¿Qué es la arquitectura? En esta ocasión vamos a dedicarnos única y
exclusivamente a analizar la pintura, porque va a ser de tal calidad y de
tal importancia el aumento o el crecimiento de la pintura en la zona de
Flandes a lo largo del siglo XV que desde luego nos hace falta dedicarle
prácticamente un tema en exclusiva dada la calidad y la relevancia que
viene. Por lo tanto, empezamos el capítulo 7, la pintura flamenca del
siglo XV. Lo primero, vamos a hacer un poquito una aproximación con, como
bien sabéis, al contexto en el que se va a desarrollar. Estos primitivos
flamencos van a ser los primeros autores en desarrollar sus obras sobre
tabla, es decir, ya no sobre las paredes, como se llevaba a cabo hasta ese
momento, sino sobre tablas exentas en la zona de Flandes y los Países
Bajos a partir del siglo XV. De esta manera, como están situados ya en una
parte, digamos, postrera de la Edad Media, prácticamente en el cambio
entre la Edad Media y la Edad Moderna, su pintura se va a ver directamente
influida, por un lado, por la tradición gótica que venimos arrastrando,
de los últimos siglos, con los elementos renacentistas que ya, sobre todo
desde Italia, ya vimos cómo están empezando a expandirse por toda Europa
con la relevancia de ese núcleo italiano que cada vez va teniendo más
fuerza, ¿no? Que habíamos visto con el 80, el 300 y, por supuesto, ya en
esta época el 480, ¿no? Entonces, va a ir sustituyendo de manera
progresiva a los elementos góticos en todo el mundo del arte, por toda
Europa, evidentemente en unas zonas antes que tienen más contactos con la
península italiana y en otras zonas más periféricas, si tomamos como
centro de referencia a la zona de Italia, igual que habíamos tomado como
referencia al gótico del nacimiento, toda la zona de la isla de Francia,
¿os acordáis? Pues, evidentemente, va a ir cambiando. Donde será en las
últimas zonas donde lleguen los elementos renacentistas y donde el gótico
resista en el Reino Unido, ¿no? En Inglaterra, más concretamente, que es,
como hemos visto, el sitio donde quizás el gótico tiene un recorrido más
largo por la relevancia y la gran regambe que va a conseguir tener en todas
esas cosas. Por lo tanto, vamos a alcanzar unos niveles de calidad técnica
en las pinturas que no había tenido Parangón, no ya en la historia del
arte gótico, sino que realmente la pintura de estos primitivos flamencos,
de alguna manera, va a marcar el nivel máximo hasta ese momento
determinado. Técnica y de calidad en la historia de la humanidad, porque
ni siquiera remontándonos a las épocas antiguas, encontramos una calidad
de la pintura como la que va a sucederse a lo largo de este siglo, ¿no?
Pero, de alguna manera, va a tener su paralelo en calidad quizás no tan
reseñable en este momento, pero es verdad que hay que tenerlo muy en
cuenta, como vimos, unas cifradas muy escasas y muy leves, pero sí que
hicimos un primer acercamiento a los autores también de Italia en este 480
tan significativo que también realmente van a tener unas cuotas de
calidad. Pero quizás, yo personalmente creo que los flamencos, por lo
menos en mi opinión, sí que van a ser bastante más importantes desde
este punto de vista. Evidentemente, esta pintura flamenca va a nacer en un
contexto muy determinado. Es verdad que Flandes... Es un poquito la cuna
donde se van a desarrollar estos primeros autores, pero si nos ponemos muy
estrictos desde el punto de vista geográfico, es verdad que la pintura de
estos flamencos va a superar los límites geográficos estrictos de
Flandes, ¿no? Esto ha provocado que algunos autores denominen a estos
pintores como los primitivos neerlandeses, porque les parece más correcto
atribuirles esa... ...que flamencos, ¿no? Que es más restringido desde un
punto de vista territorial. Porque es verdad que, en realidad, estos
artistas van a vivir un poco en lo que hoy consideraríamos el Benelux,
que, como bien sabéis, es la zona que comprenden Bélgica, Cenerual,
Holanda y Luxemburgo, de ahí el nombre de Benelux, y la zona noroeste de
Francia. Con lo cual, en realidad, es un territorio un poquito más amplio
que el estricto de Flandes, ¿no? Claro. Claro. Esto tiene una razón
política, y es que todos los territorios son los que había ido
unificando, bajo su mando, el educado de Gorgoya. Entonces, a partir de
1433, con lo cual, evidentemente, es una zona un poquito más amplia que la
zona de Flandes. Además, es una zona que vive un auge económico tremendo,
sin precedentes, en este momento, gracias fundamentalmente al dominio
del... El comercio, especialmente en los entornos de dos grandes centros
urbanos, que van a ser brujas gigantes, que se van a convertir en dos
metrópolis comerciales y económicamente muy avanzadas en este siglo XV, y
ello va a llevar consigo, y trae también consigo, al final, las
consecuencias de las bonanzas económicas, siempre van en dos direcciones,
y es el crecimiento democrático, ¿no? Es decir, el crecimiento
democrático permite el desarrollo económico, pero, a su vez, el
crecimiento económico provoca mayor aumento demográfico todavía, ¿no?
Para que me entendáis cómo es el proceso. Con lo cual, esa expansión
económica y esa expansión demográfica va a permitir que haya también un
comercio del arte, ¿no? Es decir, haya un mercado de gente con suficiente
poder adquisitivo como para poder invertir y dedicarse a encargar y comprar
obras de arte, lo cual va a favorecer este desarrollo de la pintura,
porque, al final, evidentemente, antes teníamos a los grandes... a los
grandes nobles, a las jerarquías de la iglesia, pues, promoviendo, o a la
parroquía, por supuesto, promoviendo las iglesias, incluso monasterios,
etcétera, etcétera. Pero aquí vamos a tener a los pequeños burgueses
que tienen suficiente dinero como para encargarse un retrato o un cuadro de
algún tipo. No tienen dinero para sufrir en una catedral, no nos pasemos,
pero sí para estas inversiones. Entonces, esto, claro, va a permitir que
determinados autores puedan... gozar de un privilegio económico y
también, a la vez, de una gran fama, ¿no? Porque, al final, si yo encargo
una obra a este autor, la tengo en mi casa, vienen las visitas, ven la obra
y, oye, les gusta y quieren también algo parecido para ellos, porque, al
final, la gente con un nivel adquisitivo alto se junta con gente de un
nivel adquisitivo alto. Esto es un mercado, al final, ¿no? Entonces,
funciona de esta manera. Perdóname que esté visto que alguien me
preguntaba algo y no, que se me ha pasado. ¿Puedo volver a contar más
cosas del tema 6? ¿Qué no sale en Play? Bueno, yo la juego, pero colgar,
colgar, no puedo colgar más. Quiero decir, la grabación está hecha. No
sé, lo único, poneros el enlace en el foro de estudiantes, no sé, algo
así, si me ocurrirá. Bueno, a ver qué puedo hacer. Bueno, como os
decía, esta demanda de obras de arte va a provocar que el arte se
convierta también en un negocio, cosa que hasta entonces... Bueno, no lo
había sido de una forma tan clara, ¿no? Sino que ahora ya el arte va a
ser una mercancía que se compra, se vende, se encarga e incluso se produce
casi en sistema de serie, ¿no? Es decir, los talleres van a empezar a
producir para dar salida a una demanda de obras de arte que, bueno, acercan
el consumo casi de forma masiva de algunos de estos productos, ¿no? Aunque
evidentemente todas estas obras producidas... Las series son de menor
