismo, igual que veíamos en la
arquitectura, está presente en todas las obras. Ese estudio exhaustivo y
detallado de los modelos anatómicos del cuerpo humano. Todo, como decimos,
inspirándose en esa cultura plástica. Se recupera, como decimos, ese
tema. Del desnudo clásico, mitológico. Pero no se renuncia a la temática
religiosa cristiana. Las composiciones de este periodo renacentista van a
ser unas composiciones, al principio, muy armoniosas, muy equilibradas. Y
según va avanzando el siglo, ya va aumentando esa expresividad también y
el movimiento. Ahora, en el Renacimiento, la escultura se va... A
independizar, por completo, del marco arquitectónico. Si os acordáis, en
la etapa medieval, en el románico y en el gótico, casi siempre estaba
ceñido al marco arquitectónico. Bien como relieves, altorrelieves... Pero
ahora es cuando alcanza su máximo esplendor. La escultura es exenta y se
concibe para ser vista en público o en privado. Es una escultura exenta
para verla desde distintos puntos de vista. Eso es un dato muy importante
en el Renacimiento. Los materiales que se van a utilizar en el
Renacimiento, desde el 480 al 580, pues van a ser muy variados y muy
diversos. El predilecto va a ser el mármol. El mármol blanco, el mármol
de Carrara. También se utiliza el barro, la terracota, el barro cocidro y
vidriado. También hay alguna talla en madera que se puede o no policromar.
Y sobre todo también la talla en bronce. Y la utilización de la cera
perdida. Como tipologías de la escultura, pues también van a ser de lo
más variado. Desde relieves, medios bajos y altorrelieves, estatuas, que
pueden ser retratos, bustos, tondos... Una gran variedad de tipología
escultórica. La temática, como decíamos, también es muy variada.
Reaparecen. Temas mitológicos y el retrato, debido a esos descubrimientos
de esos yacimientos arqueológicos del mundo clásico. Por eso se reaviva
la mitología y ese retrato que venía de tradición también del mundo
romano. Pero como decimos, sin abandonar esa temática religiosa cristiana
medieval que se adapta muy bien en este Renacimiento, en este primer
Renacimiento italiano. Las técnicas empleadas para realizar estas
esculturas, pues también son muy diversas. Desde la talla directa, sobre
la misma pieza de mármol o la piedra, o por el traspaso de puntos. Se hace
un modelado en arcilla y se van pasando esos puntos a la talla. También se
utiliza, como decimos, el fundido. Sobre todo va a ser el bronce, el más
importante a la cera perdida. El modelado, el cincelado, como decimos. Hay
mucha variedad, mucha técnica en esta nueva época conocida como el
Cuatrochinto. Bueno, y vamos a ir viendo cada uno de los escultores más
representativos de este periodo. Destacando como casi el iniciador, uno de
ellos va a ser Lorenzo Ghiberti. Lo tenemos ahí en la imagen, ahí en la
izquierda, en esa representación, en esa talla de las puertas del
Batisterio, de las puertas del Paraíso. Lorenzo Ghiberti, que veremos
luego más adelante. Como decimos, va a ser escultor, va a ser orfebre. La
fecha, como veis ahí, 1378-1455. Como decimos, es uno de los escultores
más relevantes y más importantes, como decimos, de este inicio del
Renacimiento florentino. Sus esculturas se detallan por la perfección, por
la técnica y por esa claridad clásica. Logra un gran efecto de
profundidad con sus paisajes, con sus relieves, como decimos, en esas
famosas puertas del Batisterio de la Catedral de Florencia. Tiene una gran
preocupación por la perspectiva que está presente en toda su obra. Las
obras, como decimos, más importantes van a ser esos relieves en bronces,
que son las dos puertas del Batisterio de la Catedral de Florencia. Como
decimos, se hizo... Se hizo un concurso para realizar estas segundas
puertas del Batisterio de Florencia. Y los candidatos que debían
presentarse, debían realizar un modelo sobre el sacrificio de Isa.
Participan varios artistas de la época, como Giacomo della Porta,
Brunelleschi o el propio Giverti. Al final quedan como finalista
Brunelleschi y Giverti. Como decimos, ese jurado está formado por grandes
artistas florentinos del momento. Y debían decidir qué modelo era el más
acertado para realizar esas segundas puertas del Batisterio. Como decimos,
esos dos finalistas quedaron Giverti y Brunelleschi. Ambos presentaron su
modelo, pero había grandes diferencias entre estos dos magníficos
escultores. Como decimos, Brunelleschi traía una tradición también del
febre. Y luego iba a ser el gran creador de la cúpula de Santa María de
Fiori. Como decimos, el concurso de 1401 en el que compiten con la
representación de esa escena, el sacrificio de Isaac, que lo podemos ver
ahora mismo en pantalla. Ahí vemos a la izquierda la obra con la que
compitió Brunelleschi y a la derecha la obra con la que ganó Lorenzo
Giverti. Ambos relieves son presentados por ambos autores. La
composición... La composición que vemos de la escena de Giverti es una
diagonal marcada por un paisaje que permite ajustarse mejor a ese marco,
como veis, cuatrilobular. Tiene sus cuatro lóbulos en las esquinas. La
escena de Giverti es una escena más serena, más reposada que la de
Brunelleschi, sin merecer la otra obra, por supuesto. Como decimos, es el
vencedor Lorenzo Giverti. Se le va a encargar esa conocida como segunda
puerta del batisterio. Gana el concurso y trabajó durante largos 20 años.
Fijaros que las puertas no son colocadas hasta el año 1421. Como podéis
ver ahí en la diapositiva, perfectamente esta segunda puerta. Estaban
marcadas perfectamente esas escenas en esas formas... En esas formas
cuatrilobuladas, por lo que se debían de ceñir muy bien los relieves a
esta forma. Como decimos, cada hoja de esta puerta contiene 14 escenas
relativas a la vida de Cristo. Las puertas pues fueron muy admiradas en el
momento, en la época, fijaros, en 1421 cuando se colocaron, pues lograron
admiración y mucho más iban a ser las que se le encargarían
posteriormente. Las puertas del Paraíso. Pero en su momento, en el momento
de la colocación, fueron muy admiradas pues por esas novedades ya que
presentaban como era ya ese interés por la profundidad, esa perspectiva
con ese paisaje y esa búsqueda de la volumetría clásica en las figuras.
