Muy buenas a todos, muy buenas a todas y bienvenidos a una nueva clase de
la asignatura de Historia del Arte Moderno, Barroco e Ilustración.
Asignatura que se imparte desde el Centro Asociado de Sevilla para todos
aquellos alumnos que crean interesante usar esta herramienta como recurso
didáctico para la preparación de la asignatura. En esta ocasión nos
vamos a centrar en los contenidos más destacados del tema 1, advirtiendo
que debido al tiempo y debido a la densidad de los contenidos pues vamos a
hacer un repaso de estos de una manera más general en el sentido de que
intentemos abarcar el recorrido por el tema que nos hace el propio libro de
texto, pudiendo así con ello pues tener una visión general de lo que es
el barroco en Italia. Ya sabéis que disponéis del mismo material que
utilizo para la grabación de la clase pues ese material lo tenéis anclado
en un documento en PDF en la parte izquierda de esta misma grabación. Se
recomienda que se descargue y que a través de dicho documento podáis
seguir la clase de una manera más práctica y que además esa herramienta,
ese documento, ese resumen, esquema resumen que he elaborado para vosotros
pues que os sirva para la preparación de la asignatura. En dichos
documentos a lo largo de toda la clase, en los documentos de la clase, en
los documentos de las sesiones, también van incluidas las láminas. Es
decir, todas las obras, todas las obras plásticas que aparecen en el libro
básico. Pues bien, vamos a hacer un recorrido, como he dicho, sobre lo que
es el barroco italiano teniendo en cuenta que es un recorrido muy
generalizado ya que en asignaturas de tercero y cuarto pues se harán
estudios de manera más pormenorizada sobre aspectos relacionados con el
barroco. Esta asignatura es, se intenta que el alumno tenga una visión de
lo que significó el arte barroco, sobre todo en Europa y las distintas
plasmaciones en las obras de arte que tenemos y que han llegado hasta
nosotros. El apartado número uno comienza con la conceptualización de la
transformación urbana de la Roma papal. Se va a llevar a cabo un proceso
de transformación. Desde finales del siglo XVI hasta ya el primer tercio
del siglo XVII. Entre 1580 y 1630 Roma, que va a ser el centro neurálgico
que vamos a tener como punto de referencia, va a sufrir una transformación
urbanística con una intencionalidad principal y primordial que es la de
crear, espacios, disponer de lugares que sean adecuados para el culto y la
propaganda religiosa. Esa va a ser una de las finalidades esenciales, hacer
de Roma una ciudad abierta al creyente. Así en el pontificado de Sixto V
se produce una reformulación urbana de Roma gracias a Doménico Fontana.
Este arquitecto va a llevar a cabo una reformulación urbana de Roma
gracias a Doménico Fontana. Una variación estructural de la ciudad y para
ello comenzó abriendo una amplia red de vías para unir las principales
basílicas. Las principales basílicas con las principales plazas,
obeliscos y fuentes. De esta manera intenta crear un entramado que sea ya
predirigido para la facilidad de aquellos que vienen a la ciudad. La ciudad
de Roma con una finalidad de creencia religiosa. Así creó plazas tan
importantes como la de Santa María Mayo o la del Pópolo. De esta manera
se pretendía hacer de Roma el símbolo del poder de la iglesia y para ello
era necesario crear una red urbanística que facilitara al visitante el
poder acceder a los distintos lugares de culto, como eran las distintas
iglesias, haciendo así pues un entramado específico para ello. Intentando
en este proceso de intentos de crear Roma como símbolo de la iglesia, el
mecenazgo de Pablo V, ¿vale? Pablo V va a ser un promotor de un nuevo,
para que veáis todas las transformaciones que se hicieron, va a ser el
promotor de un nuevo acueducto de Flaminio Poncio, urbano octavo, va a
crear plazas como la del Quirinale, Inocencio décimo, es el renovador de
los interiores de las basílicas. Va a poner énfasis en llevar a cabo una
estructuración y una nueva, digámoslo así, una nueva concepción del
interior de los recintos santos. Así nos vamos a encontrar como Santa
María Mayor o lo que va a llevar a cabo en San Juan de Letrán. . que se
pretendía de crear, de hacer de Roma un símbolo del poder de la iglesia.
Alejandro VII hizo una sistematización de lo que es la plaza de Santa
María de la Paz y del Pópolo. Fijaos la importancia que tienen aquí las
plazas como punto de referencia, como punto de encuentro. Otro,
intervención urbanística más importante que se va a llevar a cabo en
este periodo va a ser la plaza de San Pedro del Vaticano, punto neurálgico
de encuentro con la iglesia ya que se representa a través del Vaticano la
presencia de la figura más importante del cristianismo en lo que es en
esta tierra. Entonces va a ser una de las intervenciones más importantes
que se van a llevar a cabo. En definitiva, en esta transformación urbana,
lo que se pretende es dar cabida a todo el visitante a hacer de Roma un
centro neurálgico de lo que es la creencia, el cristianismo, el
catolicismo y para ello van a llevar a cabo toda esta remodelación y
reestructuración de la ciudad que viene en un mapa, hay un mapa
orientativo de todas esas modificaciones. Es esquema del plan urbanístico
de VI-V en Roma de 2000. 2009 según un estudioso. Ahí tenéis ese mapa
que nos lo indica. Así se va también, como no, a tener en cuenta
arquitectos de renombre. Entonces con Viznola se va a llevar una
normalización del lenguaje arquitectónico teniendo por normalización
unas bases. Se van a intentar establecer unas bases que van a servir como
punto de referencia, para esa nueva remodelación que ya estaríamos
entrando en lo que es propiamente el barroco. Así Viznola va a llevar a
cabo la construcción de lo que es la Iglesia del Jesús. Iglesia que va a
servir de modelo para construcciones posteriores, sobre todo en lo que es
la configuración de su fachada, una especie de fachada pamutaya que es el
prototipo de las iglesias de la contrarreforma. La Iglesia de la
Contrarreforma. ¿La finalidad que tenía esta Iglesia? Pues esta Iglesia
tenía como finalidad lo mismo que tenía como finalidad toda la
remodelación que se estaba llevando a cabo, que era facilitar el flujo de
los fieles. No olvidemos que el catolicismo tiene sentido porque hay fieles
que creen en dicha religión y es necesario facilitar a los fieles el
acceso a los lugares santos, a los lugares sacros, no son basílicas e
iglesias. Así va a predominar, en este tipo de iglesia, una nave
longitudinal normalmente con una única nave. Esa nave tiene carácter
longitudinal con capillas en los lados, capillas laterales, una bóveda de
cañón, un transepto, es decir, ese lugar de encuentro en el centro antes
del altar que va a estar cubierto por una gran cúpula a través de la cual
entrará la luz. Esa es la estructura básica de lo que será la Iglesia de
Jesús que instaura Vignola. También nos vamos a encontrar a la Iglesia de
San Ignacio, otra de las construcciones de este arquitecto es la Iglesia de
San Ignacio de Grassi o la obra de Giacomo della Porta, que van a seguir el
mismo modelo de Vignola. Por lo tanto, Vignola va a ser un punto de
referencia con la construcción de su Iglesia del Jesús de 1568 para
posteriores arquitectos que la van a tomar como punto de referencia. Así
tenemos la Iglesia de San Ignacio o la obra propiamente dicho de Giacomo
della Porta que siguieron este modelo. Y aquí tenemos a esta iglesia,
¿no? Esta iglesia que, como veréis, está estructurada sobre una
escalinata dividida en dos plantas, o en dos pisos, ¿vale? El primer piso
se divide del segundo con una especie de entablamento con salientes y
entrantes adaptándose a la estructuración del primer piso con columnas
dobles en la entrada principal y pilastras adosadas dobles también a ambos
lados rematado en la primera planta con una especie de frontón triangular
sobre el cual aparece un frontón semicircular combinando así la línea
curva con la línea recta. Sobre este aparece un segundo piso mucho más
esbelto porque es más estrecho y además de ser estrecho va rematado con
un frontón triangular siguiendo el mismo esquema de la primera planta pero
a ambos lados de este segundo piso aparecen esas volutas decorativas que
agilizan y ofrecen dinamismo a lo que es el edificio. Ya se puede apreciar
cómo el edificio intenta salir de su linealidad para acoger al visitante a
su interior. Carlo Maderno es otro de los arquitectos, ¿vale? Arquitecto
de San Pedro. Es una de las grandes figuras que vamos a encontrarnos en
todo lo que se refiere a la arquitectura del barroco en Italia. Y va a
llevar a cabo una serie de experimentaciones como hacen muchos de los
arquitectos cuando crean un nuevo estilo o una nueva manera de construir. Y
va a llevar a cabo una transformación, una experimentación a través de
las fachadas de las iglesias. Así destacamos como obra más importante de
