Bueno, el capítulo de hoy, que es el capítulo 9, se llama El Pop Art, la
nueva figuración y los realismos. Nos queda el tema 10, que habla
precisamente de la arquitectura propia de los museos, que la veremos el
próximo día y después repasaremos, porque la clase del próximo día es
muy cortita. Con lo cual, el cuatrimestre nos ha venido justito. Y bueno,
nos situamos entonces en la década de los 60, que es muy bien organizado y
muy cómodo, la verdad. Esta asignatura es muy cómoda, uno lo va viendo
tranquilamente. La década de los 60 es un periodo crucial en el desarrollo
y la evolución del arte contemporáneo. Ya venimos hablando, desde que
acaba la Segunda Guerra Mundial, el traspase artístico se produce de
Europa a Estados Unidos. Y Nueva York es, a partir de ahora, el centro del
arte. En los primeros años de la década, el informalismo entra en crisis
hasta casi desaparecer y solo algunas de las grandes figuras se mantienen
fieles a sus principios. A principios de los 60, un crítico de arte, tras
la ruptura inicial, dijo que el informalismo puso al alcance de todos los
subconscientes las posibilidades de ser pintor. O sea, ahí hay un
hartazgo. de informalismo tremendo y casi una infravaloración. Se
convierte entonces en un movimiento academicista, sujeto a todas las normas
que cualquier otro estilo. Y ese estilo es lo que hace que produzca
determinado rechazo, porque claro, si es un estilo que surge de la
irracionalidad del personaje, si lo academizamos, pues hemos acabado con
él, ¿no? Y ninguna tendencia, además, tiene tal cantidad de seguidores
ni tanta proyección internacional. Debido al carácter abstracto del
informalismo, se supone que esta crisis era debida al agotamiento, al
cansancio y a la extenuación de la abstracción, cuando en realidad
procedía del uso reiterativo de un mismo lenguaje. Es aburrimiento
realmente lo que lleva. A este hastío, ¿no? Se derrumbaba la hegemonía
de una categoría que se comparaba con el cubismo o con el surrealismo. Y
esta crisis del informalismo da lugar a una diáspora, a una separación y
a romper esa unidad de sus participantes. Como consecuencia de esta
catarsis fueron diversas las tendencias que surgen. Como respuesta a esta
crisis. Se produce un panorama disparo, que solo tenían en común la idea
de superar la crisis de lo informal. Es lo que les une. Muchos artistas
pensaron que el motivo de la crisis era un agotamiento de la abstracción y
optaron por la nueva figuración. Los estilos se agotan, si algo
caracteriza al siglo XX es la cantidad de estilos que hay porque son muy
breves en el tiempo y lo que le pasa a la abstracción es que acaba
exhausta, acaba agotada También el problema se extiende de manera
diferente Para muchos la crisis era de expresión, ya no hay esa necesidad
de expresión y ahora están cansados de tanta expresividad, de tanto
dramatismo Muchos artistas optan por una abstracción geométrica de
carácter neoconstructivista como la opción más avanzada de la vanguardia
Es una vuelta de tuerca más, una adaptación de ese movimiento abstracto
vinculándolo con el neoconstructivismo Frente a estos dos planteamientos,
la nueva figuración y la abstracción neoconstructiva se suman las
opciones del pop art Otros pintores entienden que el problema se produce
por la desaparición de contenidos y no por un problema de forma, sino
porque se acaban los temas Y a esta idea se debe la aparición de los
nuevos realismos Otra vez, la pintura figurativa asequible, comprensible y
a veces con un sentido absoluto. crítico casi con un estilo de denuncia.
