Al menos vamos con las primeras nociones hasta donde lleguemos, ¿no? Por
lo tanto, damos comienzo a la primera clase dedicada al tema 6, que en
vuestro manual se denomina La decoración de los edificios, esculturas,
pinturas y pavimentos dentro del bloque temático 3. Y vamos a empezar con
la escultura, ¿no? Que quizás es uno de los grandes aportes que tenemos
del arte griego, aparte de la arquitectura, ya que, como bien sabéis, la
pintura, aunque debió alcanzar niveles bastante más elevados de los que
nosotros pensamos, en gran parte se ha perdido, ¿no? Sobre todo la pintura
exenta, ¿no? Y se nos ha conservado hasta el solo en algunas de las
paredes, de las decoraciones pictóricas que decoraban los laterales de
algunas tumbas o cuestiones similares y quizás los restos son menos
espectaculares, algo más escasos, pero debió ser también de gran
calidad. En cuanto a la escultura, como decíamos, también tiene una gran
variedad en muchos aspectos, ¿no? La escultura griega realmente va a
abarcar diferentes aspectos, tanto en sus tipos de representaciones, en los
ambientes en los que se va a utilizar, también en la... en la variedad de
los materiales empleados para escultir estas esculturas, con lo cual
realmente es uno de los grandes pilares, como os decía, del arte griego.
En la variedad de los materiales tenemos, por lo tanto, esculturas y
figuras hechas en todo tipo de piedras, especialmente destacables el uso de
la caliza o, por supuesto, del mármol, ¿no? El gran material es el que se
usa en las esculturas, el escultórico por la antonomasia, ¿no? Por ese
acabado tan interesante y tan brillante que da algunas de las piezas hechas
en este material. Porque además, la propia Grecia, como vimos en la parte
dedicada a los materiales de construcción, es una cantera de mármol,
¿no? Sobre todo en las islas, con lo cual, evidentemente, había un acceso
relativamente fácil a estos materiales, ¿no? Con lo cual, evidentemente,
esto hace que se utilicen mucho más, ¿no? También es verdad que tenemos
un mayor conocimiento de las esculturas realizadas en este tipo de
materiales pétreos porque se han conservado mejor y se han conservado en
mayor cantidad que las que estaban realizadas en otros materiales como
podían ser los metales, ¿no? Fundamentalmente el bronce, que es el gran
material utilizado en la escultura, del cual, en líneas generales, nos han
llegado esculturas muy fragmentarias porque el bronce es un material, no os
voy a decir un material precioso, pero sí es un material bastante
apreciado en todas las etapas de la historia y, por lo tanto, es un
material que tiene una alta capacidad de reutilización, ¿no? Es decir, el
bronce se puede volver a fundir. Es un metal. La piedra es más difícil de
utilizar, ¿no? Una escultura es mucho más difícil de utilizar. En otras
ocasiones, otros tipos de cuestiones realizadas en piedras sí que se han
reutilizado, ¿no? Por ejemplo, las estelas funerarias. Las alas nativas.
Todo ese tipo de cosas sí que se han reutilizado como material
constructivo, ¿no? Pero en las esculturas es más complicado. Sin embargo,
el bronce, insisto, se cogía un trozo de bronce, un espectro de bronce, se
troceaba y se fundía. Y ese bronce se podía reutilizar perfectamente,
¿no? Algo pasa con el resto de los materiales metálicos, ¿no? Tampoco
tenemos ningún resto de las esculturas hechas en elefantina, ¿no? En esa
mezcla de marfil. Oro y materiales preciosos. Porque, claro, evidentemente
se partieron, se fundieron, se repartieron y se vendieron a peso, ¿no?
Así que esa es la cuestión. La madera, por otro lado, evidentemente
tampoco tenemos restos de escultura en madera aunque sabemos que se
utilizaba, después se pintaba y demás en ambientes más modestos, un
material más barato, como podéis comprender. Pero, evidentemente, la
madera se degrada, ¿no? Entonces, una madera que resista 2.500 años es
una excepción absoluta. Lo más normal. Lo más normal es que la madera se
acabe pudriendo y, por lo tanto, se deshaga. Y la terracota es un material
también bastante frágil. Entonces, además, se utiliza generalmente para
figuras de pequeño tamaño. Y aunque sí que tenemos restos de algunas de
ellas en terracota, tampoco es un material que resista bien el paso del
tiempo, si queréis. Por lo tanto, el más conocido va a ser el mármol,
especialmente el mármol providente de las islas, como decía, de las
cícladas, que, a partir del siglo VII, se empieza a utilizar por toda
Grecia como un material noble para el arte de la escultura, aunque,
insisto, depende del objetivo que se buscase con la escultura y de los
medios que se dispusieron, los medios económicos, me refiero, para la
recepción de esa escultura. Quien la encargaba, quien la pagaba, pues,
evidentemente, se fue variando en los materiales e incluso se hicieron en
caliza, como habíamos visto también en la arquitectura, aunque se les
diese una cierta pátina de mármol o un aspecto, un tratamiento para que
pareciese mármol y no caliza, como también se hacía en la arquitectura.
Las herramientas que utilizaban los escultores, evidentemente, han sufrido
pocas variaciones, porque, básicamente, se trata de un mazo y un cincel,
que es la herramienta básica de cualquier artista que se dedique a este
tipo de trabajos, y luego, pues, evidentemente, había otras herramientas
un poquito más especializadas para trabajar determinadas zonas o
determinados detalles o en determinadas técnicas, ¿no? Depende de lo que
se aplicase a cada una de las esculturas, como podían ser diferentes tipos
de cruzones, buriles o trépanos, ¿no?, para hacer agujeros. Y demás,
¿no? Tras esculpir la pieza, evidentemente, al final se llevó a cabo una
especie de tratamiento con piedra pómez, procedente de la zona de San
Matracia o otro tipo de piedra llamada esmeril, procedente de la isla de
Naxos, para darle una especie de pátina suave a la escultura y después se
pintaba. En algunas ocasiones, aunque esto era más infrecuente, lo más
normal es que la escultura estuviera hecha de una sola pieza, ¿no? Pero en
otras ocasiones se hacía por partes o incluso se reutilizaban esculturas o
cruzos de otras esculturas y para esto lo que se hacía era unir las
diferentes piezas con grapas metálicas, ¿no? Igual que habíamos visto
esas grapas metálicas que unían o que servían para afianzar la unión
entre los bloques en las construcciones, por lo mismo, esa misma técnica
era utilizada en la escultura. Como os decía, el bronce fue un material
especialmente utilizado, incluso dentro de esa aleación de bronce se le
empieza a añadir plomo también a la aleación, ya sabéis que el bronce
es una aleación ya en sí misma de cobre y extraño. Y bueno, en líneas
generales se solía trabajar golpeando las láminas de cobre sobre una
estructura de madera, es decir, una especie de maniquí o figura o
prefigura de madera a la que se le iban, digamos, al viviendo esas láminas
de cobre que se trabajaban y después se utilizaba la técnica de la cera
perdida, que básicamente consiste en realizar una figura de cera que se va
a rodear con cerámica y luego se va a fundir rellenándola con metal. Esto
en realidad es un molde, digamos. Luego la rellenas de metal y ese metal
cuando enfría ya tiene la forma de la figura que se quiere hacer. Lo que
ocurre es que esto, claro, hace que las figuras sean muy pesadas y muy
costosas porque la cantidad de metal utilizado es altísimo, ¿no? Entonces
esto hace que poco a poco se vayan buscando las figuras que se quieren
hacer. Nuevas fórmulas para adaptar este proceso y se trata de intentar
hacer las estatuas huecas y aligerar también el peso con la llamada
técnica del fundido en hueco, que se difunde a partir fundamentalmente del
siglo VI antes de Cristo y entonces lo que se hace es una especie de doble
estructura, se rellena de cera y después se funde y se introduce el metal.
