He dado una tutoría, porque normalmente eran 13, este año son 12, pero
bueno, es lo que hay, no hemos de jugar con eso. Bueno, pues ya estamos
otra vez en marcha, como os he dicho, espero que haya la cosa ido bien y
tendremos que acabar el tema, nos quedamos aquí con el banquete ofrecido a
Cristina de Suecia, los rituales de los espacios cortesanos, etiqueta sobre
todo, la etiqueta. Pero hay alguna del año que pueda para suplir esa,
miraré a ver si las del año pasado las tengo, a ver si las tengo en el
repositorio y si acaso pasaría el enlace a la página. Porque he tenido,
fijaos, estamos ahí, 15-16 del curso pasado. Bueno, están en la web, pues
mirad las últimas porque, ya os digo, nos daremos ahora prisa con esto y
veremos a ver un poco la siguiente, tendrá que ser muy rápido porque es
que no tenemos. Vale, pues eso, capítulo 11, ya os digo que lo veis
vosotros, que es la glorificación a través de la pintura, que es que no
damos abasto. Bueno, los espacios ceremoniales, idea fundamental, explican
la estructura palaciega y su evolución. Los palacios, ¿con qué podemos
unir todo esto? Pues acordáis que en Versalles se construirá algo para el
teatro o donde se representan las obras en la corte castellana. Es la idea
esta de la evolución y la estructura palaciega. Podemos ver todas estas
cuestiones, lo podéis relacionar con la estructura palaciega. Ya lo hemos
visto en otros capítulos. ¿Cómo? De alguna manera, de alguna manera,
¿no? Cómo los espacios se van a adecuar para poder situar estos nuevos
espectáculos, bien teatrales o bien de corte, ¿no? La fiesta de la
iglesia. Siga hablando de la iglesia rápidamente. Tenéis aquí el auto de
fe en el Zocodover de Toledo. Las fiestas religiosas, pues el carácter
teatral de la ciudad. La imagen es muy evidente, el gran espectáculo que
representa. Y luego, tenéis el auto de fe. Y luego, otra cuestión, que lo
tenéis en la página siguiente. La Basílica de San Pedro, las fiestas de
canonización de San Isidro, Ignacio Loyola, Francisco Javier, Santa Teresa
y Felipe Pereira. Todo en una tacada. Es decir, las canonizaciones. El
hecho de la canonización también crea todo este ambiente teatral, es toda
una liturgia. Si finalmente, algún año de estos, el Papa Francisco, pues,
pide o se aprueba que Ramón Llull sea santo, porque está en un proceso de
canonización, es beato, pero ya presentamos, que yo participé hace años
en la transcripción de documentos para presentar de la antigua petición
del siglo XVII que se hizo, pues llevamos ya cinco años sin noticias de.
Si se hiciese santo, pues esto, adaptado a la actualidad, se haría. Se
haría todo este proceso y seguramente se haría, una procesión y se
haría una serie de festejos, de la fiesta en la ciudad y dentro de las
iglesias. No, pues, lo que os pone es esto. Esta tradición tan arraigada
en España, muy rápidamente será pasada al mundo de Sudamérica. En las
nuevas tierras, pues, se va a coger todo eso, la imagen que tenéis, siendo
el Corpus Christi de Cusco, en el que los indígenas, si os fijáis bien,
pues veréis que los indígenas van con sus mejores atuendos y demás, en
el que se produce este mestizaje. Mezcla indígenas, criollos y españoles,
y la ciudad como espacio sagrado a través de las procesiones. Mucho no hay
que hablar, porque ya conocemos lo de Semana Santa, ¿no? Bueno, la
procesión del Corpus Christi, aquí, con Seyedania, y muchas veces lo que
expone, que ya lo sabemos, que la procesión es salir entre la ciudad e
iban hasta la ermita o lo que fuese. Y luego se habla de la recepción de
recliquias, pero todo esto es dentro de este mismo ámbito de
sacralización. Tenemos, veremos ahora el tema siguiente, ya os digo, el
tema 11, la glorificación del rey, os avisé que no llegamos. Y vamos a
ver el tema... Tema 12. Retrato y poder en la edad moderna. El 13 y 14 los
he juntado para el último tema, más o menos, será el leitmotiv. Retrato
y poder. A este buen hombre lo hemos visto en alguna ocasión, ¿no? El
girasol que mira a su rey y que lleva en la mano la cadena de oro que le ha
regalado el rey. Esto es lo que vamos... a ver en el capítulo. Empecemos.
