Hola, muy buenas. Aquí estamos de nuevo. Bienvenidos a todos y a todas a
esta vuestra clase correspondiente a la sesión número 4 de la Asignatura
de Arte y Poder en la Edad Moderna para aquellos alumnos que cursan el
grado de Historia del Arte, el grado de Geografía y la Historia, así como
el grado de Lengua Castellana y Subliteraturas. En esta sesión nos vamos a
centrar en los temas correspondientes… perdón, en los contenidos
correspondientes al tema 5 y al tema 6. El tema 5 es titulado Nobleza y
Políticas Artísticas y el tema 6 es titulado Estrategias de Imagen de las
Élites Urbanas. En este… entraríamos en un segundo bloque.
Anteriormente hemos tratado aspectos relacionados con la configuración, en
lo que sería la configuración de las cortes italianas en el siglo XV.
También hemos tratado el tema del papado y cómo este, pues también como
un actante importante, va a utilizar estrategias para mantener su poder
utilizando como soporte entre otros medios el arte. Hemos hablado de las
monarquías y nos hemos centrado en aquellas correspondientes a los
austrias en España y también hablamos de la figura de Luis XIV y la
imagen del poder en ese proceso de asimilación del patronago artístico
propio de Italia que intenta asimilar Francia. Ahora nos vamos a centrar en
otros actantes que también van a utilizar el arte como elemento de poder y
se van a convertir estos actantes en agentes de creación de arte,
mecenasgo de arte y uso del arte para ascender socialmente dentro de lo que
era la jerarquía social que existía en aquel momento. Así, en el
contexto de la nobleza y las políticas artísticas. Bien, hasta ahora
hemos hablado del papado, de las monarquías pero vamos a pasar ahora a
otro agente también importante en esto de la configuración y la
interrelación entre el poder y el arte como es la nobleza. La nobleza en
la introducción vemos que nos ofrecen una serie de ideas básicas y nos
dicen que la nobleza implicaba unos hábitos culturales sobre los que se
fundamentaba el reconocimiento del estatus social. La nobleza no solamente
era un título sino que este título debía ir acompañado de una serie de
acciones relacionadas con la cultura y esto implicaba un mantenimiento en
ese estatus social e incluso una ascendencia, un progreso dentro de esa
jerarquía perteneciente a la nobleza. Aquí lo que se nos viene a plantear
es qué uso hizo la nobleza de las políticas artísticas para hacer
visibles las señales de nobleza, es decir, qué elementos va a utilizar la
nobleza en relación a los aspectos culturales y sobre todo a las
manifestaciones artísticas pues qué van a hacer para poder hacer más
visible, digámoslo así, la clase social de la nobleza. Con esto lo que se
pretende es dejar constancia que la nobleza también fue un agente
importante en la creación, en la expansión, en el mecenazgo de la,
digámoslo así, de la publicación, utilización del recurso artístico.
Las marcas visuales de la nobleza, pues bien, qué elementos vamos a
encontrar en esas manifestaciones artísticas que son marcas visuales en
relación a esa intencionalidad que tiene la nobleza para el ascenso y para
el progreso como clase social. Pues bien, la política artística en la que
se van a enfrentar es la relación entre determinados símbolos y la
posesión de estatuto de nobleza. Van a crear obras, van a plasmar en obras
de diferente índole una serie de símbolos que van a estar relacionados
con ese estatuto propio de la nobleza que mantenía, tenía como finalidad
la del mantenimiento de su propia clase social, incluso ese intento de
progreso y de hacerse notar. La prerrogativa del noble era el derecho de
patronato sobre establecimientos religiosos, la protección de templos. Esa
es la prerrogativa del noble. Van a llevar a cabo un proceso por el cual
van a tener derecho de patronato sobre los establecimientos religiosos, lo
que van a pretender es la protección de los templos. Para ello tenían una
serie de deberes que se fundamentaban principalmente en el hecho de pagar y
mantener dichos edificios y a cambio tenían una serie de derechos. Esos
derechos estaban fundamentados en los privilegios de elección de los
programas decorativos que en esas arquitecturas, que en esas construcciones
se iban a llevar entre otros. Está claro que esta política artística que
va a llevar a cabo la nobleza tenía como deber el pagar y el mantener pero
luego tiene una serie de beneficios que iban a perdurar a lo largo del
tiempo y era el privilegio de elegir los programas decorativos que en esas
iglesias se iban a llevar a cabo. Está claro que lo van a utilizar como un
soporte para la manifestación de esa simbología propia de la nobleza.