Pero claro, ya no es tanto la cantidad de espacio que hay que rellenar con
metal. No sé si me explico más o menos. Para que entendáis cómo es la
cuestión. En otras cuestiones se utilizaban otras técnicas como el
martilleado para conseguir unas láminas más finas y también abaratar de
esta manera el coste y aligerar el peso, que al final es uno de los
objetivos fundamentales cuando se trabaja el metal en una escultura y
bueno, por supuesto, también se usa la terracota como acabamos de
mencionar, aunque es menos frecuente para esculturas extendas de gran
tamaño, pero sí que hay casos como en Tasos y Corinto. El marfil,
evidentemente, se utiliza para decoraciones, tiburillas, para tallarlo de
pequeño tamaño, aunque a veces se combina, como os pongo ahí, con otros
elementos, en este caso metales preciosos, por ejemplo, para las famosas
estatuas crisolejantinas que lleva a cabo Phidias, ¿no? Pero eso es un
auténtico dispendio de brutal, de un momento muy concreto de la historia
de Grecia y más concretamente de Atenas, ¿no? Aunque es verdad que
también la estatua de Zeus en Olimpia estaba hecha en este material, no
solo la de Atenas. La de Atenea en la Acrópolis de Atenas. Las acrolitas
también son las estatuas que presentaban mármol en las partes desnudas,
era una combinación, es decir, se utiliza mármol para señalar las partes
que quedaban al aire de la figura, mientras que el resto se hacía de por
madera o con elementos brazos, ¿no? Las partes cubiertas, imaginaros el
vestido de una mujer, pues que solo enseña los brazos y un hombro, pues
esa es la parte que se hace en mármol, la parte de la cara y la parte
que... Está cubierta, pues se hace con madera o elementos dorados de
origen metálico, fundamentalmente. En cuanto a la tipología y
funcionalidad, tenemos muchos tipos de esculturas en Grecia. Las más
frecuentes, evidentemente, son las figuras humanas de carácter estante, es
decir, las que están de pie, pero había algunas excepciones como el
ónfalos, es decir, los ombligos, los ombligos que daban origen al mundo,
es una escritura mitológica, los falos, los llamados falos de Dionisios,
que son los grandes falos, en realidad, que representan a Dionisios y
tienen relación con la fertilidad y demás, o los llamados ermas, que son
una especie de pilares, aquí os he puesto uno, en la parte derecha, con
una cabeza barbada, es decir, la cabeza sí que está con forma humana,
pero en medio del pilar aparece un falo en erección y, bueno, es un
símbolo también relacionado con la prosperidad y la protección de las
comunidades, ¿no? Famoso es el caso en el que un alfíliades, uno de los
dirigentes de Atenas en la época de las guerras del Peloponeso, pues justo
cuando va a dirigirse hacia Sicilia para una nueva fase de la guerra contra
Esparta y sus aliados, que se va a llevar a cabo en la isla de Sicilia, en
la zona de las colónidas de Grecia, pues justo cuando va a salir es
acusado de haber decapitado a estas estatuas, a una serie de estas estatuas
que había repartidas por la ciudad de Atenas. Entonces, bueno, él tuvo
que huir, al final se refugia en la corte de Esparta, el mayor enemigo,
luego acabará volviendo a saber como líder de Atenas, en fin, este
alfíliades era un tipo curioso porque en Atenas le echan por esto porque
le acusan desequilogo por haber hecho esto y no entiendo muy bien por qué
él hubiera hecho esto, porque se le acusa directamente, pero bueno, en
fin. Eh... Se refugia, como os decía, en Esparta y luego de Esparta le
echan por un tipo de hilo de falda, o sea que, en fin, era un personaje, la
verdad, es que la más de curioso. Eh... pero bueno, eran estatuas o
esculturas que estaban frecuentemente en las coles viejas y representaban
esa protección de la comunidad. Según la funcionalidad y el lugar donde
aparecen las podemos dividir en figuras de animales, en los santuarios
antiguos y figuras masculinas en actitud fiadora, que aparecen en esos
santuarios de la antigüedad, generalmente figuras de pequeño tamaño y de
calidad, bueno, limitada, digamos. Después las figuras que aparecen en los
templos que generalmente son evidentemente las grandes imágenes de las
divinidades porque acordaros que el templo es la casa de la divinidad y por
lo tanto hay una estatua que representa esa divinidad en el interior de la
misma. Después en los santuarios arcaicos y de tipo clásico, pues igual,
figuras de divinidades o relacionadas con sus mítolos, así como las
imágenes de los fieles, por ejemplo los Kourou y los Kourai, esas
imágenes arcaicas que veremos ahora más adelante y luego también
relacionadas con las ciudades que hacían ofrendas a esos santuarios.
Después tenemos las figuras de los santuarios menores, generalmente
esculturas de menor calidad hechas en terracota. Después las figuras que
se colocaban en las ágoras, en las ágoras de las coles, generalmente
representan a atletas, a los legisladores más destacados de esa ciudad y
por supuesto también a los tiranicidas, ¿no? Famosa es la estatua de los
tiranicidas, precisamente de Atenas. En las necrópolis también es otro
lugar de aparición de esculturas, así como de estelas, pequeñas
estatuas, aunque a partir del 317 van a desaparecer porque se promulga una
ley contra la ostentación en las tumbas. La verdad es que la cosa había
cogido una velocidad de crucero peligrosa y cada vez se vacunaba más por
tener tumbas cada vez más magníficas con esculturas de mayor calidad y
con mayor dispendio y para poner freno a esto se aprueba esa ley del 317. Y
después ya las figuras que aparecen en ámbitos domésticos, que
generalmente son figuras de las divinidades relacionadas con el culto
doméstico o incluso copias de algunas obras famosas. Esto es en realidad
como en la actualidad. Algunas casas, iguales copias del Pequeño Tamayo,
del Discógono de Millón o de cosas por el estilo que bueno, pues son un
poco una cuestión que ya como vemos existía en la antigua Grecia.
Continuamos por lo tanto, entramos ya en el tema de la decoración
arquitectónica, es decir, de las esculturas que aparecen ligadas a los
edificios. Evidentemente vamos a empezar con las molduras que son aquellas
componentes arquitectónicos o ornamentales que aparecen en las partes
superiores de los edificios y en líneas generales son líneas asociadas a
caracteres de tipo vegetal relacionados con el mundo vegetal. Las molduras
intentan de alguna manera imitar los motivos de la naturaleza y más
concretamente del mundo vegetal, es decir, trasladar a lo arquitectónico
el mundo de las plantas. Esto lo vemos muy claramente en todo tipo de
molduras que por supuesto lo vemos como habíamos visto en los capiteles
por ejemplo del estilo corintio. Cómo se intenta imitar esas hojas de
acanto, pues esto ya ocurría evidentemente en las molduras. Claro,
evidentemente se copia a la perfección en el modelo vegetal. En cuanto a
la escultura arquitectónica, evidentemente está ligada a casi todo tipo
de edificios públicos en Grecia. Es decir, casi cualquier edificio
público, de carácter público, me da igual que sea un templo, un lugar de
reunión, un tesoro, un teatro incluso, cualquier sitio tiene decoración
escultórica. Es decir, en la mentalidad griega no se conciben los
edificios públicos sin este tipo de decoraciones, con lo cual es
prácticamente omnipresente en todos los espacios públicos de la ciudad
como os señalo ahí abajo. En cuanto a los soportes antropomorfos, que son
esas columnas que presentan figuras o masculinas o femeninas, parece que
tienen su origen en la zona de oriente pero van a vivir, digamos, una nueva
prosperidad en Grecia. A mí, desde el punto de vista del arte, me
recuerdan los precedentes, por ejemplo, a los tipos de pies de columnas que
existen en la zona de los hititas y de los reinos neo-hititas, a partir de
la caída del imperio hitita con la llegada de los pueblos del mar en torno
al 1200. Después los reinos neo-hititas se configuran allí en la zona de
Anatolia y son un poco, evidentemente, los continuadores de la tradición
artística. Y es muy frecuente ese uso de columnas con formas humanas, que
además suelen estar apoyadas en unos animales, son como figuras que van en
unos carros tirados por leones y cuestiones así, todo eso en forma de
columna, y realmente sí que aparecen. También aparecen algunos motivos
animales, por ejemplo, así que yo recuerdo, en el arte persa, aunque un
poquito posterior, aunque ya han limitado la parte superior de las
columnas, de líneas generales, que sí que tienen figuras como toros, con
toros alagros y tal, actuando como capiteles. Pero ya os digo que es en
Grecia donde realmente esto va a vivir un auge importante. Las cariátides,
que son este tipo de columnas o figuras humanas, pero figuras femeninas,
que tienen el nombre de cariátides, van a aparecer en la zona de Cilicia,