este arquitecto, de Maderno, su obra La Iglesia de Santa Susana que, como
vemos, sigue un esquema parecido al de Vignola pero todavía es más
esbelta, digámoslo así, porque es más, el segundo piso se eleva aún
más. Es una concentración progresiva de vanos. Si veis, vemos simetría
en su estructuración en dos pisos. En este caso predomina en la primera
planta las columnas siempre con un tipo de orden clásico. En este caso
sería un orden corintio. A ambos lados de la primera planta aparecen
pilastras con un efecto mucho más decorativo. Y en la segunda planta
podemos apreciar cómo se estiliza el edificio. La parte superior es más
estrecha, con esa voluta decorativa a ambos lados. Se ha matado todo con un
frontón y siguiendo la misma estructuración, digámoslo así, de la
primera planta en lo que es la decoración. Que aparecen con pilastras a
ambos lados del vano central y hay unas hornas finas o huecos que sirven
para colocar esculturas con lo cual se crea una especie de fachada pantalla
donde se unifican los propios elementos de la arquitectura con la
manifestación de la escultura. Unificando así en una misma fachada
arquitectura y escultura, dando la sensación de crear un espacio
escenográfico. Siempre con esa intencionalidad de invitar al creyente a
que acceda al edificio. Todo esto va rematado con una balaustrada y hay
distintos elementos decorativos. Empieza aquí a verse ya esos elementos
decorativos típicos que vamos a encontrar en el barroco. Otro de los
ejemplos de arquitectónicos de iglesia de estos autores es la iglesia de
Santa María de la Victoria de 1605. Luego tenemos a Estéfano Maderno que
no lo podemos confundir con el arquitecto sino que es el escultor que hace
una de las esculturas o crea una de las esculturas más impresionantes en
este inicio de lo que es la configuración del barroco que es Santa
Cecilia. Santa Cecilia, que es un encargo de Clemente VIII su cuerpo había
sido hallado en Roma en 1599 en la misma y delicada posición con que
Maderna la reproduce con la intención de conmover, de despertar las
emociones y los sentimientos del espectador. Algo muy común que veremos en
lo que es la escultura barroca. Por lo tanto, esta santa que se representa
de la misma forma en que fue encontrada es una forma atípica hasta el
momento de las representaciones escultóricas y menos aún de personas, de
mártires de la iglesia. Aparece tumbada, ataviada con un ropaje con un
telaje perfectamente tallado que casi se puede ver a través de él aparece
con el rostro vuelto, tapado y lo que se pretende es captar la atención
del espectador sobre todo para emocionarlo. Lo veremos en lo que es la
escultura típica del barroco español desrelacionada o de temática
religiosa. Luego tenemos a Mochi que es otro de los escultores de este
primer inicio de lo que es este cambio hacia el estilo barroco Es un
escultor que crea obras como La Anunciación de la Virgen Los Monumentos
Ecuestres de Ranuncio y Alejandro Farnese donde desaparece ya con él lo
que es la línea estática esa línea que daba simetría, si queremos
llamarlo así, a la escultura sino que se rompe esa linealidad para dar
paso a la curva y con ella al dinamismo, al movimiento etcétera. Una de
sus obras más conocidas es la Santa Verónica que se encuentra en la
Basílica de San Pedro en el Vaticano. Una vez que hemos hecho este repaso
por estos inicios de lo que es la restauración del barroco en Italia ya
donde vemos esa ruptura con el periodo anterior más que ruptura, es una
evolución donde se van a incluir nuevos elementos donde predomina lo curvo
donde vamos a ver cómo predomina el dinamismo el movimiento lo decorativo,
lo ornamental que van a ser, digámoslo así principios básicos que vamos
a ir viendo a lo largo de todas las manifestaciones que se van a ir
desarrollando dentro de lo que es la manifestación barroca. En lo que es
la renovación pictórica vamos a empezar con los Caraxi y la renovación,
claro está de lo que supuso Caravaggio que va a ser el pintor quizás que
más va a influir en el movimiento en el periodo barroco y en lo que son
sus no solamente en sus coetáneos sino en pintores que vendrán en épocas
posteriores. Por lo tanto vamos a ver qué aspectos introducen para
llamarlos renovación. Hemos dicho que se pretende con la arquitectura por
ejemplo, aumentar y que el fiel llegue a los centros religiosos por lo
tanto se produce una ampliación de la devoción popular de la devoción
del pueblo. Esta devoción popular va a implicar que al mismo tiempo se
lleve a cabo un proceso una necesidad de a través de la pintura también
fomentar esa devoción pero utilizando un lenguaje claro y directo. Con
esta intención nuevamente despertar las emociones. De esta manera se van a
superar los principios que todavía estamos viendo o podemos observar que
son los principios del manierismo. En pintura vamos a encontrar a dos
grandes artistas como son Aníbal Calaxi y Calaballo que van a llevar a
cabo una transformación figurativa, una transformación de lo que es la
concepción de la pintura. Ambos se opusieron al manierismo y lo que
pretendían era manifestar su defensa de la captación de la verdad de las
cosas y por lo tanto expresar con ello su naturaleza, es decir el
naturalismo. Tanto Calaxi como Calaballo van a apostar y van a defender que
la pintura debe captar la realidad dentro de su contexto natural. Por lo
tanto buscan el realismo el naturalismo plasmado con pintura. Para
Calaballo, por ejemplo la verdad era el propio fin de la pintura la pintura
tenía un fin y era transmitir mostrar la verdad. Para los Calaxi yo he
hablado antes de Aníbal Calaxi pero son hermanos son más de uno, ahora lo
veremos pues decían que la verdad se debía de alcanzar a través del
filtro de la historia y de la tradición pictórica clásica. Lo que tienen
en común Calvesta es que van a utilizar la pintura como una manera de
captar la esencia de lo natural de lo que nos rodea y por eso van a romper
con lo que era el movimiento manierista y las corrientes propias del
renacimiento utilizando el término romper como renovación, van a llevar a
cabo una renovación de lo que es la configuración de la pintura y la
finalidad que ésta tenía. Así, los Calaxi van a llevar a cabo un proceso
de conquista, de reconquista siguiendo las enseñanzas sobre todo las
enseñanzas porque no podemos nunca olvidar que tienen una fundamentación
están fundamentados sus aprendizajes y sus principios en lo que es la
antigüedad es decir, el renacimiento la primera etapa del renacimiento ese
es su punto de referencia son sus maestros a los cuales le debe pues mucho
de lo que van a aprender pero ellos van a aportar una nueva
conceptualización de la pintura como es esa necesidad de plasmar lo
natural lo real. Ludovico Calaxi es uno de los hermanos pues juega un papel
fundamental en la creación de la función pedagógica de la academia
humanizó el tema religioso eso es muy importante se va a plasmar una
pintura donde se va a ir eliminando poco a poco ese carácter mítico o ese
carácter relacionado con el mundo de la divinidad para humanizarlo, ¿para
qué? para acercarlo al creyente todo tiene una misma finalidad y es
fomentar la religión, el catolicismo y para ello hay que acercarlo al
creyente, pues bien las imágenes van a ser humanizadas ofreciendo un al
espectador van a intentar ofrecerle siempre un punto de vista es decir el
punto de vista del observador siempre se va a tener en cuenta porque las
obras se van a manifestar a plasmar en un lienzo con un punto de vista una
perspectiva por parte del observador que va a ir de abajo arriba el
observador va a entender va a observar la obra siempre interpretándola,
digámoslo así desde un punto de vista de abajo arriba por ejemplo en la
virgen con el niño y los santos de 1591 donde empiezan a ya verse esa
emotividad en los gestos y en las miradas que van a crear una
interrelación y va a crear una comunicación es decir es como si la obra
hablase como si los personajes de la obra hablasen entre sí se crea un
proceso de comunicación interno entre los elementos, personajes que
configuran la propia obra además del mensaje que se transmite al
espectador Agostino Caraxi fue el más teórico, el más intelectual de los
hermanos y él donde encontró donde se encontraba cómodo era con el
grabado sobre cobre en esa técnica pues reprodujo composiciones de Miguel
Ángel, de Tiziano y de Veronés que eran los maestros de los cuales se van
a nutrir estos nuevos artistas y por último tenemos a Aníbal Caraxi que
este ya quizás es el que es más conocido y ha pasado a la historia del
arte con más renombre que fue el que tuvo una mayor imaginación a la hora
de crear sus pinturas conoció a Correggio estudió sus delicadas
atmósferas y la expresión de los sentimientos porque la expresión de los
sentimientos va a ser un elemento esencial de esta renovación pictórica