categoría, ¿no? Las obras de mayor calidad siempre van a ser esas hechas
de manera individual, esas hechas de manera por encargo y con temática muy
determinada las que van a tener esa mayor calidad. Vamos a tener una serie
de rasgos comunes en todos estos autores entre los que vamos a destacar
fundamentalmente a la hora de distinguir las obras de este periodo. En
primer lugar es la técnica, el desarrollo de la técnica de pintura al
óleo. Bueno, gracias al uso de una serie de secantes nos permite unos
colores muchísimo más vivos, mucho más llamativos, mucho más poderosos
desde el punto de vista visual que los que se habían utilizado en la
técnica del tepe, ¿no? Eso evidentemente ya de por sí es una
característica importante, ¿no? Por lo llamativo. De esos colores tan
brillantes que vamos a ver en la pintura flamenca. Y después el
detallismo. El detallismo se consigue gracias al uso evidentemente de una
técnica muy depurada y al uso de unos pinceles muy pequeñitos que nos
permiten reflejar o nos permiten a los autores reflejar una serie de
detalles, a veces incluso minúsculos, que hay que acercarse mucho al
cuadro para verlos e incluso a veces verlos con el mundo para verlo en su
totalidad. Incluso a veces hay pequeños mensajes. Hay pequeños mensajes
escritos, detalles realmente muy significativos y muy curiosos. Claro,
hasta luego ha dado lugar a cantidad de leyendas, mitos y cuestiones
alrededor, mensajes ocultos, sociedades secretas, ya sabéis, bueno,
novelas, ¿no? Novelas un poco de estas en general. Pero yo dije, ah, mucho
juego, ¿no? Este, mensajes ocultos en la pintura flamenca, bueno, seguro
que si ponéis eso en Google vosotros sabréis que tengo un montón de
páginas y, bueno, pues a la aplicación, prácticamente está seguro que
predijeron la pandemia. En fin, otra de las características, realismo y
naturalismo, ¿vale? Cada vez se busca plasmar de manera más fehaciente,
más real, el mundo que nos rodea, ¿no? Pero no solo los objetos, no solo
la propia naturaleza, sino también los sentimientos, ¿no? De alguna
manera las expresiones humanas se buscan, que se reflejen con toda su
puberidad, totalmente alejados de ese modelo italiano de idealización que
habíamos visto en algunas de las obras de la Península Itálica, ¿no? Y
en esta ocasión, a veces, incluso se exagera, se puede llegar en parte a
reflejar demasiado estas cuestiones y caer un poco en lo grotesco, ¿no?
Como había pasado, ya lo habíamos visto, si acordáis, en algunos modelos
escultónicos, ¿no? Que realmente se había basado tanto a... A ese
expresionismo tan exagerado que provocaba este aspecto. Luego, un respeto
muy claro por la naturaleza, ¿no? Dentro de los paisajes que se van a
reflejar en las obras, se pueden hacer tanto en interior como en exterior.
En exterior, claramente, ya sabemos la contextualización que se usa del
paisaje, pero en el interior también, a través de las ventanas. Es la
vista, lo que se ve a través de las ventanas. Aquí debes, allí veis unas
cortinas echadas, pues allí veréis un parque, ¿no? Si no levantas las
cortinas, ¿por qué no caes? Justo ahí detrás del centro asociado. Pero
esto es un recurso que se utiliza mucho a partir de este momento y nos
sirve para, dentro de una escena de interior, representar también
elementos de la naturaleza. Luego, por supuesto, el simbolismo. Hay
cantidad de detalles simbólicos en todos estos cuadros, que es lo que
acabamos de comentar, ¿no? Con ese detallismo, a veces pequeñísimos, de
un tamaño ínfimo y que da lugar, pues evidentemente, a numerosas
interpretaciones. Y luego, también tenemos que... Destacar la creación de
nuevos géneros pictóricos, ¿no? Fundamentalmente, por ejemplo, se
consolida el retrato, ¿no? Es el reflejo, ¿no? De ese individualismo y de
las escenas que pone el dinero que encarga la obra y que se quiere ver
reflejado. Ya sea ahí solo o dentro de una escena religiosa, ¿no? Que
esto ya habíamos visto algún ejemplo, pero ahora es verdad que se va a
consolidar con especial fuerza, ¿no? Por esto de esas obras de encargo,
por parte de la pequeña búsqueda. También van a aparecer esos bodegones
o naturalezas muertas. Y luego, una multiplicación de las escenas de
interior, ¿no? Que en realidad nos están dando una imagen del mundo
doméstico, del interior de las casas e incluso a veces son adaptaciones de
escenas religiosas dentro de casas con un mobiliario, con una estructura
propia de Flandes del siglo XV, ¿no? Es decir, es una traslación de la
escena religiosa a un escenario actual, ¿no? Que para el que está viendo
la obra, que está viendo la obra, que está viendo la obra, que está
viendo la obra, que en ese momento evidentemente le es familiar, es una
imagen doméstica, ¿no? Para ellos. Y luego obras de pequeño formato
porque algunas se van a hacer prácticamente del tamaño de una postal,
¿no? Bueno, es que ya hablando de tamaño postal, a lo mejor a nosotros
todavía nos suena, ¿no? Pero yo creo que esto de leído a mis hijos el
tamaño de una postal, dije, ¿qué tamaño es ese? Habría que decir de
una tablet, ¿no? O algo por el estilo, porque... Es más o menos una cosa
así, ¿no? Evidentemente esto no significa que desaparezcan las grandes
obras, ¿no? Los grandes cuadros de gran tamaño, sobre todo para las
iglesias y demás, pero sí que aparece este tipo de formatos un poco
destinados a ese consumo masivo. Aquí tenéis un poco el mapa de lo que
sería Flandes o que formaría parte de esa zona de Flandes en este
momento. Fijaros aquí los Países Bajos, esto sería la actual Bélgica.
Ese es el mapa de la actual Bélgica y también incluiría las zonas del
maestro de Francia como comentábamos anteriormente. Vamos con... A pasar
ya a analizar algunos de estos autores. Empezamos con los jugadores de esta
escuela flamenca del siglo XV, entre los que vamos a destacar especialmente
al maestro de Flemal, a Jan van Eyck y a Roger van den Weyden. Y empezamos
con el maestro identificado por el nombre de Robert Campin. ¿Qué es?
Campín. Ya sabéis que las comunicaciones a veces son problemáticas,
sobre todo yo en determinados idiomas me cuesta un montón. Que es verdad
que no firma la mayor parte de las obras que se le atribuye, con lo cual
hay dudas, algunos autores tienen ciertas reservas sobre si algunas de las
obras que se les ha atribuido no fueran obra de sus discípulos dentro de
su taller. Ya sabéis que todos estos autores creaban talleres, ¿no?
Entonces dentro de esos talleres tenían... Una serie de discípulos que
seguían un poco las pautas, el estilo que había marcado su maestro. Luego
algunos de ellos serán suficientemente buenos, digamos, como para tener
una carrera aparte y desarrollar su propio estilo. Otros prácticamente,
evidentemente, no los conocemos y participaron en una serie de obras,
colaboraron con el maestro, el maestro formaba las primeras pinceladas y un
poco la estructura general de la obra. Y después algunas... Otras
cuestiones quedaban en manos de estos discípulos, ¿no? Eso ya dependiendo
de cada taller y su forma de trabajo. Pero en otras es verdad que vemos muy
bien reflejado el estilo personal del maestro porque aparece una serie de
contornos muy, muy bien perfilados, los rostros muy individualizados. En
otras ocasiones los rostros son un poco en serie, ¿no? Vale que uno está
sonriendo, otro está más serio, pero más o menos los rostros se parecen.
