Hola, muy buenas a todos, muy buenas a todas y bienvenido a una nueva
videoclase de la Asignatura de Arte y Poder en la Edad Moderna para los
alumnos que cursan los grados de Historia del Arte, Geografía e Historia
así como aquellos que estudian el grado de Lengua y Literatura. Pues bien,
en esta sesión nos vamos a centrar en los contenidos correspondientes al
tema 7 y al tema 8 según cronograma ofrecido al alumnado y según los
contenidos stipulados por el equipo docente que dirige y organiza la
asignatura desde Madrid. En este caso el tema 7 se titula Espacios Sociales
Femeninos y Promociones Artísticas en la Edad Moderna. Es un tema que se
centra en ver qué papel tiene la mujer dentro de esta maraña e
interrelación entre el poder, el mantenimiento del poder y el uso que se
hacía de las manifestaciones artísticas. Se sabe que la mujer pues en los
últimos estudios ya que sabemos que las figuras de la mujer tanto como
artista, como propietaria de arte así como persona que fomentaba el arte
en todas sus manifestaciones pues son estudios muy recientes ya que la
mujer ha estado un poco discriminada dentro de lo que es el mundo del arte
como si fuera invisible algo que no es cierto que las últimas
investigaciones así lo demuestran. En este capítulo pues veremos pues un
poco qué papel cumplía o cumplió la mujer dentro de la edad moderna en
lo relacionado a la manifestación artística, al fomento de la
manifestación artística y al uso que hizo de ésta también para un poco
seguir la linealidad de la temática y de los contenidos de la asignatura
pues ver cómo utilizaban el arte también en su beneficio. Así en la
introducción brevemente se nos plantea una cuestión y es plantearnos si
las mujeres encargaban e utilizaban las obras de arte, si también eran
digamoslo así elementos que fomentaban la producción artística y
también elementos o actantes si queremos llamarlo así que encargaban
obras y se hacían con obras también de alguna manera para conseguir
prestigio y conseguir cierto nivel social de cara al resto de la sociedad.
De esta manera vamos a encontrarnos mujeres que ejercieron el patronazgo y
el coleccionismo artístico, es decir existieron mujeres que ejercieron el
papel de patronazgo mujeres que se dedicaron a encargar obras de arte
incluso además de fomentar estas producciones artísticas, incluso de
pagarlas y ayudar a artistas a que consiguieran ser personas de renombre
dentro del mundo artístico de la época que era un poco complicado ya que
sabemos que los artistas también van a utilizar su propio carácter como
tal, su propio genio creador para darse a conocer a la sociedad y mantener
un prestigio dentro de esta. Por lo tanto el planteamiento que se nos hace
en la introducción es la pregunta de si las mujeres encargaban y
utilizaban obras de arte y por otro lado se nos indica ya de que existieron
mujeres que llevaron a cabo una labor de patronazgo y de coleccionismo
artístico como un actante más de todos estos digamoslo así pilares o
elementos que utilizaron el arte de alguna manera como símbolo de poder,
como símbolo de prestigio, como símbolo de mantener una clase social y un
estatus dentro lo que era la propia estructura social del momento de la era
moderna. Así en el apartado 2 vemos los métodos, perdón los modelos
metodológicos y aquí se nos dice como ya he comentado antes que la
historiografía reciente ha intentado rescatar a pintoras, es decir
artistas en definitiva que han pasado por la historia del arte sin ser
conocidas a pesar de que su producción artística la tenemos a nuestro
alcance. De esta manera la historiografía más reciente en los últimos
años se ha encargado de dar visibilidad a este conjunto de mujeres que
aunque lo tuvieron muy complicado en el momento en el que llevaron a cabo
su labor como artista hicieron una producción como tal, hicieron una
producción artística y la historiografía ha querido rescatarlas. Así
tenemos nombres como Artemisia Gentilecci y también personajes que ya no
como artistas sino como mujeres que promocionaron la obra artística de
personajes importantes, es decir ejercieron esa labor de patronazgo si
queremos llamarlo así como son María de Medici, Cristina de Suecia o
Isabella de Este que se encargaron de encargar perdón por la redundancia
se encargaron de hacer encargos a pintores de renombre al mismo tiempo que
fomentaron el coleccionismo artístico. Todo ello con una visión clara y
es que no podemos olvidarnos que la linealidad de los contenidos de la
asignatura nos dice que el arte era un arma que tenían para conseguir o
establecer un estatus social dentro del conglomerado que la propia sociedad
tenía. Tener arte era sinónimo de tener cultura, de fomentar la cultura,
tener manifestaciones artísticas también era un prestigio social porque
no todo el mundo tenía acceso a dichas manifestaciones artísticas y sobre
todo cuando se trataban de personajes artísticos de renombre. Así tenemos
como un personaje destacado a Isabella de Este que era una forofa, una
amante de las artes y se le considera una heroína dentro del mecenazgo
femenino porque se encargó ya os digo de fomentar la manifestación
artística a través de encargos y a través de lo que es el coleccionismo
de obra de artes. Aquí tenemos un retrato de Isabella de Este de 1534 del
pintor Tiziano, fijaos bien que ya el hecho de que se tuviese un retrato de
uno de los grandes pintores del momento como era Tiziano, el retrato tiene
esa finalidad de perdurabilidad en el tiempo además de ser una muestra de
poder por lo que se representa en el retrato, aparece esta dama con una
serie de elementos que la colocan dentro de una clase social destacada y
era un escaparate que utilizaban en este caso Isabel de Este para darse a
conocer el arte como recurso, como manifestación para darse a conocer a la
sociedad y con ello establecer un estatus, un prestigio dentro de la misma.