Fijaros cómo empieza, no la introducción, sino el retrato. En la
introducción hay la apología de Alberti de pictura. Tiene en sí mismo
una fuerza tan divina que no sólo, como dice la amistad, hace presente a
los ausentes, sino que incluso presenta como vivos a los que murieron hace
siglos, de modo que son reconocidos por los espectadores. Con placer y suma
admiración hacia el artista. Todo ello tiene que ver con el mundo
clásico, Plinio el Viejo y demás. La asignatura de arte romano, pues
sabéis que en todas las casas estaban los manes y los penates, los dioses
de la casa, estaba el altar dedicado a los antepasados, estaba la
imaginería, todos retratados y eso prosigue, ¿no? Y va a tener que ver en
el mundo que estamos viendo. En el punto 2, el retrato como imagen
originaria del poder. Al igual que la observación de una pintura
religiosa, estaba obviamente condicionada por los conocimientos teológicos
del espectador, que es lo que nos pasa hoy en día. Hoy en día, ¿cuál es
el problema cuando vemos una obra? No la entendemos. Es lo que os he
comentado tantas veces. Cualquier abelazque le pones una pantalla a un
ordenador no sabrá qué es. Pero ponle cualquier cuadro y te dirá el mito
que representa y cuáles son las características, los símbolos y demás.
Pues lo que os pone es esto, que así como en el mundo religioso, en el
civil ocurre lo mismo. La contemplación de un retrato o el propio encargo
del mismo también debería estar aceptado por el marco teórico que guiaba
esta interpretación. El capítulo es un poco anárquico. Se va soltando y,
como os he dicho, lo vamos a hacer por bloques. En primer lugar... En
primer lugar, en el primer renacimiento, las estatuas, como no, los
retratos de hombres ilustres, galerías de antepasados, los retratos
funerarios, los autónomos, las medallas conmemorativas y los retratos como
algo reservado a la élite. ¿Qué más veremos? Empezamos con el cuadro
ligado, lo que os he dicho, según unos códigos simbólicos. Y es
exhibición del poder. El retrato de Marine Hill, lo veremos ahora,
también es una de las obras que ha salido bastantes veces en examen. El
recuerdo. Nacen como historia. Legitimación del poder. También veremos
que el poder lo utiliza para legitimar, pero luego todo el mundo lo
seguirá haciendo. Nos acordamos del capítulo primero de Murillo con sus
atributos, que son la paleta y los pinceles. O el sastre que aparece en el
capítulo con su tela y sus tijeras de sastre. Pues empieza como un algo de
la nobleza y así como hemos ido viendo todo el libro, que empezábamos por
los grandes reyes y el papado, luego ese modelo era imitado por los
distintos estamentos. Bueno, elemento de legitimación de los poderosos,
siendo evidencia del linaje como las virtudes que abarcan el poder, en esa
situación pública. El linaje ya lo hemos visto también, en capítulos
anteriores ha ido saliendo. Y el retrato. Califica como una marca precisa
de poder. A través de la memoria. Iremos viendo. La memoria explícita.
Comenta lo de Plinio, la noción pliniana y albertiana de la pintura como
historia, como tema de indicación, y nos lleva a Mery de Neu. De Hans
Ewart. El retrato como memoria explícita. Os lo indica. ¿Por qué la
buena señora se hace dibujar? Libros tomando notas, sabía leer, escribir
y demás. La ostentación de las pieles que lleva, pero lo más importante
es el cuadro de la mujer. De su difunto marido. Ella no renuncia a él.
¿Por qué? Lo tenéis por aquí. Un conocido retrato inglés de mediados
del siglo XVI. Representa a Mary Neville, varonesa de edad, mostrando al
fondo una pintura de su marido que había sido ajusticiado años antes. El
cuadro, hecho por Ewart, no era solo una manifestación del recuerdo
difunto, sino también una profesión de los derechos de nobleza que tenía
él y que se pretendía recuperar para su hijo. Es decir, la memoria a
través de la imagen. Otro que os comenta es el de Luis XIV de Rigaud
colocado en el trono de Versalles. Ya los hemos visto algunos de ellos.
Representando al soberano en su ausencia, dar la espalda a la pintura era
una ofensa equiparable a ofrecérsela al monarca. Ya está, ¿no? No se
podía girar uno delante de un cuadro. Lo habían puesto. Lo habían puesto
ahí para cuando no estaba que la gente siguiese temiéndolo, que siguiese
adorándolo. Y sin solución de continuidad, el texto va evolucionando
hacia la escultura. Los retratos más tempranos del primer renacimiento
italiano se acogían expresamente a estas tradiciones clásicas. Punto
seguido, las esculturas secuestres al fin y al cabo de las esculturas un
retrato de los condottieri del norte de Italia como el Gattamelata que lo
tenemos aquí de Donatello o el Coleoni de Verrocchio buscaban
legitimación política para estos personajes a través de qué? De la
recuperación de la iconografía. Muy bien. ¿Con qué lo podemos
relacionar esta iconografía? ¿Hay en Roma alguna reforma de una cierta
plaza? ¿Que tenemos alguna estatua cuestre que sirve de punto de fuga
subiendo unas escaleras que tenemos la parte civil y detrás tenemos el
campanario de la iglesia? Por ejemplo, lo hemos visto ya unas cuantas veces
entonces os lo digo porque si os sale yo que sé, una escultura que os sale
en la plaza, el punto de conexión será la escultura. El retrato de las
esculturas secuestres como símbolo del poder siguiendo el modelo romano
evidentemente como el Marco Aurelio y otras estatua secuestres que
seguirán también en el libro, estoy hablando ahora así a bote pronto,
pues tenemos a Carlos V, tenemos a una serie de personajes también a
caballo. ¿A quién tenemos a caballo también? María de Medici.