Como vamos a ver alguna de estas escenas más adelante. Bueno, pues ahí
tenemos una de ellas, como decimos, son 14 en cada puerta. En total
serían... serían 28 escenas relativas a la vida de Cristo. Ahí podemos
ver el tema del bautismo, San Juan Bautista, cómo se logra ese efecto
también de profundidad. Si os fijáis están metidos en el agua, ese fondo
también paisajístico y es el momento del bautismo sobre la cabeza el
Espíritu Santo. Como decimos, están realizadas estas puertas enteramente
en bronce. Son conocidas como las puertas norte del Batisterio de
Florencia, como vemos con 28 escenas dedicadas a la vida de Cristo. Podemos
ver en ellas pues esa gran profundidad, esa volumetría muy clásica
perfectamente conseguida por Giverti y como decimos su contemplación en
sí es un deleite para la vista del espectador. Ahí podemos ver alguna
escena, como decimos, no la vamos a ver todas, como son 28 escenas, por
destacar pues alguno de esos cuadrilóbulos. Como decimos las escenas se
ciñen a ese marco un tanto complicado también. Ahí podemos ver a la
izquierda la expulsión de los mercaderes del templo. Vemos cómo se
arremolinan esos mercaderes, se asocian al acto de expulsión. Y cómo se
logra esa perspectiva, con un fondo arquitectónico como podéis comprobar
al fondo, esa arquería de medio punto, nos logra esa perspectiva
arquitectónica. A la derecha tenemos otro tema, Jesús caminando sobre las
aguas. Como decimos estos relieves están hechos todos en bronce. Por ver
pues algún ejemplo más, una escena más sobre la vida de Cristo. Ahí
tenemos en la siguiente diapositiva a la izquierda sería esa entrada
triunfal de Jesús en Jerusalén a lomos de la borriquilla. Fijaros, como
siempre, es muy recurrente en estos relieves de Lorenzo Ghiberti el tema
del paisaje al fondo, como podemos ver, un árbol, una arquitectura. Está
trabajado todo con gradación, como lo veremos luego más tarde, lo
perfecciona esa técnica que es la técnica del esquiasiato. Es decir, se
va de más a menos para lograr esa volumetría. ¿No? Esa perspectiva a la
derecha, pues otro tema clásico referente a la vida de Cristo sobre la
pasión es el momento pues de la flagelación de Cristo. Como decíamos, el
jurado quedó tan complacido con este trabajo espectacular de Ghiberti que
le encargaron sin producir ningún concurso más ya la realización de la
puerta más importante que era la que daba a la portada de Jesús. De la
catedral de Florencia, iba a ser la puerta del paraíso. Ahí podemos ver
perfectamente esos 14 casetones con sus relieves en cada una de las hojas
de la puerta. Ahí tenemos la puerta del paraíso. Como decimos, es un
encargo que ya directamente se le encargó directamente a Ghiberti sin
ningún tipo de... de concurso, ¿no? Es la tercera puerta de bronce de
este batisterio de Florencia. Como decimos, esta va a ser la obra más
importante de este escultor florentino. Perdonad un momento, veo que en el
chat hay gente que me dice que no se ve bien la imagen. ¿Me podéis
confirmarlo por el chat si se ha quedado... la diapositiva? La diapositiva
parada. Emilio, se ve bien, ¿eh? Es que veo en el chat ahí, pone no se
ve, no se ve, no pasa la imagen, digo a lo mejor se ha quedado pillada
alguna imagen. ¿En qué diapositiva estás tú ahora mismo? Estoy en la
puerta del paraíso, lo que sería la tercera puerta. Sí, está bien,
¿eh? Ah, bueno, pues vale. Igual es problema de su conexión o alguna
cosa, ya te digo, porque yo con la conexión que tengo y veo estoy viendo
ahora mismo bien las diapositivas. Vale, vale, perfecto. Digo, no sé que
hubiera habido algún problema técnico. Gracias. Nada, es tranquilo. Como
vimos, es la tercera puerta, se encarga Givertis sin ningún tipo de
concurso y va a ser la obra más importante que va a catapultar a este
artista, ¿no? Es la obra por excelencia. Muestra esa evolución
naturalista del movimiento, de las figuras, del volumen y una perspectiva
pues muy lograda, muy conseguida. Esa llamada perspectiva pictórica. Sí,
es una obra que se replica a través de ese decreciente. Si os fijáis
desde la parte superior de las puertas a la parte inferior hay una
graduación decreciente de alto relieve, medio relieve y bajo relieve en la
parte inferior. Como decimos, la obra más importante de Givertis va a ser
la puerta del paraíso. Estamos hablando ya de mediados del siglo XV. Es
una obra maestra de la escultura renacentista. Que cuando la vio Miguel
Ángel, su contemporáneo le apeló a nombre de la puerta del paraíso por
su belleza y por la perfección técnica que estaba contemplando Miguel
Ángel. Como decimos, Lorenzo Givertis invirtió también otros 25 años
para la realización. Tuvo discípulos que también trabajaron en ella como
pudo ser Donatello o hasta el propio hijo de Lorenzo Givertis. Bueno, pues
por ir viendo algunas de sus obras. Uno de esos paneles, de esos relieves
en bronce también. La puerta del paraíso, la más afamada de Givertis.
Como decimos, esto modeló en forma cuadrangular como si fueran casetones.
Aquí vemos que simplemente son cinco escenas por cada una. Son diez
relieves en total. Las puertas se leen siempre de arriba abajo y de
izquierda a derecha. Es decir, se empezaría a leer por la parte superior.
Como vemos ahí, está marcado ese primer relieve que es el tema de la
creación de Adán y Eva. Es muy importante porque vamos a ver luego en la
cita diapositiva esa perspectiva muy lograda con el paisaje. Como decimos,
este primer relieve de ese primer casetón a la izquierda de la parte
superior. El tema de la creación de Adán y Eva. Y si os fijáis más a la
derecha, aparece ya el tema de la expulsión del paraíso. Aparece el
ángel y sus cabezas expulsando a Adán y Eva. Y en la parte inferior vemos
el tema de la creación. Como decimos, en bronce ahí vemos uno de los
detalles en esa especie de tondo. El detalle de la cabeza. La cabeza de
Ghiberti. Es un autorretrato del propio autor que estaba tallando estas
puertas. Aparece también en un tondo su hijo. Este autorretrato nos
demuestra a un Lorenzo Ghiberti ya de un hombre maduro. Aparece, como
decimos, justo al lado también la representación de su hijo. Que
también, como decimos, al igual que Donatello, le ayudó a realizar estas
puertas durante su vida. Es más de veinte años. Como decimos, tampoco
vamos a ir viendo escena por escena. Como decimos, son diez escenas. Ahí
vemos la historia de Esaú y Jacob. Es un tema del Antiguo Testamento. En
donde se aprecia también esa gradación del relieve perfectamente muy
lograda. De más a menos. Fijaros las figuras del primer plano como tienen
mucho más volumen. Y se consigue esa perspectiva pictórica siempre con
las arquitecturas. Las arquitecturas clásicas como podemos ver ahí al
fondo. Esas arquerías como arcos trunfales, arcos de medio punto. Para
conseguir ese efecto de profundidad. En cada una de sus hojas, de esas
hojas de las puertas, se representan cinco escenas. Cinco en cada una de
las puertas. Con escenas del Antiguo Testamento. Y son, como vemos, pasajes
que están desarrollados de forma narrativa. A modo de historia. Como los
relieves romanos. Como si se tratara de una escenografía. Lo que os
hablaba, esa técnica del Esquiasiato. Que va de más a menos esa
graduación. Se aprecia en este relieve desde abajo arriba. Como la parte
superior tiene mucho más volumen que la parte inferior. Se va degradando
ese volumen del primer plano hacia el interior. Fijaros que maravilla. Como
decimos, estas puertas del paraíso. La obra más importante como decimos
de Lorenzo Giverti. Bueno y dejamos al primero de los escultores del 480.