Una de las preguntas que se nos hace es la siguiente ¿por qué el estudio
del patronazgo artístico ha dejado un listado de nombres fundamentalmente
masculinos? Es decir, ¿por qué la historiografía se ha empeñado
continuamente en estudiar, digámoslo así, la figura masculina tanto desde
el punto de vista artístico como como artistas, como desde el punto de
vista del patronazgo, como personas que fomentaban y cultivaban las artes?
Pues bien, la respuesta que nos dan es que primero porque la
historiografía ha estado fundamentada en unos principios patriarcales que
eran conformes o han ido de la mano de lo que ha sido nuestra sociedad. No
nos puede extrañar que la historiografía simplemente haya seguido pues
las líneas de actuación en relación a la igualdad de género, donde la
mujer siempre ha estado discriminada y donde el hombre ha sido el
reconocido por la historiografía tradicional. No nos debería extrañar
tampoco ya que hoy seguimos viviendo por ejemplo en nuestro país, en un
país donde el patriarcado y donde la fundamentación patriarcal de valores
y de roles, si queremos denominarlo así, sigue estando vigente. No, por
supuesto, tanto como en la edad moderna ya que hemos evolucionado pero
sigue existiendo discriminaciones desde diferentes perspectivas hacia la
figura de la mujer. Si eso sigue ocurriendo hoy día en un país como
España y como Europa, o sea, y en el continente europeo que es el que nos
pone más cercano y el que está más relacionado con los contenidos de la
asignatura, no nos puede sorprender esta marginación, esta discriminación
que hacia la mujer se ha venido llevando a cabo en lo que es la propia
historiografía. Y por otro lado también este patronazgo artístico que ha
dejado sobre todo a nombres de hombres también se debe a un problema
metodológico, un problema metodológico utilizado en las personas que se
han encargado de estudiar la historia del arte como manifestación
artística y a través de ella intentar conocer diferentes aspectos de la
sociedad, del pensamiento y de la evolución, cómo no, del propio ser
humano. ¿Cuál era la posición jurídica, cultural y económica de las
mujeres en la edad moderna? Pues bien, esa posición jurídica, esa
posición económica y esa posición cultural centrado en la mujer de la
edad moderna, podemos decir que hay muchísimos menos datos documentales
que en el caso de los hombres. Entonces al haber menos datos que en el caso
de los hombres pues también es cierto que tiene una mayor dificultad para
extraer de esa historia o de ese estudio de la historia y entre ellas la
historia del arte, pues extraer el papel de mujeres que seguramente
hubieron muchísimas más pero que debido a la falta de documentación pues
es imposible casi rescatarlas. Todo esto era porque existía un modelo
patriarcal del patrocinio de manera que la mujer, como bien sabemos, pues
se mantenía oculta tras la visibilidad preferente de los hombres. Era el
hombre el que a nivel público, a nivel social era la cara visible frente
al papel de la mujer, que no significa que no hiciese nada. Por supuesto
que se conocen de manera, digámoslo así, con documentación indirecta o
con fuentes indirectas, no tan directas pero se sabe que había detrás
siempre o en muchas ocasiones la acción de una mujer pero por desgracia
era el patriarcado en el patrocinio también la manera que se tenía de
actuar en la edad moderna. El problema metodológico que encontramos y que
hemos dicho anteriormente, pues el problema se fundamenta en lo que
acabamos de comentar como principio del patrocinio que era el patronazgo.
Ese patronazgo se fundamenta en la expresión paternitas, que es la cabeza
de familia siempre era una cabeza visible masculina. La mujer tenía un rol
asignado en el que no se le estaba permitido, por decirlo de alguna manera,
llevar a cabo esas labores de cabeza de familia. Por eso el patronazgo se
fundamentaba en el paternitas, es decir, la cabeza de familia siempre era
del género masculino. Así como ejemplo nos proponen lo que ocurría en la
corte de Urbino del siglo XV donde vamos a encontrarnos a la figura de
Federico de Montefeltro como el principal promotor o cabeza visible, sin
embargo no queda constancia de la labor que llevó a cabo su esposa Batista
X Forza. Se conoce que esta mujer tuvo un gran papel en las acciones que se
llevaron a cabo como promotores artísticos, pero siempre la cabeza visible
era Federico de Montefeltro. Sin embargo ese principio de paternitas que
como ejemplo ponemos en la corte de Urbino del siglo XV no dejó o no
visibilizó la figura de Batista X Forza, esposa de Montefeltro por el
hecho de ser mujer. Eso no quita que no llevase a cabo acciones que
fomentaron todo lo relacionado con el fomento a la adquisición y a la
producción de obras de arte. El patronazgo y matronazgo, dos conceptos que
en realidad hacen referencia a la misma acción, dice que ese concepto
recogería mejor el repertorio de las actividades típicamente femeninas
relacionadas con la gestión de las obras de arte. Es decir, se piensa que
el patronazgo se llevaba a cabo por la figura visible del hombre y el
matronazgo por la mujer. Como es sabido y ya hay documentación y estudios
al respecto, la mujer también ocupó un papel importante en el fomento de
la creación artística y en la conservación de dichas manifestaciones
artísticas. Entonces, se va a utilizar patronazgo en oposición conceptual