Evidentemente no va digamos despendolada, no va con el caballo las patas
para arriba sino que muestra la seriedad y la... que al demostrar el
género femenino para la mentalidad de la época, pero ricamente ataviada,
pero con todos los ornamentos propios de alguien que manda. Pues, ¿veis a
través del Gata Melata por los capítulos que podemos discurrir? Eso, la
asignatura es esto, aparte que tenéis que preparar los temas y demás,
pero luego a la hora de hacer esa pregunta lo tenéis ahí. Esta es la
idea. Bueno, se habla de los dos. El Gata Melata empadua y dentro de este
mismo universo pliniano seguimos con el mundo romano, por lo tanto el mundo
romano está viendo las imágenes del poder como un modelo de
reivindicación. Esas imágenes del poder, del mundo romano, pasan al
renacimiento. No sólo la imaginería, el retrato y demás, sino que
también la escultura. Y no sólo la escultura, seguimos dentro de este
mismo universo pliniano las colecciones de hombres ilustres se
complementaban con las galerías de antepasado. Siguiente tema. Tenemos los
antepasados que también sigue el modelo latino. Bueno. Durante el XV se
hizo habitual influencia exhibir en el entorno doméstico gustos de
familiares fallecidos y vivos. Se reunían buscando una perpetuación de la
imagen y de la fama. ¿Pero por qué? Porque esos retratos eran los que
venían del mundo clásico en Roma y en cualquier lugar de Italia. ¿No?
Bueno, los hombres ilustres de tradición romana y las primeras galerías.
Empezamos. Primeras galerías. Las galerías es, si no recuerdo mal,
aparece en los últimos temas, las galerías y las colecciones. Entonces ya
tenemos aquí para comentar todo ello. Colecciones. Estás aquí, El
título siguiente lo veremos. Tenemos las colecciones, ya aparecen. Pista
de la colección del cardenal Silvio Valenti Gonzaga. Un Gonzaga. La
escuela flamenca, la habitación con pinturas, el pintor, todas estas
cuestiones. ¿Veis cómo lo podemos completar, no? Bueno. Galerías de
antepasados puestas al servicio de los programas simbólicos de identidad
familiar. La identidad que también hemos comentado, algo antes de
vacaciones. Los frescos religiosos de las iglesias de Florencia, con
retratos de contemporáneos, como los Tornabuoni o Tornacvinci. Lo hemos
visto. Estos retratos no solo hay, sino en las capillas y demás. Podemos
volver al título de la nobleza, al capítulo de la nobleza. En 1561 un
descendiente de uno de los retratados en el fresco de Zacarías en un
templo que había pintado Ghirlandayo... en Santa María Novela podía
identificar todavía 22 miembros de las familias Tornabuoni y Tornacinchi
que aparecían allí. Aquí tenéis el busto, sí, en el fondo negro, lo
hicieron porque realmente el mármol pierde mucho, el busto de Roselino, de
Giovanni Cellini, como uno de los mejores ejemplos. De origen medieval a
todo el mundo clásico, incorporación de retratos a los sepulcros
monumentales, especialmente, en las iglesias italianas. Claro, porque en
esta edición del libro se quitó, pero es que esto nos podía llevar, por
ejemplo, a los sepulcros de los papas o al escorial, por ejemplo, ¿no? En
el escorial no tenemos los grupos de imágenes de Carlos y Felipe, por
poneros un ejemplo, ¿no? Bueno, visualiza la posición de las familias
gobernantes y os habla del Vaticano y los sepulcros papales. Ahí está. Lo
tenéis aquí, Leone, Monumento Fugitivo, con el heredero de Carlos I y su
familia. Bueno, sigue comentando todo esto. Ya veis cómo el retrato de
Roselino nos puede llevar a acabar llevando a hablar del escorial. Pero
claro, tenemos a Carlos I. Podemos ir al tema dedicado a la monarquía
hispana y a través de esto ser el punto de enlace con toda la imagen del
poder de la monarquía hispana. Sabemos que Carlos V, pues, no tenía lugar
de residencia y será base de tapices y de todo aquello que vimos y que
será Felipe II quien genere, quien cree toda esa base, ¿no? Caso de