No. El maestro de... De Flemer intenta individualizar cada uno de los
restos. Evidentemente, él usará sus propios modelos porque imaginaos que
está haciendo una representación de los exposiciones de la Virgen como
este que tenemos en la imagen, que es una de sus obras más destacadas,
pues evidentemente él no sabía qué era el rostro de la Virgen, ¿no?
Pero sí que usa un rostro diferente para la Virgen, para Santa Ana, para
el resto de figuras femeninas. Y lo mismo con las... Las figuras
masculinas. Es verdad que hay mucho, mucho detallismo en algunas de las
calidades de los objetos. Fijaros cómo aparecen muy bien reflejados los
caracteres arquitectónicos en la escena de los exposicios de la Virgen y
fijaos que aparecen dos escenas que aunque parecen complementarias están
totalmente separadas. En el interior, fijaros, aparece el pasado, la
representación del pasado porque está, con formas románicas, fijaros en
los arcos de medio punto, el tipo de columnas y demás en todo este
templete. Entonces, el románico es totalmente el pasado y aparece la
representación del milagro de la Buena Florida, que es un milagro que
designaba, un designio divino que designó a José como esposo de la
Virgen. Y en el otro lado, en la derecha, aquí a la derecha, aparece un
templo óptimo. Fijaros, ¿no? ¿Veis el arco ya con un cierto
apuntalamiento? Con la parte decorada en la parte superior, un poco
rebundido, en fin, los elementos propios del gótico y aparece ya ahí la
Virgen en la escena del casamiento, ¿no? Entonces, todo el conjunto está
muy cargado de ese simbolismo que señalábamos anteriormente y está
pasando, indicándonos el paso de la antigua a la nueva alianza, es decir,
de la parte del Antiguo Testamento al Nuevo Testamento a partir del
nacimiento de Jesús. ¿Vale? Eso es un poco... Eso es un poco el
simbolismo que nos señalaba. Los matices técnicos de la geografía
histórica se nos escapan. Ya lo sé, ya lo sé, ya lo sé, ya lo sé.
¿Qué significa rostros perfilados? Pues los rostros perfilados marcados
por una línea exterior que hay como una línea para marcar el contorno del
rostro, ¿no? Para hacerlo de alguna manera... A ver, es que esto es un
poco burdo, pero es como si hicieran con una línea negra ese rostro y
después lo rellenasen de color, ¿no? El clásico un poco dibujo que
hacíamos de pequeño, ¿no? Que hacíamos a lápiz primer y después
rellenábamos. Entonces, bueno, es ese perfilamiento un poquito para
resaltar mejor las figuras respecto a sus fondos y a sus contornos. ¿Vale?
Más o menos. No sé si me he explicado muy bien, pero lo he intentado.
¿Vale? Vamos a seguir. El tríptico de la Iniciación o el tríptico
Mérode de 1425 parece que sería obra de su taller o por lo menos
parcialmente de su taller, pero aquí puede ser una obra especialmente
interesante. Fijaros que lo componen tres escenas completamente separadas
por el propio tríptico, ¿no? Tened en cuenta que estos trípticos estaban
destinados a ponerse normalmente en las iglesias y después se podían
cerrar, ¿vale? Imaginaros los dos trozos de los laterales, las dos hojas
de los laterales, ¡pum! Cerradas, ¿no? Se doblan sobre su eje y
taparían, se quedaría todo como una estructura cerradita. Pero es verdad
que a mí esta escena... Me llama mucho la atención. Fijaros en la escena
central, vemos a la Virgen en la Iniciación con el ángel que le está
dando la buena nueva. Vemos cómo además, fijaros, que aparecen los dos
textos, el Antiguo aquí y el Nuevo Testamento, otra vez esa cuestión
relacionada con el paso de la Antigua y de la Nueva Alianza y otra serie de
símbolos en las partes traseras. De pequeños elementos, los cuales muchos
de ellos tienen un significado. Otros los desconocemos, probablemente lo
tenían, pero incluso a veces nos han pasado desapercibidos o hay autores
que los interpretan de una manera y autores de otra, ¿no? Como por
ejemplo, las azucenas, que teóricamente es una flor relacionada con la
virginidad, ¿no? Que resaltaría esa virginidad de la Virgen y a pesar de
esa virginidad, pues evidentemente va a dar luz al Señor. Fijaros en los
laterales, en el lateral izquierdo aparecen los mecenas. Los que habían
encargado la pintura, los que han encargado la pintura, que está
asomándose a la escena. Fijaros cómo integran a estos mecenas que están
siendo representados a través de una especie de retrato, pero dentro de la
escena religiosa, ¿no? En esa actitud. Fijaros, esto ya habíamos visto
algún ejemplo. Y en la parte derecha aparece San José, que de alguna
manera está incluido en todo este juego, porque la Anunciación al fin y
al cabo va a suponer que... La Virgen va a dar a la luz al Hijo de Dios y
sea José el encargado por ese milagro de la buena florida que hemos visto
en el anterior, el que vaya a cuidar también de María y del bebé, ¿no?
Y aparece aquí San José en su taller, ya sabéis que era carpintero, pues
con una serie de herramientas de carpintería que realmente es un
auténtico catálogo, ¿no?, de este tipo de cuestiones. Estás viendo el
cuadro, ¿no? Imagino que te refieres. Y realmente... Realmente es
magnífico, ¿eh?, los detalles. Pero fijaros cómo salgan los colores,
¿eh? Es que es una de las características que hemos dicho al principio,
¿verdad? Como el rojo, por ejemplo. Este rojo de los pies del vestido de
la Virgen realmente parece que sale hacia afuera. Fijaros. A través de la
ventana, ¿eh?, el paisaje urbano que aparece. Es que son muchos detalles,
la verdad, algunas de estas imágenes. En cuanto a los retratos, vamos a
destacar especialmente el de nombre robusto. Que realmente es maravilloso.
Fijaros, del año 1425, totalmente naturalista. Aparecen los defectos del
individuo que están retratando, ¿no? Fijaros la papada, las ojeras que
tiene aquí, unas ciertas arrugas de expresión en toda esta zona, ¿no?
Bueno, para que un anuncio de cremas hacia arrugas. Que realmente...
Fijaros la nariz. Sí, el tamaño de la nariz, ¿no? La frente que está
bien. El pelo pobre, no sé. Realmente es auténticamente realista, ¿no?,
el retrato. Y luego, por ejemplo, fantástico el retrato de una dama,
¿no?, que es del año 1435, un poquito posterior. Parece que sería la
mitad de un víctico, la otra parte... Bueno, no sabemos muy bien el
naturalismo y el realismo. Las dos cosas... Las dos cosas. Yo creo que las
dos cosas. Realmente... Yo diría que las dos. Y luego, el detalle, ¿no?,
el detalle que habíamos indicado. En fin, lo que os decía. El retrato de
una dama, un poco con esa gama de blancos en el tocado, que es realmente
maravilloso. Fijaros los pieles, qué bien reflejados esos se hacen gracias
a cambiar un pelín la tonalidad del blanco, ¿no? Y gracias a eso se
refleja el piel. Con lo cual, fijaros el dominio, ¿no?, de la técnica en
este sentido. Y, sin embargo, aquí la expresión es muy calmada,
teóricamente, de esta gama un poco casi, digamos, pacífica, un poco, no
sé, casi de ata, ¿no?, un poco esa mirada, pero lo más admirable,
insisto aquí, es el tocado que realmente es... Es maravilloso. Vamos a
seguir. En las obras ya tardías, destaca San Juan Bautista y el maestro
franciscano, Enrique de Güell, del año 1438, y en el que vemos al santo
junto al donante, fijaros, aquí tenemos a San Juan Bautista, aquí está
el donante, el mecenas y que encarga la obra, que, de nuevo, está mirando,
está introduciendo, está intentando observar la escena. donde aparece
Santa Bárbara en el interior, fijaros, no de una casa de la Judea o la
Palestina del siglo I, sino en una casa burguesa. Esto es lo que os
comentaba al principio, ¿no? Veis la chimenea, veis la ventana en la parte
del fondo, que nos refleja otra vez esa naturaleza a través de esa ventana
abierta, ¿no?, que nos permite ver esas cuestiones y la verdad es que es
muy curioso, ¿no?, ver a Santa Bárbara. Santa Bárbara, pues eso,
reflejada con una gama de flandes del siglo V. Ah, un detalle que se me
escapaba, el espejo, el espejo convexo que nos permite introducir nuevas
figuras. Aquí es verdad que ya se nos pierde porque es pequeño, ¿no?,
respecto al... Pero si vamos al detalle, en este espejo están reflejando
otras figuras que también mete dentro del... Mete dentro del... De la
escena gracias a esa... A ese uso de... Del espejo, ¿no?, para que... No,
es uno. Es uno. Vamos ya con Jean Van Eyck, nacido en 1390, muerto en 1441.