Tener un patronato era un signo de nobleza, es decir, el hecho ya de tener
un patronato era símbolo de nobleza y por lo tanto era símbolo de poder y
este hecho daba como consecuencia la ampliación del escaparate social, es
decir, era una manera de darse a conocer como clase social como tal y
también a nivel personal dentro de esa clase social los nobles que
participaban en esta prerrogativa del noble en la protección de templos
pues a nivel personal también iban destacando dentro de las propias clases
sociales. El ejemplo que nos ponen, pues nos ponen la Virgen de la Familia
Pesaro, obra de 1516-1518 aproximadamente del pintor Tiziano en donde con
esta obra se pretende exhibir con ostentación todas las señales de
nobleza de la familia Pesaro. Es decir, se encuentra en la iglesia de Santa
María de Frari en Venecia y es una obra que lo que muestra es esa
ostentación que pretendía la nobleza mostrar a través de la obra de
arte. Fijaos que tenemos que tener en cuenta también que no solamente es
en la obra en sí como manifestación artística sino que su autor Tiziano
se convierte en un deferente cultural de Venecia. Todo ello, todo ello lo
que tiene como misión es la de transmitir el poder de la familia como
símbolo de nobleza. El concepto de familia era un elemento que también
daba prestigio a la clase social de la nobleza. En este caso nos referimos
a la familia Pesaro. Así en esta obra de 1516-1518 pues se representa a
esta familia pero con elementos de carácter religioso. Aparece ahí la
representación con la virgen, con el niño, son símbolos religiosos de
máxima envergadura y el representarse con esta simbología era un elogio
hacia la propia familia y una exposición ante la sociedad de poder y de
prestigio porque la pintura no era un retrato al uso sino era un retrato
junto a personajes muy importantes dentro de la iglesia. Así vamos a ver
cómo la nobleza va a llevar a cabo un proceso, una participación en la
iglesia, va a llevar también una participación muy activa en lo que es la
corte y vamos a ver también cómo va a llevar una participación muy
activa en la ciudad. En la ciudad, en sus fiestas, ceremonias, incluso en
su configuración a través de la construcción de edificios propios de la
nobleza. Este hecho va a ser también un elemento importante para ese
intento de representación extendida del poder de la nobleza. Así vemos
edificios, construcciones arquitectónicas para que fuese la residencia de
las diferentes familias nobles y a través de sus portadas, a través de
sus fachadas o a través de su carácter de monumentalidad, la nobleza va a
seguir aumentando su poder público. Va a ser una clase social mucho más
vista en la sociedad y con ello va a poder ir consiguiendo ese prestigio
social que pretendía con toda esta política artística que estaban
llevando a cabo. La explicación que se le da a todo esto está relacionada
con la teoría de la magnificencia que defendía, la explicación de todas
estas acciones está fundamentada en la teoría de la magnificencia que
defendía que la suntuosidad era símbolo evidente de virtud. Contrario a
lo que se decía en la Edad Media por influencia directa de la iglesia.
Aquí vemos también un cambio de época, un cambio de mentalidad, un
cambio de actitud, un cambio de pensamiento con referencia a lo que era la
manifestación artística. La teoría de la magnificencia en
contraposición a los principios típicos de la manifestación artística
en la Edad Media defendía la suntuosidad, el presentar, el dar a conocer
esa riqueza patrimonial relacionada con el mundo del arte que la nobleza
empieza a dar a conocer a través de estas políticas relacionadas con la
creación artística. Así vemos como las casas, la casa, las villas van a
ser símbolo de identidad de los miembros pero además en esas
representaciones vamos a ver también cómo se va a quedar plasmado no
solamente esta suntuosidad, este querer mostrar aquella riqueza que se
tiene sino que también la capacidad de dicha familia perteneciente a un
linaje, a una familia noble pues también van a intentar representar y
dejar constancia el linaje, es decir, el carácter hereditario que toda esa
riqueza, esa riqueza artística y cultural va a tener. Y eso se va a
representar, va a ser utilizado como un soporte escenográfico para la
exilición del poder. Es decir, que en una misma pintura se van a plasmar
un retrato de un miembro de la familia o incluso de la familia al completo
y normalmente se va a utilizar el paisaje para plasmar en éste una villa,
una casa, un elemento arquitectónico propio de la familia que va a
simbolizar esa permanencia en el tiempo a través del linaje, a través del
carácter hereditario que todas estas riquezas van a tener en referencia al
núcleo familiar del hoy y al núcleo familiar que pretenden dejar hacia el
mañana. Todo esto con una clara intención de ascenso social, visibilidad
social y por lo tanto todo ello implicaba un mayor poder en lo que era la
construcción o la configuración de la sociedad del siglo XVI. Así
tenemos a Palladio, aplicó como arquitecto, pues aplicó las enseñanzas
de Vitruvio en la construcción de esas nuevas necesidades que exigía la
nobleza. La nobleza exigía la construcción de villas y esas villas
tenían que tener una identidad con la familia que en ella iba a vivir. Por
lo tanto la arquitectura ya no es una arquitectura, digámoslo así, copia
unas de otras sino que los arquitectos van a tener que dotar a esas
construcciones arquitectónicas destinadas a los nobles de una identidad.
Así encontramos la Villa Rotonda o Villa Emo que son un ejemplo de ellos,
de Palladio de 1554. Aquí vemos la Villa Emo que es una construcción
arquitectónica con una impronta en primer lugar propia del estilo
arquitectónico que Palladio toma y como punto de referencia para sus
creaciones artísticas. Y en la parte de la izquierda tenemos la
representación pictórica de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia con el
palacio de Marimont al fondo. Aquí vemos una clara alusión a esa
intencionalidad de dejar constancia dentro de la propia obra artística de
esa perdurabilidad en el tiempo. Aparece ese carácter retratista en la
obra situada en la imagen principal en el lado derecho de la misma pero
tras esta aparece un fondo con unos cortinajes ricos en materiales, una
bala ostrada pequeña y a continuación aparece un paisaje abierto con un
fondo verdoso y el cielo azul. Y la construcción arquitectónica que
aparece en ese lado deja constancia la capacidad de linaje que tiene esta
familia. La representación de esa riqueza arquitectónica lo que pretenden
transmitir no es solamente por un lado que tienen esa riqueza sino que
además esa riqueza va a seguir aumentando y la familia va a seguir en el
tiempo gracias a la herencia y al linaje, digámoslo así, a los hijos.
Tenemos que tener en cuenta que en este periodo el linaje, los hijos eran,
digámoslo así, uno de los elementos más importantes para cualquier
familia noble o de prestigio que así quisiera ser considerada porque eso
implicaba la continuidad del apellido, de las familias nobles. Eso también
ocurría claro está con las monarquías como hemos visto anteriormente
pero aquí al centrarnos en la nobleza pues una manera que tienen de
plasmar esa intencionalidad era a través de la representación pictórica
de estos elementos simbólicos. El interior de las casas y de las villas
que construían, como ejemplo hemos puesto la Villa Elmo construida por
Paladio pues vamos a encontrar en ellas un enriquecimiento notable de
acuares domésticos es decir todo lo que es elementos, utensilios que
sirven para la organización, para el funcionamiento de lo que es una casa
noble pero además este ajuar tenía un componente artístico propio de las
élites del siglo XVI. Ese ajuar va a estar constituido por tejidos ricos
de las vestiduras, tapices, cortinajes, pinturas mural, tapizados de
guadamecí, que eran un tipo de tapizado hecho de piel curtida de carnero.