de este primer periodo de lo que es el barroco ver que para despertar el
interés del devoto es necesario despertar sus emociones y esas emociones
deben estar plasmadas en lo que es la manifestación artística propiamente
dicha viajó a Venecia porque estaba muy interesado por la pintura
veneciana y allí se va a encargar de estudiar a Tintoretto, a Tiziano y a
Veronés y en este proceso de aprendizaje lo que más va a influir en la
pintura es el carácter expresivo del color y la importancia de jugar con
la luminosidad con las cualidades lumínicas de esos colores ya sabemos que
la pintura veneciana entre otras características tiene una tonalidad un
cromatismo muy peculiar es verdad que cada autor tiene sus peculiaridades
pero es cierto que el cromatismo es una de las características más
destacadas de lo que fue la pintura veneciana del siglo XVI pues de ello va
a beber Aníbal Carracci y lo va a plasmar en su obra como en su obra La
Asunción de la Virgen si lo vemos aquí vemos ya en esta obra La Asunción
de la Virgen podemos apreciar ese dinamismo esa gestualidad de los
personajes que observan en la parte superior derecha a la Virgen no existe
una simetría y una estructura formal igualitaria sino que se va a crear un
proceso de comunicación en toda la obra pero fijaos lo que hemos dicho
antes el punto de vista siempre de abajo hacia arriba el espectador, el
devoto va a ascender su mirada y tiene que recorrer todo ese mar en magnum
de personajes que aparecen abajo El hombre que come habas es otra de las
obras que nos presenta el manual de este autor fijaos que aquí desaparece
la profundidad del espacio porque lo que importa lo que le interesa en este
caso es la expresión del rostro captar un momento esa captación del
momento fijaos con esa especie de naturaleza muerta una especie de bodegón
que tenemos sobre la mesa está muy influenciado por lo que es la pintura
de género nórdica de los países nórdicos aquí vemos una pincelada más
suelta aunque el dibujo sigue siendo importante pero la pincelada se suelta
y es la que empieza a configurar las formas del palacio familiar de Roma
este autor empieza a tener renombre y en ese proceso ya empieza a recibir
encargos de personalidades importantes de la época donde entra en contacto
con la obra de Rafael de Miguel Ángel y todo lo que tiene que ver con los
aprendizajes de la antigüedad clásica su primera obra vamos a encontrarla
en el estudio en lo privado donde va a utilizar la mitología y va a
utilizar como elemento referente Hércules y Ulises dos de los grandes
dioses de la mitología clásica conocidos por su valentía y sus heroicas
hazañas destacando la escena de Hércules entre el vicio y la virtud para
la colección de esculturas antiguas el autor mandó construir una galería
que es la conocida como Galería Farnese para su colección privada de
esculturas manda crear una galería donde albergar esa colección esa
colección va a estar albergada en esta Galería Farnese y la decoración
de la bóveda va a llevarla Aníbal Caraxi que quizá sea su obra cumbre en
esta cúpula que recurrió a la pintura de arquitectura ilusionista
significa que empieza a engañar al ojo con los trampantojos en el sentido
de que la arquitectura ilusionista lo que es la cuadratura o pintura de
arquitectura ilusionista como vengo diciendo donde recreó escenas
mitológicas enmarcadas dentro de marcos fingidos por eso es una
arquitectura fingida porque va a crear marcos arquitectónicos pero esos
marcos no existen como tal sino que están pintados de esa manera engaña
al ojo del observador pensando en ese enmarque que no existe como tal esta
estructuración si os fijáis está muy influenciada por la estructuración
que lleva a cabo Miguel Ángel de la Capilla Sistina con sus
correspondientes diferencias todo ello con la finalidad de crear una
ilusión de la realidad sin tener en cuenta que la temática es mitológica
a través de los personajes mitológicos siempre se va a intentar
engrandecer, legitimar si queréis decirlo así el poder que tiene el
personaje dueño de esa estructura y que ha llevado a cabo el encargo y
ahí tenéis la obra Aníbal Caraxi, La Galería Farnese de 1597 1601 fue
también el pintor de paisajes pero paisajes no propiamente dicho, así
tenemos la obra La huida a Egipto donde nos muestra un equilibrio entre la
naturaleza que ya hemos dicho que es lo que pretende captar el naturalismo,
la realidad de la naturaleza, la realidad del mundo, pues existe en esa
obra un equilibrio entre una naturaleza que es solemne con una arquitectura
romana al fondo, donde la escena bíblica, porque al fin y al cabo La huida
a Egipto es una escena bíblica está atravesada o se caracteriza por la
configuración de diagonales y la degradación de planos degradación de
plano es que a medida que los planos se van superponiendo el colorido y la
perfección y el detallismo también se va diluyendo con lo que es esa
degradación de planos estas innovaciones que ya vemos con los Carracci
vamos a ir profundizando en ellas a través del genio creador de Caravaggio
uno de los pintores que más han influido no solamente ya en el barroco
sino en épocas posteriores con su concepción de la pintura su ruptura con
las estructuras fijadas y el tenebrismo en su obra va a unir dos elementos
esenciales que para él debían de aparecer en toda obra pictórica como
son la verdad y la naturaleza es un pintor que nace en Milán en 1571 y
aprendió los inicios, aprende en el taller del pintor Simone di Cesare en
1593 llega a Roma donde fue acogido en el taller de Giuseppe Cesari
comenzando a pintar cuadros de pequeño formato de flores y frutas es
decir, él empieza su producción pictórica que es también en el proceso
de aprendizaje que está llevando a cabo con lo que son sus naturalezas
muertas frutas y verduras y flores en un pequeño formato era también una
manera de ensayar y de aprender en canastra de frutas de Caravaggio de 1596
que es esta obra que tenemos aquí es una naturaleza muerta y su interés
se encuentra en ubicar en su ubicación en el espacio es decir, cuál es la
relación que existe entre estas naturalezas muertas y el efecto que
produce la luz en la colocación por lo tanto intenta captar el mayor
naturalismo posible de aquello que pretende plasmar en la obra de arte
buscando un equilibrio entre el espacio la realidad en este caso, frutas y
flores y cómo afecta la luz en ese objeto en esta naturaleza muerta en el
espacio en el que la ubica de esta manera sacrifica lo bello para captar la
caducidad de la naturaleza en esta obra se puede captar incluso que hay
frutas que están maduras incluso maduras pasadas digámoslo así pero él
lo que quiere es captar esa esencia de la realidad para ello juega con el
espacio y el efecto que la luz provoca en el objeto que va a retratar en
ese espacio concreto claro está, fijaos que es muy importante el hecho de
que es tan importante para él la captación de esa realidad que le quita
importancia al plano, al fondo es un fondo neutro ¿por qué? porque lo que
quiere es destacar esta realidad esta naturaleza muerta donde capta la
esencia hasta tal punto que se puede ver el grado de madurez que tienen las
propias frutas si lo vemos con detenimiento otras obras relacionadas con
esta primera etapa sería el joven Baco enfermo que es un dicen que es un
autorretrato en una postura que rompe los esquemas que hasta el momento se
venían dando porque es el momento de giro en donde se autorrepresenta
autorretrata se dice que es porque estaba mirándose en un espejo y así
podía retratarse mejor se llama joven Baco enfermo porque se representa
con un aspecto porque en ese momento por lo visto estaba enfermo así
aparece con una piel amarillenta también tenemos muchacho con fecha de
frutas todas ellas son naturalezas muertas pero que van acompañadas de una
figura de media es decir, de media figura van representados de media figura
hacia arriba son jóvenes y se dice que suelen ser autorretratos del propio
pintor en algunas de ellas hacia 1599 pasada esta primera etapa de
experimentación y de creación de obras de temática de naturaleza muerta
o jugando con figuras donde incluyen también la naturaleza muerta hacia
1599 entró en el círculo culto y refinado del cardenal Francesco del
Monte para quien pintó su conocida obra El descanso en la huida a Egipto
es una escena íntima doméstica se quita ese carácter de divinización de
lo que es lo religioso y se humaniza para acercar la escena a lo que es el
propio observador y convierte una escena en una escena religiosa en una
escena cotidiana con un paisaje al fondo y una naturaleza muerta en un
primer plano ya os digo que las naturalezas muertas son considerables en la
obra de Caravaggio sobre todo en la primera etapa este proceso de
humanización fijaos lo más curioso es que aparece un ángel de espaldas
de espaldas al espectador con unas alas negras ya nos está ofreciendo una