Los donantes... Sí, eso es, el mismo recurso del espejo, lo vais a ver con
frecuencia, ¿vale?, en la pintura. ¿Los donantes son siempre rodeados? No
siempre, pero es habitual. Casi siempre sí, ¿por qué? Porque... Bueno,
es una manera de representar piedad. Pero tened en cuenta, vamos a volver a
la imagen, simplemente para que lo veáis, no se puede aparecer al mismo
nivel que San Juan Bautista. Aunque algunos lo harán, ¿eh?, algunos lo
harán, pero teóricamente el donante quiere aparecer como una persona
piadosa, que lo más importante de la escena son los personajes religiosos,
que serían San Juan y Santa Bárbara, pero, oye, ahí viene todo,
¿sabes?, y queda muy claro. No están las que nos dejan ser pequeñitos en
el espejo. No están las que nos dejan ser grandes, ¿eh?, o sea, que,
bueno, hay un poquito de falsa modestia, quizás, si lo queréis llamar
así. Bueno, decíamos, Jean Valé, quizás el más virtuoso de todos los
pintores de este periodo, va a estar muy ligado siempre a la casa de
Gorgonha, de los duques de Gorgonha, de hecho se acabará convirtiendo en
el pintor de la corte y va a ser el verdadero maestro de esa técnica al
hoy. Va a captar, de alguna manera, la naturaleza. En su práctica
totalidad, fijaros en el cuadro que tenéis aquí, en el políptico del
Cordero Místico, que probablemente la realizó junto a su hermano Hubert y
que acabó en el año 1432, y la forman doce tablas, ¿no?, que se pueden
observar cerradas y abiertas, ¿no?, es decir, están por diferentes
partes. Pero quizás lo más destacable es esta parte central donde aparece
la adoración del Cordero Místico en torno a tres elementos fundamentales.
Fijaros. La fuente de la vida, el propio Cordero, el Cordero de los
Ángeles, y por supuesto el Sol, al que se representa con la divinidad, o
se relaciona directamente con la divinidad. Sol, un eje, fijaros,
totalmente claro, alrededor del cual el resto de elementos de la escena se
van a ir preparando y se van a ir colocando para entrar en la escena global
que quiere representar. En los lados, planteando la escena, fijaros. Aquí
está la escena central y aquí está el resto que forman todo el conjunto,
¿vale? Os hacéis una idea, ¿no? Aquí veis el detalle que hemos visto
antes, lo veis claro, ¿verdad?, aquí en esta parte central. Se ve bien,
¿verdad? Alrededor, fijaros, aparecen caballeros, jueces, ermitaños y los
peregrinos de Cristo, aquí, aquí a un lado y al otro, lo veis, ¿no?, que
están encuadrando la escena. Y luego, toda la parte superior aparece en
los grandes. Los grandes personajes, o parte de los grandes personajes de
los textos religiosos, evidentemente. Está Dios, evidentemente, junto a
San Juan Bautista, la Virgen, aquí está la Virgen, Adán y Eva, que
aparecen, y los grupos de ángeles cantores que rodean la escena y cantan
las alabanzas de Dios. Este es San Juan, San Juan Bautista. Vale, fijaros,
¿no?, todo cómo forma el conjunto totalmente de manera unitaria, ¿no? Es
realmente muy curioso. De nuevo, lo más destacable, a primera vista, el
color. Lo veis, ¿no?, el color, cómo resalta el color, hacia afuera,
¿verdad?, salta totalmente hacia el exterior, ¿no? Te choca ahí a
primera vista. Entre los retratos, va a destacar especialmente, seguro que
os suena este, Hombre con tu panterrojo de 1423, que se especula que
podría haber sido su suegro. No se sabe muy bien. No se sabe. Aunque
algunos autores defienden que... Incluso sería un autorretrato. No sabemos
a quién corresponde, por eso no tienen nombre. Se llama Hombre con tu
panterrojo, si supiéramos el personaje, evidentemente, por día mundial.
Fijaros que el rostro es totalmente cerrero, la expresión dura, de alguna
manera, un poco despiadado, fijaros sobre todo en los ojos. Fijaros en los
ojos cómo están mirándoos de manera directa, un poco como... Casi parece
que te está diciendo, te estoy viendo. A ver qué haces, ¿no? Es un poco
esa expresión, ¿no? Quizás lo que nos llamaría, ¿no? Dar por fin de
suelo. Dar por fin de suelo un poco. Se lleva bien, eso no se sabe. No se
sabe. Pero bueno, es... Y luego, por supuesto, destaca especialmente,
fijaros, el turbante rojo, ¿no? De nuevo con ese juego de las tonalidades
para reflejar todos sus pies del tejido en la cabeza con ese fondo oscuro
que, de alguna manera, hace que contraste todavía más, ¿no? Resalta la
luz y el rojo, ¿no? Porque todo el resto parece un conjunto en negro,
¿no? Entonces, claro, ese es el contraste. Realmente es un poco mágico,
¿no? El retrato en sí mismo. La pena que no sepamos realmente quién es y
qué historia habría detrás de este personaje. Otro, por supuesto, que
comentabais antes, ¿no? El matrimonio a Norfini de 1434 en el que aparecen
los recién casados, seguramente, parece ser que habrían sido unos
miembros secundarios de la familia, pero bueno, que también se ven
reflejados. Una familia especialmente poderosa en esta etapa relacionada,
evidentemente, con el comercio. Y bueno, pues saludan un poco a los
espectadores y a la vez a los testigos qué se ve o qué se intuye a
través de las escenas que hay a través del que se refleja en el espejo.
Es decir, se presupone que en esta parte de aquí, desde donde lo estamos
viendo nosotros, hay unos personajes que aparecen reflejados. Y es a los
que se están dirigiendo, sobre todo el hombre, ¿no? Que está de alguna
manera saludando a estos testigos, quizás testigos relacionados con la
obra. Aparte de ese doble retrato, evidentemente, de los recién casados,
hay un montón de elementos alrededor del cuadro, cada uno de los cuales
parece tener una cierta carga simbólica. Insisto que en estas
representaciones, en estas interpretaciones, perdón, de los símbolos, hay
un debate muy abierto, ¿vale? No son tan claras las cosas, sino que
algunas veces sí. Pero en muchas ocasiones es una cosa muy ambigua, ¿no?