Felipe II en el escorial mientras todo esto... Y también las casas
nobiliarias como las de Alcalá o la importación de sepulcros desde
Génova. Ya se había hecho en la Edad Media. En el siglo XIV, en el siglo
XIV, en la segunda mitad del XIV y principios del XV tienen fama en toda
Europa los tombiers. Los fabricantes de tumbas del norte, de la zona de
Flandes. Aquí en Mallorca si vais a la Basílica de San Francisco cuando
acabe todo esto ya os dije que aunque este año hagáis la asignatura, si
tenéis interés y el año que viene ya se puede vivir normalmente que no
esté esto en marcha os invito, o sea, os... en plazo a que vengáis si os
apetece ya si alguno de vosotros se acuerda me lo recuerda, os diría la
fecha ya lo comentáis, a la visita que hago hacia este año es imposible a
San Francisco. En San Francisco hay una piedra ¿verdad? De Antonio de
Soldevilla Antonio de Soldevilla que para mostrar su poder pone que murió
en 1400 y luego pone y esta piedra fue hecha en Flandes con sus narices es
decir, incluso estas imágenes o sepulcros mortuorios como símbolo de
poder no hablamos ya de los sepulcros regios y demás sino algo tan simple
como eso ¿no? Interpretadas estas imágenes a modo lineal el capítulo del
retrato es toda la primera parte hablar del modelo romano bueno más
adelante os comento algunas otras familias los retratos de caballeros
armados y damas piadosas eran un soporte para el recuerdo del poder que
había gozado esta familia a lo largo de varias generaciones y demás muy
bien, ¿quienes son todos estos? los retratos autónomos todos estos de
aquí nos suenan bueno necesidad de proyección externa en las cortes
italianas y la ventaja de los retratos para la política de imagen el
ejemplo que lo tenemos si no recuerdo mal bien la introducción porque ya
se me... todo tenemos al principio tenemos el Montefeltro y los Sforza
tenemos el retrato claro, evidentemente por un lado están ellos de una
sala pero en la parte posterior los tenemos representados con los carros
del poder, con toda su insignia con todo su poderío que no tenemos tiempo
bueno las cortes italianas comprendieron rápidamente la ventaja de los
retratos podían comentar el conocido doble retrato de Montefeltro y su
esposa Batista Sforza estaba concebido como un par de imágenes
emblemáticas que a modo de medalla representaban en su reverso cientos
triunfos petrarquianos con las virtudes cadinades y teologales pero ese es
el estilo italiano el estilo del norte va por otros puntos, evidentemente
aquí tenemos a Felipe el Hermoso y su hermana Margarita de Aosta Juana se
enamoró de la hermosura del pollo del joven este, pero fijaros que aquí
ya no lo representan según el modelo italiano de Petrarca y el triunfo y
los gozos y demás sino lo representa más lo que será el luteranismo lo
que será el mundo del norte más en la realidad con todos los títulos
nobiliarios todas las imágenes de poder en las tierras que dominan bueno
os comenta, tuvo una trayectoria notable se configura una tradición propia
que combina el uso del óleo por el realismo y el detalle la complecísima
campaña de imagen desarrollado por Maximiliano de Austria contribuyó al
impulso del género del norte de los Alpes y comenta el anónimo flamenco
del retrato este claro, esto de hacer un retrato a hacer una medalla
conmemorativa lo pensáis así como el retrato en este caso el de Felipe el
Hermoso y su hermana el componente de divulgación del poder del reino las
medallas se suelen utilizar para conmemorar eventos varios Pisanello hizo
la del matrimonio de Leonelo d'Este Leonelo d'Este Isabella d'Este la
familia d'Este bueno ¿dónde estás? mmm en los enlaces matrimoniales que
os va comentando y demás emitidas las conmemoraciones y alternancia de
imágenes emblemáticas con retratos el retrato de Leonelo y su
correspondiente imagen medalla del matrimonio y demás bueno, ¿qué más?