Florentino. Y vamos a empezar con Donatello. Donatello también junto con
Giverti van a ser casi los estandartes de este periodo del 480. 1386. 1466.
Ahí tenemos una representación en una talla de Donatello. Llamado Donato
Vinicolo. Era su verdadero nombre, Donato Vinicolo. Se le ha considerado en
sí también como el escultor más representativo del 480. Sus obras
ahondan mucho en ese pasado clásico. Sobre todo Eleno y Romero. Tiene una
gran expresividad que viene ligada también a esa escultura gótica que
había pasado recientemente. Representa muy bien también los estados de
ánimo. Desde la vida infantil a la actitud. No se detuvo ni ante lo feo,
ni ante lo macabro. Realizó obras de todo tipo, de todo género. Y
utilizó también las técnicas más variadas. Como puede ser el bronce, la
madera e inclusive el mármol. Como decimos, trabajó con Lorenzo Giverti.
Lo tuvo un maestro. Fue su profesor. Y como protector de su obra fue Cosme
de Medici. Bueno, como obra temprana y casi de las primeras conocidas es el
David en mármol. Luego veremos el David en bronce. Que es la obra más
conocida de Donatello. Pero fue anteriormente cuando realizó este David en
mármol. Hacia 1408. Como primera obra documentada de Donatello. La
realizó para la Catedral de Florencia. Está hecho en mármol. Algo más
grande, casi a tamaño real. Un metro y noventa y uno. Vemos ya
perfectamente una escultura clásica. Esas paredes. El rostro. Ese
contraposto. Como se trabaja con dulzura. Y como se estudia también esa
anatomía de los cuerpos. De esta primera etapa de Donatello. Esos encargos
que hacían para los gremios. De aquella pujante sociedad florentina. Para
la iglesia de Orsa Miquel en Florencia. Se le encargaron. A varios gremios.
Como el de los hiladores. Que realizó la talla de San Marcos. Que lo vemos
ahí a la izquierda. La escultura de San Marcos en mármol. Y para el
gremio de fabricantes de armaduras. Para los armeros. Realizó el famoso
San Jorge. Que lo vemos ahí a la derecha. Hoy en día. Si vamos a esos
nichos de Orsa Miquel. Lo que veremos son réplicas. Los originales. En los
museos. Sobre todo el Museo Barguelo. Ahí tenemos el San Jorge. Original
en mármol. Como decimos. Fechado en esa etapa temprana de Donatello. Hacia
1415. Posee un gran equilibrio. Un gran ideal clásico. Fijaros. Esa
monumentalidad también. Ese volumen perfectamente conseguido. Una perfecta
armonía. Todo se proporciona con esa verticalidad. Sobre todo con esa
cruz. En el escudo. Un equilibrio perfectamente logrado. En esta talla en
mármol. De San Jorge. Como decimos. Encargado para ese nicho. De Orsa
Miquel. Por el gremio de armeros. Iba colocada en ese nicho. Como decimos.
Hoy en día hay una réplica. Que está realizada en bronce. Más adelante
ahí la tenemos. Esa es la réplica. En bronce. En la hornacina. Donde se
situaba la anterior. Estatua de San Jorge. En mármol. Si queremos
contemplarla. Hay que ir al Museo Barguelo de Florencia. San Jorge como
hemos visto. Está perfectamente estudiada. Es anatomía. Está como un
joven. Con esa armadura. Y con ese escudo. Con esa cruz. Perfectamente que
marca. Su estilo. Hace un ligero. Giro en la cabeza. Veis que está
ligeramente girada. Y vemos un rostro muy sereno. Es la etapa como decimos.
Más clásica de Donatello. De esta primera etapa. También se le hacen
varios encargos. Igual que para Orsa Miquel. Se le encargan. Varios
profetas. Para el campanile. De la Catedral de Florencia. Ese campanile que
había realizado. Giotto. Tenía más de 80 metros de altura. Pues para esa
hornacina se le habían encargado. Diversos profetas. Que se le encargan a
Donatello. Como decimos para esos nichos. Son estatuas. De casi 2 metros.
Es decir un poco más grandes. De lo habitual. Fijaros que son. Para hacer
vistas desde abajo. Para tener otro punto de vista. Otra perspectiva. Ahí
en la imagen tenemos. Ese conocido como profeta del rollo. No se le ha
podido muy bien identificar. Como despliega ese rollo. Pero vemos ese
estudio anatómico. Fijaros los huesos. Las venas de la mano. El
tratamiento de los pliegues. Son rostros ya cada vez más realistas. Son
muy naturalistas. De esas estatuas. Que se le encargaron. Para el
campanile. De la Catedral de Florencia. Destaca. La del profeta Bauc.
Fechada hacia 1425. Su profeta Bauc. Llamado Il Succone. Succone quiere
decir. El calabaza que viene a ser dado. Por la forma que tiene. En la
cabeza. Esa calvicie. Y esa forma también. En forma de calabaza. Se
decanta aquí por. Un gran realismo. En el rostro luego lo vamos a ver. Muy
acentuado. Más que por el idealismo. Hay también un cierto contrapuesto.
Fijaros como. Apoya esa mano. En el muslo. Hace un pequeño escorzo.
Aparece con una capa larga. Este profeta Bauc. Pliegues. Son muy
andulantes. Pliegues de la tunica como caen. Son unos pliegues. Muy duros.
Luego lo vamos a ver. En la siguiente diapositiva. Ahí vemos. Ese rostro
del profeta Bauc. Se le representa ya. Como un anciano. Muy delgado. Muy
decrépito. Calvo con una extrema delgadez. Con la boca. Y los ojos
hundidos. Muy abiertos. Para darle un mayor realismo a la talla. De esta
época. Se le hacen varios encargos. Para Florencia. Para la capital. Como
esa cantoría. En mármol. Para la catedral de Florencia. Fechada hacia
1433. La otra cantoría. Que realiza. En la misma catedral de Florencia. Va
a ser Luca della Robbia. Va a haber dos cantorías. Que se realizan para la
catedral. La primera. Es esta que vemos en imagen. Que se le encarga a
Donatello. Está realizada. En mármol. Y va a ir esta cantoría. Para la
zona del crucero de la catedral. De Florencia. Es como veis una estructura
alargada. A modo de balcones. Y la decoración. Que es lo que nos interesa.
Aparece como si recordáis. Los sarcófagos romanos. Los relieves. Aparecen
esos angelotes. Esos putis. Ángeles cantores también. Ángeles danzando
con un gran movimiento. Que contrarresta. Con el equilibrio y la armonía.