Para lo que para uno significa matrimonio y la fidelidad, para otro
significa la prosperidad del comercio. Quiero decir que, bueno, hay que
tener cuidado con estas interpretaciones. Pero bueno, fijaros, tenéis la
vela como símbolo del filio del lecho nuclear. Santa Margarita como
patrona del parto, porque ella parece, como veis, embarazada, ¿no? Las
frutas que representarían la fertilidad. Muy reseñable con ese embarazo
que, insisto, tiene la esposa. Que además va de verde, que es la esperanza
en tener descendencia, ¿no? Puede ser la esperanza en cualquier otra cosa,
pero bueno, como está embarazada y todo gira en torno a esa fertilidad,
pues se ha interpretado de esta manera. Y que además está posando su mano
izquierda en el vientre, ¿no? Para dar el mayor indicar de manera más
clara todavía que es la fertilidad. Está embarazada. Y luego los suecos
dan una cierta sacralidad a la estrella, la sacralidad del matrimonio, y el
perro, que representa la fidelidad, representaría la fidelidad entre los
cónyuges. Bueno, ya sabéis, a mí estas cosas de simbología, ya sabéis
que, bueno, tengo mis reservas, vamos a decirlo así. También en temática
religiosa va a destacar este autor con su obra La Virgen del Canciller
Rolén, de 1433, perdón, de 1435, en la que aparece el canciller
retratado, fijaros, mirando de frente a la Virgen, que no le mira. Fijaros
cómo le mira. La mirada totalmente fija del canciller, que aquí es lo que
os decía antes, es el mecenas, pero aquí aparece, no en una escena
separada, mirando por una ventana, asomándose, no, no, aquí aparece a
nivel totalmente de igualdad, fijaros, en la altura de las cadenas. Es
exactamente... Es exactamente la misma. Es decir, la Virgen y el canciller
son iguales en este cuadro, ¿vale? Fijaros, sin embargo, que aunque él le
mira de manera directa, aunque él tenga las manos así, en actitud piadosa
de rezo, realmente su cara no refleja en absoluto esa actitud piadosa, es
una mirada nula, de hecho casi insolente, ¿no? Está mirando a la Virgen.
Es tremendo, sí, sí, efectivamente, estoy de acuerdo. Fijaros la Virgen
cómo mira para otro lado. La Virgen mira para abajo. Bueno, yo este señor
no le miro, ¿no? Es muy curioso la escena, ¿no? Y luego, evidentemente,
el niño, ¿no? Luego, fijaros aquí en el detalle, aparecen dos personajes
desconocidos que están mirando la escena del fondo, donde realmente tiene
también muchísima relevancia, porque hay un cuidado, detalle de todo el
paisaje que se observa desde esa ventana, ¿no? Es realmente muy
interesante. Y luego, en los capítulos hay escenas reflejadas, escenas del
génesis, ¿no? Por lo cual, fijaros otra vez en los detalles tan fabulosos
que hay en este cuadro, ¿no? Que yo, es que no puedo ponerlo más grande,
la escena. Realmente, además, yo lo veo fatal. Ya os digo, pues esto es un
secreto. Lo veo todo en una pantalla digital, a través de un proyector, y
yo apenas distingo las letras, o sea, lo veo fatal. O sea, que a veces si
ven que me confundo con un nombre, una fecha, es que no veo, a veces, el...
A veces no lo digo de memoria. Puede... Y me pueden bailar porque casi no
veo nada. No hay detalle en la imagen. Bueno. Vamos ya con Roger
Vandenberghe, nacido en 1299, muerto en 1464. Fue discípulo del maestro de
Flemer, el primero de los autores que hemos visto. También sabemos que
estuvo viajando durante un tiempo importante por Italia y, de alguna
manera, esto va a acabar influyendo notablemente en su obra, ¿no? Al
conocer las obras que se están llevando a cabo en Italia, que os había
comentado que era el otro gran foco de la pintura en este momento, con un
estilo muy diferenciado, pero un estilo relevante, con fuerza también,
importante, ¿no? Con éxito, además. Pues, evidentemente, le va a
permitir a Martin Bender coger elementos o trasmar o reinterpretar algunos
de los elementos que él ve en el arte italiano y trasladarlo a esta
pintura. A esta pintura de estilo flamenco. Ello, evidentemente, lo vamos a
ver especialmente en algunas de sus obras más significativas, como, por
ejemplo, el Descendimiento, quizás una de las más famosas, de 1435, donde
fijaros en las diez figuras que se agrupan en un espacio muy reducido,
prácticamente comprimidas. No, realmente no cabe nada más en el cuadro.
Porque, insisto, están perfectamente adaptados al espacio que conforma la
pintura. Que conforma la obra. Y aparecen dos grandes figuras curvas,
fijaros. Aquí aparece la Virgen, que de alguna manera está asimilada al
dolor absoluto de su hijo que acaba de morir en la cruz. Las dos obras
curvas que os comentaba, San Juan y María Magdalena, que de alguna manera
asisten a la escena. Cristo y la Virgen en la parte central, ese
compartimiento del dolor, ¿no? Es decir, la Virgen sufre en sus carnes el
propio dolor de su hijo, mientras que el resto de personajes que están
asistiendo a la escena, pues vemos a los asistentes, de alguna manera con
un rostro absolutamente desuado, ¿no? Es totalmente reflejo de ese momento
tan crucial en el que la Virgen se encuentra en la cruz, creen que ya no
hay vuelta atrás, que Jesús ha muerto, que esto no tiene solución y que,
claro, la pena les embarga absolutamente. La Virgen directamente es que
está... Fijaros en el rostro, el color de la piel de la Virgen es como si
estuviera muerta, porque está reflejando ese dolor, ¿no? Y que
finalmente, no sé, de alguna manera es muy hermoso, ¿no? El cuadro
realmente conmueve, ¿no? Porque transmite ese dolor, ¿verdad? ¿En qué
me decís? La Virgen se encuentra en la cruz, la Virgen está en paralelo y
los otros dos laterales en un curvo. Eso es, eso es. Aquí tenemos a San
Juan y a María Magdalena y a Cristo y la Virgen como figuras iguales,
equivalentes. ¿Eh? Os dais cuenta, ¿verdad? En un documental escuché que
este cuadro era el que hablaban de el rey de los fabricantes de ballestas.
¿Y qué cosa tiene esa forma? Ah, pues no lo sé. Pues, hombre, tenía
sentido, es verdad. Tiene una forma muy curiosa. Yo creo que, bueno, yo
creo que es un efecto buscado, pero que tenga, bueno, puede ser, puede ser.
Puede ser. Sí, la forma de ballesta, ¿no? Aquí, a esto te refieres,
¿no? Bueno, lo voy a borrar, porque no se ve nada. Esperad un segundito.