os comenta es que va saltando todo el tiempo retratos para alianzas
políticas retratos en miniatura el de los reyes católicos el que hemos
visto antes serviría de ejemplo el de Francisco I el de sus hijos al rey
de Inglaterra y el duque d'Anjou lo envían los retratos a Polonia es decir
se hacían un Facebook, un Instagram y todo eso la versión primitiva de
las redes sociales de hoy en día mmm finalmente mmm os pone la figura de
Batista Moroni retrato de un sastre que es lo que os he comentado antes con
su poder como veis va funcionando bueno el retrato cortesano como sistema
de signos mmm los retratos ¿qué tienen que mostrar? las virtudes de las
grandes personas mmm Francisco de Holanda lo tenemos los retratistas y debe
ser un signo público que sirvieran como modelo colectivo y es ahí hacia
donde vamos en el retrato cortesano ¿por qué? por lo que os he comentado
al principio Moroni y la imagen del sastre con sus tijeras y las telas
elaborando bien su trabajo crítica a la popularización del retrato de
gente desconocida para uso privado porque siguiendo ese modelo clásico el
retrato era para el poderoso no podía ser de otra manera bueno el retrato
se convertirá como hemos visto en modelo colectivo pero este retrato vamos
al punto 3 el sistema de signos mmm y esto ¿cuáles son los puntos que
tenemos que tener en cuenta en este sistema de signos? la función de
recuerdo la imagen del poder las etapas en lo que veremos los retratos
políticos y la estética de los retratos es un poco los puntos que tenemos
aquí porque veis que va saltando de una parte a otra estos son los puntos
en los que se trata en este punto 3 función memorística atributos
iconográficos que complementan el mensaje ¿no? Pedro de Gante y Pedro
Berrubete Federico de Montefeltro la imagen, fijaros combina cualquier
imagen imagen real la cara de los personajes convenciones de la imagen
¿qué tiene? el yelmo ¿qué es él? ha sido un militar, ha sido un
condottiere la espada como diciendo después de ti voy yo pero también
quiere retratarse de otra manera, fijaros la composición del cuadro que
tuviésemos que analizarlo de esta manera en este ángulo tenemos todo el
mundo militar la espada la armadura y demás veis que aquí de la muñeca
hacia la izquierda de la imagen y hacia arriba desaparece cualquier
referencia a su pasado militar ¿y qué tiene? las imágenes del poder
¿cuáles las tradicionales? serenidad y leyendo Marie de Neville también
estaba leyendo y los atributos simbólicos lo que vemos y puesto las
órdenes diciendo no en vano la línea se corta con esta para indicar las
dos vías una parte terrenal y otra parte hacia el mundo espiritual hacia
el mundo evidentemente religioso pero bueno, eso no no toca en esta
asignatura bueno negociación artística y demás conferir legitimidad al
linaje con los atributos que os he dicho seguimos con otra imagen
hierática otra imagen de serenidad porque el poderoso es sereno no muestra
en ningún momento desesperación sino que representa pues lo que es una
persona que está absolutamente segura del poder que tiene la imagen del
Dogo Leonardo Loredan pues va a mostrar algo fundamental en la anterior os
he marcado las líneas de visión que nos hace ver la obra pero aquí está
entrando algo que le sirve, le permite llevar hacia algo fundamental el
retrato no es tanto el cuerpo entero sino como la cara porque la cara es el
espejo del alma y esa cara tiene que transmitir esas cualidades nobles que
se tienen primer elemento semántico a tener en cuenta lo hemos visto antes
y lo veremos ahora en la imagen siguiente que es la que nos ha dado entrada
al capítulo desde el siglo XVI se toma conciencia de las posibilidades
expresivas de los gestos y demás si vemos esto parece como si fuese un
maniquí que han clavado una cabeza ahí porque es que no hay ningún tipo
de anatomía lo que hay es seda es poder y lo único que vemos es el rostro
pues a esto se refiere lo que nos pone por aquí no tenemos tiempo de
hablar hablaba de un retrato intelectual que respetase las convenciones de
la representación del poder incluyendo nobleza y gravedad del gobernante
evidentemente el dogo, el dueño de Venecia el que manda en Venecia no
necesita nada más sino que su propia presencia para demostrarlo continúa
comentando todo esto y gana en transmisión psicológica mediante el
estudio de las sombras y la disposición de la mirada y eso nos lleva a lo
siguiente Van Dyck doble representación apariencia física autoridad moral
hemos comentado y los nobles que quieren plasmar respecto de hombre de
guerra son las dos imágenes anteriores el retrato bien en el último
parágrafo de la página 360 pone aunque la particularación articulación
y demás el retrato tanto en su configuración general como los signos
particulares que iba incorporando fue generando diversos modelos de ley es
el siguiente punto que vamos a ver los horizontes de interpretación de los
productores y de la audiencia para que estaban destinados las etapas
alternancia en atributos y tipologías compositivas como se lee el retrato
según lo que nos quieran vender es así este retrato le da vuelta sobre
todo ello un ejemplo el autorretrato con un girasol de Van Dyck que se