Que dan las columnas. Donatello como dice ahí. Había viajado a Roma. Y
había visto esos relieves romanos. Que seguramente le inspiraron. En esta
cantoría en mármol. Este púlpito lleno de putis. Y amorcillos. Aludiendo
a la música. Y a la danza. Ahí lo vemos perfectamente. En la siguiente
diapositiva. Vemos más de cerca. Ese frontal. De la cantoría de
Donatello. Para la sacristía. De la catedral de Florencia. Aunque en un
principio. Iba a ir para la zona del crucero. Como os decía. Recuerda sus
juicios romanos. Y ese movimiento muy agitado. De las figuras. Como si
fueran en diagonales. En aspas. Que contrasta mucho con esa armonía. De
esas columnas clásicas. Como decimos está todo realizado. En mármol.
Pero la obra más importante. Por la que se conoce a Donatello. Igual que
decíamos. Las puertas del paraíso. Para Giverti. Lo iba a ser el David en
bronce. Para Donatello. Habíamos visto el primer David. Para la catedral
de Florencia. En mármol. Pero la fama le viene dada por este David. Esta
escultura en bronce. Que es un poco más pequeñita. De tamaño natural.
Fijaros que es de 1,58. Donde podemos apreciar. Un perfecto estudio
anatómico. Es una anatomía. De una carne como veis. Muy blanda. Es un
bronce que está pulido. Tiene una pátina. Está tratado con una gran
belleza. Con un naturalismo ideal. Y fijaros también. En la postura. Que
toma el David. Venciendo al gigante Goliath. Con una pierna. Apoya sobre la
cabeza del gigante. Es el canon clásico. Ese canon de contrapuesto. Si
queremos ver. La talla. En bronce original. Tenemos que ir al Museo
Barguelo. De Florencia. Se fecha aproximadamente. Hacia 1440. Como decimos.
Bronce. Perdida por encargo. De Cosme de Medici. Era la familia más
poderosa. En el momento que había. En Florencia. Cosme de Medici iba a
ser. También protector de Donatello. Tiene un aire clásico. Totalmente.
Con ese canon. Esa desnudez. La anatomía perfectamente. La curva ese
contrapuesto. La curva praxiteliana. Perfectamente como podemos observar en
la imagen. Por eso que aunque se tratara. De un tema bíblico. Aparece como
un joven. Como un adolescente. Pues frágil. Y reconocemos inmediatamente.
A esos héroes de la antigüedad. Clásica. Fijaros que el David. En bronce
de Donatello. El primer desnudo. Masculino del renacimiento. Habían pasado
muchos años. Desde la antigüedad. Para poder ver de nuevo. Un desnudo.
Ese suave modelado. Esa dulce expresión en el rostro. De juventud. Va
adornado con ese sombrero. De paja típico florentino. Y adornado también.
Con esas hojas de amarantos. Que son típicos. De la zona de Toscana. A
esos laureles. De victoria griegos. La escultura también. Representa un
tema político. Es la representación. De la victoria también. De
Florencia. Sobre Milán. Esa figura de David. Ese joven. En esa figura de
contrapuesto. Aparece como un vencedor. Y en la parte inferior. Pisando con
el pie. La cabeza del gigante Goliath. Aparece con ese casco. Con el yelmo.
Ese aspecto más rudo. Esas barbas. Está trabajado hasta el casco.
También con relieves. Con una delicadeza. Que contrasta mucho. La rudeza
del gigante. Con la figura principal. Esculturas en bronce. Donatello
realizó muchas más. Pero por destacar. Importantes. El condottiero.
Gattamelata. Esta escultura en bronce fundido. Que realizó. En la ciudad
de Padua. Hacia 1445. Los condottieros. De la época. Eran esos mercenarios
guerreros. Que luchaban al servicio. De estas ciudades. Estado italianas.
Incluso servían a distintas ciudades. Era una especie. De mercenarios. De
guerreros. El condottiero Gattamelata. Es el condottiero Erasmo de Narni.
Como vamos a ver. Más adelante. Se sitúa en esa plaza. En Padua. Es una
estatua ecuestre. La primera estatua ecuestre. También como veíamos.
Igual que era el primer desnudo. En el renacimiento. También esta de
Donatello. Va a ser la primera estatua ecuestre. Del renacimiento. Está
realizada como decimos. En bronce fundido. Y se inspira claramente. En la
de Marco Aurelio de Roma. Actualmente. En la plaza del Capitolio. Pues se
inspira en esa. Si tenéis en la imagen. Esa estatua ecuestre de Marco
Aurelio. Es en la que se inspira Donatello. Aparece el condottiero.
Bostando el caballo. Con esas riendas. El rostro de mando. Es una
composición muy cerrada. El equilibrio lo consigue. Apoyando la pata del
caballo. Sobre la bola. Rostro que veremos del condottiero. Erasmo Verani.
Rostro muy sereno. Ahí lo tenemos en la siguiente diapositiva. El rostro
sereno. Del condottiero. Buscando pues. Esa armonía. Sujeta esas riendas.
El rostro del caballo. Girando levemente en la cabeza. Para darle esa
sensación un poco de movimiento. Como decimos. En la ciudad de Padua. Este
condottiero. Que fue también dictador de esta ciudad de Padua.
Representado como un guerrero. A caballo. Como decimos. En bronce fundido.
Y ya de la etapa final. De Donatello. Por decir. Máximo casi exponente del
480. Hay que destacar. Una obra pues excepcional. Como es la magdalena
penitente. Podemos observarla en el museo. La ópera del domo en Florencia.
Porque es una talla. En madera. Como decíamos. Se tratan diversos
materiales. Se han encontrado también algo de restos de policromía. Es de
la etapa final ya. De este escultor del 480. Florentino. Y curioso y
característico. Por el dramatismo. Extremo con el que trata la figura.
Fijaros en el canon. A la izquierda que es un canon. También mucho más
alargado. Mucho más estilizado. Pero nos interesa sobre todo. Ese
dramatismo conseguido en el rostro. Con esos ojos hundidos. Esas texturas
también ásperas. Y de nuevo. Ese contraposto que nunca abandonará. La
obra de Donatello. Es una obra ya. Como si se anunciara ya. Casi hasta el
manierismo o el barroco. Es de la etapa ya final. De Donatello. Vamos a
seguir viendo escultores. De este primer periodo del 480. Números también
importantes. Porque trabajaron también. Como decimos en otras obras. Como
Luca della Robbia. Se especializaron. La familia della Robbia. Precisamente
el trabajo en barro. Barro vidriado. La llamada terracotta. Y curioso
siempre. Por esos tonos azulados. Esos tonos lapislazuli. Que si os
recordáis. El hospital de los inocentes. Lo habíamos visto. Pero Luca
della Robbia. También se le realizan. Otros encargos. Habíamos visto. Que
una cantoría. Se la había encargado. A Donatello. Y la otra cantoría. Se
la encarga a Luca. Luca della Robbia. Fechada hacia 1435. Está realizada
también en mármol. Hoy en día si queremos verla. Hay que ir al Museo de
la Opera del Domo. De Florence. Fijaros que las escenas. Están más
ceñidas al marco arquitectónico. Dan más sensación. De clasicismo.