Que lo borro todo. Te refieres que los brazos serían los brazos de la
ballesta, ¿no? Y puede ser, puede ser. Puede ser. Bueno, es una teoría
interesante. No lo había oído, ¿eh? La verdad. Bueno, seguimos que si no
me enrollo. Vamos. Vamos con el cuadro. Otra de sus obras, San Lucas
dibujando a la Virgen, que es un poco una continuación del primero que
hemos visto de la Virgen del Canciller Reven de Banei, que sí que veíamos
a ese canciller tan, no sé, tan sénero y tan severo. Y fijaros en el que
vuelven a aparecer al mismo nivel los dos personajes, pero claro, aquí
estamos hablando de que es un evangelista, ¿no? No tiene nada que ver con
el propio canciller, ¿no? Por lo cual, bueno, aparece lo mismo, la escena,
fijaros, no aparece rezando, sino que aparece pintándole. Y entonces, esto
se relacionaría un poco con la reivindicación del gremio de pintores,
¿no? Atribuyéndole al canciller, a San Lucas, que fuese el primer
retratista, ¿no?, de la Virgen. La tradición, bueno, no tiene ninguna
base de ningún tipo, pero bueno, que sirvió un poco para justificación
de ese cuadro. De nuevo, a la Virgen, fijaros otra vez, la mirada perdida,
más centrada en el niño. Y fijaros cómo se repite el recurso de los dos
personajes que están mirando en la parte del fondo al paisaje circundante,
¿no? Es un poco esa misma disposición que habíamos visto en el cuadro
anterior. En cuanto a los retratos de este autor, el más significativo va
a ser el retrato de mujer, aquí lo tenéis, donde de alguna manera aparece
una mujer como intentando mostrarle a la mujer una cierta quietud, una
cierta calma, pero sí que se le intuye que de alguna manera está un poco
reprimida en sus sentimientos. Pero es verdad que el autor, en líneas
generales, nos representa rostros más calmados, más tranquilos, un
poquito más idealizados, quizás por esa influencia de su paso por Italia
que comentábamos al principio. Es menos severo, ¿no? O sea, fijaros en
las representaciones, representan menos esa relación o esa tensión,
¿no?, de alguna manera. Pero a mí me parece, por ejemplo, que este
personaje que la mujer representada en el retrato de mujer está
reprimiendo sus sentimientos. Es decir, es verdad que un rostro calmado, un
rostro bastante idealizado y de cierta templanza, pero a mí me parece que
está ocultando y que está aguantando esos sentimientos que se molesta el
no mostrar. No sé si me explico más o menos. Me llama mucho la atención
en este cuadro también el contraste un poquito, ¿no?, del tono de la piel
muy blanco con ese tocado transparente. Tened en cuenta que todavía en
esta etapa el color pálido de piel es bastante... Es considerado
atractivo, ¿no?, especialmente entre las mujeres, por lo cual no es de
extrañar que las damas de la nobleza se hicieran reflejar de esta manera,
¿no? Pasamos ya a la época para que abandonemos ya esos inicios de la
escuela. Pasamos ya a la consolidación del estilo con tres autores
fundamentales que van a ser Petrus Christus, Dick Boats y Hugo Van der
Goos. El primero, Petrus Christus, nacido ya en pleno siglo XV, en 1410,
muerto en 1476. Es posible que se hubiera formado junto a Van Eyck y se
convertirá en el pintor de referencia de la importantísima ciudad de
brujas. Ya os comenté al principio que brujas gigante van a ser los
grandes centros industriales y comerciales de este periodo. Trabajó
especialmente con retratos, aunque también con algunas obras religiosas de
carácter privado. Especialmente destacable el retrato de la joven muchacha
de 1460, que lo tenéis aquí en la parte izquierda, que, bueno, busca ese
equilibrio entre el realismo y una cierta idealización del rostro. No
aparecen defectos en la mujer representada, en la joven representada, pero
sí que está muy singularizada el rostro. Entonces, está reflejando
probablemente a la persona que encarga el retrato, pero con una cierta
idealización, no le muestra ningún tipo de efecto. Con lo cual, combina,
por lo tanto, esas dos corrientes, ¿no? En La Virgen del Árbol Seco, que
lo tenéis a la derecha, de 1465, en realidad se trata de una obra de
pequeño tamaño, es verdad que tiene muy poquito, no es un cuadro de gran
formato. Fijaros que aparece la Virgen con el niño en brazos, los colores,
fijaros, de la ropa de la Virgen, verde, rojo y también con una pequeña
tonalidad de color azul. Y luego a su alrededor un montón de ramas secas y
entrelazadas, un poco representando la corona de espinas con la que fue
coronado Cristo en la cruz con 15 letras A que representan el ave María
que están copadas de esas ramas y relacionado en todo con el dogma de la
inmaculada concepción, ¿no? Pero realmente es una obra un poco, no sé, a
mí me llama mucho la atención cómo consigue el efecto entre esas
espinos, ramas de espino entrelazados que aparezca ahí con esa nota de
color la figura de la Virgen del Árbol y asistía a los cultos un poco
así para disimular los defectos de un guerrillo, una ruta, algún lunar
que no estaba bien. ¿Por qué 15 letras? Porque representan el, ya te
digo, representan el ave María. Entonces, las partes que componen el rezo.
Vamos con Dirk Bous, 1410-1475, fue el pintor de la ciudad de Lobaina a
partir del año 1468 y fue un poco el precursor junto a Tristus en aplicar
esa perspectiva de carácter geométrico propia del regacimiento y en
incorporar el paisaje a los retratos a través de las ventanas. Es un poco
esos recursos que hemos ido viendo cómo se iban desarrollando a lo largo
de todo este periodo. El más destacable de sus obras va a ser el tríptico
de la última cena del año 1464. Fijaros, aquí aparece ese tríptico de
nuevo y ya sabéis que es el tríptico que se puede doblar lo más singular
evidentemente la escena central en la que se muestran los apóstoles en una
en la última cena pero dentro de una como veis dentro de una vivienda
totalmente flamenca del siglo XV pero es verdad que va a marcar de alguna
manera el modelo a seguir en las representaciones de la última cena ¿no?
A partir de ese momento en la última cena siempre se va a representar de
una manera muy particular con todos los apóstoles alrededor de la mesa con
Cristo en la parte central y bueno pues un modelo que ya os digo tendrá
una cierta continuidad en los siglos posteriores. Es verdad que los rostros
son bastante hieráticos no acaban de tener el naturalismo y el realismo
que habían alcanzado con otros autores y son un poco casi estándares
¿no? en ese sentido ¿no? Con lo cual bueno es un poco diferente a lo que
habíamos visto hasta ese momento. En cuanto a Hugo van der Goos nacido en
1425 un poquito posterior a los anteriores y muerto en 1462 él va a
ejercer como pintor en la ciudad de Dante y va a seguir un poquito la
línea que habíamos visto marcada por Van der Weyden de mostrar ese
sufrimiento extremo en algunos casos en las escenas de la época de
carácter religioso intentando destacar insisto ese dolor que se refleja
sobre todo en las escenas de la Virgen ¿no? También va a añadir un nuevo
elemento que es el uso de unos ciertos personajes un poco vulgares de
carácter rudo que van a componer la escena es decir no van a ser los
personajes principales de la escena pero sí que van a formar parte de ese
conjunto ¿no? para de alguna manera ambientarnos mejor esos sentimientos
que quiere reflejar el autor quizás el más destacado de sus obras sea el
críptico de la oración de los pastores también llamado el críptico
Portinari y que fue encargado por el representante de la famosa familia
Medici en la famosa una de las familias más significativas de Italia en
este momento de relación interitaria ¿no? y que evidentemente tenía
intereses comerciales en la ciudad de Brujas ¿no? con lo cual bueno pues
este era su representante que encargó la obra y después se llevó este
cuadro a Italia porque al fin y al cabo lo había parado en la parte
central vemos la escena de la adoración en el fondo las ruinas de un
palacio que nos enmarcan arquitectónicamente la escena y un paisaje
montañoso y en medio de todo el niño recién nacido fijaros el niño que
está en la parte cubana pero realmente no es lo más destacable en la