en la costa, y se van a exportar a Grecia, como en el caso del llamado
tesoro de Sidnio en Delfos, fechado en el 525, que es este que tenéis
aquí. Fijaros en las figuras femeninas que aparecen en las dos columnas
frontales, porque es un tesoro in antis, como podéis observar, o, por
supuesto, las más famosas, que son las del Erectrion de Atenas, del
Acrópolis de Atenas, digamos así. Ya habéis visto el templo dedicado a
Atenea y a Erecteo, del 410. Ya en época helenística van a aparecer
también adosados a los muros y a los pilares, con los brazos levantados,
como sosteniendo, dando una sensación de sostener el edificio con sus
brazos, como el caso que os pongo en la derecha, procedente del templo de
Zeus en Agrigento, en la zona de la Magna Grecia, donde más van a
utilizarse este tipo de elementos. En el caso de ser figuras masculinas,
reciben el nombre de atlantes. Cariátides, por lo tanto, para las mujeres,
atlantes para los páramis. Aún así, tampoco es que sea una cosa
absolutamente hiper frecuente en el mundo griego. Es conocido, es utilizado
en diferentes zonas además, pero ni mucho menos mayoritario su uso, si
queréis. En cuanto a la escultura exenta, es propia en líneas generales
de la época helenística en más casos, es el caso del mausoleo de
Alicarnaso. Una de las siete maravillas de la antigüedad construida en el
siglo IV para servir de tumba de mausolos. Este rey de Alicarnaso va a dar
su nombre posteriormente a los edificios monumentales que sirven para dejar
tumbas a los mausoleos. Pero el nombre, insisto, viene del nombre propio de
este dirigente llamado Mausolo. Mausolo, como veis, hace construir una
tumba monumental sobre un plinto con un carácter rectangular y acabado en
una especie de tejado piramidal formado por una estatua de un carro, por
una figura escultórica de un carro. Pero todo el conjunto estaba
perfectamente completado por numerosas esculturas. Ya veis aquí, en esta
reproducción, las estatuas secuestras que aparecen en los lados, pero
también el intercolumbio estaba todo decorado con estatuas de diferentes
divinidades, personajes, etc. La desgracia es que realmente no quedan
restos prácticamente monumentales del mausoleo de Alicarnaso. Sí quedan
algunos restos escultóricos, la mayoría están en el British Museum, se
los llevaron los ingleses, como tantas otras cosas de la zona de Grecia y
de la costa de Turquía, pero de origen griego, y nos dan muestra un poco
de esa magnificencia del gran mausoleo de Alicarnaso. Otro tipo de
edificaciones también que presentan esculturas exentas son los llamados
altares, que se construyen también en época helenística, quizá el más
famoso, evidentemente, el altar de Zeus de la ciudad de Pérgamo. Está en
el Pérgamo, el Museo de Berlín, que perfectamente en una habitación
enorme, en una sala enorme y perfectamente reconstruido y que nos da una
imagen de esa magnificencia que se alcanza en época helenística, todo
más grande y un poco hecho a la gloria de estos nuevos monarcas
helenísticos que están muy influidos por las costumbres orientales. En
cuanto a los frisos y frontones, ya no estamos en la escultura exenta, nos
vamos ya a la escultura de en relieve. Ya hemos visto cómo es una de las
características principales de los diferentes estilos arquitectónicos que
se utilizan en Grecia. Básicamente, en la época del uso del estilo
dórico está muy limitado el espacio porque vimos cómo la sucesión de
triglifos y metopas no permite que haya una continuidad en el relato que se
pretende representar de manera escultórica. Es decir, solo son las metopas
las que reciben decoración escultórica. Los triglifos siempre son estas
líneas verticales que cortan de esa manera un poco el desarrollo de la
historia. Por lo tanto, las escenas no pueden ser muy grandes porque no
caben dentro del espacio y por lo tanto, el número de personajes que
aparecen es siempre limitado. Por lo tanto, si se quiere representar un
pito que tenga diversas etapas, hay que ir representando los episodios de
manera separada. No se puede hacer de forma conjunta. Esto ocurre, por
ejemplo, en el Tesoro de Sicción, en Delfos, que tiene que reducir el
espacio dedicado a cada una de ellas o el llamado Templo C de Seligunte, en
Sicilia, que es el que tenéis aquí representado, que realmente es uno de
los mayores ejemplos de este tipo de arte en frisos de estilo dórico de
todo el mundo griego, a pesar de estar en la Magna Grecia, que como veis es
una de las fuentes fundamentales. Al final, estamos viendo todo el rato
templos y cuestiones de la Magna Grecia o de la zona de la costa de la
actual Turquía. Fijaros que al final de lo que es la Grecia continental
vemos menos cosas porque yo creo que en líneas generales el estado de
conservación ha sido peor siempre. Entonces, es muy curioso esta
cuestión. En fin. En cuanto al friso jónico, evidentemente, como no
tienes esta sucesión, permite el desarrollo de escenas mucho más amplias,
mucho más completas, con una sensación de profundidad mucho mayor que el
espacio tan limitado que teníamos en las metodas. Evidentemente, esto nos
permite representar, insisto, ciclos complejos como, por ejemplo, la
gigantomaquia, la amazonaquia, la centauromaquia, que son recurrentes
además en las representaciones de los templos griegos. También aparecen
escenas de estilo, de tipo político o histórico como, por ejemplo, las
escenas de la batalla de Plataea que se representan en el templito
chiquitín, ese también que me gusta muy tanto que es el de Atenea Niké,
el Acrópolis, o rituales como las Panateneas del Partenón, escenas
rituales que representan ese festival dedicado a la diosa Atenea que
aparece con esos desfiles de las fieles con vestidos de forma ceremonial y
los hombres que van aquí tanto a caballo como encargan esa procesión, en
fin, ya sabéis, lo vimos el otro día. Es verdad que no son lo más
frecuente, lo más normal es que se representen cuestiones mitológicas
pero hay algunas instrucciones como estas que realmente hay que destacar.
Fijaos que ese piso de las Panateneas ocupa toda la pared del Anaos,
acolgaros, meudea totalmente el interior del templo del Partenón y la
superficie esculpida es de unos 160 metros de longitud, que es realmente
una escena enormemente desarrollada. Aquí tenéis una pequeña
representación. Fijaros, esta es una de las escenas que hay en esa escena
del piso de las Panateneas con la procesión de los jinetes que van a
rendir culto y participar en la fiesta de Atenea. Aquí tenéis a las
mujeres vestidas con el traje ceremonial que van también a rendirle culto
a la diosa con una serie de ofrendas, instrumentos, todo tipo de elementos
que nos sirven además de alguna manera como fuente también importante
desde el punto de vista histórico para conocer no solo las cuestiones
religiosas sino los tipos de vestidos, las formas de llevarlas, los trajes,
los peinados, en fin. La verdad es que aporta bastante más de lo que
podría parecer a simple vista. En el siglo IV va a destacar el templo de
Passae que presenta unos relieves aproximadamente del año 400 y que
muestran esas escenas de combate con varios personajes a la vez y no duelos
como había ocurrido hasta el momento. Es decir, en las fases anteriores,
aunque se representase una escena de combate grande con varios personajes,
los duelos siempre eran individuales. Aparecían dos personajes aquí,
otros dos aquí al lado, pero cada uno de ellos enfanzado con el otro.
Aquí aparece un conjunto mucho mayor, es decir, las figuras aparecen
entrelazadas unas con otras y varios combatientes están luchando entre sí
todos a la vez, es decir, un mismo combatiente está agarrando aquí a uno,
a otro por aquí, y el otro le coge del costado, es decir, son escenas
mucho más completas, dan una sensación realmente de una especie de
batalla campal. Lo otro es, digamos, una suma de duelos individuales.
Entonces es un poco diferente, para que me entendáis mejor. Aquí aparecen
esas imágenes de la Amazonamaquia o de la Centauramaquia, como esta que
tenemos, que os he puesto aquí como ejemplo, aquí está la lucha de los
centauros en esa guerra con, bueno, que además sería por una boda, en
fin, muy interesante el mito de la Amazonaquia, de la Centauromaquia,
perdón, que realmente, insisto, es un tema recurrente en las
presentaciones de los templos griegos. En los frontones también se va a
utilizar como un espacio interesante para la representación de conjuntos
escultóricos y de mitos. Lo que ocurre es que, claro, nos pasa algo
parecido a lo que nos ocurría con los frisos góricos, con esa sucesión
de triglifos y metopas, pues en los frontones, como tienen esa forma
triangular alargada, también presentan una limitación evidente, ¿no?
Claro, no puedo hacer las figuras del mismo tamaño aquí que aquí.