La crisis del informalismo tiene además otra consecuencia, es el centro de
la vanguardia se traslada de París, de Europa, a Nueva York. Estas
circunstancias hacen de la década de los 60 un periodo crucial para el
desarrollo del arte contemporáneo. En estos siglos se pone de manifiesto
la superación de los principios de la vanguardia y el movimiento moderno.
apuntando a lo que será la posmodernidad, que irrumpe en los últimos
años de la década de los 60. Y esto es interesante. Este fenómeno es una
transformación radical en los usos y en el comportamiento de la modernidad
y en la forma de actuación de artistas y grupos. Vamos con calma y vamos a
ir viendo. Bien, el pop art y la crisis del informalismo. Rosenberg abre
las puertas a una nueva corriente. Es el pionero. Y su obra está
impregnada de elementos figurativas con recuperación de componentes dadas,
que ponían de manifiesto las razones por las cuales el informalismo se
había convertido en una corriente anodina, ramplona y alejada del
principio, de lo que originó esa tendencia. El informalismo... Había
llegado a tal punto de agotamiento que hacían que su vigencia ya fuera
insostenible, muerto por inanición. Con el paso del tiempo, la
acumulación de experiencias, el aumento de pintores, hizo que lo que
comenzó como una actitud de ruptura se convirtiera una vez más en la
expresión de un academicismo. Todos pintaban a protocolo, siguiendo unas
normas, ¿no? La espontaneidad se transforma en mera experiencia y en mera
rutina. ¿Eh? Gran cantidad precipitó la muerte de sus posibilidades. La
gran cantidad de pintores posibilita la muerte. Bueno, aquí tenemos una
pintura de Rochenbord con mezcla de materiales todavía. Lichtenstein pone
de manifiesto que la proyección inmediata de lo instintivo era ya un
recurso académico que carecía de todo impulso natural. Lo primitivo y lo
instintivo ya estaba agotado y que además ya no era ese impulso natural,
sino que era un impulso, era un método académico. Y... Como parodia de la
pintura abstracta hace este cuadro que se llama Pincelada amarilla y verde,
que es una parodia, que es una crítica del informalismo, lo que hace
Liszt. Bien, muchos de los artistas que habían participado en La Corriente
fueron conscientes de esta situación, de esta situación de agotamiento
antes de que verdaderamente la crisis irrumpiera y ya no hubiera marcha
atrás. El informalismo fue una tendencia que centraba en la pintura, en la
materia, en el gesto, en el trazo y en el dripping. Excluía toda
referencia figurativa, nos acordamos, ¿verdad? Y era un arte hermético
basado en la expresión subjetiva del pintor. Y en este contexto aparece el
popar, como todo lo contrario. Los artistas toman formas y recursos propios
de la fotografía y de los medios de comunicación de masas, como los
periódicos y las revistas, los anuncios, el cine, la tele, el cómic.
Todos estos medios son utilizados como un nuevo lenguaje plástico
figurativo en el que se huye de la subjetividad. Se renuncia a mostrar la
intimidad, del ser. Y ahora lo que se sale es a mostrar lo que nos rodea,
lo que les rodea, lo que rodea a la sociedad americana. La rápida
aceptación del popar se debe a la novedad de un lenguaje cargado de
contenidos y que tenía algo que no interesaba a los informalistas, que
era... La comunicación a través de unos lenguajes asimilados, como era la
televisión, los periódicos, aquello que informa a la sociedad de masas.
Utilizaban imágenes prestadas de los medios de comunicación de masas.
Esto supone la constante búsqueda de los artistas contemporáneos para
descubrir los innumerables valores del objeto. Hay que tener en cuenta que
estamos en la sociedad americana, que ya se ha producido ese trasvase y la
sociedad americana es una sociedad de masas, básicamente. Uno de los
problemas que trazan el hilo conductor entre el gadaísmo, el surrealismo y
el popar ha sido la obsesión por desentrañar nuevos valores del objeto,
por hallar nuevos valores añadidos de la manipulación de la realidad y
del objeto como se han planteado los gadaístas. O Dushan, con aquellos
inodoros o lavabos puestos del revés. Que ahora inicias su andadura con un
sistema plástico y en esta nueva búsqueda se siguen dos caminos. Como la
recuperación física del objeto, el objeto tridimensional, el objeto
conforma y como representación del mismo. Se recupera por una parte la...