a matronazgo según el género de la persona que llevase a cabo las
acciones de fomento de la producción artística y del coleccionismo
artístico. Así se nos muestra como una de las mujeres más destacadas en
este matronazgo a Isabella, que nos plantea por qué empleó tanto esfuerzo
en la creación de su gran colección de arte. Es decir, fue una mujer que
se preocupó muchísimo por adquirir colecciones de arte a nivel personal y
hacerse con una gran colección artística. ¿Pero por qué? ¿Por qué ese
empeño de acaparar obras de arte? Pues, primeramente, tenemos dos causas
principales. Primeramente, por su interés por el arte innato, es decir,
era una amante de la manifestación artística, tenía gusto por la
manifestación artística y ese es el primer impulso o el sustrato que a
ella le impulsa a esa búsqueda de obras de arte y del coleccionismo
personal. Y, por otro lado, la segunda característica es la conciencia de
que esa actividad contribuía notablemente al reforzamiento de la posición
social y política de su familia y sobre todo de su persona. Esta segunda
parte es la que estaría más directamente relacionada con los contenidos
de la asignatura, ya que ella era consciente de que esa actividad en busca
de obras de arte para el coleccionismo era una manera de contribuir a
reforzar la posición social, el estatus social de su familia y sobre todo
de ella como mujer, ya que era extraño encontrar a una persona del género
femenino llevando a cabo esta labor, por todo lo que hemos comentado
anteriormente. En relación a la mujer en el entorno doméstico, decimos
que las actitudes de las figuras masculinas y femeninas que se aprecian en
lo fresco florentino del siglo XV evidencian perfectamente la
representación pública de esta diferencia. Es decir, la mujer en el
entorno doméstico va a tener una serie de funciones porque históricamente
a la mujer se le ha asignado unos roles. Yo siempre me he planteado dónde
está escrito que una mujer debe cumplir unos roles y el hombre debe
cumplir otros, pero cierto es que así se ha venido desarrollando hasta
nuestros días. Hoy día siguen existiendo, en mucha menor medida y
avanzaremos para que desaparezcan, pero sigue existiendo la asignación de
roles. Pues bien, en los frescos de Florencia del siglo XV vamos a poder
contemplar estas diferencias. Domenico Girlandaio, en la capilla de Torno
Bouni de Santa María Novella, aparecen las mujeres recluidas de perfil con
actitudes piadosas, mientras que los hombres se mueven con mayor
naturalidad, con mayor libertad, interaccionando entre ellos, gesticulando
entre ellos, ocupando el espacio de forma natural fundamentado en la
libertad de actuación. En estos frescos ya vemos ese rol asignado a la
mujer siempre en un segundo plano, en referencia a lo que era la figura
masculina, y así ya aparece en estas obras como un reflejo de lo que
ocurría en la sociedad de forma real. El hombre era el que movía los
hilos, el que tenía la libertad de actuación, mientras que la mujer
siempre estaba en un segundo plano cumpliendo el rol de esposa, de mujer,
de amante, de madre, de hija, etcétera. Pero nunca con esa libertad de
actuación que sí se nos presentan en estas obras. Así aparecen esas
representaciones femeninas con miradas de retratos femeninos de
recogimiento. Por ejemplo, los frescos de Francesco Laurana. Fijaos en las
obras, siempre el matrimonio de María, de Doménico Girlandaio es un
ejemplo de ello, en donde se ven toda esa actitud de sumisión y todas esas
actitudes propias de la mujer porque se le habían asignado de esa forma la
sociedad y los valores que regían la sociedad de la era moderna. Así
encontramos modelos de representación que estaban directamente en
relación con la asignación de diferentes espacios sociales a hombres y
mujeres. La casa siempre va a estar mucho más relacionada con la mujer.
Así tenemos ejemplo las acciones de Fray Girolamo Sabanarola. ¿Qué
quiere decir con esto? Que es muy importante también no solamente la
disposición de la mujer y su actitud en la representación artística,
sino también el espacio en el que se ubica. Existe una asignación de
espacios dentro de la propia obra de arte. Por ejemplo, los espacios
relacionados con la casa suelen estar mucho más relacionados con la figura
femenina. Así, la mujer, más orientada a la conservación de los bienes
familiares que a su diseño y encargo en esa función de la casa, del
hogar, en ese rol asignado a la mujer interrelacionada de forma directa con
la casa y las funciones que en ésta se desarrollaban, estaba destinada a
lo que era la conservación de los bienes más que a su diseño, a su
encargo, al mantenimiento y al fomento del cultivo de las artes. Todo ello
en el hogar y siempre en un segundo plano. Alberti, en su tratado de la
familia, dice, fijaos lo que dice uno de los grandes arquitectos y uno de
los grandes tratados o tratadistas de la época, él dice que la mujer
debía o estaba destinada a la casa. Fijaos qué curioso la manera que
tenían directamente de asignarle roles a la mujer sin ni siquiera
plantearse uno el por qué, porque los por qué son importantes en esta
vida. ¿Por qué la mujer debe estar relacionada directamente hacia las
labores del hogar? Pues nadie me ha sabido dar una respuesta que a mí me
convenza más que por tradición, porque siempre se ha hecho así, pero
bueno, siempre se haya hecho así no significa que no pueda cambiar.