Entonces, o las hago unas muy grandes y otras muy pequeñas que apenas se
ven, o las voy tulpando, las voy poniendo en posiciones cada vez más
horizontales, unas cayéndose, otras arrodilladas, hasta que ya al final
aparecen tumbados, que es lo que pasa, por ejemplo, en el templo de Afaya
en Egimia, que representa escenas de la guerra de Troya, entonces en la
parte central, fijaros, aparecen los personajes de pie, las divinidades y
los guerreros aparecen totalmente de pie y poco a poco van bajando. Fijaros
cómo van bajando en altura. Aparecen arrodillados, sentados y finalmente
ya tumbados, ¿no? Pues a lo mejor yacentes, mostrando al soldado que está
herido en el campo de batalla, etcétera, etcétera. Pero veis cómo se
adapta perfectamente a la estructura triangular, ¿no? Aquí estamos
viéndolo también en la parte superior. Esto es un frontón de un lado y
el frontón del otro lado, del lado contrario. En el caso del templo de
Artemisia en Corfu, el templo de la Gorgona también, aparecen, fijaros, la
Gorgona en primer término a un tamaño natural y después, claro, nos
solucionan poniendo figuras de animales con la cabeza arriba que, claro,
también no se adaptan perfectamente pero que no consiguen ni mucho menos
al grado de conjunto que se consigue en el templo de Afaya, ¿no? Pero es
verdad que este templo es muy antiguo. Es uno de los primeros acordados que
presentaba este tipo de decoraciones. Fijaros, fichado en el siglo VI antes
de Cristo, no tiene nada que ver con las fechas que nos estamos moviendo en
el otro lado, ¿no? Con esas escenas de la guerra de Troya que realmente
tienen una percepción técnica mucho mayor, ¿no? Aquí veis a Atenea
presidiendo esa batalla, ¿no? Porque al final, como bien sabéis, la
guerra de Troya no es otra cosa que un conflicto entre las divinidades a
través de los hombres, ¿no? Las divinidades utilizan a los humanos para
resolver sus propias diferencias. Por eso todos los dioses apoyan a uno u
otro bando. Apoyan a los troyanos o apoyan a los ajedrez o a los griegos,
¿no? Porque al final, insisto, es la forma de solucionarlo, ¿no? Apolo,
por ejemplo, apoya a los troyanos, Afrodita también apoya a los troyanos,
mientras que, bueno... Bueno, Zeus juega un papel ahí un poco difícil, un
poco intermedio, porque no quiere influir tan directamente, ¿no? Porque
además está un poco detrás de él para... Diciendo que le ha apoyado a
los troyanos, le acusa, bueno, ya sabéis los conflictos de Zeus también
con su mujer por las continuas infidelidades. En fin, que me voy,
perdonadme. El modelo anterior, evidentemente, que hemos visto del templo
de esa representación de la guerra de Troya es el precedente directo de lo
que va a convertirse en quizás la mejor representación de este tipo de
adaptaciones que va a ser el templo de Zeus o por lo menos a mí me parece
la mejor que es la del templo de Zeus en Olimpia. Evidentemente, el dios
aparece en la zona central persiguiendo la escena de la carrera entre
Pélope y el nómao y en la parte trasera aparece Apolo en medio de la
batalla entre los lápitas y los centauros, ¿no? Los lápitas y los
centauros, bueno, discuten con eso por el tema de la boda. Es un mito que
os decía muy interesante. Aquí aparece Apolo presidiendo esa batalla e
insisto que los dioses disfrutan con las batallas de los humanos y con las
cripecias de los humanos y no tienen ningún tipo de reparo en manipular
los intereses humanos para su vida. Es un propio divertimento. Entonces,
bueno, por eso están presidiendo muchas veces estas escenas. Fijaros aquí
cómo aparecen los lápitas luchando contra los centauros y cómo van
consiguiendo ese efecto de ir bajando con las figuras pero sin perder la
imagen de conjunto. Es decir, al final es verdad que no parece que sean
figuras que se han plascado ahí y se han adaptado a la altura sino que
realmente la sensación de conjunto se consigue, ¿no? Lo mismo que ocurre
en la parte frontal entre ambos contendientes. En los tímpanos del
Parthenón va a pasar exactamente lo mismo solo que además se va a
conseguir un efecto tridimensional absolutamente espectacular, ¿no?
Realmente parece que las figuras están vivas, están en movimiento y que
la escena está produciéndose en ese mismo momento, ¿no? Es realmente uno
de los grandes logros de la escultura arqueológica. Por un lado aparece la
lucha entre Poseidón y Atenea. Ya sabéis que Poseidón y Atenea se
disputaron el honor y la... No sé cómo explicarlo. El honor y el
prestigio de ser los protectores de la ciudad de Atenas y combatieron entre
ellos para conseguir hacerse con ese título de protector. Como bien
sabréis, evidentemente fue Atenea la que venció. Uno de ellos, aparte de
luchar, regalaron cosas a la ciudad de Atenas y, bueno, evidentemente
Atenea fue la vencedora y por lo tanto fue la diosa protectora de la
ciudad. Por lo tanto toda la Acrópolis como bien recordaréis que el otro
día estaba prácticamente dedicada de manera monotemática a Atenea en sus
diferentes versiones. Tenía la victoriosa, tenía la primera línea de
batalla, tenía la virgen, lo que queráis, ¿no? Promachos, Niké, Atenea
Pártenos, cada una con esa acepción. Y en el otro lado aparecen las
escenas relacionadas con el nacimiento de la diosa, ¿no? De cómo surge la
diosa de la cabeza de Zeus junto a otras representaciones de los dioses
olímpicos. Pero, insisto, los dos forman un conjunto realmente muy
amorioso. Fijaros en la parte de abajo que es la lucha entre Atenea y
Poseidón. Fijaros, Atenea con su lanza, Poseidón con su tridente y cada
uno de los bandos de los atenienses que estaban observando la lucha entre
ambas, ¿no? Mientras que aquí es el nacimiento cómo surge de esa cabeza
de Zeus y, bueno, se convierte en una diosa olímpica por derecho. La
verdad es que Atenea, la historia de Atenea es muy particular también,
¿eh? Y luego tiene una relación con Pallas, que también es muy curiosa,
que a veces hace que se identifique Pallas-Atenea. En fin, si os gusta el
tema de la mitología, estudiad el caso de Atenea o leed sobre Atenea
porque es un caso absolutamente único. En cuanto a la decoración de los
tejados, más limitada por las cuestiones del espacio y por la utilización
de este tipo de elementos, en muchas ocasiones las propias tejas pueden
presentar algunos motivos decorativos o formas curiosas, curvas,
combinación de curvas con formas rectas para dar una mayor vistosidad a
los conjuntos, pero evidentemente lo que más va a destacar desde el punto
de vista estético va a ser la decoración de las acróteras, ¿no? Aquí
en los límites, en los laterales y por supuesto en la acrótera central,
que es un poco la que preside todo el conjunto. Podrían tener diferentes
formas, vispos, volutas, espirales, en fin, todo tipo de figuras
geométricas, pero por supuesto las más llamativas son las figuradas,
¿no?, que representan o bien a victorias, que son esas figuras femeninas
agadas que representan la victoria, como su propio nombre indica, podrían
ser también gorgonas, por ejemplo, como Medusa, ese tipo de seres
mitológicos, también esfinges, esas eran más frecuentes, por ejemplo, en
las laterales, pero bueno, había de todo tipo. Claro, ¿qué ocurre? La
mayor parte de estas no se ha conservado casi ninguna y las conocemos por
los dibujos, por la referencia, por las monedas que hacían los... que
decoraban, o sea, que representaban los templos, pero en líneas generales
casi ninguno se ha conservado porque entre otras cosas estaban hechas en su
mayor parte en terracota o elementos metálicos que volvimos al mismo
problema de antes, al reciclaje de ese tipo de elementos que no permite o
que ha perjudicado en muchos aspectos su conservación a lo largo del
tiempo. Vamos a dar un salto ya, dejamos la decoración escultórica de los
edificios, ya fuera exenta o en relieve, y vamos ya con la decoración
exenta. ¿Hasta aquí todo bien? ¿De momento? ¿Alguna duda tenemos? ¿No?