Los objetos, o sea las formas y por otra parte lo que representan. Y en ese
sentido se recuperan objetos. Ahora lo que se hacen es representar objetos
de la vida cotidiana como objeto y lo que representan. Y lo que representan
son... Objetos de la vida cotidiana y objetos de una sociedad de masas que
lo que refleja, lo que el artista recoge es lo que se encuentra con los
anuncios de neón, los carteles por la calle, los anuncios de prensa
ofreciendo sopas Campbell, los anuncios de la televisión. Y es lo que él
recoge en su obra de arte. ¿Me explico? Entonces, recupera el objeto por
una parte y, en este caso, lo que significa, lo que representa y representa
a una sociedad de masas que en sus obras de arte recogen su vida cotidiana.
Aquellos objetos que les identifican, que los definen. Oldenburg es el que
mejor, el que lleva hasta sus últimas consecuencias el empleo y la
manipulación de objetos. Objetos vulgares, ordinarios, de desechos en
muchas ocasiones, hacen que el artista desarrolle un arte plenamente
urbano. A veces recogidos incluso de la basura, porque son objetos de la
vida cotidiana, ya sean basureros o ya sea un escaparate. O ya sea
cualquier representación que nos encontremos por la calle. Aquí tenemos
un hornillo de cocina procedente de un cubo de basura, de un basurero. Son
objetos de la vida cotidiana. Se recupera la tridimensionalidad y, además,
se recupera la función del objeto. Objetos de la calle, de objetos de la
vida, de las personas normales. Fijaos, un pantalón colgado. Esto es una
representación artística de un objeto propio. De la sociedad de masas,
propio de cualquier ciudadano, ¿no? Cualquier ciudadano en nuestra casa,
no lo digo ahora, pero en aquella época sobre todo, este objeto nos
representa a todos, ¿no? Y a los americanos en aquella época todavía
más, porque ellos no tenían nada de dónde tirar, no tenían estilos
anteriores que recuperar y ellos se basan y lo que pretenden representar es
su vida. ¿Y su vida qué es? Pues la sopa, lo que aparece en el que se
encuentran en el cubo de la basura por la calle, un pantalón, ¿no? Pues
lo que les define. Es la sociedad. A ver, ¿una hamburguesa? ¿No? ¿Hay
algo más americano que una hamburguesa? Difícilmente, ¿verdad?
Difícilmente. No sé si me explico. Es una... lo que representa el pop-up
es la vida y los objetos que identifican a la sociedad de masas y en
concreto a la sociedad americana. En una década en la que... En una
década en la que la hamburguesa, por ejemplo, no estaba tan extendida como
está ahora y ellos lo tenían como seña de identidad. Entonces, esos
objetos, las sopas Campbell, es cuando se empieza a enlatar comida, cuando
se empiezan a tomar alimentos de otra forma, alimentos precocinados e
incluso cocinaos, ¿no? Y que proceden de esa sociedad, básicamente, ¿no?