Entonces, en ese tratado de la familia dice que Alberti afirma que la mujer
debe estar destinada a la casa, que es un ser sumiso y frágil y debe de
encargarse de la custodia del patrimonio del linaje, es decir, y debe
encargarse de proteger el patrimonio para los herederos, aparte por
supuesto de ser madre. Esa era una labor que al parecer era intrínseca y
era la finalidad de la mujer ya que si no una mujer, pues por ejemplo, no
era fértil, era rechazada por su marido y tenían derecho a ella. Las
estancias en la distribución dentro de la casa, que en principio estaba
más relacionada con la mujer, dentro del propio edificio de la vivienda o
del hogar había también una clasificación de espacios. El estudio era
para los hombres, la sala y la cámara para compartir en matrimonio. La
mujer tenía dos muebles para ella, fijaos ¿no? Dentro de la grandeza o de
lo grandioso que era la distribución de las viviendas, de las clases altas
en la edad moderna, pues prácticamente aunque la mujer tenía como misión
la de estar en el hogar, ser sumisa, frágil, custodiar los bienes del de
la familia para los herederos, para el linaje. Ella tenía dos muebles, un
dress-over y un cofre. Fijaos ¿no qué privilegio tenían? Es un poco
ironía, claro está. Dentro de que tienen que hacer todas esas funciones
propias y asignadas de manera injusta al rol femenino dentro del hogar, a
ella se le daba entre comillas el privilegio de tener dos muebles para
ella. El oratorio también era un lugar destinado a la mujer. La mujer
debía de mostrar piedad hacia la creencia religiosa ¿no? El oratorio era
otro de esos espacios también muy relacionados con la figura femenina.
Piedad femenina y fervor religioso, eso era otra de las funciones o otras
de las asignaciones que de manera directa iban relacionadas con la figura
de la mujer. Como ejemplo se nos pone a la reina Isabel la Católica que
tenía un oratorio personal y las imágenes religiosas que regaló a las
nuevas parroquias granadinas, como en la Capilla Real Granadina. Pues bien
ese rol asignado a la mujer, ese espacio dentro de lo que era el núcleo,
el hogar familiar también estaba dividido o asignado previamente. Isabel
de éste estaba casada con Francisco II de Gonzaga que era el duque de
Mantua. Tenía amplios conocimientos del patronazgo del arte que puso en
práctica a pesar de ser una mujer. Isabel se enfrentó a los espacios
tradicionales de género, por eso en su lucha por tener un papel importante
dentro de la producción artística del fomento de ésta y del
coleccionismo pues luchó por romper esas barreras que le habían asignado
por el hecho de ser mujer. Se pretendió, la historiografía ha pretendido
que fuese recordada por su castidad y su fidelidad marital. Fijaos no qué
injusto, después de toda la labor que llevó a cabo en relación al arte
pues la historiografía ha pretendido que pasase a la historia como un
personaje femenino recordado por su castidad y por su fidelidad marital,
cuando estos principios nunca han estado o por lo menos nunca han sido
características que se han tomado como punto de referencia para que un
personaje histórico masculino pasase a la historia. La castidad y la
fidelidad eran también, digámoslo así, principios de moralidad que
estaban relacionados directamente con la mujer. La mujer casta, la mujer
fiel en ningún momento se habla del hombre por eso es todo un poco injusto
y un poco fundamentado en una sociedad totalmente patriarcal. En su
Estudionlo, en el Estudionlo de Isabel, se encuentra la obra conocida como
El Parnaso de Andrea Manterna que mostraba a Isabel como Venus y su marido
como Marte, identidades de géneros diferentes. Es una representación de
Andrea Manterna titulada El Parnaso que se encuentra en el Louvre, obra de
1497. Aquí la tenemos y aparece esa imagen de Venus y de Marte
representando a Isabel y a su esposo dentro de lo que sería el elogio o la
vuelta a todos los elementos propios del mundo clásico. Luego en el
apartado de negociaciones de identidad está claro que arte, manifestación
artística, fomento de la obra artística y coleccionismo no se
identificaba o no se estaba acostumbrado a que fuese identificado con el
rol femenino. La identidad de la mujer en la cultura se construía en gran
parte a través de la relación con sus padres y sus esposos. Fijaos, la
mujer y la cultura se podía... que este tema a mí me enerva un poco,
sobre todo viendo en la sociedad en la que vivimos que hemos evolucionado
mucho pero todavía nos queda mucho por hacer por la defensa de la
igualdad. Entonces la mujer y la cultura siempre estaba relacionada con la
figura masculina, es decir con su padre y con su esposo. Esa era la única
manera que tenía la mujer de acceder a la cultura, con el beneplácito de
sus padres y de su esposo. ¿Y qué cultura? Porque no tenían derecho a
acceder a toda la cultura. Claro, era muy injusto que una mujer ya por el
hecho de ser mujer no tuviese la opción o las opciones de acceder a la
cultura de una manera libre sino siempre bajo el amparo de su padre y de su
esposo. Como ejemplo se nos proporciona las referencias a la madonna de la
humildad en muchos inventarios del renacimiento italiano. Temas en el arte
sobre la mujer. ¿Cuáles son esos temas que vamos a encontrar y que tienen
que ver también con los contenidos de la asignatura? Pues vamos a
encontrar mujeres como reinas, santas bíblicas y otros personajes
mitológicos arquetipo de la mujer. Siempre va a estar la mujer reina o
representada como una reina, como una santa, como personas religiosas que
siguen la palabra o las escrituras de la biblia y como otros personajes
prototípicos de la mitología. Cuando digo prototípicos, pues la belleza
y esos principios que siempre han desde mi punto de vista esclavizado un
poco a la mujer que no al hombre. Los casoni italianos del siglo XV son
arcones matrimoniales, son una manifestación artística muy específica
denominada los casoni. Son arcones matrimoniales para guardar el ajuar
ubicados en los dormitorios. Situaban a la esposa y esposo en distintas
posiciones. Fijaos qué curioso cómo en la manifestación artística se ve
esta marginación social que sufría la mujer. Al marido siempre se le
representa con temas virtuosos romanos, los emperadores romanos como
elemento a imitar. A las esposas se les representa con virtudes privadas,
asuntos de moral sexual matrimonial y siempre piadosas, sumisas al varón.