imagen se te va claramente a la figura de la virgen está está muy claro a
pesar de que el niño que acaba de nacer Israel de Yanú ¿no? es el hijo
de Dios y por lo tanto es una fuente de luz divina pero insisto a mí me
parece que pasa desapercibido respecto a la figura de la virgen que
realmente los ojos se nos van todo ello está acompañado de las figuras de
los pastores que representan esos hombres rudos casi mal encarados feos con
defectos con vestidos de manera austera y pobre un poco sucios pero que a
la vez transmiten emoción porque están reconociendo al hijo de Dios que
acaba de nacer por lo cual contrasta esas dos esas dos cuestiones dentro de
la misma escena pero nos enmarca perfectamente la el momento mágico que
supone el nacimiento y la elaboración del de la vida del niño Dios
recién nacido en la elaboración de los reyes magos de alguna manera sigue
esta misma línea es verdad que solo consideramos la parte central se ha
perdido los laterales del críptico pero también era un críptico aparecen
esos reyes adorando a la virgen y al niño otra vez repite el efecto del
palacio en ruinas de alguna manera simulando el portal un poco en realidad
lo que te quiero transmitir es que es un palacio real porque el niño es el
niño Dios pero a la vez es pobre porque bueno tuvo que nacer de una manera
casi escondida huyendo y bueno pues es un intento de mezclar esos dos
elementos en una misma en un mismo en una misma escena aparecen personajes
vestidos con ripos con ropajes muy muy ostentosos que son esos reyes y uno
de ellos es Mulato que es digamos eh la primera aceptación o el inicio de
esa forma de representar a Reba Tassar que ha llegado perfectamente hasta
nuestros días los lugareños de nuevo eh aparecen eh otra vez con esos
hombres ajados un poco con defectos son los de esta parte trasera mientras
que los personajes principales sí que aparecen sin mácula ¿no? la virgen
no va a aparecer con defectos eso está clarísimo ¿no? es una imagen
mucho más idealizada más cercana a los calianos pero aquí sí que
aparecen esos defectos ese naturalismo eh propio de la pintura flamenca
¿no? de nuevo otra vez esa mezcla de estilos y ya hacia finales del siglo
XV vamos a destacar a otros tres autores Hans Merlin Gerard David y por
supuesto el Bosco ¿no? quizás eh para mí el más relevante de todos Hans
Merlin a pesar de que tiene origen alemán como lo podemos ver en su nombre
llevar a cabo eh casi toda su carrera en la ciudad de brujas también eh se
formó con con lo cual eh de alguna manera va a seguir un poco su propia
escena es verdad que va a ser el eh uno de los pintores preferidos por
estos pequeños burgueses para encargar los retratos tanto de manera
individualizada como metidos en una escena con la virgen como hemos visto
en algunos de los casos anteriores y quizás eh no sea tan dramático no
represente tanto el sufrimiento como lo había representado eh Bartlett
Bader pero eh aún así tendrá un éxito importante ¿no? eh en su en su
momento como ya os digo como uno de los pintores preferidos de la para para
encargar los retratos quizás uno de las obras más destacables fijaros es
La pasión de Cristo del año 1470 en el que dentro de un solo cuadro que
es este va a ir mezclando un montón de escenas relacionadas con todo el
proceso de vivido por Cristo durante la semana de la pasión ¿no? desde la
entrada eh triunfal en en Jerusalén en el domingo de Ramos hasta la
crucifixión en la parte derecha ¿no? aquí está la entrada aquí está
la crucifixión y en medio de todo ello las diferentes fases por las que
pasa el juicio cuando le quitan la ropa cuando tiene que elegir a a a quien
va a indultar en fin todas las escenas que perfectamente conocéis es como
una especie de semana santa concentrada en un en una sola escena ¿no? por
lo cual realmente las estaciones efectivamente las estaciones y todo en un
marco arquitectónico evidentemente contemporáneo al autor no está
reflejando otra vez la Palestina del siglo I no tiene ningún tipo de
contextualización histórica sino que es evidentemente una arquitectura
propia del siglo XV pero va publicando por detalles las diferentes
estaciones como me decía vuestro compadre en cuanto a los retratos como os
decía va a ser uno de los más destacables vamos a destacar especialmente
retrato de Hombrerante de 1485 que es ese rostro bastante sereno muy
tranquilo que transmite cierta paz y que además representa la armonía
entre el personaje y la naturaleza que se intuye a través de la ventana
fijaros esa unión entre los retratos y el efecto o el truco si queréis o
el recurso de reflejar lo que se ve a través de la ventana pero como veis
de nuevo casi se asemeja más a los modelos otra vez italianos sin esa
representatividad que hemos visto en otros autores también eh como veis va
a trabajar uno de los estilos novedosos de este periodo que os lo ponía al
principio dentro de esas características que será el bodegón que fijaros
como aparece aquí representado con un jarrón con flores con el símbolo
de Cristo en la parte central pero que representa esas escenas de
naturalezas muertas que incluían una novedad voy acelerando porque veo que
me quedo sin tiempo eh General David en 1455 y muerto ya en 16 en 1523
será un poco el que marque ya la entrada al siglo XVI y cierre de alguna
manera ese gran siglo que es el siglo XV para la aventura a la flamenca
aunque se va a formar en los Países Bajos él sin embargo va a llevar a
cabo toda su carrera en Flandes más concretamente en la ciudad de Brujas y
bueno eh de nuevo es otro ejemplo en el que se aunan las tendencias eh
idealizantes del mundo italiano con algunas de las características propias
de esa rudeza de la pintura flamenca ¿no? fijaros como según vamos
llegando al final de la de la pintura flamenca eh se va abandonando ese
realismo y las modas italianas van ganando cada vez más fuerza fijaros
¿no? como en casi todos los autores que estamos viendo en esta parte final
tienden a esa cierta orientación a esa cierta eh suavización de los de
los rostros y de las expresiones propias de los italianos ¿no? hemos visto
como eh va evolucionando ¿no? el el estilo ¿no? porque de alguna manera
se está abriendo la pintura a las formas nacientistas a la influencia de
esas formas nacientistas que están viniendo de Italia el tríptico del
bautismo de de Cristo es quizás una de las obras más singulares y más
representativas de nuevo ese tríptico veis aquí perfectamente ¿no? los
los las bisagras ¿no? para doblar ese ese tríptico y se ve fijaros a, el
bautismo de de Jesucristo por San Juan Bautista y eh toda la naturaleza
reflejada en la parte eh del fondo en la parte de por detrás de la imagen
que eh bueno es lo más destacable de toda esta obra porque realmente los
rostros que que se representan eh parecen un poco inexpresivos están tan
idealizados que realmente no transmiten emoción o sea estamos aquí eh
viendo a los personajes que observan la obra y que realmente no transmiten
ninguna emoción por estar viendo el bautismo de Cristo sino que más bien
son totalmente eh giráticos un poco inexpresivos con lo cual eh se pierde
un poco de fuerza en este en este aspecto eh a pesar de situarse en ese
final de la de la escuela no es que se me ha pasado un detalle importante
fijaros que quería yo llamar la atención sobre él aquí veis eh
reflejado eh los tocanos propios de los de las gamas ¿no? del del siglo eh
del siglo quince que están eh observando de nuevo esa obra ¿no? otra vez
esa unión entre eh los eh las representaciones en el en propias de los
estilos contemporáneos dentro de las escenas eh religiosas de quince
siglos antes ¿no? lo que lo que os decía de esa combinación de los
estilos sí eso es Dios eso es míralo lo veis ¿no? ahí está la línea
muy bien visto muy bien visto bueno vamos a pues era David no es el Bosco
me he confundido cuidado aquí vale que no lo he pasado al al duplicar para
hacer la el mismo sistema no no no el Bosco no no no leyes evidentemente
una rama de referencias es es el Bosco no más que llegar a la vida la vida
es una noche y mucho menos es una de las grandes referencias de la historia