configuración de estilo que rompe lo que es lo que venía haciendo la
tradición fijaos que esto es una escena íntima creando una especie de
círculo una vez que configuras la escena yo estoy fuera de esa escena a
mí no me han invitado por eso es íntimo ese carácter de doméstico lo
divino pasa a lo humano y aparece todavía muy delimitada la línea frente
a lo que es la pincelada que se irá soltando de momento aquí está todo
un poco más contenido ese paisaje de fondo que se va degradando que cobra
profundidad la importancia de los ropajes los efectos de luminosidad sobre
por ejemplo esos ropajes al final lo que crea es dinamismo pero un
dinamismo en lo que es la estructuración pero que era una atmósfera de
cercanía una atmósfera de sosiego tener en cuenta que estamos está
representando el descanso pues Descanso de la Oda de Egipto de 1603-1604 si
seguimos en su evolución como artista pues entre 1599 y 1600 ya en el
cambio de siglo realizó por encargo del Cardenal del Monte tres lienzos
sobre la vida de San Mateo para la Capilla Contarelli de la Iglesia de San
Luis de los Franceses aquí ya empieza a tener encargos de renombre y para
la Capilla Contarelli de la Iglesia de San Luis de los Franceses empleó
fuertes empezó ya a emplear los contrastes es donde empieza a experimentar
con las luces de una forma más directa luces y sombras y creando esos
contrastes típicos de su obra esa luz y esa sombra es la que va a dar la
configuración de la propia figura la que crea los contornos ese es el
juego de luces y sombras y eso juega a favor de la creación y la
intensificación del drama de la emotividad por lo tanto seguimos buscando
ese despertar de las emociones del espectador así tenemos el ejemplo el
martirio de San Mateo donde fijaos el propio autor se autorretrata en la
escena y es un espectador más de esa misma escena fijaos que curioso como
empieza a jugar ¿no? se retrata dentro de la escena para observar lo que
está ocurriendo en la escena como si fuera un observador más dentro de la
escena aunque él sea el propio artista que está pintando la escena San
Mateo y el ángel sería otra de las obras que crea para esta capilla o la
transcripción del evangelio siempre con el juego ya de luces y sombras que
a través de ese juego va a darle configuración y forma a las figuras que
configuran la obra el cardenal Cesari encargó a Caravaggio dos obras para
la decoración de su capilla de Santa María del Pópolo una es la
crucifixión de San Pedro y otra es la conversión de San Pablo en esta
última la conversión de San Pablo que la tenemos aquí viene en el manual
pues se centra en el intenso dolor del ser humano intenta expresar el dolor
recordad despertar las emociones la empatía se desarrolla sobre todo si lo
que estamos contemplando es sufrimiento, es dolor pues se centra en el
intenso dolor del ser humano donde la luz es esencia pura de la obra
destacando el uso en un primer plano acercando la escena al espectador con
el uso de diagonales fijaos como aquí aparece una V esa V hace que el
sufrimiento la visión, el ojo observador se centre en esa ya postura
extraña y poco habitual en la obra pictórica y al final está intentando
plasmar un momento de máximo sufrimiento de máximo dolor en lo que es la
conversión de San Pablo que aquí se representa pero lo más destacado es
los efectos de luces y sombras la luz es la que configura por ejemplo lo
que son las figuras del primer plano y el caballo si vemos ahí y tras este
un fondo de oscuridad el fondo siempre como telón para contrarrestarlo con
la luz que configure la figura su obra la muerte de la Virgen de 1605-1606
fue una obra bastante problemática en el sentido de que fue rechazada por
los carmelitas porque pinta una Virgen con poco decoro según éstos es
decir, es una obra donde aparece la Virgen representada sin seguir los
principios del decoro, del buen gusto según los preceptos y las sagradas
escrituras usando como modelo a una mujer muerta ahogada intentando captar
el máximo sufrimiento y el máximo realismo en la obra va a tomar como
modelo a una modelo real es decir, a una mujer muerta que ha muerto ahogada
porque la muerte de la Virgen se merecía este mayor nivel de captar la
naturaleza el naturalismo de esta manera se representa de nuevo una escena
divina con elementos de carácter divino pero en un ambiente humilde, en un
ambiente cercano, se quitan ese carácter de mitificación o idealización
o elementos del mundo divino para acercar la escena al mundo de lo humano
por lo tanto el ambiente es humilde, se puede apreciar las vestimentas de
los personajes la ropa de la propia Virgen es decir hay un ambiente de
humildad se relaciona con intentar captar la atención del pueblo del
vulgo, del creyente también aparece en esta época lo que es la obra La
Madonna de Palaflaneri de 1605 que fue retirada del lugar para el que se
pintó también tenemos que decir que Caravaggio con esta ruptura y esta
nueva manera de hacer pinturas pues tuvo muchos problemas porque algunas de
sus obras no fueron aceptadas en 1606 pintó La Cena de Maus La Cena de
Maus representa el momento justamente posterior a la bendición del pan en
una taberna fijaos esto vuelve a acercarnos a ese carácter de humildad de
cercanía, de lo cotidiano a pesar de ser un tema de carácter religioso
donde así vemos que lo sobrenatural porque lo divino es sobrenatural pues
se inserta de nuevo en una realidad tangible en una realidad cotidiana en
definitiva en una realidad cercana al espectador al creyente al devoto en
mayo de 1606 tuvo problemas con la justicia porque tuvo muchos problemas
con la justicia fue acusado de asesinato pues huyó a Roma y se refugió en
Nápoles donde pintó obras conocidas como las siete obras de misericordia
o la Madonna del Rosario posteriormente se marchó a Malta siempre estuvo
de un lugar a otro posteriormente marchó a Sicilia donde pintó la
resurrección de Lázaro y en todas estas obras ya de esta etapa más
tardía lo que principalmente predomina es el dramatismo es la captación
de un momento de tensión un momento de tensión que crea dramatismo
patetismo en el rostro patetismo en las posturas patetismo en las
relaciones comunicativas que se establecen en los personajes y todo muy
relacionado con el sentido de la muerte por lo tanto en su evolución
pictórica vemos como se acrecenta se fomenta este patetismo este
dramatismo y todo con un sentido relacionado con la muerte, con la
concepción de la muerte el mundo académico del momento siempre apoyó
más a la pintura de los Caraxi porque en definitiva era más academicista
se llamaban los principios del clasicismo pictórico mientras que la
ruptura propuesta por Caravaggio no fue tan aplaudida o tan seguida por los
coetáneos y también fue una pintura muy criticada aunque va a ser uno de
los pintores que más van a influir en lo que es la historia del arte pero
sin embargo en el momento su pintura no se entendió luego tenemos el
apartado relacionado con el debate teórico y el triunfo del ideal de lo
bello vamos a ver en que consistió este debate los teóricos más
clásicos, más clasicistas que estaban en Roma subrayaron la oposición
que existía en la concepción de la pintura en lo que era el resultado
final entre la obra de los Caraxi y la obra de Caravaggio por lo tanto
vamos a ver un tema y un enfrentamiento representado con estos dos pintores
donde Caraxi va a representar el clasicismo y Caravaggio la destrucción
entendiendo por el destructor de ese clasicismo en vez de entenderlo por un
rompedor que instaló una nueva manera de crear arte lo van a ver como un
destructor así vamos a encontrar una polémica entre el naturalismo y el
clasicismo en la pintura romana se resuelve al final en 1625 a favor del
clasicismo tomando como punto de referencia el clasicismo para la
producción pictórica el caravallismo va a morir momentáneamente hacia
1630 y ese naturalismo que él intentó plasmar en su obra va solamente a
manifestarse en la pintura de género sobre todo en las naturalezas muertas
razones por qué triunfa el clasicismo frente a esta nueva manera esta
nueva concepción de entender el arte pues las razones son las siguientes
primero los pintores clasicistas recibieron apoyo de la aristocracia
recibieron el apoyo de la aristocracia de la nobleza y en segundo lugar
también recibieron el apoyo de los teóricos académicos por lo tanto si
recibieron el apoyo de la aristocracia que eran los que iban a adquirir y a
encargar y a comprar las obras y por otro lado tuvieron el apoyo de los que
fundamentaban teóricamente el arte pues se triunfa o triunfa lo que es la
corriente clasificia de los carraxi Agucci en su tratado a la pintura de
1646 para que veáis como los tratadistas y los teóricos pues se van a
influir mucho en las concepciones y en las corrientes pictóricas pues
Agucci en su tratado de la pintura de 1646 va a servir como tratado del
clasicismo y dicha tesis fue recogida por Bellori cual afirmaba que había