conserva en el Duque de Wellington puede ser leído en principio como una
posible representación de la práctica pictórica dado que esta flor era
interpretada en Flandes durante el XVII como una alegaría de la pintura
que ha de girar en torno a la belleza que sería él sin embargo en el
contexto inglés donde desarrolló gran parte el girasol es la imagen del
monarca utilizada en la literatura emblemática como símbolo de la nación
y del cortesano este sentido estaba reforzado por la presencia de la cadena
por resultar ésta un signo de nobleza al ser regalo real y no sólo la
lleva colgada sino que al ponérsela en el dedo subraya ese precio regio
que a su vez le da él muy bien pues con esta imagen de Van Dyck podemos
hablar de varias cosas también ¿con qué parte lo podemos relacionar? con
el artista y la evolución del artista el capítulo que vimos luego sigue
comentando algunas otras cosas como la dificultad para poder entender
algunas obras como el retrato de Giovanna Tornaboni en el que hoy en día
se nos escapa realmente ¿qué quería decir? desconocemos los iconos
desconocemos la literatura necesaria para poder entender según qué
cuestiones bueno entre las primeras se encuentra la caracterización que
ofrecen los objetos de la ornacina del fondo una joya con un dragón dos
perlas y un rubí cada uno tiene su relevancia también tiene que ver con
las perlas que lleva ella en el pecho más el medallón el tipo de vestido
estos objetos han interpretado como una alusión a la vida pública en
paralelo su vida interior piadosa y la sarta de bolas de coral que parece
ser un rosario en la ornacina, la parte de atrás y demás es decir, una
proyección hacia el exterior y una vida interior es una explicación
podéis poner lo que veáis bueno los libros de oraciones y el cartelino
con un epigrama del poeta latino Marcial volvemos al mundo romano bueno se
ha querido ver en una L como marca de Lorenzo su esposo en el bordado del
hombre del vestido si bien estas exégesis no son fáciles de contestar al
menos la existencia de este retrato intenciones de caracterización moral
aparece avalada de forma general por un cartelino que reproduce un epigrama
de Marcial traducible como fuerte si fueras capaz de representar las
costumbres y el alma y el mundo interior no existiría en el mundo un
cuadro más bello vemos el significado bueno luego, si vais a Milán si
vais a Brera a la Pinacoteca pues podéis pararos un rato delante del
cuadro de Brondino sobre Andrea Doria caracterizado como Neptuno bueno el
simbolismo la tradición alegórica nórdica que estaba presente por
ejemplo en el matrimonio a Norvini de Manet y se continuó en los conocidos
embajadores de Hans Holbein que ya lo conocemos que en la portada, que
escondían una calavera en anamorfosis como contrapunto oculto del aparato
mundano del retrato y clave para su interpretación religiosa aquí nos da
la clave del retrato de los embajadores es la parte religiosa hay un mundo
material un mundo que hemos visto antes con con Tornavoni pero también hay
un mundo oculto el arte siempre tiene esta doble el arte del momento
siempre tiene este doble vara de medio los retratos de gobernantes en
Italia jugaban igualmente con frecuencia en el campo de la alegoría el
campo que tenemos aquí en el entorno italiano es la obra de Brondino pero
también mucho más conocida es la que tenemos en más adelante con Arquín
Boldo por algún lugar del libro ya comenta esto, ¿no? ¿dónde estás? un
ejemplo extremo sería el Rodolfo II como vertundo de Arquín Boldo que
mostraba al emperador como dios de la vegetación que gobernaba sobre todas
las plantas al tiempo que éstas componían el propio retrato de un típico
juego conceptual del pintor por la voluntad de vertundo Rodolfo todos los
cuerpos de la naturaleza se convertían en objetos dignos de admiración de
la misma manera que las piezas de su colección eran extraordinarias y con
ellas los estados que él gobernaba muy bien por otro lado nos pone que
qué hubiese sido de la corte de Rodolfo II sin Arquín Boldo tanto van
jugando con todo ello seguimos con el retrato y sin solución de
continuidad salta al retrato político con el busto de Luis XIV el busto de
Luis XIV nos podemos ya directamente de cabeza y sin pensarlo podemos ir al
capítulo de Francia la gestación del poder Colbert y compañía un nuevo
paradigma de retrato cortesano estamos avanzando Luis XIV ya hemos dejado
el renacimiento atrás estamos avanzando hacia ya prácticamente al final
de la edad moderna se centran los contenidos políticos en la
representación de la majestad y eso es lo fundamental digamos que el
retrato del siglo de la ilustración de esa época cambia totalmente ya lo
vimos, no lo comentamos pero ya lo vimos en la época de los capítulos
dedicados al poder en las cortes europeas bueno comenta algunas cosas
simplemente es esto luego nos vuelve a hablar por aquí de Tiziano las
copias que se hacen os comenta la composición el retrato de Seineker y el
de Tiziano según modelo a partir de tradiciones italianas y flamencas en
el XVI, modelos sencillos el de Tiziano como el de Carlos V Felipe II que