Entonces podemos ver que en el arte en sí también existe una plasmación
de ese segundo plano y esa marginación que la mujer ha sufrido a lo largo
de los tiempos. Obra. Como obra nos proponen la historia de Griselda, que
reproducía una fábula literaria que narraba la boda entre un marqués y
una joven pobre y ella debía ser obediente al marido. Ella aparece en un
espacio de identidad dado por el hombre. Fijaos, ¿no? Esa representación
en la historia de Griselda pues aparecen los elementos propios de
marginación que la mujer sufría en la época por el hecho de ser mujer.
La asignación de roles y la asignación de funciones y valores morales que
la sociedad otorgaba a la mujer por el hecho de ser mujer y ésta pues no
tenía derecho a opinar si estaba de acuerdo o no estaba de acuerdo con
estas asignaciones. Era lo que había y había que asumirlo. Obra de 1492.
Ejemplo. Como ejemplo de todas estas acciones, de todas estas funciones
relacionadas con las mujeres nos pone a la figura de María de Medici
durante el reinado de su marido Enrique IV y las acciones llevadas a cabo
durante su regencia y reina madre. Tras la muerte de su marido, su
actividad promotora se hizo más visible y necesaria centrada en
actuaciones de temática religiosa función de legitimación. Ahí tenéis
un ejemplo de una mujer que tras la muerte de su marido pues pudo llevar a
cabo una serie de acciones relacionadas con el patronazgo del arte, de una
manera más visible aunque siempre actuaciones relacionadas con la
temática religiosa. Así encontramos el programa de decoración pictórica
y escultórica del Palacio de Luxemburgo donde María de Medici,
justificación, intenta utilizar el arte como una justificación de su
poder como reina madre más la enfatización de sus lazos con los Medici y
la exhibición de algunos modelos clásicos de mujeres que hayan ejercido
ese poder. Ella en el proceso de decoración del Palacio de Luxemburgo va a
utilizar el arte para dejar constancia de su figura como mujer, como reina
madre, para dejar constancia de las relaciones que mantenía con los Medici
y para dejar constancia de su figura como una imitación o su figura
tomando modelos clásicos de las mujeres que conocían y que habían
ejercido el poder. Ejemplo, encontramos las pinturas sobre María de Medici
que realizó Rubens donde se intenta destacar ese poder autónomo de la
reina madre cuando hablamos de autónomo es el empoderamiento de la mujer
¿no? Aquí ella quiere dejar constancia de ese empoderamiento que tiene
como reina y como madre y ambas cosas al mismo tiempo como reina madre. Y
así tenemos a Rubens que introduce las promociones femeninas en las
políticas familiares la victoria de Júlich de Rubens de 1625 es la
importancia, la representación de ese empoderamiento de la figura femenina
como reina madre, la importancia de la esposa viuda que es matrona del
cuidado de los bienes familiares de identidad colectiva y no personal como
es la figura de María de Medici. Que no solamente es una identidad
personal ella como reina madre sino también identidad familiar, identidad
del linaje y del mantenimiento de los bienes familiares sobre todo aquellos
bienes relacionados con el mundo del arte. Pues bien, hecho un repaso a los
contenidos más destacados del tema 7 nos vamos a pasar ya os digo que el
tema 7 yo creo que los libros deberían de hacer más caso a las mujeres en
el mundo del arte deberían de haber temas o incluir dentro de los temas en
lo que es los estudios del arte, incluir de una manera más visible y lo
que son las acciones que han llevado a cabo mujeres ilustres a lo largo de
la historia. Es una opinión personal y ni mucho menos tiene por qué ser
compartida pero creo que es de justicia. Nos vamos con el tema número 8
que se centra en las academias de bellas artes que digamos que son
instituciones que van a regular ese patronazgo de alguna manera y va a
aparecer el academicismo dentro de lo que es el mundo del arte en su
control, en su fomento, en su protección si queremos llamarlo de esta
forma. El tema 8 nos va a presentar en su introducción nos afirma que se
produce la aparición de las academias de bellas artes durante el
renacimiento. Estas academias nacen en estrecha relación con los gremios y
con las nuevas corrientes de pensamiento que se venían ya de Italia, nacen
como el humanismo, como esa recuperación por el mundo clásico, como la
búsqueda de los principios propios que sustentan todo lo que es la edad
moderna. La finalidad es en principio la finalidad de esta aparición de
las academias era adquirir prestigio y poder por parte de los artistas
porque hasta ahora hemos visto siempre o estamos hablando siempre del poder
que adquieren lo que son la nobleza, el clero, la monarquía, el
patriciado, burgueses pero hasta el momento no se ha hablado en profundidad
de el poder que también y el prestigio que también querían alcanzar los
propios artistas con sus producciones artísticas. Artistas, ¿qué
pretenden los artistas? Los artistas quieren alcanzar privilegios e
igualarse a los beneficios que tienen los estamentos más altos, es decir
igual que las estamentos más altos como hemos visto en temas anteriores se
aprovechan del arte para adquirir prestigio poder y mantenimiento de ese
poder en vida y posterior a la muerte los artistas que son al fin y al cabo
los que producen arte los que crean el arte gracias a su genio creador pues
también quieren beneficiarse de esos privilegios. De esta manera el arte
estaba al servicio de los altos poderes, el arte era un bien que existía
porque estaba al servicio de quien podía pagarlo y como no serían los
cuatro actantes importantes que hemos trabajado y visto anteriormente como
son la iglesia con la figura del papado, las monarquías como hemos visto