algo que había cambiado la fe en el arte como instrumento de conocimiento
de la realidad y del hombre era una manera de defender el clasicismo frente
a esa nueva y destructora concepción de la pintura representada en las
figuras de Caravaggio mientras el caravallismo la influencia de Caravaggio
se va a expandir por Europa pero en Roma va a triunfar el clasicismo donde
se impuso el círculo de los artistas boloñeses tras esta disputa en Roma
en Italia va a triunfar lo que es el clasicismo la corriente clasicista
impuesta por los carraxis y aparece lo que son los artistas boloñeses que
son Domenichino y Lanfranco y ya entre estos dos artistas que pertenecen a
lo que es el círculo de los artistas boloñeses a la escuela boloñesa
vamos a ver como ya entre ellos también existen conflictos diferencias en
la propia concepción de lo que es el arte pues bien Domenichino encarnó
las ideas de Agucci sobre la pintura es decir encarnó la concepción de
que debían de fundamentarse lo que es una pintura clásica, fundamental en
los clásicos el clasicismo la obra tenía que tener mucho rigor en el
dibujo y tenía que tener claridad compositiva eligiendo siempre elementos
de lo bello de la naturaleza Caravaggio quería plasmar la naturaleza tal
cual incluyendo lo no bello sin embargo Domenichino pretende que el dibujo
predomine la claridad compositiva y en esas obras solamente quede
constancia de lo bello ejemplo, la historia de Santa Cecilia en San Luis de
los Franceses representa el equilibrio compositivo ese equilibrio que él
buscaba una iluminación brillante y uso de los gestos pero todo ello en un
marco de teatralidad por lo tanto es una pintura más fingida porque no
representa lo verdaderamente lo que verdaderamente existe en la realidad
solamente capta lo bello lo idealiza paisajes existen en sus paisajes un
acercamiento al realismo de la naturaleza un acercamiento pero nunca a un
realismo un naturalismo cual Caravaggio si lo plasmaba en su obra otras
obras importantes son La caza a Diana o La caza de Diana el vado del río y
tengo por aquí también La comunión de San Jerónimo esas son sus obras
más importantes un momento estoy aquí comprobando Santa Cecilia muy bien
Comunión de San Jerónimo perfecto ahí estamos bueno aquí en el libro la
caza de Diana que ya en sí es una obra mitológica o sea es una obra de
temática mitológica pero si os fijáis en la configuración ya aparece
esos elementos que acabamos de decir donde un predominio de la línea la
composición todo lo bello se representa en la obra y no todo lo natural o
toda la esencia del naturalismo luego tenemos a Lanfranco que Lanfranco es
un pintor que también se considera clasifista pero aquí estaba la obra de
Domestik que lo estaba buscando su pintura se va a caracterizar por los
efectos ilusionistas esos engaños al ojo lo vemos en la cúpula de San
Andrea del Valle con su Asunción de la Virgen si os fijáis observamos esa
cúpula pintada crea una pintura ilusionista porque lo que pretende es dar
sensación de algo que en realidad no existe y siempre adaptándose a la
forma en este caso a una cúpula luego tenemos uno de los pintores muy
conocidos que es Guido Reni que se acercó a las propuestas fuera del
clasicismo académico es decir estaba a favor pero no era la única manera
de crear pintura y se sale de ese clasicismo en busca de nuevas
concepciones para la plasmación pictórica y se lanza a través de la
captación del realismo propiamente caraballista por otro lado obras como
La Crucifixión de San Pedro o en la obra La Matanza de los Inocentes o en
la obra La Aurora que son tres de sus grandes obras pues vemos que son
obras típicamente clásicas esas tres primeras obras que he nombrado si
siguen esos principios típicos clásicos que son composiciones
equilibradas que buscan siempre la parte más bella un colorido muy sutil
muy uniforme donde predomina frente a la configuración de la figura a
través de la luz la pincelada suelta no es protagonista en definitiva en
La Aurora que lo vemos en esta obra pues vemos como la configuración tanto
del espacio se crea como una especie de cabalgata todo ordenado todo
siguiendo unos preceptos clásicos tanto en la configuración como en el
colorido quizás pues la única ruptura es esa figura que aparece en primer
plano de espalda pero La Aurora es una alegoría a lo que es el momento el
amanecer entonces es un tema mitológico por lo tanto existe ese componente
mitológico clásico que se le da a los personajes a la configuración etc
etc La Aurora de 1612-1614 contamos con Huercino que destaca por tener un
gran dominio colorista sus composiciones agilizan el dinamismo son más
dinámicas el movimiento es mucho más está mucho más presente y hay esa
pintura ilusionista un claro ilusionismo aéreo propiamente barroco donde
se aprecia pues en su obra también titulada La Aurora que crea ese efecto
ilusionista si miramos la obra desde abajo vale esa obra también de
temática mitológica pero la configuración de la misma rompe un poco ese
clasicismo sobre todo en la configuración de un mundo totalmente irreal
que engaña a la visión humana que son las composiciones de ilusionismo
aéreo y ahí tenemos un ejemplo de dicho efecto. Un grupo de clasicistas
extranjeros que son Duquesnoy, Poussin Sacchi y Algarri Clasicismo que se
caracteriza por la influencia que tienen de lo que es la pintura veneciana
en todo lo referente al colorismo así nos encontramos al pintor francés
Nicolas Poussin que representó como nadie esa concepción de la pintura
clasicista es una pintura donde la temática suele ser mitológica o de
temas bíblicos o de temas históricos donde destacamos la claridad
compositiva con la que crean sus obras aparece una emoción pero una
emoción contenida existe el control de las emociones no es esa emoción
desgarradora que si plasma Caravaggio en sus obras sino aquí es una
emoción más contenida existe una moderación de las expresiones humanas y
lo que más destaca es su gama cromática muy influenciada por esa gama
cromática y por la manera de ofrecer, de dar la pincelada muy influenciado
por la pintura veneciana pero aquí destaca sus tonalidades frías y
doradas el ejemplo tenemos El reino de Flora ya la propia titulación de la
obra nos lo dice El reino de Flora es una obra de temática mitológica por
lo tanto se sigue creando ese ambiente mitológico no es una obra cercana
ni humana en el sentido que se le mitifican a los personajes sino todo lo
contrario aparece ese control de las emociones, cierto dinamismo pero mucho
más controlado mucho más pausado siguiendo los principios del ritmo
pictórico Andrea Sacchi suele pintar escenas con muy pocas figuras y esas
pocas figuras se fundamentan o están unidas entre sí mediante los
principios de la unidad y la simplicidad como en su obra Triunfo de la
Divina Sabiduría y por último tenemos a Alessandro Algardi que es un
reconocido retratista que recibió pero en este caso escultórico vamos ya
al mundo más de la escultura recibió el encargo de realizar la tumba del
león del Papa León XI esta obra está elaborada en mármol blanco de
Carrara destacando unas expresiones y unos gestos severos serios, rotundos
a lo que es el personaje que en él se representa Inocencio X le convirtió
en retratista oficial de la familia destacando el retrato de Inocencio X
realizado en bronce dice que Duquesne siguió los preceptos de Poussin y
era admirador de la pintura de Tiziano y sus obras escultóricas más
destacadas son Santa Susana ya veis que a veces tenemos que dar una
pincelada de los autores y obras porque el contenido es muy amplio y no da
tiempo sino el manual es interminable pasamos a la atracción de Roma la
aparición de nuevos mecenas y nuevos géneros como hemos visto en Roma se
produce una afirmación del clasicismo y esto se debe principalmente entre
otros factores como hemos visto primero por el apoyo de la aristocracia
pero también por lo que eran los teóricos del arte, los críticos del
arte los críticos del arte a veces han dirigido aunque no lo hayan
conseguido del todo las tendencias o la manera de crear arte en algunos
artistas entonces la afirmación del clasicismo se debía en gran medida a
los principios teóricos que ofrecían críticos de arte como Agustí y
Bellori en estos tiempos surge otra corriente que daba prioridad a las
pasiones y que contribuyó también a reforzar otros temas de género como
las naturalezas muertas los paisajes o las escenas de género es decir,
además de esa corriente pictórica tan relacionada con el clasicismo
también vamos a encontrar que hay una nueva corriente porque una de las
características de la pintura en el barroco es que no existe una única
corriente uniforme sino que van a ir surgiendo distintas maneras de
concebir lo que es la pintura pues encontramos una nueva corriente donde se
destacan esas pasiones que se transmiten a través de las naturalezas