Tenía que ser ese tipo de piel para que tuviese esa calidad y por lo tanto
se transmitiese ese prestigio que se pretendía que llegase al resto de la
sociedad. También íbamos a encontrar como elementos decorativos,
elementos de esos ajuares, pinturas de caballete además de muebles de gran
calidad, muebles con taraceas, gran cantidad de joyas, vajillas de plata,
de plata con incrustaciones, libros, instrumentos musicales etcétera. Todo
ello tenía que ver por un lado con la cultura y el saber que la cultura
tenía un gran empuje social, daba prestigio a la sociedad y además de
todo eso, los libros, la música eran manifestaciones artísticas también
que enriquecían el estatus social de aquellos que tenían la posibilidad
de adquirir dichos instrumentos, dichos materiales. Todo esto es un poco
las políticas que se van a llevar a cabo por parte de la nobleza y un poco
la configuración que se tenía con respecto a cómo tenían que vivir,
dónde tenían que vivir y cómo debían de decorar esos habitáculos de
vivienda para fomentar su prestigio y ascenso social. ¿Cómo se debería
mostrar el poder de la nobleza? Solo con riquezas, es decir, hemos
comenzado el apartado diciendo que el aspecto cultural era un elemento, un
sustrato importante para transmitir esta idea de poder. Ahí hay un debate,
¿no? La nobleza solamente tenía que transmitir ese estatus social,
intentar mantenerlo e incluso mejorarlo a través de la riqueza o debía de
cultivarlo y mantenerlo con otra serie de elementos. Pues bien, eso es un
debate que se crea y que algunos piensan que si lo consiguieron, si
supieron mantener y mejorar, pues claro. Pero la riqueza yo creo que no fue
lo único que mostraron sino que también ese fomento de la cultura, ese
fomento del arte, esa defensa a lo que era el mantenimiento y la
construcción de edificios religiosos, eso impulsó también mucho el
prestigio de la clase social de la nobleza y también ayudó mucho a lo que
es la propia creación artística. Ese prestigio, ese soporte ideológico a
través de los palacios, a través de esculturas, tapices y joyas, al final
lo que muestra es una ideología política, una ideología política que
sirvió para esa finalidad preorganizada que la nobleza tuvo en el uso de
todas estas riquezas y el uso como soporte de la obra de arte para su
mantenimiento destacado dentro de la sociedad. Esa ideología política la
podemos ver tomando como ejemplo la función prorromana de la nobleza de
Venecia en el siglo XVI que defendía las fachadas romanistas que supo
crear entre otros Jacobo Sansovino y sirvió como marca para un grupo
político, es decir, fijaos hasta qué punto lleva esta intencionalidad por
parte de la nobleza que incluso la manifestación artística, en concreto
la arquitectónica en Venecia con ese estilo propio de Sansovino utilizando
como principio básico las fachadas romanistas pues dio lugar a que ese
grupo de nobles estuviera relacionado como marca de grupo político o unos
ideales muy concretos. Así tenemos como ejemplo el palacio Kornet de
Sansovino de 1545, fijaos en la obra de Teniers el archiduque Leopoldo
Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas. El tener esta obra
pictórica dentro de las instalaciones donde vivía la familia no solamente
era sinónimo de prestigio y de poder sino que dentro de la misma obra
vamos a encontrar un elogio a la obra pictórica donde en esta obra vamos a
poder identificar incluso algunas de las cuadros que en ella se
representan. Es un elogio dentro del elogio, es decir por un lado se elogia
a la obra de arte en sí pictórica al tenerla como un recurso de ascenso
social y de poder ya que lo colocaban en los salones principales esas casas
esas villas propias de los nobles pero es que la obra en sí también es
otro elogio a la propia obra pictórica donde en el propio cuadro de
Teniers vamos a encontrarnos obras de renombre de pintores importantes y es
una manera de dejar constancia del gusto por la cultura, del gusto por la
pintura y no cualquier pintura sino de los grandes genios que se venían ya
desarrollando durante el siglo XV, el siglo XVI, siglo XVII. Obras
pictóricas ya que éstas van a ser concebidas como un soporte que servía
para transmitir a través de un carácter narrativo, para transmitir
valores propios de la nobleza. Así vamos a encontrar manifestaciones
artísticas como retratos, paisajes, etcétera. Pero es muy importante que
tengamos en cuenta que lo más destacado de este tipo de obras no es tanto
en sí esa representación tácita que se nos presenta ante los ojos del
observador sino que hay que analizar la simbología que en ella aparece y
que son elementos iconográficos propios digámoslo así de la nobleza, de
una familia en concreto que la identificaban con esa familia y que eran los
verdaderos elementos que el observador al verlo pues debía identificar con
una familia u otra o por lo menos con la clase social de la nobleza.