¿Todo bien? ¿Me seguís bien, no? Pues venga, seguimos. Vamos a los
orígenes de este tipo de escultura exenta, nos trasladamos hasta
prácticamente el siglo VIII, recién salidos de la época oscura, en la
que, bueno, se habían llevado a cabo unas esculturas de poquita
categoría, si queréis, de modestas proporciones, figurillas en su mayor
parte, relacionadas casi siempre con cuestiones de esgotos y cuestiones
religiosas, pero poco a poco, cuando se va desarrollando la sociedad
griega, como ya vimos, y va ganando en importancia económica y en el
crecimiento demográfico que va a hacer surgir el nuevo sistema de poleis,
pues la escultura exenta va a dar un nuevo salto muy influida,
evidentemente, por las corrientes orientales, que es un poco el modelo a
seguir desde el punto de vista artístico, ya lo hemos visto también en la
arquitectura en varios momentos, pero que la escultura es quizás más
evidente todavía. Estas relaciones comerciales van a permitir la llegada
de artistas incluso procedentes de la zona oriental y también que los
propios griegos viajasen a las zonas orientales y observasen los modelos
que se estaban realizando en estas zonas orientales y, de alguna manera,
llevárseles esas ideas a Grecia. Por lo tanto, se van a imponer las
llamadas esculturas de tipo vedálico en las que son esculturas con una
cabeza más o menos triangular, aquí ya podemos observar, más o menos
triangular, con esa forma de triángulo invertido, si queréis, con una
superficie de la cara ocupada en su mayor parte por una nariz bastante
grande, unos ojos muy grandes también y una boca bastante de buen tamaño,
con lo cual, prácticamente, fijaros que no queda, como tiene esa forma
triangular tan exagerada, no queda prácticamente sitio para representar
los pómulos, los laterales, las mandíbulas, en fin, queda bastante
constreñido casi todo, si os dais cuenta. Aparece un pelo muy abundante
generalmente en mechones separados como una especie de trenzas como podéis
ver en esta representación y el mayor ejemplo de este momento o el más
importante es precisamente esta imagen llamada la dama de Auxerre
aproximadamente datada en el 640 que muestra a esta mujer estante con una
túnica larga que le cubre todo el cuerpo prácticamente hasta los pies,
solo se le ve la punta de los dedos y aparece la mano derecha sobre el
pecho y la otra mano a lo largo del cuerpo. Recuerda un poco a ese tipo de
esculturas egipcias, un poco hieráticas, un poco tiesas que al final es el
modelo que se está utilizando en todo el próximo oriente. Fijaros la
desproporción, fijaros el tamaño de la mano, que es totalmente
desproporcionado prácticamente, la mano es del mismo tamaño que su cara,
es decir, la proporción desde luego no está ni mucho menos todavía
conseguido en esta etapa. No hay demasiados ejemplos de esculturas
conservadas en este momento. Claro, aquí es muy difícil discernir si
realmente se trata de una cuestión de conservación, es decir, que el azar
de la conservación haya hecho que apenas nos hayan llegado, que se hayan
destruido la mayoría o es que ya había pocas, de por sí, ¿no? Eso es
siempre un debate difícil de poder cargar. En el periodo del Caico, ya
mucho mejor conocido, con más restos, la escultura se debate en la
historiografía si este tipo o esta evolución escultórica es una cosa
propia del mundo griego o si bien es fruto de la influencia exterior, sobre
todo de la influencia de Egipto. Sabemos que hay unas relaciones
comerciales evidentes con Egipto. Hemos encontrado ya había en época
micénica, acordaros, se han encontrado esculturas, perdón, cerámica
micénica en el Delta del Nilo, así como algunos elementos procedentes de
Egipto también en los palacios micénicos y también parece que sabemos,
por ejemplo, que los, ya lo comentamos, que los pintores y artistas
minoicos fueron a decorar el palacio de Avaris que construyen los
gobernantes ixos durante el segundo periodo intermedio de la historia de
Egipto, con lo cual evidentemente esas relaciones fluían no sólo de
manera directa entre Egipto y Grecia sino también a través del resto de
culturas del Próximo Oriente con las que se relacionaban unos y otros. Al
final la estructura y la influencia evidentemente artística del mundo
egipcio siempre es muy grande, muy notable por esa magnificencia del arte
egipto y además esa continuidad en el tiempo que también hace que su
influencia sea todavía más notable. Pero la cuestión es que al final los
griegos consiguen desarrollar un estilo propio, ya bien sea, insisto, me da
igual, realmente me da un poco igual que sea de origen propio o
directamente influido por los egipcios, pero van a conseguir realizar unos
modelos escultóricos muy propios y muy reconocibles. Se trata de los
kourós, en plural los kouroi, que son las figuras masculinas en las que
veis que se representan a jóvenes de pie en actitud totalmente frontal,
esto es lo que ha hecho buscar esa relación con Egipto porque realmente
recuerdan un poco esas estatuas de los faraones egipcios con la pierna
izquierda adelantada exactamente igual que también las figuras egipcios y
los brazos alrededor del cuerpo con los puños apretados en muchas
ocasiones. En este ejemplar lo vemos muy claramente. Esa actitud de dar el
primer paso en realidad está también buscando la estabilidad de la propia
figura en muchas ocasiones. La diferencia básicamente con los modelos que
podemos ver en Egipto es, primero, que los representantes masculinos en
Grecia están totalmente desnudos, como veis. No tienen ropaje de ningún
tipo. Esto en Egipto es absolutamente impensable. No será en ninguno de
los casos. Y tampoco presentan una estructura por detrás que les sirva de
a poco. En líneas generales las estructuras egipcias, para que os hagáis
una idea, si esta es la el representante del faraón, en la estatua del
faraón, tenían una pequeña... Me he salido de la pizarra. Vaya. Tenían,
aparte de la base, aquí detrás, un soporte en el que estaban pegados
sujetos. Además todo esto servía para llenar el gelo glídico y explicar
en muchas ocasiones mitos y cuestiones relacionadas con el reinado del
personaje que se indicaba. Pero esto ya en los griegos prescinden de ello.
Por lo cual también da una mayor tridimensionalidad a la figura. La
presencia de este pilar de sustento detrás de alguna manera hacía que las
estatuas egipcias fueran todavía más rígidas y además muchas veces
estuvieran apoyadas en las paredes porque esto servía de soporte también.
Entonces, bueno, es una diferencia la verdad es que bastante importante.
Los rasgos en líneas generales suelen ser sonrientes aunque parezcan
serios. Son llamadas sonrisa arcaica y representan un poco modelos jóvenes
en líneas generales fuertes, poderosos, un poco se han relacionado a veces
con albetas por las formas al estar desnudos no tanto guerreros porque no
presentan ningún tipo de panoplia militar y más ese tipo de albetas
porque como bien sabéis los albetas en Grecia, en los diferentes juegos
religiosos, no solo los bíblicos más famosos pero había otros muchos,
como bien sabéis pues participaban desnudos. Entonces claro, es normal que
se haya o lógico que se hayan relacionado con albetas. En cuanto a las
figuras femeninas reciben el nombre de Coré, en plural Coray y aparecen
éstas así siempre vestidas. Fijaros, es una diferencia fundamental
varones desnudos mujeres vestidas. Pero es que esto va a ocurrir a lo largo
de toda la escultura, no solo en época arcaica. Habrá alguna excepción
habrá algún varón que aparezca vestido, qué sé yo, la vida de Delfos,
por ejemplo. O algunas mujeres algunas representaciones de divinidades en
las que aparecen a lo mejor no desnudas pero sí semidesnudas. Pero en
líneas generales es una una diferenciación bastante bastante clara. Las
mujeres aparecen vestidas con el chitón, que es el vestido tradicional.
Eso sí, muy pegado al cuerpo. Fijaros que las formas por ejemplo los
pechos aparecen muy marcados, con una ropa muy ceñida y luego cubiertas
por el imatión que es ese pañuelo o ese tocado tradicional de época
griega. Y luego por supuesto pintadas. Yo insisto, la pintura es absoluta
en todas las esculturas. Las que hemos visto en los relieves de los
edificios también aparecen pintadas. Con lo cual tenemos que tener en
cuenta esas circunstancias siempre. Insisto, nos puede parecer muy hortera
y qué colores y qué feas quedan las figuras así pintadas quedan mucho
mejor así sin ningún tipo de pintura pero es lo que hay. Es como se
llevan a cabo. ¿Vale? Continuamos. Vamos a pasar ya al periodo clásico.