muertas los paisajes y las escenas de género así surgió en estos tiempos
aparte de estas manifestaciones nuevas que vamos a tener en la pintura
surgió una nueva figura en lo referente a lo que es el mecenazgo y los
coleccionistas que va a corresponder a un hombre culto literato, médico o
jurista como nombre nos ponen al Cardenal del Monte al Marqués de
Vicençot Justiniani o al Plano del Pozo es decir, va a aparecer una nueva
figura una nueva persona que se va a encargar de lo que es el comercio de
lo que es la producción y recopilación y defensa del patrimonio
artístico atraídos por este clima tan rico de mecenazgo claro, cuando hay
gente que está dispuesta a dar su dinero para la creación de obra
artística eso hace que atraigan a artistas y sobre todo que se creen
debates atraídos por este clima tan rico de mecenazgo de debate teórico y
de experimentación llegaron a Roma un buen número de artistas extranjeros
porque estaban interesados nórdicos y flamencos principalmente, pintores
de los países nórdicos así llega Rubens que ya estudiaremos en su
momento pero ya aparece aquí llega Rubens en 1600 donde pintó la obra La
aparición de la Madonna de la Vallicella o Vallicena fijaos que es una
obra para la iglesia nueva para la iglesia que se llama Iglesia Nueva a
modo de cuadro dentro del cuadro fijaos que curiosa la obra esto es un
cuadro y dentro hay otro cuadro de la Virgen con el niño aparece dentro de
un marco de estuco es un material muy manejable y económicamente no era
demasiado caro y que se va a utilizar mucho en la decoración de rocalla en
la decoración de grotescos y de otros elementos típicos del barroco y
posteriormente del rococó a la izquierda aparece San Gregorio Magno con
San Mauro y San Papiano eso es lo que nos viene diciendo la obra que nos
viene aquí comentada La aparición de la Madonna de Rubens es una obra
peculiar de él se destaca el movimiento el color las miradas y los gestos
de las distintas figuras del tríptico esto es una una obra poco habitual
en Rubens pero sí por esta gran cantidad de pintores y artistas que llegan
a Roma atraídos por todo lo que anteriormente hemos dicho merece también
mención especial el grupo de pintores nórdicos llamados los Bamboccianti
son pintores de los países nórdicos que se dedican a pintar escenas
cotidianas de Roma que invitaban a la reflexión social y a la reflexión
política es decir, tenían una transmisión más que de carácter
religioso o de carácter mitológico que también sobre todo van a ser
pinturas de escenas cotidianas del mundo diario que sirven para la
reflexión y para la reflexión e incluso el debate así pues de Johannes
Lingelbach la obra que nos mencionan es El rosquillero y de Michelangelo
Cerquozzi el abrevadero fijaos que El rosquillero es necesario como es una
escena cotidiana un hombre que está vendiendo rosquillas y un señor se
acerca a venderlas pero claro qué reflexión o qué metáfora conceptual
nos transmite la obra para esa reflexión que pretendían transmitir ese
pausín va a aparecer con el paisaje pensado un paisaje equilibrado
naturaleza más salvaje menos ordenada como la obra que nos nombra que es
El paisaje con Orión y también Las cenizas con Focción y Claudio Lorena
digamos, todos estos son pintores que vienen de la zona de los países
nórdicos y atraídos por este nuevo concepto de mecenazgo y su obra en
Italia a ver si tienen esa suerte entre comillas y pueden ser
subvencionados por los mecenas y su obra se puede dar a conocer como
Claudio Lorena que también aparece como pintor de renombre este conjunto
de artistas luego tenemos Los ilusionismos espaciales de Pietro da Cortona
a Gauli de 1630 a 1694 por lo tanto ya estamos en que 1630 se produce el
triunfo del clasicismo a partir de 1630 se va a llevar a cabo una nueva
generación de artistas como son Bernini Borromini o Pietro da Cortona que
tienen curiosidad por el concepto de lo infinito la experimentación tienen
curiosidad por las perspectivas abiertas de las iglesias por las
perspectivas abiertas de las plazas y por lo tanto van a empezar una nueva
forma de por lo tanto el triunfo del clasicismo que se produce en 1630 va a
dar pie a que existan arquitectos y existan artistas pintores, escultores
arquitectos que empiecen con un proceso de experimentación de 1623 a 1644
perdón el papado de Urbano VIII va la nueva la iglesia convirtió el arte
en un instrumento de propaganda por lo tanto ya desde este papado desde el
papado de Urbano VIII pues la iglesia va a convertir el arte como en un
vehículo para su propia propaganda Pietro da Cortona que nace en el seno
de una familia de artesanos se convirtió en protagonista en pleno
desarrollo del barroco destacando de él su ilusionismo y la teatralidad
con la que dotaba sus obras tiene un gran interés y así se ve en su obra
también la influencia que tiene por la pintura veneciana con 26 años pues
recibe su primer encargo de la iglesia de Santa Viviana donde va a crear
una obra caracterizada por la sensibilidad lumínica y las nuevas
configuraciones de la composición de las figuras dentro de la escena así
destacamos el rapto de las Sabinas donde tenemos ese carácter de
teatralidad escenográfica es un espacio teatral donde los actores aparecen
y crean ese carácter de teatralidad de escenario es como un escenario de
teatro y están representando una obra ese carácter de teatralidad donde
destacamos la indumentaria, las vestimentas que son fieles a la verdad
histórica, a las fuentes históricas y configuró a las figuras dentro de
una lógica espacial centrífuga haciendo una relación en círculo vale,
si nos fijamos pues hacemos un óvalo y vemos como las figuras existen en
cierta relación entre ellas siguiendo ese carácter centrípeto que la
obra nos ofrece centrífugo perdón de la obra con la configuración y la
posición de las figuras movimiento, dinamismo teatralidad el grupo si nos
fijamos además aunque la obra se titule el rapto de las harinas en la
parte derecha de la obra observamos como se representa otro elemento otro
pasaje mitológico como es el rapto de proserpina que aparece aquí en esta
parte derecha de la escena el rapto de proserpina que es raptada para ir a
por Hades, para bajar a los infiernos y dar lugar a lo que es la
explicación de las cosechas, la recogida de las cosechas y todo eso, un
tema mitológico en ese espacio teatralizado también su actividad como
pintor va a destacar por ser un pintor de grandes frescos como fue la de
terminar los frescos de la iglesia nueva así vemos obras como es el
triunfo de la aparición de la virgen a San Felipe Neri durante la
construcción de la iglesia los continuadores de Pietro de Cortona lo vamos
a encontrar en las figuras de Gaulli con su obra El triunfo del nombre de
Jesús y lo vamos a encontrar en la figura de Andrea Pozzo con su Gloria de
San Ignacio para la Iglesia que son dos obras que vienen en el libro aquí
tenemos Gaulli El triunfo del nombre de Jesús fijaos esa configuración
decorativa ya propiamente barroca con esa decoración esos cielos fingidos
ese carácter de engañar a la vista a través de lo que es la
configuración de ilusionista y lo mismo podemos ver de Andrea Pozzo con la
Gloria de San Ignacio también pues tiene ese carácter puramente barroco
ya estamos un poco en lo que sería el barroco Pietro de Cortona recibió
el encargo de reconstruir la iglesia de San Lucas y Santa Martina iglesia
configurada de planta de cruz griega sobre la cual alzó un muro de nichos
y una cubierta con cúpula si lo vemos aquí tenemos perdón si lo vemos es
que no viene la obra en el manual me refería a la iglesia de Santa María
de la Paz que sirvió para comenzar ya la modificación pura y dura barroca
de lo que es el urbanismo donde la iglesia se adelanta se introduce en el
urbanismo para dar cabida al creyente por lo tanto la iglesia ya se
convierte en un elemento que atrae directamente hacia el saliente pórtico
semicircular y este saliente pórtico semicircular es lo que va a romper un
poco esa configuración de las iglesias sobre todo en su fachada porque
aquí lo que se hace es que se introduce ya parte de lo que es la fachada
en el interior urbano y se abre un poco la estructura arquitectónica para
invitar al creyente a pasar al templo Bernini el concepto clásico pues Ian
Lorenzo Bernini fue arquitecto, fue escultor fue pintor escenógrafo, autor
teatral fue un genio en definitiva un genio de su época sus principales
fuentes de aprendizaje de inspiración y que sustentan su producción la
encontramos en el mundo clásico la encontramos en la obra de Caravaggio y
la encontramos en la obra Carraxi, por lo tanto va a aprender del mundo
clásico de Caravaggio y su ruptura un poco con la configuración y la
plasmación en la obra pictórica y con los Carraxi que siguen ese
principio clasifista la idea, su concepción es que la escultura debía
convertirse en pintura y crea con ello un lenguaje muy personal muy muy muy