de la bueno como veis su nombre procede de la ciudad eh de Bois de Duc de
ahí el nombre de el Bosco y y bueno es verdad que él probablemente era un
rigorista religioso era un puritano y de alguna manera esto se va a
reflejar constantemente su obra ¿no? la dualidad y la lucha entre el bien
y el mal y ese miedo infierno eh que prácticamente está presente de
manera permanente en todas sus obras ¿no? en todas sus obras hay alguna
referencia al castigo al pecado a al sufrimiento eh propio de de los que lo
han hecho mal y de los que no han seguido los preceptos de manera eh
estricta de la de la iglesia eh quizás la nave de los locos es también
uno de esos grandes ejemplos en los que eh va a criticar la herejía eh la
el salirse de las de los preceptos estrictos de la iglesia en la que
aparecen un montón de personajes histiónicos eh entre ellos algunos
feicos eh corruptos que se dejan llevar por los pecados eh por las
esclavagancias de la de la carne y bueno esa representación del islam con
con la media luna ¿no? que también de alguna manera lo asemeja a estos a
estos herejes pero fijaos en los rostros como están eh prácticamente eh,
sacados están idos están sacados de quicio totalmente ¿no? están eh
como cantando como gritando con los personajes desnudos que reflejan esas
pasiones de la carne y que bueno nos están eh mostrando a donde nos lleva
la herejía ¿no? la herejía nos va a llevar a la locura y a la perdición
absoluta evidentemente solo a través del rigorismo religioso y del
contemplamiento estricto de las de los preceptos de Dios podremos salvarnos
¿no? entonces es un poco esa imagen que nos que nos quiere reflejar eh el
Bosco en la en la obra ¿no? en la nobre de los ricos pero quizás su obra
más conocida eh va a ser el jardín de las de las delicias donde nos va a
pintar eh un tríptico con el paraíso a izquierda la tierra en la parte
central y el infierno en la parte derecha mientras que en la grisalla es
decir en la parte cuando permanece cerrado esta es la obra este es el
tríptico del jardín de las delicias si lo cierras ¿vale? es decir en la
parte que se observa en la parte cerrada y fijaros que aparece una
representación eh que se relaciona con la creación del mundo ¿no? está
reflejando la creación del mundo y una vez que abrimos el mundo vemos las
tres partes que lo componen ¿no? el paraíso el la tierra y el infierno
¿no? así que fijaros que es un todo eh con una carga eh muy claramente
simbólica ¿no? en el paraíso vamos a ver como Dios entrega a Adán eh a
Adán a la mujer que ha creado a partir de su costilla como bien sabéis
pero Eva a la vez nos está reflejando el inicio del pecado eh la
perdición eh que de alguna manera simboliza todo a través del género
femenino ¿no? la mujer al final es la culpable eh según el Bosco de la
perdición ¿no? en todos los aspectos a partir de la creación de la mujer
las cosas empezaron muy mal esta es lo que nos transmite eh muy claramente
el Bosco en su obra vamos a ver un poquito más los detalles fijaros en la
tierra aparecen un montón de personajes en un aparente caos y desorden
total pero en realidad estamos viendo tres escenas eh completamente
separadas fijaros en la parte superior aparece el mundo eh con una serie de
arquitecturas que quieren ser futuristas que quieren ser eh como las
construcciones del mundo del mañana pero bueno les sale una cosa un
poquito es así como se imaginaba a él les sale un poquito eh bueno
curioso desde luego es una representación curiosa ese tipo de
arquitecturas en la parte central una serie de escenas de desenfreno carnal
absolutamente bueno desbocado y en la parte inferior un montón de
representaciones de nuevo de la sexualidad con hombres plantas animales y
bueno personajes que de alguna manera están indicando al lado izquierdo
donde aparecía la imagen de Eva fijaros que están indicando diciéndole
fíjate nosotros estamos así totalmente locos totalmente desbocados por
culpa de esto por culpa de Eva ¿no? fijaros como señala constantemente al
cuerpo femenino como el culpable de todos los males ¿no? era un poco
misógico este bosque ¿qué me decís? eh yo creo que teníamos a los pies
en su cama para contemplar sí cierto que es un poco Dalí pues casi un
poco eh recuerdo un poco en algunas de las arquitecturas por lo menos en
algunos en algunos casos sí que más Dalí tendría probablemente buena eh
conocería muy bien la obra del bosque y luego en la parte derecha aparece
el infierno con una serie de animales eh y de horribles eh que representan
eh los sufrimientos las torturas eh los mayores horrorismos un poco como
los eh los demonios primigenios ¿no? un poco chulu el mito de chulu del
Oscar ¿no? ya de épocas muy posteriores ¿no? pero que sí que representa
fijaros esos animales fantásticos totalmente no sé fruto de una
imaginación complicada ¿no? toda la escena es nos recuerda constantemente
el lo que nos espera si no hacemos caso a los preceptos religiosos una
especie de tormento eterno que causa una desazón realmente la observa el
observar la parte dedicada al infierno de esta obra eh realmente causa una
inquietud terrible eh o sea te deja un mal cuerpo acusado eh un poco es lo
que quiere el autor al final ¿no? nos quiere llevar a ese a ese espacio en
el que bueno nos advierte nos quiere servir todo el rato como enseñanza
¿no? de sus preceptos religiosos realmente era un rigorista de cuidado
aquí tenéis la escena completa ¿no? ¿veis? adiós con Eva fijaros los
personajes que os decía como señalan a esta escena y bueno le culpan un
poco de todo esto que estamos viviendo de todos estos pecados que se están
viendo en la tierra debido al abandono de los preceptos divinos y esto nos
acabará llevando a consecuencia a la derecha nos acabará llevando al
infierno ¿no? con todas sus consecuencias y finalmente otra de las obras
también destacables del Bosco serán los siete pecados capitales en las
que aparecen representados cada uno de los pecados en una escena diferente
con el ojo de Dios en la parte central que está observando todos estos
pecados y nos observa si caemos en cada uno de ellos en los extremos vemos
las escenas de muerte de la muerte el juicio el infierno y la gloria es
decir todo lo que había relacionado con esa escena temática de los
pecados que nos van a acabar llevando al infierno si no hacemos caso es
decir las enseñanzas constantemente y además reflejadas con una crudeza
terrible fijaros aquí tenéis una de las representaciones otra vez del
infierno en detalle en la lo he entresacado para que lo podáis observar
pues un poco con toda esa función moralizante que busca el autor de manera
continuada ¿no? entonces otra vez nos muestra los horrores a los que
estamos destinados si no seguimos los perfectos divinos y con esto en un
principio hemos terminado veo que son las seis y cuarto yo tenía aquí
preparadas estupendamente un cambio ya y que nos fuéramos a ver lo que
pasa en la tercera parte en la banda de los otros siglos doce y quince
fijaros almoravios almohades y nazaríes yo los tenía preparados pero
bueno yo creo que no es ya no nos da tiempo casi es peor empezar y dejarlo
colgado creo que es mejor intentar ver todo de un tirón respecto a esta
tercera parte sobre el arte oriental y por lo tanto yo creo que por hoy lo
podemos dejar aquí seguimos dentro de quince días acordaros no hay clase
el lunes que viene tendremos otra clase y cuando ahí terminemos lo menos
de tiempo es lo que yo os grabo me comprometo en esa misma semana para que
lo tengáis de cara al examen ¿vale? ¿os parece? ¿os parece bien? de
nada encantado nos vemos y que bueno lo siento mucho como de la semana
pasada pero intentaré volver a a revisar la grabación para que tenéis
acceso pero teóricamente tendríais tenerla ¿vale? si cualquiera de
vosotros una cosa importante si no conseguís verla escribidme un correo
para que si os mande el enlace directo o busquemos la manera de que lo de
que lo consigáis ¿vale? pues nada nos vemos la semana que viene dentro de
quince días cualquier cosa estoy en el coro y estoy en el correo me da
igual que no seáis de mi tutoría o seis del porcento me podéis escribir
igual ¿vale? hasta la semana que viene