En el periodo clásico se va a superar absolutamente esta rigidez, esa
frontalidad que habíamos visto en estos couroir que acabamos de ver. Esas
figuras tan gigánticas tan semejantes al estilo egipcio. Los egipcios en
realidad nunca consiguieron superar del todo esa frontalidad. La tolemaica
ya no tiene nada que ver porque las artes prácticamente de origen griego,
¿no? Sin embargo los griegos sí que muy rápidamente ya en el siglo V dan
ese paso y consiguen un salto cualitativo en la escultura que realmente les
va a convertir en los grandes dominadores de la escultura durante el mundo
antiguo. Casi siempre van a representar figuras humanas ya sean dioses, ya
sean héroes, ya sean atletas ya sean guerreros, es decir se especializa en
la figura humana, la representación de la figura humana. Es mucho más
raro que representen animales u otras cuestiones en las plantas, por
supuesto o en los grupos escultóricos. Las divinidades generalmente eran
las más numerosas porque al menos había una por cada uno de los templos
en el interior del templo ya sabéis era una figura de una divinidad en el
interior por lo tanto todos los templos si sumamos el número de templos ya
tenemos un gran número de estatus. Pero había otros tipos muy variados de
representaciones relacionadas con seres divinos incluidas las
personificaciones de las emociones la ira, el miedo, el amor la venganza
que tenían también ese significado dentro de la religión griega que es
una de las características más singulares de la religión. Las
representaciones humanas casi siempre son figuras masculinas es muy raro
ver una representación femenina que no sea de una divinidad, es decir una
mujer es raro que se represente eso sí que es una excepción y se
distinguen en líneas generales los dos tipos por un lado las individuales
generalmente representantes de atletas que habían vencido en algunos de
los juegos a los que se les rendía honores realmente los atletas
vencedores en los juegos alcanzaban un prestigio y una fama absolutamente
tremenda, comparable a lo mejor a los futbolistas actuales realmente eran
auténticos seres dentro de sus ciudades tanto que se les dedicaban
estatuas para que os hagáis una idea, así como las llamadas estatuas de
tipo genérico las que representan actividades por ejemplo el discóbalo el
discóbalo no representa un atleta concreto que se llamaba no sé Ausannas,
sino que representa a un atleta en el momento del lanzamiento pero no a un
personaje en concreto esa es la diferencia entre unas y otras en líneas
generales suelen ser casi siempre figuras de jóvenes de jóvenes en su
plenitud, con una musculatura desarrollada una buena forma física claro
que son atletas evidentemente y en líneas generales suelen representarse
desnudos hay algunas excepciones, insisto en las mujeres no, como decíamos
antes suelen aparecer vestidas aunque se utiliza mucho la técnica de los
paños mojados para resaltar la anatomía para insinuar las formas
femeninas pero sin llegar a mostrar no hay un cierto pudor en mostrar el
cuerpo femenino desnudo y por lo tanto se acude a este tipo de técnicas
para dar a entender para reflejar sensualidad, pero sin desnudez plena
destaca evidentemente la unidad que fijaros, para ser una figura de varón
si aparece vestido, porque claro está representando una actividad que es
la del conductor de carros en las carreras de caballos entonces
evidentemente aparece vestido porque es como se corría formaba parte de un
conjunto más amplio se ha conservado casi solo la figura del conductor
pero dentro de ese conjunto aparecían evidentemente los caballos un carro
y también un mozo de apoyo que solía viajar a bordo del carro para ayudar
a la origa la origa está hecha en bronce con los ojos de vidrio y la cinta
que le cubría que tenía en el pelo estaba hecha de plata y los labios
eran de cobre acordaros que esto también era frecuente para representar
las diferencias o conseguir ese contraste entre las diferentes partes del
cuerpo, por ejemplo las tetillas o los labios, hacerlos de bronce para que
destacasen más en el conjunto otro ejemplo importante de este periodo va a
ser el poseidón del cabo Artemisión que bueno fijaros no sabéis muy bien
si representa a Poseidón o a Zeus, hay algunas historias que dicen que es
Zeus lanzando el rayo a mi me parece que es más Poseidón pero bueno el
debate está abierto pero de nuevo fijaros a pesar de ser una divinidad
aparece desnudo y en actitud con un gesto muy marcado para que se vea todo
el torso musculado y los brazos musculados en ese momento o bien de lanzar
el tridente o bien de lanzar un rayo dependiendo de si nos quedamos con que
es un personaje o que es otro en cuanto a los bronces de Riace procedentes
de Italia parece que sí que representarían a Guerrero son estos dos, con
esos labios y esas tetillas terminadas en cobre que os comentaba
anteriormente para destacar para hacer contraste con el resto del color de
la figura y los dientes también estaban terminados en plata si os fijáis,
cobre y plata exactamente igual que pasaba con la orilla quizás formaron
parte del mismo conjunto aunque los estudiosos afirman que ambas estatuas
son de diferentes autores esto no significa que no formaran parte del mismo
conjunto es decir, el conjunto de a lo mejor cuatro, cinco seis figuras de
guerreros que formaban una escena pudieran haberse hecho por parte de
diferentes artesanos esto no es incompatible una cuestión con la otra uno
de los escultores más destacados dentro de este siglo V va a ser Mirón
famoso por su discóbalo que en realidad no ha llegado hasta nosotros es
decir, la obra de Mirón no se ha conservado generalmente la conocemos a
través de una copia romana los romanos en cierta manera admiraban bueno,
en cierta manera no, realmente admiraban mucho la capacidad artística de
los griegos ya lo hemos comentado y entonces era frecuente entre la nobleza
romana entre la historiografía de los patricios romanos encargar copias
exactas de las obras más famosas de Grecia y bueno, muchas de estas obras
realmente fueron muy fieles a la realidad y alcanzaron una perfección
técnica que nos permite compararlas prácticamente con los originales y en
muchas ocasiones son gracias a las cuales conocemos las obras originales
porque insisto obras originales se han conservado relativamente muy
poquitas entre otras cosas porque los propios romanos arregaron con
mogollón de ellas y se las llevaron y luego subieron diferentes avatares o
sea, hubo realmente un mercado de antigüedades importante en Grecia o sea,
en Roma, en el Imperio Romano respecto a las esculturas y a las obras
griegas y de hecho también había falsificaciones o sea, no solo copias
encargadas para tener yo mi copia de esta obra sino también
falsificaciones que se vendieron como auténticas y bueno, luego hubo
ciertos escándalos porque hubo gente a la que criticaron totalmente y
compró a precio de obra original copias muchas veces de mala calidad lo
que pasa es que bueno, muchos de estos patricios e incluso de los, sobre
todo de los nuevos ricos comerciantes y tal los que llamaban en la
República Romana los homo nobis, los hombres nuevos pues los nuevos ricos
serían en castellano dudar y claro, estos querían aparentar que
entendían mucho y que eran como los patricios y entonces compraban obras
de arte con un pastizal y en realidad les colaban pues copias de muy mala
calidad pero bueno, esto es una cosa habitual como sabéis, la picaresca y
este tipo de cuestiones que como veis existía perfectamente reflejada en
el mundo antiguo otra de las obras de Mirón es el grupo de Atenea y
Marcias que bueno, un poco representa ese momento fotografiado como
ocurría en el discólogo de Mirón el discólogo de Mirón intenta
representar ese momento exacto del lanzamiento, es como si fuera una
fotografía porque justo es un momento de mayor tensión en el que se
retuerce el lanzador para lanzar ese disco ese momento en que todos los
músculos del cuerpo están completamente contraídos para lograr esa
fuerza mayor en el lanzamiento entonces lo que trataba Mirón de hacer no
era representar una escena sino justo un momento entonces por eso se llama
momento fotografiado porque es como si fuera una fotografía de ese momento
exacto, tan difícil de captar, entonces esto es lo mismo que intenta
conseguir con este conjunto de Atenea en el que la diosa ha tirado una
especie de flauta el aulón y el sátiro justo se está moviendo para
recogerlo, aquí tenéis al sátiro, aquí tenéis a la diosa aquí
estaría la flauta y entonces tira la flauta y en ese momento el sátiro se
agacha para recogerla y la diosa trata de impedírselo es de nuevo esa
escena justo como si se hubiera detenido el tiempo vale, por eso se llama
así ese momento fotografiado pero quizás el más famoso, Mirón
evidentemente tiene su repercusión pero el más famoso de este momento va
a ser Phidias ¿qué ocurre con Phidias? que Phidias es el autor total pero
es tal su capacidad que se va a especializar en hacer estas estatuas de
crisolefantina en mármol, perdón en marfil y en oro y otros elementos
preciosos vibrio, ébano y todo material absolutamente de lujo que por
desgracia no se han conservado es decir el propio valor independientemente