personal y muy identificativo propiamente del estilo de Bernini ¿qué es
eso del concepto? pues el concepto es una concepción propia de Bernini que
él piensa que la concepción original sobre la unión de las artes entre
las que no existían límites y en las que todas por igual trabajan para
engañar al ojo humano él entendía que el arte era no existía el arte de
manera digámoslo así autóctona e independiente sino que existe la unión
de las artes las artes se unen en una sola manifestación y en las que
todas al final tienen la misma finalidad que es engañar al ojo humano por
lo tanto vamos a engañar a ese ojo humano vamos a engañarlo con la
creación artística pero este concepto propio nos dice que el concepto
berniniano era una concepción original sobre la unión de las artes entre
las que no existían límites y en las que todas por igual trabajan para
engañar el ojo eso es el concepto de Bernini la concepción de que las
artes tienen que ir todas a una con la finalidad de engañar al ojo a
través del mármol Bernini buscó que buscó pues buscó la expresión
sobre todo del movimiento pero ese movimiento caracterizado por la suavidad
por la suavidad creando con ello efectos de claro oscuro hasta tal punto
que va a crear el color hasta incluso de las superficies ya veremos ese
realismo que capta las superficies más moreas de la obra de Bernini nació
en Nápoles y en 1606 se traslada a Roma él nació en 1598 y en 1606 se
trasladó a Roma una de sus primeras obras fue Júpiter y Fauno amamantados
por la cabra Amaltea la cabra Amaltea que se encargaba de amamantar a Zeus
cuando éste nació fue por mucho tiempo esta obra se pensó que era una
obra del periodo clásico helenístico es decir, del periodo helenístico
de la cultura clásica porque tenía unas caras Bernini era tan admirador
de la escultura clásica que él en sus primeras obras Júpiter y Fauno
amamantados por la cabra Amaltea era una obra de propiamente griega y no
hecha ya en el siglo XVII por Bernini el cardenal Borghese se convirtió en
protector de Bernini y le encargó cuatro grupos escultóricos uno de ellos
Eneas Anquises y Ascanio sería el primero de las obras que le encarga el
segundo sería el rapto de Proserpina el tercero sería el David y el
cuatro sería Apolo y Dafne digamos que con estas cuatro escenas
escultóricas podríamos definir claramente el estilo propio de Bernini en
el David que sí es una obra que aparece se representa vamos a verlo
visualmente se representa ese momento de máxima tensión el futuro rey de
Israel pretende lanzar con la onda una piedra para matar al gigante Goliath
en ese momento de giro podemos observar cómo se aprecia momento de giro es
dinamismo y movimiento que se ve acentuado por ese giro que se apoya en
esta vertical que crea la colocación de las piernas perdón diagonal
diagonal que crea la colocación de las piernas diagonal organizada por el
giro que está dando el cuerpo con el ceño fruncido del rostro ello nos
indica que es un instante capta un momento que está cogiendo fuerza para
lanzar la onda y toda esa fuerza se aprecia en la musculatura en la
tensión de los músculos en la tensión de los tendones incluso de la
colocación de las piernas de los pies aparece una armadura y aparece
también si no me equivoco aparecía un símbolo de un águila que es el
símbolo que utiliza la familia que le encarga la obra los propios la
familia Borghese es la que le encarga la obra en ese suelo si no recuerdo
mal hay un arpa que ese arpa está coronada por un águila y este águila
es el símbolo de la familia Borghese que es la que le encarga la obra ese
dinamismo y ese I en Apolo y Dafne es una reflexión plástica sobre la
mutabilidad de la naturaleza todo cambia todo fluye todo se transforma en
hojas de laurel y cómo se cambia de la piel suave a la dureza de la
corteza de un árbol ese es el proceso de transformación que capta
perfectamente Bernini en Apolo y Dafne Maffeo Bernini ascendió Maffeo
Bernini ascendió al Papa al Trono Papal como Urbano VIII teniendo un papel
oficial dentro de lo que fue el papado una vez que está dentro del papado
y ya como personaje importante dentro de esta institución y ya un artista
de renombre recibió el encargo de crear el Valdaquino de San Pedro
Valdaquino de San Pedro uno de las obras típicas barrocas
espectacularmente impresionantes concibió la obra como un todo con
columnas salomónicas sobre estas columnas que son inmensas colocó cuatro
ángeles y sobre estos cuatro ángeles colocó cuatro grandes volutas
ideadas propiamente por Bernini las abejas y el sol que aparecen en este
Valdaquino son símbolos del escudo de los Barberini y que aparecen en las
columnas y en los capiteles de la obra las gualdrapas que cuelgan, son esos
elementos entre las columnas parecen movidas por el viento por lo tanto que
una escultura es un elemento donde mezcla ese concepto claramente que hemos
dicho anteriormente en una obra mezcla arquitectura, escultura pintura,
simbología una obra las obras se unen en un todo para engañar al ojo del
observador en 1629 aquí tenemos el Valdaquino en 1629 fue nombrado
arquitecto de San Pedro y proyectó en el crucero dos órdenes de nichos
con cuatro estatuas gigantescas de mártires pues claro tenemos que él es
el creador de la tumba de Urbano VIII donde va a intentar captar la esencia
la captación psicológica del personaje y de ambos lados en él se
encuentra la caridad y la justicia que digámoslo así sería una metáfora
de lo que representa este personaje o de lo que representó este personaje
dentro de estar a la cabeza del Vaticano es importante destacar pues la
oposición del colorido de la obra destacando el color más oscuro y lo que
es propiamente el lugar donde está enterrado el propio Urbano VIII en
oposición a ese color más claro de la caridad y la justicia que se
encuentra en ambos lados del sepulcro En 1615 empieza ya a la
experimentación y a la creación de los retratos donde va a intentar sobre
todo captar la esencia psicológica de los personajes así tenemos como
obras típicas de esta producción retratística el busto original es
Cipione Borghese y el retrato de Constanza Buonarelli que era la amante del
propio Bernini se produce con el paso del tiempo vamos avanzando
históricamente y se produce el ascenso la llegada al papado del Papa
Inocencio X que ocurre que Bernini pierde poder porque el Papa Inocencio X
le presta el favor a Algarvi y a Borromini por lo tanto Bernini queda en un
segundo plano en este momento encontramos obras tan importantes como la
verdad desvelada por el tiempo que es la representación de un concepto de
belleza exuberante la fuente de los cuatro ríos de la Plaza Navona que
representa los cuatro ríos de los cuatro continentes o el extasi de Santa
Teresa que es esa apoteosis de la escultura durante el papado de Alejandro
VII recibió encargos como el caso del Palacio Montesioro introducción de
una forma ligeramente convexa en la fachada pero donde él va a llevar a
cabo su gran producción en esa conceptualización del concepto de
escultura arquitectura y todas las artes y todas sus toda su capacidad
artística pues es en la Plaza del Vaticano de 1615 ahí he puesto el plano
y aunque no viene en el libro pero para que tengáis una vista del plano y
una vista aérea pues Bernini concibe un espacio trapezoidal ¿vale? este
trapezoide fijaos que viene lo estoy marcando aquí un trapezoide a ver,
ahí enmarcado por las alas de maderno y un segundo espacio ovalado en
forma de columnata libre con dos excedras y un eje transversal marcado por
el obelisco y por dos fuentes que sería ya esta segunda zona que estaría
aquí marcada en la pista aérea se ve perfectamente aquí tenéis esta
primera parte trapezoidal esta parte ya oval la plaza quedaba delimitada
por un pórtico arquitrabado con un alineamiento de cuatro hileras de
columnas toscanas simbólicamente los brazos que representan la iglesia que
abrazaba a los fieles es esta columnata que está aquí, que vemos aquí y
que vemos aquí a modo de brazo que abre la iglesia abre los brazos al
creyente al que viene y entra todo el mundo que así lo quiera hacer pues
bien, en esta configuración una columnata veis esta columnata de aquí con
cuatro hileras de columnas toscanas y esas columnas toscanas tienen esta
simbología configurando esa forma que vemos en la imagen de brazos que se
abren que dan la bienvenida al devoto a la casa de Dios a la casa que
representa la iglesia la última gran obra que aborda Bernini la vamos a
encontrar en lo que fue la Scala Regia la planta lo que es en San Andrés
del Quirinale obra de 1658 1670 la Scala Regia es la última obra que
genera para lo que es el Vaticano pero una de sus últimas ya con obras
destacadas arquitectónicas es San Andrés del Quirinal 1658-1670 es de
planta elíptica con un eje transversal más largo que el principal de la
entrada y el altar mayor pilastras gigantes colocada en los estemos del eje