Mucho más clásica. Que la de Donatello. Que tenía mucho más movimiento.
Más diagonales. Intenta representar también. A esos niños. Con
instrumentos. Intentándole dar un poco de movimiento. A la escena. Se
distinguen distintos gestos. Distintas actitudes. La otra cantoría.
También realizada en mármol. Obra de Luca della Robbia. Ahí vemos. En la
siguiente diapositiva. Con mucho más detalle. Esos niños cantores.
Ángeles cantores. Y esos niños músicos. Como aparece en la escena de la
derecha. En actitud de baile. Tocando instrumentos. Para darle un poco más
de sensación. De movimiento a la escena. Pero como decimos. Luca della
Robbia. Se le conocieron por esas figuras. Barros maltados. Esos tondos. La
decoración. De la famosa cúpula. La de la capilla Pazzi. De Florencia. Es
obra de Luca della Robbia. Ahí podemos verla. Con el escudo de las Pazzi
también. Y también. De la misma familia de la Robbia. El que seguirá la
saga de Luca. Es su sobrino. Andrea della Robbia. Realizó en el año 1490.
Los famosos tondos. Esos círculos. En terracota. Para el hospital de los
inocentes. En la clase anterior. El hospital de los inocentes de
Brunelleschi. Decorado en las jutas de sus arcos. Con estos tondos. De
Andrea della Robbia. Bueno y ya por destacar. El último. De los
escultores. 480. Vamos a hablar de Andrea Verrocchio. Fechado 1435-1488. Es
discípulo de Donatello. Va a trabajar con él. De Andrea Verrocchio. Va a
tratar también de nuevo. El tema del David. Fijaros ir viendo la
evolución del David. Hasta que veamos el de Miguel Ángel. Hemos visto
distinto. Este David de Andrea Verrocchio. Es en bronce. Es un modelo pues
también. Mucho más estilizado. Que el de Donatello. Y una posición pues.
Un tanto más amanerada también. Famosas de Andrea Verrocchio. Va a ser
sobre todo. La estatua a caballo. En bronce del Condottiero Colleone. Y en
la talla de. La duda de Santo Tomás. Para Orsamite. Como decimos de nuevo.
El tema del David. Metiendo al gigante Colliath. Aquí lo trata Verrocchio.
Vemos a la izquierda. Una comparativa. De la talla del David. De Verrocchio
con el de Donatello. Para que os fijéis. Se repita de su maestro. En la
postura de contraposto. Esa sensación de. De ese David victorioso. Que ha
vencido al gigante Colliath. Apoyando ese brazo izquierdo en la cadera. Que
se repite. En los dos David. Pero resulta un tandem. Como os decía yo.
Más femenino. Más desproporcionado. Sobre todo en la cabeza. En el
cuerpo. Es menos detallista. Que la que veíamos de Donatello. Ahí vemos.
Este David de Verrocchio. Que la representación es la misma. Acaba de
cortar. La cabeza al gigante Colliath victorioso. Esa cabeza. Que aparece a
sus pies. Hacemos una postura. Contraposto. Pero un poco más
desproporcionado. Que el de Donatello. Importante sobre todo. La estatua
ecuestre. Del condottiero Coleoni. Esta estatua ecuestre. De Coleoni. Está
en Venecia. Fechada hacia 1481. Decimos. Realizada en bronce a la acera
perdida. Donde Verrocchio. Consigue una gran fuerza. Tanto en el movimiento
del caballo. Como en el rostro. Del condottiero. No tiene nada que ver. Con
el gata melata. Que veíamos anteriormente. Aunque realmente se inspira. En
la obra de Donatello. La estatua ecuestre del gata melata. Aquí vemos en
Verrocchio. Como le imprime. A este condottiero. Un mayor movimiento al
caballo. Levantando esa pata. Para dar esa sensación. Obsérvese también
a la derecha. Ese rostro del condottiero. Coleoni. Con una expresión. Con
el ceño fruncido. Un tanto de arrogancia. Esos guerreros. Mercenarios. Y
por destacar. Una tercera obra. De este escultor. También magnifico del
480. Como es Verrocchio. La duda o la incredulidad. De Santo Tomás. Es una
escultura también. Realizada en bronce. Para la fachada de Orsa Miquel.
Como veíamos el San Jorge. De Donatello. Y San Marcos también. Para Orsa
Miquel. También se le encargó. Por el gremio de mercaderes a Verrocchio.
Aquí como decimos. El trabajador Donatello. Lo que pasa es que estas dos
figuras. Parece que se salen de ese marco arquitectónico. Hay como una
especie de escorzo. Y presta sobre todo. Gran atención a la volumetría. Y
la volumetría de las ropas. Fijaros en la cantidad. De pliegues.
Acartonados de las vestiduras. Bueno y vamos a ver ya. La parte final del
tema. Viendo la escultura del 580. Que correspondería. Con el siglo XVI.
Como máximo. Exponente del 580. Como sabemos. Vamos a ver la obra de
Miguel Ángel Buonarruti. El 580. Es el llamado. Pleno de renacimiento. Se
desarrolló. En el siglo XVI. Con características diferenciadas. Como
decimos. Hay dos mitades. La primera mitad es la más clásica. Y la
segunda mitad del XVI. Es la que llamamos la etapa manierista. Luego lo
veremos también. En las siguientes clases. Supuso el triunfo. De todas
esas experiencias. Que se habían vivido en el 480. Una de las
características principales. De esta etapa clásica. Es la grandiosidad.
La monumentalidad. Teniendo siempre en cuenta. La aparición, ese hallazgo.
De el laoconte. Y sus hijos. Esta escultura clásica. Helénica. Que fue
descubierta en el año 1506. Como decimos el laoconte. Va a marcar mucho a
Miguel Ángel. Mientras los artistas del 480. Crearon como sabemos. Una
referencia en el 580. Como ya sabemos. Cambia a la capital romana. Y sobre
todo bajo el protectorado. De los papas roma. Va a ser ahora el centro
artístico. De este nuevo siglo XVI. Y como decimos. Como máximo exponente
del 580. Tenemos al genio. A Miguel Ángel Bonarroti. 1475-1564 Fijaros que
tuvo una larga vida. A los 40 años. Él siempre se consideró. Ante todo
escultor. Aunque fue también célebre pintor. Llegando a ser un genio. Su
vida oscila entre su Florencia natal. Y los encargos en Roma. Por los
papas. Sus primeras órbitas. Tienen esos destellos. De Donatello. Pero
posee un extraordinario conocimiento. Del desnudo Miguel Ángel. Que lo
plasma. Con esa belleza. Neoplatónica. Representa muy bien. Tanto lo
físico. Como lo psicológico. Esa famosa y conocida. La terribilidad de
Miguel Ángel. Es esa captación. De la ira, de la furia. Esa captación
psicológica de los personajes. Importante. Va a ser esa monumentalidad.