eran, se hacían según lo tradicional retrato con el mastín Tiziano hubo
de copiar simplificando aún más el aparato mediante un oscurecimiento
general de las escenas que mejoraban notablemente el resultado es decir
¿por qué? aquí se pierde pero aquí al estar oscuro ¿qué nos queda? la
cara, no lo hemos visto en el dogo como esa simbología la transmisión de
ese poder de esa serenidad bueno, transmiten autoridad lo transmiten más
con la imagen en algunos puntos que no con toda la imagen abierta y
hablábamos del Gattamelata como ya os he comentado pues tenemos en Wilberg
Carlos V en el que lo representará también como un condottiere triunfador
caballo pues luso dando un poco las patas delanteras claro, ¿dónde
tenemos alguien a caballo? también nos vamos al capítulo de la monarquía
hispana también tenemos algún príncipe a caballo ¿no? por poneros
alguna cosa que no nos da mucho tiempo de entrar en más profundidad pero
sí que quiero que vayáis pensando esto porque ya tenéis una idea clara
de todo el temario y ahí ya podéis vosotros ir haciendo vuestras
relaciones, ¿no? el retrato de Felipe II con armadura ¿no? ¿cuál es el
aparato simbólico? la columna la armadura el guante la espada y la mesa
todo el conjunto de la armadura lo hemos visto antes con el condottiere ex
condottieri que se quiere presentar que su hijo reciba y demás, pues
básicamente los símbolos son los mismos tenemos a Felipe II tenemos una
mesa ricamente vestida y tenemos la columna la firmeza es el soporte el
soporte es el pose de majestad la mano en la galea, en el casco y la otra
en la espada protección y defensa bueno esto será un modelo fundacional
para los retratos cortesanos realizado por Tiziano va a ser así bueno,
todavía dentro del XVI el modelo mixto que será el que veremos este
modelo mixto Antonio Moro Sánchez Coello con el retrato de Margarita
Gonzaga otra vez la familia Gonzaga se presenta algunas cosas como es
normal en este primer modelo internacional de retrato la figura aparece
levemente girada con el rostro iluminado en contraste con el fondo las
manos estratégicamente dispuestas y rodeadas de un ligero aparato de
cortinas y sillas que en este caso se ven completados por la bala austral
tenemos aquí para completar todo ello la singularidad flamenca es
apreciable en el extremado detalle con que se ha pintado el vestido de
Margarita porque ya sabemos que son las técnicas propias de ellos y dentro
de este mundo pero fue en el siglo XVII con Rubens Velázquez o Van Dyck
cuando acabó por codificarse este tipo de retrato cortesano y aquí
tenemos la imagen que hemos visto antes que hemos comentado antes de Luis
XIV y ya lo vimos en uno de los primeros capítulos en los que
comparábamos la imagen, si queréis triste y sobria de Felipe II frente a
la de Luis XIV pero claro pero evidentemente el lenguaje visual ha
cambiado, ha evolucionado hay unos años por en medio y bastantes entonces
evidentemente son distintos bueno según el modelo de Tiziano estas
corrientes pictóricas se van a conformar en el siglo XVII con los grandes
artistas Rubens, Velázquez o Van Dyck ¿dónde los hemos visto? a Van Dyck
lo hemos visto ahora con el girasol a Rubens y Velázquez lo hemos visto en
infinitud de capítulos hasta incluso en el de los embajadores ¿veis si da
juego de todo esto? Rubens, factor fundamental por su doble formación
flamenca e italiana la proyección europea de su trabajo y gran embajador
bueno y Van Dyck será el que siente los modelos en la corte en las cortes
europeas por resumir lo que os pone por aquí luego tenemos el retrato del
caballero en rosa por la estética fijaros un detalle la estética va
adquiriendo peso nuevas formas de retrato como un signo de distinción de
una posición social caballero en rosa muy bien la pose no es la de Felipe
II digamos que está un poco más de hola que tal pero lleva la espada no
es un rey no es un alto, de la alta nobleza pero los restos del mundo
clásico de alguna manera lo ennoblece todo este lenguaje pero bueno formas
de retrato interpretadas como distinción social que es lo que os pone por
aquí lo comenta el retrato el conocido retrato de un coleccionista de
Parmigianino Francesco Ballardo sea un ejemplo extremo de tendencias y
demás bueno, y de aquí pasamos al mundo de la religión que no puede ser
de otra manera y aquí aparecen otros autores en el nivel más sofisticado
la propia novedad y calidad de las formas de retrato podían ser
interpretadas como un signo de distinción que avalaban una determinada
posición social esta lectura que va a tener indudables proyecciones en el
mundo contemporáneo fue el comienzo de una noción reservada a
determinados personajes que participaban en los debates estéticos y demás
bueno, el greco seguramente en el desmaterializado retrato de Parmigino en
el greco es desnaturalizado aparte que la pintelada del greco es totalmente
distinta a lo que hemos visto en Boston tienes el retrato de Fray Ostensio
para Parmigino está desnaturalizado porque las pinteladas sueltas de los
retratos de Tiziano se irá evolucionando lo pone por aquí además
remitía al prestigiado referente de Carlos V y Felipe II que es lo que va