Entonces son obras con un gran componente iconográfico, simbólico que hay
que interpretar. Y por último deciros que todo este proceso del que
venimos hablando de la política que lleva a cabo, política artística que
lleva a cabo la nobleza para crear una visualización con marcas que la
identifiquen con esa clase social pues esa creación de la identidad
también se ve favorecida por la transmisión de valores ideológicos no
solamente valores más materialistas sino también de valores ideológicos
y nos ponen como ejemplo la obra titulada Anochecer caballo de tiro de bien
en un arroyo de 1760 de Thomas Gainsborough que en este caso más que una
identidad de riqueza o una identificación de nobleza con riqueza también
se transmitía una identificación de nobleza con transmisión de ideales,
de valores perdón ideológicos. Como hemos dicho anteriormente uno de los
mecanismos que también se intenta utilizar como soporte, también se
intenta dejar plasmado en las obras es el concepto de linaje y las
estrategias que se hacen a través de la transmisión a la sociedad de una
imagen propia de la nobleza. La construcción ideológica de la nobleza se
fundamenta principalmente ya desde la Edad Media pero sobre todo desde la
última etapa de la Edad Media en dos conceptos principales que son la
perdurabilidad en el tiempo de la casa de la familia noble a través del
linaje y de la transmisión si queremos verlo así de lo que son las
virtudes que esa familia tenía. Esas eran las dos, digámoslo así, las
dos fundamentaciones principales que va a tener la nobleza ya desde la Edad
Media sobre todo ya en lo que es el siglo XV, siglo XVI, siglo XVII todo lo
que sería la Edad Moderna. En la Edad Moderna va a primar el concepto de
linaje, el intento de dejar constancia de que la familia noble no es algo
sincrónico sino que es algo diacrónico que va a evolucionar a lo largo
del tiempo y para ello era necesario dejar constancia que la familia tenía
un linaje que iba a heredar esa ideología. Así la obra de arte va a ser
un medio de reproducción social, así se va a utilizar la obra de arte
como un soporte en el que se va a intentar plasmar en ella esos valores y
esas virtudes propias de la nobleza pero siempre dejando constancia del
linaje, de la perdurabilidad de esos valores, de la perdurabilidad de esas
virtudes pero a lo largo del tiempo. Es muy importante que para ello se
creen obras donde exista un carácter narrativo además de iconográfico,
exista un carácter narrativo en donde se cuente una historia de manera que
el espectador a la vez de contemplar la obra ésta sea una especie de
relato visual. Es decir, una historia que se cuenta desde un punto de vista
iconográfico donde el espectador pueda observar esos valores, esa
ideología que representa al propietario o propietaria de esa obra, en este
caso una familia noble. Así junto con estos relatos visuales en donde la
historia y el carácter narrativo tienen un componente muy importante
también tiene un componente muy importante la iconografía que es el
icono, es un símbolo que va a servir como soporte para la proyección
familiar y sus valores. Es decir, esta iconografía, esta simbología va a
estar muy relacionada con los valores y la manera que pretende una familia
noble de ser vista en la sociedad. Así se destaca como una de las
manifestaciones artísticas más comunes para todo ello, el retrato
normalmente en familia dejando constancia no solamente las riquezas que
puede podemos observar en las obras de ropas de las riquezas materiales
sino que la familia implicaba descendencia, continuidad de la saga. Esto no
solamente ocurre en la pintura sino que también lo vamos a encontrar en la
escultura sobre todo cuando se tratan de monumentos funerarios como el
monumento funerario del dogo de Pietro Mosénigo de 1473-1481 de San
Giovanni e Paolo que se sitúa en Venecia donde ese monumento funerario no
solamente es un elogio a la persona que ya no está sino que en él
aparecen representadas figuras que defienden de esa persona que ya no se
encuentra, digámoslo así vivo para que quede constancia de que la saga
sigue, el linaje sigue y por lo tanto la casa, la familia noble continúa
con sus ideales con sus valores en la sociedad del momento. Por ello se le
da una gran importancia a que las familias mantuviesen en su poder las
obras de arte a lo largo del tiempo porque era la obra de arte como
elemento ya de valor era muy importante pero también la durabilidad de
esta obra de arte de heredada, de familia a sus hijos, de sus hijos a sus
hijos, de manera que la antigüedad de la obra también era un elemento muy
importante porque eso daba, transmitía el ideal de una familia noble
fuerte esta herencia debía estar perfectamente legalizada para que el
mantenimiento del patrimonio perdurase en España estaba lo que se conoce
como el mayorazgo, es decir esa herencia de obras de arte debería de estar
estipulada, documentada para que todo fuese legal y pudiesen demostrar la
legitimidad de la obra perteneciente a su familia y eso suponía pues el
mayor de los prestigios todo ello también en esta intencionalidad de la
herencia y del linaje se van a convertir en reliquias, es decir estas obras
que ya se van a ir pasando de padres a hijos pues llegan un momento en que
se van a convertir en reliquias, familiares, símbolos de esa familia noble
y eso hace que se cree un uso identitario, es decir esta obra es la
identidad pues representa una identidad de una familia noble, así podemos
encontrar ejemplos claros de este mantenimiento transgeneracional de
colecciones de arte que se pueden ver en el caso de los Medici o la
colección estupenda que tuvo Isabella del Este, aparecerá un poco más
hacia adelante y después tenemos un apartado que nos hablan de los nobles,
nos hablan de los amateurs, es decir de los que intentan imitar a los
nobles en principio o de los que quieren parecerse a los nobles pero no
tienen esa digamoslo así trascendencia hereditaria de antepasados dentro
de una misma casa propia de la nobleza. Existe una teoría artística en el
Renacimiento en donde se nos decía que existían dos formas de
reconocimiento de la obra artística, la interpretación de las imágenes
desde sus contenidos iconográficos y la estimación de las cualidades
formales de la obra y la maestría de su autor, es decir por un lado había
que interpretar, digamoslo así para que la obra fuera reconocida como una
obra de arte tenía que tener un estudio y un reconocimiento en la
interpretación de las imágenes y el significado que éstas tenían y
luego la maestría del autor en la creación de esa obra. Ejemplo tenemos
los Studioli de los palacios italianos como el de Francisco I de Medici,