Ese tamaño. Que van a adquirir sus figuras. Con esas anatomías.
Perfectamente estudiadas. Composiciones muy logradas. Y otro dato muy
importante. Es ese movimiento. No es el clásico 480. O el 580 con Miguel
Ángel. Ya va a aparecer ese movimiento. Que nos adelanta el manierismo.
Solo. Va a preferir el mármol. El mármol blanco. Sobre todo en la zona de
Carrara. La obra de Miguel Ángel. Refleja. Una compleja vida interior que
tuvo. Y en ella refleja. Los distintos estados de ánimo. Que sufría el
genio. En cada momento. Ese dramatismo domina su obra. Escultórica y
pictórica. Aportó esas soluciones originales. Al movimiento. Y a
distintas composiciones. Dando esos ritmos nuevos. Tiene una gran capacidad
creativa. Y esculpe bloques. De gran tamaño de mármol. De una sola pieza.
La vida de Miguel Ángel. Muy larga y azarosa. Se divide en muchas etapas.
De esta primera etapa. Temprana. Muy juvenil. Es la virgen de la escalera.
Este relieve. Que veis ahí en la diapositiva. Es un relieve en mármol. De
unos centímetros. Es una obra temprana. De Miguel Ángel. Que se guarda en
la casa de Buonarroti. En Florencia. En la etapa de la virgen de la
escalera. El relieve también de las lapitas. Y los centauros. Aquí
podemos ver ese relieve. Con esquiasiato. Lo que hablábamos. Esa
graduación. Desde el principio hacia el fondo. Esa graduación. De más a
menos. Esta virgen de la escalera. Este relieve en mármol. Como una obra
temprana. Con 15 años. Como decimos. Ya tiene obra relevante. Y con tan
sólo 20 años. En Roma. Recibe el encargo de un cardenal francés. El
culto escultórico. De la famosa. Pieta del Vaticano. Fijaros que Miguel
Ángel. Seguirá esculpiendo. Hasta pasados los 80 años. Y lo que más le
va a marcar a Miguel Ángel. Es el descubrimiento. El yacimiento. Del
laoconte helenístico. La obra le va a quedar marcada. Para el resto de su
vida. Su obra como decimos. A partir del descubrimiento del laoconte.
Cambió para siempre. Como os decía. Con 20 años. Se le encarga al
francés. La pietad. Del Vaticano. Es un grupo escultórico. En mármol. El
tema de la piedad. La Virgen con Cristo muerto en brazos. Que se repetirá.
A lo largo de su vida. Con distintas piedades. Es una composición.
Piramidal. Esta que vemos del Vaticano. Con una Virgen. Muy juvenil. Que se
la vea un poco. Y tiene en el regazo a Cristo muerto. Es un mármol de
Carrara. Perfectamente pulido. Como podemos apreciar. En la piel. En los
rostros. Muy suave. Y aparece muy rugoso. En la zona de los pliegues. Esos
pliegues que. Contrastan. Con esos claroscuros. Esta pietad del Vaticano.
Echada hacia 1495. Como os decía. Esa composición piramidal. Que termina
en la cumbre. En la cabeza de la Virgen María. Tiene un rostro muy dulce.
Muy sereno. Ese rostro neoplatónico. Al igual que el de su propio hijo.
Que parece que no está sufriendo. Es un tratamiento anatómico perfecto.
Ya que se había culminado. Con el 480. Y como decimos. El material es el
mármol blanco de Carrara. Incluso utiliza la técnica. Del paño mojado
clásico. Ahí podemos ver. En la siguiente diapositiva. Perfectamente los
dos rostros. A la izquierda. Un rostro de Cristo yacente. Que parece que
está dormido. Un rostro juvenil. Que no sufre. No es dramático. Y ese
aspecto juvenil. Casi de niña. Acentuando esa virginidad. De la Virgen.
Como decimos. Mármol blanco de Carrara. Fijaros. Esa composición
piramidal. Ese perfecto equilibrio. Esa monumentalidad. Con esos
volúmenes. Con ese refinamiento en los rostros. Ese juego de claroscuros.
Con los paños. Es una espléndida obra. Y como sabemos. Como anecdótico.
En el año 1972. Ese desequilibrado. Que se abalanzó sobre la piedad. Y
con un martillo. Que provocó esos grandes desperfectos. En la parte del
brazo. Y la cara. Con los golpes. Y por desgracia. Tuvo una restauración
excepcional. Ahí en la siguiente diapositiva. Podemos apreciar. En cada
una de esas fotos. Los distintos detalles. Ese rostro de esa Virgen.
Sereno. Contenido muy delicado. Esas formas blandas. En la anatomía.
Modelado muy suave. Muy refinado. Fijaros que es mármol. Y parece que
estamos viendo. Una escultura de cera. Es de una delicadeza extrema. Esta
obra de Miguel Ángel. Esos paños ondulantes. Que nos permite entrar la
luz. Y hacer esos juegos de luces y sombras. Pero aparte de la. Piedad. Del
Vaticano. Quizá Miguel Ángel como escultor. Sea más reconocido. Por el
famoso David. Ya lo veíamos bien. Desde el 480. Con Donatello. Con
Verrocchio. Y Miguel Ángel también va a tratar. El tema del David. Pero
lo va a tratar. Como si fuera un desnudo clásico. La talla. También
realizada en mármol. 5 metros de altura. Fijaros el tamaño de la pieza.
Se le llamó también. Por eso el gigante. Y se fecha. Alrededor de
1501-1504. Para apreciar. La estatua original. Tenemos que ir a la Galería
de la Academia. En Florencia. Como sabemos la que está en la Plaza de la
Señoría. En Florencia. Es una réplica que se colocó más tarde. Ahí
tenemos el tema del David. De Miguel Ángel. Como decimos escultura en
mármol. De Carrara también. También ese mármol blanco. Preferido por
Miguel Ángel. Con esos más de 4 metros. Se le llamó ese gigante. Por una
potente anatomía. Esa tensión contenida en el rostro. El cuerpo se gira
ligeramente. Con ese ligero contraposto. Y apoya. Esa onda sobre el brazo
izquierdo. Esa mirada muy expresiva. Esa mirada fija. Con el ceño
froncido. Donde se adivina ya. Esa mirada que decíamos. Esa psicología de
los personajes. Esa famosa terribilidad. Que va a verse luego muy
acentuada. En el Moisés como veremos más adelante. Pero ya vemos como
frunce el ceño. Como fija la mirada. Para ser contemplada. Esta grandiosa
escultura. De más de 4 metros. Desde distintos puntos de vista. Una pieza
asienta para girar. Alrededor de ella. Como decimos. Atención al desnudo
clásico. Destacando la anatomía. Musculosa. Y poderosa. Es un movimiento.