transversal para que lo veáis porque esto es mejor observarlo volvemos a
utilizar lo que es la planta elíptica circular pero con un frontón
inmenso vale esta portada inmensa que viene con dos pilastras a modo
decorativo que sostiene una especie de entablamento con un frontón pero
fijaos en esta especie de baldaquino que sale de nuevo hacia el exterior ya
desde la configuración de la propia escalinata porque la configuración de
la planta es elíptica para introducirse en la plaza en la calle participé
al espectador al viandante de que acceda al edificio con ese predominio de
la curva frente a la línea y todos estos elementos típicos propios del
barroco y una de las últimas obras de Bernini fue la beata ludovica
Albertoni donde se une es una escultura donde se une el gozo espiritual con
la pasión sensual la podéis buscar luego tenemos de Borromini Aguarini y
Baldassare Longena pues bien, Borromini es otro de los artistas que nos
vamos a encontrar en el periodo barroco nació en Bison en 1599 y murió en
Roma en 1667 viviendo aproximadamente 68 años él llega a Roma en 1620 y
escribió hasta su propio tratado de arquitectura titulado opus
architectoricum aproximadamente anterior al año de 1667 no se sabe
exactamente la fecha de publicación para él la arquitectura era una
unión entre una técnica muy depurada y su deseo de experimentar así
vamos a encontrar en su obra el uso de plantas flexibles el uso de la luz
oblicua una luz radiante y va a ser una arquitectura clásica influenciada
por la arquitectura clásica por la arquitectura gótica e incluso por la
arquitectura renacentista, por lo tanto vamos a ver un autor en el que
vamos a proceder a analizar una obra con grandes influencias de periodos
anteriores en 1634 se va a llevar a cabo el primer encargo importante del
que se conoce como San Carlos de las cuatro fuentes ahí en el claustro de
este edificio demostró su lenguaje devolucionario con la disposición de
las dobles columnas formando un octógono unidas por una cornisa uniforme
que daba continuidad y movimiento al conjunto predominando las curvas
convexas por lo tanto ya vemos aquí el uso ya sin ningún tipo de
parangón las curvas, lo convexo frente al rectilíneo o lineal de periodos
anteriores la iglesia para él en esta configuración es una unidad o
módulo geométrico, es un edificio concebido como un conjunto de órganos,
como un conjunto de elementos que tienen fuerzas y esas fuerzas son
opuestas y hay que darle forma para configurar ese edificio sacro, ese
edificio importante para el mundo del catolicismo así que en 1642 recibió
el encargo de su iglesia esta es también muy conocida San Ivo de la
Sapienza la planta es un triángulo equilátero que significa la trinidad
ya desde el punto de vista de la configuración una planta en triángulo
equilátero ya rompe un poco los esquemas pero ese triángulo va a formar
la trinidad así nos encontramos una planta en triángulo equilátero y la
planta hexagonal estrellada con una cúpula estrellada que se produce a
través de la secuenciación de pilastras gigantes que van a ir dibujando
el perímetro interior alternando así las amplias concavidades con las
pequeñas convexidades de manera que vemos estas oposiciones conceptuales
convexas y cóncavas por lo tanto ya vemos aquí una nueva configuración
de lo que es el edificio de carácter religioso entre 1637 y 1640 Borromini
se convirtió en el arquitecto del oratorio de San Felipe Neri donde vemos
el edificio donde vemos una fachada austera hecha de un material como es el
ladrillo compuesta por cinco sectores de pilastras fijaos una, dos aquí ya
tenemos las columnas uno, dos, tres, cuatro y cinco cuando nos referimos a
la fachada nos referimos a este fragmento cinco sectores de pilastras sobre
planta cóncava cóncava, curva destacando el tímpano con una moldura
mixtilínea mixtilínea es una especie de frontón con elementos de arcos
góticos veis esta forma de aquí arriba sería esa tímpano con moldura
mixtilínea bueno, hay horma fina los vanos vienen con un pequeño frontón
decorado donde se alteran lo curvo con los rectilíneos pero en este
oratorio de San Felipe hay elementos más destacables en los últimos años
de su vida pues tuvo encargos como el colegio de propaganda FIDE y la
restauración de la basílica de San Juan de Letrán encargada por el Papa
Inocencio X para el jubileo del año de 1650 Carlo Reinaldi es otro de los
que sobresalen mezclando elementos del Cinquecento con otros puramente
barrocos como se puede apreciar en la iglesia de Santa María in Campitelli
donde vemos una fachada dinámica con retranqueos y avances, es decir con
elementos curvos y líneos que sacan el edificio hacia el exterior y lo
vuelve a introducir hacia el interior con dobles edículos sobrepuestos y
con un gusto romano por la abundancia de columnas recordemos que un
edículo que viene ahí la palabra es un templete una especie de templete
que sirve para eso es un edificio muy pequeñito una especie de templete
que puede servir para dar como relicario por ejemplo aparece de esa manera
un templete configurado por Carlo Reinaldi se ocupó también de la
ordenación urbanística de la Plaza del Pópolo teniendo como colaborador
a Carlo Fontana lo tengo por aquí y también es el autor de la fachada de
San Marcelo al Corso fijaos que al final pues lo que se nos viene es un
poco a ofrecer datos más importantes de este arquitecto un momento porque
estamos aquí ocupó también de ahí está muy bien venga que ya vamos a
terminar clase un poco larga pero el tema es extenso en general todos los
contenidos del temario del libro son extensos pero por lo menos el apunte y
el esquema resumen pues podáis apoyando la clase pues seguirla si queréis
anotar más cosas pues anotarlas luego tenemos a Baldassare Longena que en
1632 pues inicia la construcción de la Basílica de Santa María de la
Salud también ideó las escaleras del convento San Giorgio Mayor la
iglesia de los descalzos y la fachada de la iglesia del ospedaletto entre
los edificios civiles que él ideó nombramos Capésaro y Carrezónico
nombres tú sabes nombres a veces y ahí tenemos la obra de Baldassare
Longena Carrezónico es una especie de palacio vale se encuentra en Venecia
y fijaos la estructuración en tres pisos destacando el almohadillado del
primero sobre los dos segundos el primero almohadillado va con una especie
de pilastras decorativas que siguen el mismo esquema de almohadillado que
se rompen con las dos siguientes plantas o pisos donde ya el almohadillado
deja de existir y donde predominan las columnas con una función de su
arquitectónica y decorativa de orden dórico no perdón cónico y en la
superior corintio hay una superposición de órdenes en este edificio
existen elementos decorativos sobre los vanos o ventanas hay una especie de
una especie no sobre cada una de las plantas pues viene diferenciada con
una balconada que sobresale de la linealidad plana de la propia fachada del
edificio con una balaustrada y digámoslo así que serán los elementos
más característicos todo ello viene rematado con una especie de
arquitrave o una especie de entablamento que sobresale con una especie de
decoraciones de arcociegos y todo ello rematado con un piso que remata el
edificio con vanos circulares que rompen pues esa simetría si podemos
llamarlo así de las dos plantas anteriores aunque la simetría aquí en
apariencia existe pero si lo analizamos detenidamente se rompe con todos
estos elementos que estamos nombrando pues bien esto es un poco el panorama
que nos presenta el barroco en Italia obras que vienen comentadas en el
manual además de las obras que hemos visto y que vienen plasmadas en el
esquema resumen tenéis la vocación de San Mateo de Caravaggio de Pietro
da Cortona la Boveda Barberini de Bernini l'Extasi de Santa Teresa de
Borromini la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes que son las obras
que vienen comentadas en el manual y que se recomienda siempre que la
miréis y también podemos ver como la última obra que se comenta es de
Balsalare Longena Basilica de Santa María de la Salud que esta es una de
las obras más conocidas de este arquitecto pues bien visto y hecho el
repaso por los contenidos más destacados en referencia al barroco y a sus
distintas corrientes, manifestaciones autores y obras deciros que entiendo
que los datos a veces abruman pero que así vienen en el manual y así lo
tengo que intentar transmitir vuelvo a recordar y vuelvo a hacer hincapié
que descarguéis el documento que tenéis en PDF y que vayáis oyendo la
clase siempre con ese documento delante que puede facilitar mucho la
comprensión incluso anotar aquellos aspectos o cosas que creáis que son
interesantes para vuestra formación y vuestro estudio por mi parte poco
más que decir simplemente que un saludo que muchísimo ánimo seguimos
trabajando y nos vemos en la próxima clase hasta pronto