así vamos a encontrar uso de obras de arte para la transmisión de
mensajes a través de programas simbólicos relacionados con señales de la
nobleza, eso va a ser un principio constante. A través de las obras de
arte se van a ir transmitiendo mensajes propios de esa familia noble y que
identificaba a esa familia noble con ese tipo de obras y con ese mensaje,
con esa transmisión de información que se pretendía. En la segunda mitad
del siglo XVII se llevó a cabo un proceso de generalización de la
galería de pinturas, de esta manera se produce en lo que se llamó la
familiaridad con el campo teórico artístico marca de la nobleza. Esa
generalización de la galería de pintura se va a identificar como una
marca propio de la clase social noble. Así vamos a llegar a una
confluencia de varios procesos, por un lado tenemos el protagonismo de la
nobleza en la intensificación de las relaciones internacionales en la edad
moderna, generalización como por ejemplo la generalización del Grand Tour
como proceso educativo básico de la nobleza europea. Todo este proceso
estamos viendo que estamos llevando un poco a explicación del manejo de la
nobleza en referencia al uso de las artes como herramienta de prestigio y
de poder, por un lado va a dar un mayor protagonismo a la nobleza en sus
relaciones internacionales. A través del concepto del Grand Tour,
digámoslo así, se le puede definir como un proceso educativo de lo que
será la nobleza europea ya que comienzan a desarrollarse relaciones
internacionales de grupos de nobles de diferentes países y por otro lado
se va a llevar a cabo lo que es la defensa por parte de los artistas de la
naturaleza noble de su actividad, se promovieron las academias. Fijaos, los
artistas también quieren verse reconocidos por su labor y también quieren
eso, quieren la naturaleza del noble, son artistas y quieren ascender
también dentro de lo que es la clase social y quieren ser reconocidos por
su obra como artistas. Así aparecen las academias que es un poco lo que va
a organizar de una manera más óptima, más adecuada todo este proceso de
producción de obras artísticas y de estudio de obras artísticas y de
darle una revalorización a la historia y a la obra artística también. El
resultado, pues el resultado de todo esto lo vamos a encontrar en la
relación entre posesión de familiaridad con las bellas artes y la
demostración de nobleza. Vamos a encontrar una hibrincación, una
interrelación directa entre que la nobleza y el arte vayan de la mano y el
arte enriquece, digámoslo así. El estatus social de la nobleza y la
nobleza al mismo tiempo es capaz de mantener esas colecciones de arte y
hacer que perduren en el tiempo. Aquí tenemos un ejemplo que es el doble
retrato del noble inglés Sid Endymion Porter y el pintor Van Dyck. Aquí
aparece el estatus social y reconocimiento de las artes. En esta
representación retratista aparece por un lado el reconocimiento noble, el
estatus social que adquiere la nobleza pero también a través del retrato
del propio Van aparece ese reconocimiento que se le da a las artes. De
manera que en una misma obra aparece nobleza y arte de la mano como dos
elementos que se vienen ayudando y que se necesitan para ese mantenimiento.
Las artes necesitan de la nobleza y la nobleza necesita del arte para el
mantenimiento, el prestigio social, la visión social que tiene el resto de
la población sobre la nobleza y aparece claramente reflejado en esta obra
que se encuentra en el Museo del Prado de 1635. Van Dyck y Otiziano tienen
el reconocimiento como artistas y entonces al ser pintores y artistas muy
reconocidos el hecho de que hiciese una obra ya simplemente que fuese de
estos pintores hoy haría un valor añadido para aquel que tuviese en su
poder una obra de estos pintores. Por lo tanto el artista también se va a
enriquecer, también va a mejorar su posición social, su estatus social
con la ayuda de la nobleza y la nobleza con la ayuda de los artistas. El
ejemplo español lo tenemos en el marqués de Leganés Don Diego Mechía de
Guzmán fue uno de los coleccionistas de pinturas más importantes de
Europa en la primera mitad del siglo XVII. Como ejemplo pues se ofrece el
dato de que llevó a cabo la donación de la Inmaculada de Rubens a Felipe
IV, obra de 1628. Era pues un ejemplo de personaje noble que se dedica a la
colección de obras pictóricas que gracias a estas colecciones y al
mantenimiento y al linaje y a la herencia de estas colecciones pues muchas
de ellas pueden ser disfrutadas hoy en los museos más importantes que
tenemos. Aquí tenéis el retrato de, como he dicho antes, donde nobleza,
prestigio noble, prestigio de la nobleza y prestigio del artista se
representan con esta obra. Es una manera de dar a conocer cómo ambos
elementos se necesitaban para seguir ascendiendo en la clase social y
seguir manteniendo esa ideología, esa transmisión de valores. Aquí
tenemos la Inmaculada Concepción de Rubens que fue donada por el personaje
que anteriormente hemos nombrado en un caso concreto de aquí de España.
Pues bien, visto un poco por encima los contenidos más destacados
relacionados con el papel que cumple la nobleza dentro de lo que es el
fomento de las artes y cómo las artes van a ayudar al mantenimiento del
poder y el prestigio que la nobleza pretende transmitir al resto de la
sociedad, nos vamos al capítulo número 6 que se centra en las estrategias
de imagen de las élites urbanas. Aquí ya no hablamos de la nobleza. La
nobleza por sí misma era una clase social con una serie de derechos, de
beneficios y era una clase social que se conseguía principalmente por la
herencia. Se heredaban no solamente las riquezas sino también el título
de noble. En el caso del tema 6, las estrategias de imagen de las élites
urbanas vemos cómo existe la manifestación artística. Era muy común que
se extendiese iniciativas de ciudadanos particulares durante toda la edad
media. Es decir, aquí ya no estamos hablando de una clase social
determinada como era la nobleza o como era la iglesia, no representada por
el papado y todo lo que eran los clérigos, monjes, sino que aquí vamos a
ver cómo también existe otro actante, otro componente muy importante en
el hecho de la manifestación artística, que van a ser particulares,
ciudadanos particulares que ya desde la edad media van a llevar a cabo
iniciativas para el fomento de las artes como también un elemento para
mejorar la situación y el estatus de estas clases sociales o ciudadanas.
Analizar las políticas artísticas de grupos emergentes en relación al
doble papel que pudieron jugar las obras de arte como signo de clase
independiente o como medio de ascenso social e integración de la nobleza.