Contraposto. Temas también de esquemas piramidales. Como veremos más
adelante. Y como decía en los rostros. Juega con esa variedad. Juega con
la psicología de los personajes. Ahí podemos ver. De nuevo el David. De
Miguel Ángel. Es gigante. Esa obra grandiosa. En mármol de Carrara.
Fijaros desde otro punto de vista. Es un momento de tensión. Contenido.
Fijaros en el brazo derecho. Como apoya la mano sobre el muslo. Ese
contraposto. Con ese detallismo. En las venas, en las uñas. Y esa
musculatura perfectamente. Estudiada del David. Y no menos importante. Para
encargar la ruta final. El sepulcro. Que le encarga Julio II. En 1501. En
Roma. Es el proyecto. Más ambicioso. De la vida de Miguel Ángel. Va a ser
una obsesión. Durante 40 años. Concebiendo. Esa especie de mausoleo. Bajo
la cúpula de San Pedro. Con más de 40 figuras. De tamaño colosal. Y todo
quedó en esa desilusión. Reducido por presiones. Económicas, políticas.
No fue nada del proyecto. Que en principio iba a hacer Miguel Ángel. Para
el sepulcro de Julio II. Luego se hizo. Esa especie de retablo adosado. En
San Pietro in Vincoli en Roma. Y obras suyas son. El Moisés, Lía y
Raquel. Y los famosos esclavos desnudos. Pero como decimos. El proyecto de
Miguel Ángel. Era un proyecto grandioso. Y muy ambicioso. Ahí podemos ver
en la diapositiva a la izquierda. Que nunca llegó a realizarse. Era como
una especie de mausoleo. Piramidal. Coronado por la talla del Papa. Julio
II. Y como decimos. No se elabora. Porque fallece el Papa. Y se elabora
otro proyecto. Con un sepulcro adosado en la pared. En San Pietro in
Vincoli. Y ya no iba en San Pedro del Vaticano. Bueno como decimos. La
tumba de Julio II. Tras varios proyectos. El sepulcro quedó reducido a un
simple retablo. De lo que iba a ser fijaros. Ese gran mausoleo. Con solo
siete estatuas. Que se instaló en 1542. En la iglesia de San Pietro in
Vincoli. Y no en el Vaticano. La más conocida. La figura del Moisés. Que
fue la única. Mirada desde un primer momento. Desde el primer proyecto.
Esta estatua colosal. Con la terribilidad de la mirada. Demuestra ese gran
dinamismo. Fijaros de lo que era el proyecto. De la tumba de Julio II. A lo
que es. Es una especie de retablo. De dos cuerpos y tres calles. Como
decimos en la iglesia de San Pietro in Vincoli. En Roma. Cuyas tallas. La
más importante como decimos. Es la figura del Moisés. Entronizado con las
tablas de la ley. Como decimos. Está realizado en mármol blanco. También
mármol de Carrara. Y la talla más importante. Es la del profeta. Ahí
tenemos en la diapositiva. El Moisés. Que prácticamente es la que se
respetó. La talla desde el primer proyecto. Es una escultura en mármol.
Aparece presentado como entronizado. Bajo el brazo. Lleva las tablas de la
ley. Es un perfecto estudio anatómico. Muy naturalista. Este mármol
pulido. De Carrara deja resbalar. Fijaros como resbala la luz. Es sobre ese
cuerpo musculoso y atlético. Del profeta. Las ropas caen como pliegues
también. Formando esos claroscuros. Y hay un ligero contraposto con la
cabeza. Que ladea ligeramente. Sobre todo importante. Ese rostro de ira. La
llamada Terribilitaco. Fijando la mirada. Ese rostro de Moisés. Muestra la
fiereza. Contra el pueblo judío. Que se ha revelado. Algunos han querido
ver. La representación en el rostro de Moisés. Al propio papa. Julio II.
Ese rostro enfadado y de ira. La representación. En la parte superior de
sus cuernos. Alude a. Los rayos divinos. Podemos ver en la siguiente
diapositiva. Con muchísimo más detalle. Como vemos esos músculos tensos.
Las venas. Una anatomía perfectamente estudiada. Cerrar los tendones de la
mano. En los dedos del profeta. Es representado con esa larga barba. Que
sujeta con los dedos. Esa barba rizada. Que trabaja a trépano. Y produce
esos efectos de claroscuro. Dándole una gran volumetría. Junto al famoso.
Profeta Moisés de Miguel Ángel. En la parte central. En las ornacinas
laterales. Aparecen también atribuidas a Miguel Ángel. Las esculturas. De
Raquel y Lía. Aparecen en esas ornacinas. Bajo veneras. Simboliza a
Raquel. La vida contemplativa. La vida de oración. Y Lía la vida activa.
También. Para el sepulcro. De Julio II. Los distintos esclavos. Que
podemos ver algunos en Florencia. Y he traído para. Ver algunos de ellos.
Estos que son los esclavos del Museo del Louvre. Esclavo moribundo. A la
izquierda. Y el esclavo rebelde. También están realizados. En mármol.
Estos esclavos representan. Pueblos paganos. Que se reconcilian con la fe.
Cuando se apoya. El esclavo moribundo en un tronco. Esa línea
serpentinata. Del esclavo que recuerda ya. La expresión. Y composición de
laoconte. Fijaros en el de. En el de la derecha del esclavo rebelde.
Recuerda esa postura. Del hijo de laoconte. Y bueno ya para finalizar.
Aparte de ese gran encargo. Del sepulcro de Julio II. La familia de los
Médicis. Le va a encargar en Florencia. Ese sepulcro. Para la familia.
Fechada de 1520 al 34. Aparecen dos sepulcros. El sepulcro de Juliano. Y el
sepulcro de Lorenzo. Juliano. Como un joven guerrero altivo. Y Lorenzo.
Como un guerrero también pero pensativo. Vuelto sobre sí mismo. Apoyados
sobre los sarcófagos. Aparecen. Dos esculturas. Dos sepulcros. El de
Lorenzo como el de Juliano. Aparecen el día y la noche. El crepúsculo y
la aurora. Cuerpos muy robustos. Desnudos. El contraste de la juventud. Y
la vejez. Integra la arquitectura. Y la escultura. Fijaros que se le
encargó. Esta sacristía nueva también. De la catedral de Florencia. Como
decimos el encargo. Es del Papa León X. Para esa capilla nueva. Adosada a
la iglesia de Florencia. San Lorenzo. La capilla también se le encarga.
Miguel Ángel. Y la cubrirá con una cúpula. Como había aprendido en el
Panteón de Roma. Una cúpula con casetones. Y al exterior. Parece imitando
también. Las tumbas que realiza. Miguel Ángel. Son las de Juliano y
Lorenzo. Su sobrino. Y enterrados. Lorenzo el Magnífico. Y Julián. Las
tumbas son. Tumbas de tipo adosado al muro. Y enmarcados por. Elementos
arquitectónicos. Como pueden ser. Pilastras, montones, arcos ciegos,
nichos. Enmarcando esa composición. Piramidal muy pronunciada. Se
representa. A los dos personajes. Como hemos dicho. A Lorenzo y a Juliano.