del valor artístico el propio valor de los materiales utilizados hacía
muy muy muy difícil su conservación y claro no nos ha llegado
absolutamente nada, nada, nada ni un solo resto atribuible a estas grandes
estatuas de Phidias tan sólo tenemos sus descripciones en las fuentes
literarias sí que tenemos algunas descripciones de cómo eran estas
grandes estatuas gigantescas, pastuosas monumentales, maravillosas o
algunas representaciones más o menos fiables más o menos de calidad
también se deben tener en cuenta las limitaciones de la representación en
las monedas porque eso no deja de ser una cuña y luego también la propia
moneda se deteriora, entonces los detalles siempre son peores que nos han
permitido imaginarnos un poco cómo debió ser estas grandes estatuas aquí
tenéis una de esas monedas que representan la estatua de Zeus olímpico
acordaros que era tan grande la estatua que el templo de Zeus en Olimpia se
tuvo que hacer de enormes proporciones precisamente para poder albergar la
estatua del dios que incluso se podía observar desde la parte superior
recordaros que tenía unos pisos para poder ver mejor la estatua y aquí
tenemos una representación de una moneda fijaros con la estatua sedente de
ese Zeus sentado presidiendo el mundo, bueno el Olimpo si queréis el reino
de los cielos aquí tenéis una representación también a partir de las
descripciones que conocemos por las fuentes literarias para que nos hagamos
una idea pero debía ser realmente algo magnífico además ese juego esa
combinación de oro marfil, ébano debía dotar de una serie de claroscuros
y de juegos de tonalidades que debía conseguir un efecto absolutamente
maravilloso desde luego algunas de las obras de Fidias evidentemente las
conocemos por los relieves del patenón entonces evidentemente si era tan
bueno haciendo esculturas excelentes como con los relieves estas estatuas
debían ser absolutamente increíbles absolutamente maravillosas por eso
están entre las estatuas, entre las siete maravillas del mundo antiguo
porque realmente eran algo absolutamente único y a la altura de ese
mausoleo de la gran pirámide o de los jardines colantes de Babilonia otro
de los grandes escultores del mundo griego va a ser Policleto de Argos que
realmente a mí personalmente me encanta es el gran especialista en
representar atletas jóvenes perfectos en la flor de su poder de su
vitalidad y sus dos obras más famosos son el Doríforo es decir el
portador de la lanza que tenéis aquí a la derecha aquí estaría la lanza
para que os hagáis una idea casi estropeo aquí va la figura y el
Diadumeno que es el que se está atando la cinta se supone que está
atándose la cinta del que tiene en el pelo y realmente representan
absolutamente la perfección masculina la belleza de la juventud la no sé
la vitalidad absoluta realmente son modelos totalmente perfectos fijaros
como en ambos casos la pierna parece doblada esto se hace es una cuestión
que ayuda a buscar el equilibrio de la figura para que el peso se reparta
mucho mejor y no tienda a quebrarse la pieza y luego fijaros como también
se apoya siempre en algún elemento externo quizás que bien buscado aquí
como en la ropa del personaje está aquí apoyada una especie de arbusto o
de tronco pero que a la vez sirve para apoyar esta tontera es un recurso
bastante curioso esto se utiliza con más o menos ingenio en toda la
escultura si tenéis la oportunidad acercaros a la al palacio real de
madrid en los jardines que hay entre la ópera y el palacio real veréis
una estatua ecuestre que aparece sobre el caballo y el caballo tiene una
cola absolutamente hiperdesarrollada muy grande muy detallista que apoya en
el suelo y esto permite que el caballo pueda levantar las patas delanteras
porque toda la estructura se apoya no en las patas traseras del animal sino
que la cola como es tan grande en realidad llega hasta el suelo y está
apoyando entonces es un recurso para conseguir la estabilidad de la estatua
pero todo el peso se apoya en esa zona fijaros si podéis ir a pasar por
allí echarme un vistazo y lo veréis ¿no trabajaban con maquetas o
estatuas iniciales más pequeñas en materiales menos preciosos? si claro
claro seguro evidentemente que trabajarían con modelos con cera con madera
y cosas por el estilo evidentemente si si si claro claro igual no tienes
una segunda oportunidad para poder hacerlo para poder hacerlo bien así que
en fin bueno como veis pierna doblada y un equilibrio en las formas de los
brazos para conseguir esa estabilidad de las figuras en el siglo IV vamos a
ver un cambio en la escultura que como veis aunque representa la vitalidad,
la juventud la perfección, la belleza sin embargo las figuras no acaban de
transmitir emociones es decir son frías en su postura son frías en su
rostro porque veis ¿no? es transmite más allá de transmitir el poderío
de la juventud está sufriendo está divirtiéndose está concentrado
¿cómo está? ¿qué está sintiendo el personaje representado? no se le
ve ¿no? ningún tipo de emoción ¿no? tranquilidad puede ser serenidad
puede ser puede ser serenidad pero tampoco da una sensación relajada ¿no?
tampoco transmite una relajación un alivio es más bien casi yo diría no
porque el cuerpo está en tensión, seguridad mmm puede ser puede ser
Antonio me gusta más quizás seguridad poderío pero no desde luego unas
sensaciones humanas ¿no? de mayor humanidad es casi como modelo de lo
imitado ¿no? un poco separado del común de los mortales ¿no?
sensibilidad puede ser puede ser puede ser pero bueno es verdad que ese
cambio lo vamos a ver muy claramente a partir del siglo IV ¿no? la
representación va a ser mucho más individualizada porque también la
concepción del hombre va a cambiar ya no se representa ya no se busca
tanto la representación de la comunidad el hombre ya no es eh tan
relevante como eh perteneciente a una comunidad política ¿no? como
ciudadano sino que vamos a ir eh en en la representación mucho más
individual cero sensibilidad sí es a ver son frías son frías claro a mí
me encantan eh ya lo he dicho desde el principio me parecen fascinantes
pero son frías son frías ya lo veréis porque es que vamos a ver el
cambio eh no solo oscuro hoy pero mmm les falta algo les falta vida les
falta vida las estatuas se nota que son estatuas ¿no? no te puedes olvidar
que son estatuas y ahora vamos a ver ese cambio se va a a introducir
además también el retrato que es una novedad importante con un
tratamiento mucho más individualizado evidentemente mmm siempre con un
poco de censura por parte del retratista pero evidentemente una cuestión
mucho más eh personalizadas van a destacar especialmente las obras del
gran Praxiteles mmm absolutamente imprescindible como en sus obras que
representan a personajes masculinos el Ecebo de Baratón el Apolo
Sauróctono y el Hermes de Olimpia a mí el Hermes de Olimpia me parece
absolutamente fascinante fijaros la llamada curva praxiteliana como el
personaje no está recto está en un escorzo sacando la cadera contraria a
la pierna que está doblada y luego utiliza como recurso ese apoyo en este
tronco de árbol también cubierto con una túnica que es la ropa del
Hermes y bueno se supone que lleva a que está abrazando mirando a
Dionisios como niño esta se supone que es la representación de Dionisios
niño pero fijaros ya la sensación del rostro las posturas del cuerpo no
tienen absolutamente nada que ver fijaros hay un cambio hay un cambio que
salta a simple vista en las estatuas femeninas también lo vemos muy claro
la llamada Artemisa de 3D aquí la tenéis la Diana cazadora romana esto es
una es una copia en la que vemos eso es el movimiento empezamos a ver con
las figuras están vivas están es verdad que el otro también está porque
está en el momento de abrocharse la cinta o está como en sensación de
marcha con la balanza aquí puesta pero va avanzando hay un desnudo de
mujer eso es lo dije al principio hay algunas excepciones y algunas diosas
pero siempre diosas vale no mujeres normales si queréis bueno aquí vemos
a Artemisia fijaros otra vez el recurso cómo logramos estabilidad en la
estatua con este patillo efectivamente ponemos a un cerbatillo que es el
animal de la diosa además y apoyamos la manita y ya tenemos la estabilidad
no totalmente que en realidad la estabilidad se logra porque el cerbatillo
está girado en el suelo y se une con la pierna forman parte de un mismo
conjunto fijaros aquí no hay hueco entonces claro todo esto se consigue
perfectamente está la diosa fijaros en el momento de sacar una flecha de
su carcaj con lo cual está girada con el cuello en ese escorzo tan
perfecto y luego los ropajes son exactamente magníficos en el caso de la
afrodita de Nido fijaros aquí de nuevo el apoyo sobre una especie de
ánfora donde está la ropa y bueno pues aparece la divinidad de nuevo otra
vez con ese escorzo con ese giro un poco de la cadera la cadera de la
contraria a la pierna adelantada de nuevo salida hacia un lado fijaros os
dais cuenta que la técnica de la postura corporal es parecido y la cabeza
girada hacia el lado contrario lo veis no lo veis como claramente la
estructura es muy muy parecida está claro verdad se ve muy bien en esta
comparativa tuvieron pintura si la mayor parte de ellas si seguro otra cosa