Es decir, que volvemos a ver cómo el arte va a tenerse como punto de
referencia para intentar, estos ciudadanos, para intentar diferenciarse de
alguna manera de aquellos que no tenían ningún tipo de derechos en la
época. En la introducción nos vienen a hablar un poquillo de estos
principios pero comenzamos por los patriciados urbanos del Renacimiento.
Así se nos vienen a decir ideas tales como que se llevó a cabo un impulso
que recibieron las estructuras políticas, el artesanado y el comercio en
los siglos XV y XVI. Aquí aparecen clases sociales, son los comerciantes,
como son los artesanos, que también van a llevar a cabo un proceso,
también van a intervenir, van a ser parte activa de este fomento de las
artes y se dan cuenta que el arte es un recurso al que deberían de acceder
para mejorar. Así vamos a encontrar cómo se va a producir un crecimiento
de algunas ciudades, en algunas ciudades de la riqueza y del poder. Nos
encontramos tres grandes núcleos de renovación artística en el
Renacimiento, van a ser por un lado Flandes, por otro lado el sur de
Alemania, por otro lado Italia. Esta conceptualización, esta
intencionalidad de ciertos grupos de ciudadanos por la manifestación
artística y lo que el conocimiento de ésta y lo que supondría el tener
en su poder una manifestación artística, pues supuso una serie de cambios
que vamos a nombrar. Supuso la generación de una clase urbana que
participaba de parte de los privilegios. Surge una clase urbana que va a
poder contar, va a poder tener parte de los privilegios. Eran los burgueses
que recibían los calificativos de ciudadanos honrados u hombres honestos.
Aquí nos vamos a centrar, hemos hablado de la nobleza y aquí ya empezamos
a hablar del papel que cumplió en la burguesía con los burgueses también
denominados ciudadanos soldados o hombres honestos. Como ejemplo en una
manifestación artística podemos encontrarnos la Virgen del Canciller
Rolín de Van Eyck, obra de 1435 donde aparece el canciller Rolín que era
un alto funcionario de la corte pero su origen era plebeyo y fijaos cómo
se representa. Primero el autor Van Eyck, un pintor reconocido, representa
en una obra pictórica a un canciller, a un alto funcionario frente a la
Madonna, a la Virgen María, símbolo de pureza, de virginidad, icono de la
iglesia y fijaos como esto directamente hace que este personaje sufra un
proceso de ascenso social. ¿Por qué no? Primero porque no se representa
con cualquier personaje, se representa con el personaje uno de los
personajes más importantes de la religiosidad, del catolicismo, de la
iglesia y por otro lado esta representación es llevada a cabo por uno de
los artistas más importantes del momento como eran Jan Van Eyck, pintores
flamencos donde el detallismo, la minuciosidad se ven perfectamente
plasmadas en la obra y esa riqueza pictórica, el estilo con el que se dota
la obra es símbolo también del estilo o de la manera de ser si queremos
decirlo así, de la persona o el personaje que se representa en la obra,
que en este caso es el canciller Trolley. Por lo tanto aquí tenéis una
clara evidencia de ese uso que se hace de la obra pictórica, de la obra
artística como una manifestación directa de intentar ascender
socialmente. Por debajo de los comerciantes pocos podían ya no intervenir
en lo que era la producción artística, digamos que ya los ciudadanos de a
pie, los plebeios, ya no tenían acceso a esta manifestación artística
porque no olvidemos que al fin y al cabo el arte no solamente era un
elemento propagandístico en el sentido de mostrar con unos intereses
según la clase social sino que además costaba muy caro, costaba dinero.
El tercer estado quedaba como receptores de los mensajes de control social
que se articulaban a través de la cultura visual del humanismo por ello
los ciudadanos simplemente van a ser receptores, van a ser la mayor parte
de la de la sociedad, eran los ciudadanos de a pie y ellos van a ser
receptores del mensaje de la obra artística. Al fin y al cabo ese mensaje
pues venía a mostrarnos esa superioridad de las clases pudientes que
tenían bajo su control el arte, la creación artística como elemento de
prestigio, de ascenso social, etcétera. Aquí encontramos la importancia
que tienen los patriciados que era un grupo social que contribuyó al
establecimiento de rutas comerciales sin posibilidad de ennoblecimiento y
los patriciados pues eran un grupo que desarrollaron las rutas comerciales
pero no tenían derecho a tener los privilegios de la nobleza. Así que
llevaron a cabo la generación de contenidos, tipologías de
representación y modelos de consumo de arte. Importancia del concepto de
la magnificencia podemos encontrar este concepto como uno de los
principales que había en la época que era la concreción visible de la
valía, las virtudes, el honor, la autoridad y la posición social de una
persona. Y el arte era el medio para alcanzar la magnificencia, es decir,
el arte era en la manifestación artística va a ser el soporte que se
utilice para que una persona pudiese, ya una serie de beneficios, una serie
de derechos pudiese ascender socialmente porque la obra pictórica era
capaz de plasmar la valía, las virtudes, el honor, la autoridad y la
posición social. Por lo tanto qué mejor que hacer uso del arte para que
se plasmase estos principios y llegasen a la mayor parte de la sociedad.