a hacer imitado por el greco en el mundo de los retratos velazqueños
también pero sólo en el siglo XVIII cuando como sabemos los debates
estéticos pasaron a ser parte de la opinión pública cuando aparecen las
colecciones cuando aparecen los museos cuando aparece todo eso cuando a
partir del XVIII el coleccionismo público ya lo vimos en el capítulo del
coleccionismo el coleccionismo en primer lugar es algo propio poco a poco
se irá abriendo y será el XVIII ¿no? el retrato inglés es una muestra
bueno adquirió el gusto como elemento constituyente de su modelo
ideológico y el retrato social y político que experimentó Inglaterra
pues como adaptaron los modelos flamencos de la Conversation Peace aquellas
que vimos, ¿os acordáis? y formas más refinadas según modelos franceses
y demás, la sofisticación del retrato como algo ya a tener en cuenta y
con esto llegamos las identidades colectivas no hay mucho que comentar
aquí han jurado de Rostein y los retratos familiares y Rembrandt sobre
todo Galerías de hombres ilustres ya hemos visto de dónde vienen ¿no? el
retrato parte de una ruptura con el retrato medieval pasando de las
convenciones a una representación de carácter moral no hay primacía
entre uno u otro retrato el individuo es mucho menos individualista de lo
que cabe suponer es decir hemos estado fijándonos hasta ahora aquí en el
capítulo los autores se fijan en retratos individuales de personajes pero
también quieren remarcar que no era tan que el retrato colectivo también
es importante los retratos del mundo heráldico para la familia recordemos
a Felipe el Hermoso por ejemplo y la apreciación subjetiva la valoración
emocional o la misma fisonomía para tener que ver con lo que os queden de
todo ello aquí comenta y comenta y va hablando de toda una serie de
cuestiones una de las pruebas fundamentales de la existencia de esta
percepción colectiva de identidad era la formaban parte de una galería
los retratos que se podían colgar en solitario por medio de los amigos, la
esposa o el esposo eran minoría las efigies se disponían en galerías de
retratos menos extensas y estas galerías de retratos también incluían
pues las galerías de hombres ilustros el otro en el Castellnovo los
estudió lo que ya lo hemos visto al principio Durquino o Yelandayo y todo
esto imágenes comentadas con texto biográfico siguiendo a Barrón
evidentemente y publicaciones posteriores lo pone por aquí y no tiene
mucho más me interesa llegar en lo que más o menos podremos ver los
retratos familiares fijaros como el retrato de Anne Marie de Anne Aural
pues detrás están todos sus antepasados los retratos familiares es donde
se sitúa el individuo dentro de la familia indispensables a partir del XVI
incluye enlaces que remiten identidades simbólicas e incluso relativo a
poetas comenta algunas cosillas y demás lo veis, ya lo habréis leído
perfectamente, pero fijaros el modelo Pliniano si volvemos a ello el modelo
en el que los antepasados dan a ella, le dan autóritas aparte de otro
mundo la parte religiosa y el escudo de la familia y como no, la fidelidad
como siempre siguiendo con ello aquí tenemos la galería de Paul Artier,
retratos para ilustrar la grandeza de Francia que no sale en el libro pero
sí que he querido poneros alguna imagen para que lo podáis para que lo
podamos tener en cuenta fijaros la parte inferior y la parte superior
están todos los grandes personajes por ahí retratos de la grandeza de
Francia reyes ordenados rodeados por tres rangos de efigies grandes
contemporáneos personajes contemporáneos similar formato usará el
cardenal Richard es decir todo este grupo esta galería de hombres ilustres
dan poder a la familia en cuestión luego algo que comenta es este modelo
de exhibición en galería se insertaba al sujeto en conjuntos simbólicos
de naturaleza variable la conocida estampa que muestra el infante Don
Carlos frente al retrato de su bisabuelo o el retrato de Clifford que la
dispone en grupos de retratos según las edades y demás las tres partes
contemplando un grupo de retratos es decir está ella y fijaros que siempre
tiene las imágenes que le interesan y finalmente para ya acabar lo que
más conocemos es el mundo flamenco el retrato colectivo flamenco tenemos
básicamente la lección de anatomía que la tenéis en la página 378 y la
ronda de noche de la página siguiente permiten el aporte económico
abonado individualmente para ser incluido en la composición ya sabéis que
hubo tortas porque algunos pagaron y no se les veía la cara en fin es así
¿no? presencia de una escala jerárquica problemas por la colocación y
comenta alguna cosita más básicamente y ya está ¿no? bueno es un
proyecto personal o colectivo del premio de los cirujanos cada uno de ellos
pagó su buena cantidad para aparecer retratado como veis no tenemos tiempo
suficiente el capítulo siguiente veremos el 13-14 lo veremos juntos de
alguna manera para poder completar la exposición pero sí creo que en este
capítulo hemos podido ver un poco todo lo que ya relacionarlo con lo
anterior que ya lo tenéis por bueno pues muchísimas gracias por estar
ahí cuidaos y nos vemos la próxima semana buenas tardes hasta luego nos
cuidaremos que remedio