es que no se conserva vale ah lo habéis visto de Felipe IV no eso es la
han buscado muy bien pero vete a ver la original date un paseo por el por
ahí que es un sitio magnífico luego hay un montón de estatuas de los
reyes visigodos pero esas escultóricamente son son flojas son flojas todas
esas estatuas que estaban arriba en el palacio estaban arriba pero se
bajaron porque no me acuerdo que reina era soñó una pesadilla que una de
esas estatuas se caía y le caía encima a su hijo mientras jugaba debajo
entonces los mandó a quitar todas son unas cosas que pasan en fin y son
parte de ellas estaban en el Alcázar pero todas se sacaron del incendio
porque curiosamente las quitaron antes de que se quemasen la historia del
Alcázar del expuesto Alcázar de los austrias viene teóricamente de que
bueno los nuevos monarcas no querían el Alcázar les parecía muy
incómodo y como no sabían como está eso encima pues se fingieron un
incendio y bueno casualmente pues no había nadie estaban todos fuera
sacaron las estatuas en fin esas cosas bueno escopas nos van a dar un paso
más con este nuevo estilo de la torsión este movimiento que habíamos
visto en las otras figuras en este caso va a dar un giro más porque
aparecen totalmente torcidas las representaciones con esa torsión de abajo
arriba fijaros la línea que sigue el cuerpo mirando hacia la parte
superior como en la Ménade o la Vacante conocida también por una copia ya
insisto en que no hay muchos de ellos no tenemos los originales o Potos es
la personificación de la tristeza fijaros esa personificación de las
emociones que comentábamos al principio al principio de la clase y que
bueno tienen también su representación en este caso fijaros aquí de
nuevo ese apoyo con esta una especie de columna en la que apoya además la
liga fijaros claro esto le permite que el cuerpo esté totalmente tumbado
prácticamente volcado sobre la liga pero como mirando hacia arriba como
mira con esa nostalgia con esa tristeza que es lo que está representando y
realmente consigue transmitir esa sensación verdad es tremendo y luego ya
en la época helenística ya damos un salto brutal con esto ya si queréis
terminamos con la época helenística la explicamos ahora más tranquila
tenemos sí bueno bueno hasta aquí hasta la pintura vamos a ver si nos da
tiempo hasta la pintura en la época helenística se da ese paso eh se
busca totalmente captar el momento exacto pero el momento exacto con toda
su crudeza ya no estamos buscando el movimiento fotografiado como hemos
visto o la perfección o no sé la juventud y la belleza sino que vamos a
buscar algo más vamos a representar otros momentos de la vida hasta ahora
habíamos visto casi todo a jóvenes eh ya sea varones o o mujeres sean
dioses o humanos pero casi siempre en sus eh podemos decir veinte años
veintitantos años o más o menos ahora ya vamos a ver a niños vamos a ver
ancianos cosa que no existía hasta este momento y por supuesto escenas
grotescas de sufrimiento de dolor eh de tensión absoluta y escenas
también de la vida cotidiana cosa que antes no había ocurrido eh quizás
eh el más destacado de este momento va a ser epígono de pérgano en sus
dos gálatas el gálata moribundo aquí le veis es un gálata vencido está
representando las guerras por los por los por los gálatas entonces el
gálata está tumbado en el suelo en el momento en el que está a punto ya
de de morir herido por la por la batalla y a punto de eh fallecer ¿no?
entonces está en ese momento de sufrimiento máximo en el que la vida le
abandona y realmente en la representación consigue ese efecto o por
supuesto el gálata suicida o ludovici que eh a mí me parece absolutamente
maravilloso por mucho que se trate de una poquera romana es increíble lo
que representa esta estatua fijaros como la acaba de matar a su mujer a su
a su esposa a una a una mujer a la que le ha cortado el cuello y entonces
eh está muriendo en ese momento porque fijaros cómo le cae el brazo está
el brazo en el momento de bum caer totalmente eh muerto y él se está
cortando el cuello se está suicidando entonces fijaros la torsión del
cuerpo qué tensión porque él justo es el momento en el que se va a
cercenar la lluvia con la con el con el espacio es absolutamente increíble
lo que pasa a mí por lo menos me parece impresionante el gálata el
gálata ludovici es es increíble cómo consigue captar el momento de de de
dolor tensión sufrimiento total o sea es espectacular a mí me me me
encanta me encanta esta fiesta en cuanto a la escuela de rodas van a
destacar especialmente las la victoria de samotracio una de las más
famosas fijaros que formaba un conjunto que celebraba la victoria eh naval
sobre antiguo tercero samotracio es una isla del norte ya prácticamente
pegado a los estrechos que dan acceso al al mar negro y luego el llamado
toro farnesio ¿no? por la familia farnesia que ya sabéis que era una una
familia importante en la edad final de la edad media y principio de la edad
moderna y que representa la natadura de Edith la reina de de ocia a un toro
que se hizo como castigo por parte de los hijos de Antíope que le acusaban
de haber maltratado a su padre y como castigo la atan a un toro para que el
toro pues bueno se vuelva encabritado y ella encima pues eh sufra entonces
fijaros otra vez el momento de tensión ¿no? es que a mí esta parte de la
etapa alienística me parece absolutamente increíble cómo consiguen
captar esos esos momentos ¿no? entonces fijaros como el toro está
totalmente retorcido luchando para que no le no le sujeten y a la vez el el
individuo de de que intenta cogerle la cabeza eh y ayudado por su por su
hermano no sé a mí me parece que realmente es impresionante la la
representación fijaros como el retrato que decíamos que aparece en este
momento es un poco el que lo que refleja las monarquías helenísticas muy
preocupadas en representarse a sí mismos por supuesto con el primero que
es el retrato de Alejandro de de Lisipo o el retrato de Eutideno de
Bactriana otro de los dirigentes de la zona de Bactria Bactriana es la zona
eh oriental del actual Irán o el de Mósteres de Atenas o el de Crisipo la
imagen de Crisipo fijaros representando la seductud ¿no? la la la vejez
Alejandro es verdad que claro también es verdad que no era un joven ¿no?
y y es un poco la imagen divina pero fijaros estas representaciones serían
absolutamente impensables en el mundo clásico griego ¿no? con esa gordura
en los las marcas en los ojos eh las señales de cansancio de fatiga por
verdad ¿no? que que no tienen nada que ver Lisipo por lo tanto va a ser el
gran escultor del del momento un poco eh el el gran representante del mundo
lenístico pero con guillos también al al mundo clásico ¿no? va a
destacar especialmente la la poxiomero eh que rompe un poco el espacio de
la curva esa de de de perdón del espacio cúbico de de policlento o a mí
esta me parece fascinante que es el Heracles Farnesio fijaros es Hércules
el más poderoso de los de los héroes griegos el más fuerte fíjate es
aparece así es muy grande tiene mucha fuerza tiene muchos músculos pero
aparece agotado es increíble esto en otro momento hubiera sido un
Hércules victorioso grande ¿no? fuerte en toda su plenitud y su fuerza
aquí aparece pues un poco ya derrotado ¿no? un poco cansado fatigado
viejo ¿no? entonces realmente me parece increíble las terracotas ya
sabéis que son figurillas muchas veces eh de animales o daban parte del
ajuar o o del ajuar funerario o se utilizaban como esposos en los
santuarios para dejar el honor de las de las divinidades y bueno
representan todo tipo de circunstancias son figurillas mucho más modestas
eh más variadas de calidades también y de técnicas muy muy variadas de
figurillas muy bien hechas figurillas muy malas muy baratillas seguramente
en relación a la calidad-precio ¿no? que podía ser eso se encontraba y
muchas veces se compraban en tenderetes a las afueras de los santuarios eh
o sea no esto es como en realidad si tú vas a Fátima pues tendrás fuera
un montón de tenderetes y demás con figuritas de la virgen para que
compres y por supuesto es algo parecido en realidad y los bebés exentos
que básicamente se dividen en tres tipos las instrucciones de tipo
político en las que aparecían hazañas de la ciudad los relieves votivos
que representan escenas de carácter religioso o los llamados relieves
funerarios ¿no? esos que fueron complicándose cada vez más hasta que en
el 317 como decía antes se prohibieron para poner fin un poco a esos
desmanes y con esto lo dejamos por hoy eh para poder continuar después ya
de una manera más coherente con la pintura y demás y y nada tenéis dos
semanas poneros al día por favor estudiad hasta donde hemos hecho abrazad
en la P que siempre es recomendable y eh nos vemos en un par de semanas
¿vale? cualquier duda de todas maneras yo os seguiré viendo el correo y
todas estas cosas o sea que no penséis que me voy de vacaciones si me
tenéis que escribir me escribís y os os ayudo en lo que puedo creo que
sí pero no estoy seguro eso no depende de mi ¿vale? así que dejan Marta
la autora de la escultura eh y en algunas ocasiones se llegan para firmar
sí en algunas ocasiones sí ¿vale? bueno chicos eh aprovechad y nada nos
vemos dentro de un par de semanas chao