con Carlos V, Felipe II o incluso Luis XIV en Francia y luego hemos visto
la nobleza como también la nobleza ha hecho y hizo uso de el arte para
prestigio social, mantenimiento del poder y super durabilidad en el tiempo
y por último los burgueses o la burguesía pues bien el arte existía
porque estaba al servicio de estos cuatro grandes participantes activos
para que el arte tuviera una producción y una conservación. De esta
manera existe en la edad moderna en el siglo XVI una necesidad de teorizar
el arte, de que existiese una teoría del arte y aparecen aisladamente en
Florencia del siglo XV los estudios y las tertulias para debatir sobre el
arte y fomentarlo que en aquel momento se considera una función de
vanguardia, una función totalmente moderna e innovadora. Empiezan a
plantearse qué es el arte, empiezan a discutir sobre los principios que
deben regir el arte sobre todo para su fomento y su conservación. Con el
tiempo estas primeras academias de bellas artes se convirtieron en escuelas
para jóvenes aspirantes a ser artistas. De esta manera el arte ya se va a
teorizar y se va a comenzar a fomentar en las escuelas, en estas academias
que se convirtieron en una especie de escuelas para fomentar el arte a
través de la enseñanza de la misma. ¿Cuáles son los orígenes de las
academias de bellas artes? Pues surgen en los estados italianos del
Renacimiento y desde ese punto de partida se expandieron y radiaron como
modelos a otros reinos europeos, en principio en un principio no eran
academias como las podemos entender hoy día, sino que eran reuniones
informales de artistas para debatir sobre problemas propios de la
profesión del artista. Entonces así es como surgen esas primeras
academias de bellas artes en los estados italianos del Renacimiento como
reuniones informales donde se discutía y se debatía sobre aspectos
relacionados con el arte y la creación artística. A esto, este inicio se
va a ver resguardado por lo que es la publicación de tratados durante la
segunda mitad del siglo XV y durante todo el siglo XVI. Un tratado es un
documento normalmente creado por un artista donde se centra en principios
básicos del arte, desde la arquitectura, la pintura y la escultura. Se
teoriza el arte y entonces al estar teorizado pues digámoslo así que se
va a ver reforzado. Esa teorización va a estar muy relacionada con la
aparición de las academias de bellas artes. Así tenemos como ejemplo
Alberti y su tratado de reaerificatoria o la reedición del arquitecto
romano Vitruvio de Arquitectura que sirven como base teórica para la
fundamentación de las academias de bellas artes. Si en las academias de
bellas artes se va a terminar enseñando a futuros artistas es bueno partir
de un elemento, de una teoría, de un sustrato teórico. Entonces estos
tratados creados por artistas ya consagrados del momento van a servir como
punto de referencia para enseñar a los artistas. En Italia encontramos los
intentos de creación de academias y como ejemplo se nos propone el intento
promovido por Lorenzo el Magnífico en el Jardín de la Plaza de San Marco
en Florencia que tenía como finalidad la de promover la formación para
escultores que ya destacaban. Se tomó la colección de los Medici como
modelo para el estudio de los alumnos. Las obras que ya se tenían también
se van a tomar como punto de referencia para esas enseñanzas que se
pretendían llevar a cabo los alumnos o a los nuevos artistas. En Roma
encontramos los Jardines de Belvedere que también se sabe que hubo allí
una academia aproximadamente en el 1531. Aquí tenéis las imágenes de dos
tratados de estos que fomentaron la aparición de las Academias de Bellas
Artes y por lo tanto fomentaron la producción artística aportando una
base teórica de lo que era el arte en sus distintas manifestaciones. La
primera Academia de Bellas Artes como tal, como institución, la vamos a
encontrar en la Academia de las Artes de Dibujo que aparece, se establece
en Florencia y que fue fundada por Cosme de Medici en 1563. El impulsor de
esta academia fue Giorgio Vasari y su obra Las vidas de los más excelentes
pintores, escultores y arquitectos. Fijaos que Vasari es uno de los mayores
estudiosos, de los genios creadores del arte y la aparición de la primera
academia como institución oficialmente es de 1563 y aparece en Florencia y
aparece relacionada con los Medici. Ya sabemos la importancia que tenía
tanto Florencia como núcleo de creación artística como la figura de los
Medici y además va sustentada con un tratado de las vidas de los más
excelentes pintores, escultores y arquitectos. Debían pertenecer todos los
artistas de Toscana, tenían 47 artículos aprobados por el gran duque,
estuvo configurada por dos capi, el príncipe Cosme y el artista Miguel
Ángel. Se enseñaba geometría, perspectiva y anatomía. No eran clases
convencionales, no eran clases convencionales como podía haber en otras
instituciones educativas sino que aquí lo que se enseñaba eran las bases
teóricas para la producción artística, para la creación artística.
Hacia 1575 Federico Zuccaro solicitó la reforma de los estudios para que
se dedicase a la formación de los artistas, al final se ocupaba de asuntos
jurídicos y gremiales, no tuvo el éxito que esperaba, no tuvo el éxito
esperado. Es decir, el autorretrato de Federico Zuccaro, lo tenéis ahí,
dice que solicitó la reforma de los estudios para que se dedicase y
estuviese más centrada a lo que era la formación de artistas ya que
pensaba que las enseñanzas que se estaban llevando a cabo no eran las más
adecuadas pero este intento de reforma en 1575 no tuvo éxito. También
encontramos la Academia de San Lucas en Roma, desde donde se deseaba sacar
a la pintura, a la escultura y al dibujo del estado de manifiesta
decadencia, falta de cultura y de moral cristiana. Eso era la base, ¿no?