Aparecen lo que eran los palacios privados en Florencia y mayoría de
ciudades europeas. Estos palacios tienen una mezcla donde la funcionalidad
se mezcla con la recuperación de un lenguaje clásico en la construcción
arquitectónica de estos tipos de palacios. Como ejemplo nos viene Giovanni
Uselai o los palacios de Alberti que ya hemos nombrado anteriormente,
elementos que serían de símbolos de imagen social y como patrimonio de la
comunidad. El protagonismo del patriciado en los retratos se va a ver con
una puesta en escena de iconografía distintiva, simple. Ejemplo pues en el
norte de Alemania con la figura de Durero y un nuevo modo de
representación. Así nos aparece por un lado el palacio Uselai de Alberti
y Rossellino de 1446. La pintura flamenca va a tener un protagonismo en
este apartado relacionado con los patriciados, con la burguesía y van a
crear o van a manifestar en sus obras de arte una serie de características
como es el interés por el paisaje, el interés por las naturalezas
muertas, las escenas de género. Como por ejemplo tenemos la obra El
cambista y su esposa de masis de 1514 que es una reflexión, es una manera,
es una obra pictórica que tiene como fundamentación la reflexión sobre
la relación entre actividades económicas, los bienes mundanos y la
devoción religiosa. Lo tenemos aquí, la obra. Aquí tenemos Santa
Bárbara de Robert Campín de 1438 y la vendedora de frutas de 1567. Todas
estas representaciones pues tienen esa característica propia de la pintura
flamenca. También van a cobrar importancia en estos nuevos núcleos
urbanos de desarrollo en la obra de arte, la importancia de las promociones
colectivas. Van a ser la construcción o elaboración de espacios públicos
ligado a sus actividades económicas como eran las lonjas o las logias,
así como la construcción de edificios municipales. Los ayuntamientos por
ejemplo, edificios que hoy son los ayuntamientos de estas ciudades como
ocurrió en Ámsterdam, Florencia o Augsburgo. Se producen también
promociones de carácter religioso de gremios artesanos y comerciantes.
Ejemplo, en Venecia los escueles fueron uno de los motores fundamentales
del patrocinio artístico. Como ejemplo nos ponen la obra del programa
pictórico de la Escuela de San Rocco de Tintoretto. Aquí la tenéis como
ejemplo del programa pictórico que anteriormente hemos nombrado. Moisés
haciendo brotar el agua en la roca, de Venecia, de obra de Tintoretto. Y
por último, por último quiero decir a continuación, nos vamos a centrar
en el epígrafe que nos trata el tema de Flandes, Francia e Inglaterra. Los
nuevos modelos sociales y el sistema artístico de los siglos XVII y XVIII.
Dejamos un poco atrás esos inicios de esta clase social de la burguesía y
de la estructura del patriciado, para pasar al siglo XVII y al siglo XVIII
donde nos vamos a encontrar ya ahora sí lo que son los patriciados urbanos
flamencos. Ya en un lugar concreto ya tienen una organización mucho más
estable. En apariencia el exterior de la arquitectura era muy austera y el
coleccionismo de la pintura fue la principal actividad promotora que
desarrolló este grupo urbano holandés. Una de las mejores colecciones
eran, ponen como ejemplo la de Jan Six, que era uno de los mejores clientes
de Rembrandt o la de Pieter Claesz, que era el principal protector de
Vermeer. Era el arquetípico, el pintor arquetipo de la representación
ideal burgués de Holanda, de los países flamencos. Los flamencos en este
lugar vamos a encontrar una escenografía con tintes muy domésticos,
retratos familiares, temas religiosos y mitologías italianas que
pretendían transmitir un mensaje moralista. También vamos a encontrar,
que tienen una gran importancia, los temas relacionados con el Antiguo
Testamento, los paisajes, los temas de género, los retratos del grupo, los
temas históricos. Los más destacados del patriciado, pues los
relacionados con la glorificación del comercio, que en definitiva era su
labor principal y era a lo que se dedicaba. Los grandes comerciantes
también, vamos a tener en cuenta que también el arte va a ser un producto
de comercio. Los retratos y a su relación con el arte. Así tenemos la
obra El Descendimiento de Cristo de Rubén, que podemos ponerla como
ejemplo. Pero en este tipo de retratos colectivos, que es un género en
sí, vamos a ver un mapa social donde se define la situación de los
retratados desde los valores del grupo en que se incluyen. Son retratos
colectivos que en su conjunto intentan transmitir un ideal, unos valores,
pero a nivel particular cada uno de los personajes que integran ese grupo
también tienen su capaz, tienen su carácter, tienen impregnado su parte
psicológica que también transmiten un mensaje a nivel individual. Aquí
tiene gran importancia la milicia como referencia identitaria, como
símbolo de libertad, como símbolo de riqueza. Y como ejemplo nos proponen
el retrato de la compañía de Van Plothwyck de 1642 de Nicolae Elia. Que
la tenemos aquí como una de las obras de retrato colectivo con ese
carácter donde la milicia, donde tiene esa importancia para transmitir
esos valores de libertad y de riqueza dentro de una ciudad. La ciudad
también se va a intentar utilizar como un símbolo de poder con referencia
a otros países y a otros lugares de Europa. A partir del año de 1700 se
desarrolla en Francia, vamos a encontrar un desarrollo en Francia y en
Inglaterra. Se produce un crecimiento económico que va a reforzar la
posición de la burguesía y ésta va a cumplir un papel importante en todo
lo que es el comercio, todo lo que son las acciones de finanzas. En el caso
británico se quiso definir un modelo de imagen fundamentado en la
educación y el refinamiento, intentando con ello hacer ver que Inglaterra
era la primera potencia comercial. Eso es lo que pretendía. Así podemos
encontrar obras conocidas como las Conversation Pies que son pinturas
basadas en la representación de situaciones de socialización educada para
reafirmar los nuevos valores. Ejemplo, tenemos a William Hogarth que creó
contramodelos moralizantes basados en la sátira. Ahí tenéis algunas de
esas obras de William Hogarth y de esa representación moralizante que lo
que pretendía era reafirmar los nuevos valores de esa Inglaterra de
inicios del siglo XVIII. Aquí tenéis un conjunto de ocho lienzos que
cuentan las desventuras o desventuras de Tom Raquel, un joven burgués que
dilapida su herencia comercial en una visita a Londres. Tened en cuenta que
el sarcasmo y la ironía también las vamos a encontrar en la
manifestación artística para transmitir una serie de valores que pueden
ser contrarios a los que verdaderamente querían transmitir, en este caso,
la Inglaterra de comienzos del siglo XVIII. En Francia, por otro lado, el
arte va a ser un tema de opinión. El arte, la manifestación artística va
a ser un tema común en la sociedad. El arte como actividad va a
convertirse en un punto de referencia para gran parte de la sociedad, sobre
todo gracias a la instauración de las academias, de lo que es la academia.