La propuesta personalidad. Y en cada una hay dos alegorías sobre el
sarcófago. Como decíamos. El día y la noche. Juliano y la aurora y el
crepúsculo. En la de Lorenzo. Que aluden también a la vida y la muerte.
Los sepulcros. Son tratados. Las esculturas como héroes antiguos. Como si
fueran patricios o generales romanos. Y las figuras. Alegóricas. Aparecen
contorsionadas. Con grandes discursos. En las tallas de Miguel Ángel. Las
figuras. O las tallas masculinas. Aparecen inacabadas. O no finitas
también. Aquí el simbolismo marialista. Ya envuelve toda su obra. Bueno.
Pues ahí tenemos. La primera de las tumbas. La tumba de Juliano de Medici.
Aparece. Sentado en ese nicho. Como si fuera un grado romano. Sobre la
tumba. De Juliano. Aparecen las alegorías. De la noche. Y del día. La
noche que representa. La paz suprema. Y el día que muestra la plenitud. Y
la fuerza. Tras ellas la estatua de Juliano. Como decimos. Metida en esa
hornacina. Que tiene también un aire. En la posición al Moisés. A pesar
de la coraza. Como un guitarro romano. Se le aprecia el cuerpo. De un joven
atlético. Ahí vemos más de cerca. La siguiente diapositiva. Ese rostro
de Juliano. De Medici. Representa esa vida activa. Como un joven emperador.
Con ese bastón de mano. Y esa coraza. Y en la parte inferior. Aparecen
esas alegorías. La alegoría de la noche. Y del día. En la diapositiva.
La alegoría de la noche. Es una figura femenina. Es una figura acabada.
Una anatomía muy suave. Muy delicada. Perfectamente estudiada. Con
símbolos alegóricos a la noche. Como puede ser la máscara. Y la lechuza.
Aludiendo a la noche. La podemos ver debajo de su pierna. Al otro lado.
Resbalando por ese frontón. Tenemos la alegoría del día. Las figuras
masculinas. No acabadas. No finitas. Fijaros en ese rostro. Que se
sorprende de la claridad. De los rayos del día. Y la volumetría. Una
anatomía muy musculosa. Perfectamente estudiada. Con ese gran escorzo.
Como vemos en la imagen. El cuerpo está contorsionado. En esa forma de zig
zag. Como decimos. Ese resplandor impide esa visión. Y la musculatura.
Perfectamente marcada. Alude a esa fuerza. Y a la vitalidad. Del sol. Al
otro lado. De la capilla enfrente tenemos el otro sepulcro. Vimos el del
sepulcro de Giuliano. Ahora vamos a ver el sepulcro. De Lorenzo de Medici.
Aparece también sentado. Entronizado. En actitud pensativa. Llamado
también el penseroso. Aparece también en un nicho. Las alegorías. En la
parte inferior. La tumba de Lorenzo. Como decimos. Se representa el
crepúsculo. Es un hombre que va envejeciendo. Y la aurora. Es una mujer
que se está desperezando. Vemos como se está estirando. Justo encima la
hornacina. La estatua de Lorenzo. Que tiene la cabeza. Cubierta con un
casco. Como los generales romanos. Esa actitud pensativa. Le vino dado el
nombre de. El penseroso. Ahí lo vemos. En la siguiente diapositiva.
Perfectamente. La talla en mármol de Lorenzo. Como decimos la de Lorenzo.
También mármol de Carrara. Como un héroe romano. Sentado meditando con
su cabeza sobre la mano izquierda. Y el codo sobre un cofre. Mira hacia la
derecha. Donde se encuentra la Madonna de los Medici. Igual que hace
Giuliano. Están ambos la cabeza. Hacia la Virgen con el niño. Para
resaltar esa religiosidad. De la familia de los Medici. En la parte
inferior del sepulcro de Lorenzo. Aparecen esas alegorías. Del
crepúsculo. Un hombre que va envejeciendo. Ese rostro no finito. No
acabado. Y la aurora que se está desperezando. Sobre la tumba de Lorenzo.
Ahí en la siguiente diapositiva. Se ve perfectamente. El tema de la
aurora. Figura femenina. Que se está desperezando. De la noche. Con un
modelado. Pues mucho más suave. Más delicado. Y se desliza. Sobre ese
frontón roto. Y ya para finalizar. Con Miguel Ángel. Ya de su última
etapa. Vamos a ver las últimas piedad. La Florentina. Y la piedad
rondanera. La piedad bandini. A la izquierda tenemos la piedad de
Florencia. Fechada hacia 1550. Y a la derecha. La piedad rondanera. La
piedad de Florencia. También llamada bandini. Porque la compró Bandini.
Que era un prestigioso banquero de Florencia. Podemos contemplarla. En el
museo de la ópera del Duomo. La esculpió ya en la etapa final. Ya en su
vejez. Iba a ser para su propia tumba. Para la propia tumba de Miguel
Ángel. Y trató de destruirla. Ya que cuando la estaba tallando.
Encontraba imperfecciones en el mármol. Miguel Ángel era muy
perfeccionista. Y por eso también ese genio. Ese estilo non finito. Y
serpentinato. Que es totalmente ya manierista. Podemos considerarla ya de
la etapa manierista. Cristo en brazos de María. Y en el rostro de
Nicodemo. Donde se le ha reconocido como. Un autorretrato. Del propio
Miguel Ángel. Y como. Última obra ya. La Piedad o Pietà Rondanini. Esta
piedad inacabada. Pues estaba trabajando en ella. Cuando murió. Recibe
este nombre del palacio romano. Donde estuvo mucho tiempo. Hoy se
encuentra. En Mica. Bueno. Pues vamos a. Dar ya por finalizada. La clase.
Porque ya. Disculpad. Porque ha habido una interrupción. Se ha ido la
imagen. Al cortar la presentación. Espero pues que por lo menos. Hayáis
podido verlo. Y escucharlo perfectamente. Que hayáis disfrutado con. Con
este tema. No sé si queréis añadir alguna cosa más. O sino ya os
convoco. Para el próximo martes. A las seis de la tarde. Para tratar la
última parte del tema. Del renacimiento italiano. Que sería ya el tema de
la pintura. Me preguntáis por favor. El tema del contraposto. Viene ya
dado desde la antigüedad clásica. Sobre todo pues con esa curva
praxiteliana. O la llamada también. Forma de apoyar. Adelantando. Una de
las extremidades del cuerpo. Bueno espero que. Hayáis podido verlo. Por lo
menos bien. Y. Y como digo. La próxima semana trataremos ya. Lo que es el
tema de la pintura italiana. Para finalizar. Este tema del renacimiento.
Bueno pues nada. Espero que hayáis disfrutado. Que tengáis buen día. Y
nos vemos. Un saludo para todos.