Se deseaba sacar a la pintura, la escultura y al dibujo del estado de
manifiesta decadencia, ¿por qué? Porque se pensaba que existía una falta
de moral cristiana, una falta de conocimientos culturales y una falta de
moral cristiana. Los estudios basados en el estudio del arte de la
antigüedad y del renacimiento. En la ubicación de esta academia la vamos
a encontrar en la iglesia de Santa Martina en 1593 y estaría bajo el
patronazgo de los papas y siempre en esta academia la mayor finalidad era
una finalidad educativa pero sin olvidarnos quién regía, que eran los
papas quienes dirigían y por lo tanto siempre fundamentado todo bajo la
moral católica o la moral dirigida por la institución de la iglesia.
Normalización y divulgación del academicismo artístico italiano. Las
academias francesas de bellas artes. Dice que en Francia, en la época del
cadenar Richelieu y de Colbert, que ya los nombramos y lo vimos cuando
vimos el tema relacionado con la asimilación de los principios italianos
en la monarquía y en el estado francés, pues Richelieu y Colbert van a
ser los centros, los personajes de los cuales van a irradiar el
academicismo por toda Europa al asumir el sistema italiano que era fomentar
el arte y fomentar la formación del artista. De nuevo se toman como punto
de referencia aquello que se venía haciendo desde Italia, que va a ser
siempre el punto a tener en cuenta en este periodo en lo referente a la
producción artística y en las innovaciones artísticas. Entonces tenemos
aquí a la figura de Richelieu y de Colbert, que son los que van a expandir
esos principios academicistas fundamentados en fomentar el arte y la
formación del artista que ya cogen e incluyen dentro de lo que es el
estado francés. El Cardenal propició la fundación de la Academia
Francesa en 1635 y esta academia tenía como misión cultivar y fomentar la
lengua francesa, en principio. Publicación, por lo tanto, de un
diccionario y de una gramática y aparecen luego más academias, como son
las academias de danza, de bellas artes, de ciencias, de música. La
fundación de la Real Academia de Pintura y Escultura tuvo lugar en París
en 1648. Esta se oponía a la estructura gremial, los cuales crearon su
propia academia, la de San Lucas, porque no podemos olvidarnos que seguía
existiendo una rivalidad y no estaban claros los límites dentro de las
manifestaciones artísticas, de cuáles pertenecían a gremios y cuáles
eran artes, digámoslo así, por sí mismas. En 1651 ambas instituciones se
unieron. Colbert hizo que el estado estuviera como protección directa de
la Academia de Bellas Artes. Por lo tanto, el estado ya es el mayor actante
proteccionista de la producción artística en Francia a través de su
Academia de Artes. Dice que el rey destinó un presupuesto propio a la
Academia de Pintura y Escultura. Fijaos que al rey le interesaba la
producción artística como sustrato para mantenimiento del poder,
expansión visual de su poder. Era un elemento casi publicitario. Los
encargados de la academia eran Colbert y Lebrun. Era un sistema académico
centralista y absolutista como no podía ser de otra manera. El artista,
¿qué ocurre con esto? Que por un lado se pretende fomentar la creación
artística, establecer unas fundamentaciones teóricas. Pero en el momento
que es una institución centralizada o centralista y con los principios de
la monarquía absoluta, el artista deja de ser libre y depende del estado y
por lo tanto del rey. Recordad que en Francia el rey era el estado y el
estado era el rey. Así encontramos una jerarquización dentro de la
organización propia de la academia en Francia. Teníamos al protector,
viceprotector, el director, los cuatro rectores, sus adjuntos, los seis
consejeros, el secretario, los académicos honorarios, los académicos,
etcétera. Y se estudiaba en dos cursos. Si nos fijamos ya en Francia a
pesar de haber cogido los fundamentos de la creación de las academias que
tenían en Italia la sistematizan, la jerarquizan y la convierten en una
institución centralizada y absolutista que al fin y al cabo hace que el
artista como mente creadora pierda libertad porque está al servicio del
estado. También existía una serie de premios que también estaban
jerarquizados de más a menos importancia, como eran los Petits Prix, el
Grand Prix y el Prix de Roma, donde se premiaban a través de medallas o
incluso de la devolución de las tasas o pagos para acceder a las
academias. En 1748 se creó la denominada École des Éleves Protégés,
tal cual lo leo, tal cual se escribe, con sede en el Palacio del Louvre
para enseñar a los discípulos más distinguidos. Ya van a hablar de lo
que son los discípulos de la primera generación academicista, pues para
enseñar a estos discípulos y así nos muestran Jean-Baptiste Colbert en
1666, el retrato del personaje que aparece aquí y luego tenemos Vista del
Palacio Mancini, primera serie de la Academia de Francia en Roma. ¿Qué la
tenemos? Aquí está. Esas son las dos láminas que están relacionadas con
el contenido de este apartado y por último se centra en el academicismo
español en las bellas artes, las luchas por el poder prestigioso. Intentos
previos para construir una academia en bellas artes en España, pero fue
algo efímero, que fue la Academia Real de Matemáticas de Felipe II. Ahí
Felipe II tiene un primer intento para la creación de una academia, en
este caso la Academia Real de Matemáticas, pero fue algo efímero que no
tuvo éxito. Academia... por otro lado vamos a encontrar la Academia de
Dibujos en La Corte bajo la Advocación de San Luca, que fue protegida por
el Conde Duque de Olivares, ubicada en el Convento Madrileño de la
Victoria. Aquí tenemos también una academia dedicada al dibujo. Obras
académicas... perdón, otras academias. Otras academias del momento las
vamos a encontrar en Sevilla con la figura de Murillo, de Valdés Leal y
Herrera el Mozo, y dos en Barcelona y una en Valencia. En el año de 1752
se produce la fundación oficial de la Academia de Bellas Artes aquí en
España, la Real Academia de San Fernando, que se crea y se funda durante
el reinado de Fernando VI, en torno a las obras del Palacio Real Nuevo de
Madrid. Esta academia fue promovida por el escultor Domingo Olivieri. Aquí
tenemos la aparición de la conocida Real Academia de San Fernando, que es
una institución que aparece en el año de 1752. Los orígenes de esta
primera Academia de Bellas Artes son unos orígenes complicados. ¿Por
qué? Porque querían quién se hace cargo de esa academia y el prestigio
que suponía dicha academia. Entonces hay una serie de problemáticas por
alcanzar el poder. También existe una problemática entre la academia y
los gremios, que no querían perder sus privilegios, ya que la academia
pues estaba patrocinada por el rey como un movimiento de reafirmación y
poder. Volvemos a ese intento de control y manipulación en la academia,
como una institución que era una manera de patrocinarse al rey y
reafirmarse como tal y reafirmar su poder. Aquí la fundamentación de esta
academia está fundamentada por el clasicismo frente al barroco decorativo.