También el arte va a ser un punto básico de socialización dentro de lo
que era la república del gusto, que pretendía su ideal político de
sociedad educada. Es decir, el arte también va a ser un punto de
referencia para lo que es la socialización. Así se van a empezar a
institucionalizar dentro de lo que es la Francia del siglo XVIII lo que era
la prensa y la propiamente prensa de la crítica artística. Así se van a
llevar a cabo una serie de exposiciones. Tuvo mucho éxito la exposición
en el Louvre de la segunda mitad del siglo XVIII. Como ejemplo de esa
exposición encontramos los grabados de Pietro Antonio Martini, que es un
grabado en el que se representa o en el que podemos ver esa exposición del
Salón del Louvre de la segunda mitad del siglo XVIII. Y por último,
habiendo hecho un pequeño repaso sobre la configuración de esa burguesía
ya en los siglos XVII y XVIII –comenzamos con el siglo XV y XVI tanto en
los países Holanda como Inglaterra y Francia–, los medios artísticos en
la legitimación del ascenso social de las élites urbanas. El uso de las
obras de arte en todo lo que es la edad moderna forma parte esencial de ese
intento de ascenso y de legitimación social de todas las clases sociales
que querían ser reconocidas como tales. Las diferencias sociales no eran
solamente diferencias que se venían detectando únicamente por principios
económicos, sino también por principios jurídicos, porque sabemos que se
pertenecía a una clase social determinada o estamento y que prácticamente
nacías con una serie de beneficios y fallecías o morías con ellos, y
esos beneficios eran heredados a través del linaje. ¿Quería el
patriciado urbano la creación de una imagen diferenciada como grupo
delimitado y ajeno tanto a la élite nobiliaria como al inmenso tercer
estado? Se piensa que sí. Es decir, ¿quería esa clase social burguesa
crear una imagen que se le hiciera diferenciar o que fuese claramente
diferenciadora entre por un lado la nobleza y por otro lado el pueblo
llano? Pues se cree que sí. Se cree que ese grupo social pretendía esa
distinción, esa legitimación. Por ello se llevaron a cabo la
construcción de imágenes de grupo que afirmasen los valores
específicamente burgueses y opuestos a la nobleza, porque claro, la
burguesía debía de transmitir unos valores como clase social
diferenciada, aunque a lo mejor no reconocida con los privilegios que
tenía la nobleza, pero tenía que tener una serie de elementos que lo
identificaran como tal. Como ejemplo podemos ver el análisis de la
denominada nobleza betoga francesa conformado por funcionarios de la
administración que pasaron a desarrollar comportamientos propios de la
nobleza. El arte tuvo un papel decisivo, sobre todo la figura de los
mecenas. ¿Es esta imagen togada que representan estos personajes opuesta a
la de la nobleza? Pues se piensa que no, ya que ellos eran también
nobleza, aunque con matices. ¿Veis? Se intenta en algunos momentos hacer
esa distinción que quede plasmada en la obra de arte, pero sin embargo el
mensaje que queda no es el mensaje de distinción, más bien de
identificación. Entonces en Francia, con este ejemplo que se nombra, lo
que se nos viene a decir es que en algunos lugares no se consiguió esa
diferenciación entre la nobleza y lo que es este nuevo grupo social, como
podría ser la burguesía. Los togados residencial nobiliario que combinaba
las residencias campestres con los palacios urbanos de París, todo
centrado en la ciudad. Así encontramos la importancia del tratado manera
de construir para todas las personas donde se proponían distintos modelos
de vivienda. En este tratado se incidía en la disposición de espacios de
representación social. Los togados al fin y al cabo lo que llevan a cabo
es un proceso de asimilación con la nobleza en vez de un proceso de
diferenciación que algunos pertenecientes a esta clase burguesa querían
llevar a cabo, que sería diferenciada como una clase distinta a la
nobleza. En algunas localidades y ciudades se consiguió, pero sin embargo
en otras no tuvo la misma suerte esta distinción. Y aquí nos pone un
ejemplo, como es el caso de los togados de Francia. Pues bien, un poco lo
que se ha pretendido con los contenidos básicos y la presentación de los
contenidos básicos de este tema es ver, por un lado, la importancia de la
nobleza como agente de lo que es la creación artística, el mantenimiento
de las colecciones. Como la nobleza también usó el arte como un vehículo
para acceso social, para identificación social y para la legitimación
como clase social. Por otro lado se ha hablado de esas clases sociales
emergentes que también existían en algunas ciudades importantes de la
Europa del siglo XV, XVI, XVII e incluso XVIII. Sobre todo se ha centrado
en las clases sociales de la burguesía, en donde esta pues como una clase
fundamentalmente dedicada a lo que era el comercio en sus inicios, pues van
a llevar a cabo también un desarrollo de las artes. Van a ser también
grandes promotores del coleccionismo pero al mismo tiempo también querían
tener una distinción como clase social diferente a la nobleza que en
algunos lugares, como hemos visto el ejemplo de lo que ocurre en Francia,
no se consiguió. Pues bien, dicho un poco los contenidos más destacados
de los temas correspondientes a los contenidos propios del tema 5 y el tema
6, pues dejamos aquí en la clase y espero que por lo menos sirva de repaso
tanto los materiales como la parte más visual o auditiva se va intentando
ofrecer al alumnado. Así que por mi parte nada más, simplemente daros
ánimos para seguir trabajando los contenidos de la asignatura y que nos
vemos en la próxima clase, videoclase en esta ocasión. Sin nada más que
añadir un saludo para todos, un saludo para todas y nos vemos en la
próxima clase. ¡Hasta pronto!