Es una formación mucho más teórica, por ese proceso de teorización que
se venía ya haciendo del arte. El gobierno de esta academia estaba
dirigida por los consolidarios elegidos entre la alta aristocracia cercana
al rey y algunos intelectuales de prestigio. Se seguía el mismo modelo
francés, se seguía ese modelo francés de centralización porque de esta
manera tenían el control de la producción artística y formación de los
artistas. Era una estructura jerarquizada. Se crearon diferentes juntas de
gobierno en la academia. Una primera junta, la particular, donde se
trataban temas económicos. Una segunda junta, que era la ordinaria, donde
se trataban aquellos aspectos relacionados con los estudios y con los
méritos. Y una tercera, que era la junta pública, donde se asignaban los
premios. Y una cuarta y última, que era la extraordinaria, la junta
extraordinaria, donde pues se tomaban decisiones sobre asuntos
extraordinarios que no eran los habituales dentro de la organización y el
funcionamiento de la propia academia. Aquí es importante que en la
academia existía una primacía de la arquitectura que estaba fomentada por
la política de los Borbones. Se produce un desarrollo de las carreteras,
de los puentes, de las nuevas casas consitoriales, de las cárceles,
cuarteles, escuelas, teatros... Es decir, existe una primacía del arte de
la arquitectura impulsada por los Borbones que se va a manifestar en todo
este tipo de construcciones. Así nos encontramos el Palacio Real de
Madrid, en cuyas obras surgió la Real Academia Madrileña de Bellas Artes
de San Fernando y sede de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
en la calle madrileña de Alcalá, que se encuentra en el actual palacio de
Goyeneche, construido por José de Churriguera en 1725 y fue reestructurado
por Diego de Villanueva. Pues ahí tenéis un poco las dos láminas que
hacen referencia a la aparición y a todo lo referente a esta Escuela de
Bellas Artes de San Fernando. Fijaos que se va a producir en todo este
proceso de fomento de producciones arquitectónicas un conflicto entre los
arquitectos y los ingenieros, porque eran dos partes o dos áreas del
conocimiento que se necesitaban para poder llevar a cabo esas producciones
arquitectónicas. Los artistas que salían de la academia, pues debido a la
jerarquización que la propia academia tenía como institución en su
organización, quedaron estos artistas jerarquizados o clasificados en
diferentes categorías. Teníamos los arquitectos, que eran los de más
prestigio, los pintores y escultores, que eran los que posteriormente
salían con ese nombre y no tenían tanto prestigio como los arquitectos.
La Academia de San Fernando fue un organismo que asumió el papel de centro
de control de las bellas artes en España en todos sus géneros, pero sobre
todo en la arquitectura. Contribuyó por lo tanto esta producción
arquitectónica, contribuyó a servir a la política absolutista y
centralista de los Borbones, a imagen y semejanza de lo que ya se venía
haciendo en ese carácter centralista y absolutista que también se venía
desarrollando en las academias francesas, de las cuales toman el modelo
aquí en España. Y bien, es un poco a grandes rasgos siempre los
contenidos más destacados del tema, en este caso del tema 8. Hemos visto
primero el tema 7, luego hemos hecho un recorrido por los contenidos del
tema 8 y quedarían un poco expuestos los principios básicos o los
aspectos más destacados que tendríamos que dominar en referencia a los
temas anteriormente nombrados. Y por mi parte, poco más que añadir,
seguir animándoos a que trabajéis y a que avancéis en los contenidos de
la asignatura. Recordad que es una asignatura que no es lineal, sino que a
medida que vamos avanzando debemos ser capaces de ir interrelacionando
contenidos, aquí han vuelto a aparecer aspectos contenidos que hemos visto
en temas anteriores, de manera que el alumno al final tenga unos
aprendizajes holísticos completos, integrados, para poder defender la
prueba escrita a la que se tendrá que enfrentar. Y por mi parte, como
siempre os digo muchísimo ánimo en vuestra labor de la preparación de la
asignatura. Ante cualquier duda ya sabéis que podéis contar con mi ayuda
si está en mis manos. Sin nada más que añadir un saludo para todas, un
saludo para todos y nos vemos en la próxima clase.