Y eso es por lo que ellos abogan algo caricaturescas. Son simples, pero no
tienen mucho que ver con la caricatura. O sea, te lo pueden parecer, pero
representan su vida. O sea, lo que les define. y además es a conciencia o
sea, en vez de representar lo desconocido, la materia el cuadro que está
sin terminar el gesto el cansancio el tal, lo que hace es decir, no mira,
no lo que hay en la calle, lo que hay en la vida y lo que a nosotros nos
define es esto, son las sopas los cómics los anuncios de televisión y en
un periódico te puedes encontrar ahora ya, sí también anuncios de todo
tipo, pues eso es lo que ellos representan, su vida cotidiana la vida
cotidiana, como digo, de una sociedad masiva el pop art es un movimiento
que tiene su origen y desarrollo en Inglaterra y sobre todo en Estados
Unidos era, perdón la incorporación de un mundo de, sí sí, bueno bien,
sí, pero más allá de la idea, o sea del tamaño, lo que se representa es
la idea, y es verdad que en el caso de la hamburguesa es una exageración
es decir, mira hasta mira lo que nosotros defendemos y lo que a nosotros
nos gusta y mira lo que es nuestra vida cotidiana más allá de sensaciones
de miedos, de gestos de materia y de lo que quiera que sea, o de chorros de
pintura no, mira esto y además eso, un tamaño familiar tamaño grande es
una respuesta a un a un cansancio a un estilo que nada tiene que ver con lo
figurativo entonces ellos se van al otro lado y dicen, no mira ni gesto ni
nada, lo que haya lo que tengamos en el día a día ¿me explico? es una
reacción y se va de lo invisible de lo subjetivo completamente al realismo
más eh común, ordinario en el sentido de cotidiano. Bien, era la
incorporación de un mundo de objetos que el consumo había introducido en
nuestro entorno, que eran del mundo cotidiano. La presencia de estos
objetos sacudía al espectador de su rutina y de Targo al ponerlo delante
de algo que aparecía con un sentido y un significado distinto al que se le
atribuía. Es decir, con el informalismo teníamos que estar haciendo
interpretaciones y cábalas de todo tipo para al final llegar a la
conclusión de que todo dependía o del azar o del estado de ánimo del
pintor o de los chorros de la pintura, simplificando. Y cansados de eso...
No, mira, vamos a optar por lo que nos rodea, por lo que tenemos en nuestra
vida. Claro, eso es. Es que es eso y no hay que darle más vueltas. Es al
otro extremo. Y además eso, a la sociedad de masas, que no sé lo que
define a la sociedad americana, que luego después también nosotros nos
hemos apuntado a ese carro, ¿no? Pero es lo más básico, lo más simple y
lo más cotidiano. ¿Botellas de Coca-Cola? Pues botellas de Coca-Cola,
¿no? Señas de identidad típicamente americano. El pop art utiliza
objetos e imágenes con los que el espectador estaba absolutamente
familiarizado. No eran ni rebuscados ni sofisticados. Era la más clara
reacción contra las formas refinadas pero acentuadas personalmente de ese
expresionismo abstracto. Para los artistas pop... Había que salir de ese
ensimismamiento interior. ¿No? de ahondar en el yo y mirar alrededor el
pop art dirige una mirada al exterior, a un entorno urbano, transformado
por la mecanización, el consumo y el desarrollo ¿lo vemos? ¿lo vemos
chicas? chicas, porque somos todas mujeres ¿eh? ¿a que sí? y es muy
simple es muy básico y muy simple, y muy fácil y además no se va a
confundir con ningún otro estilo y Stenstein había tenido una etapa
vinculada al expresionismo abstracto hasta 1960 cuando empieza a introducir
imágenes tomadas de cómic después empieza a utilizar imágenes
publicitarias que lo convertirían en uno de los artistas más
representativos del pop art, algunas de sus obras iniciales parten de la
manipulación y el empleo de formas publicitarias que luego abandonará por
la inspiración de imágenes de los cómics bueno, eleva a la categoría de
arte formas e imágenes que habían tenido un simple valor de consumo
cotidiano ¿eh? los objetos que uno compra y que además en aquel momento
eran de rabiosa actualidad del consumo básico que define a una sociedad en
un momento, es lo que eleva como obra de arte bueno, aquí tenemos una
inspirada en los cómics pues hace esta serie la obra maestra bien,
diferentes cómics Andy Warhol empezó como diseñador publicitario y a
través del pop art transmitía imágenes surgidas en el escenario de un
paisaje urbano, personajes famosos u objetos de consumo se convertirían en
temas de sus cuadros, pero al mismo tiempo los artistas contribuyen a crear
un arte que tendría una influencia importantísima en el diseño la moda,
los anuncios las artes gráficas y la publicidad es la sociedad de masas,
chicas Los objetos de consumo y las obras del popar se vienen inmersos en
un mismo proceso evolutivo. El popar no fue solo una tendencia que
valoraba, recopilaba y copiaba imágenes de otros medios, sino que creó un
lenguaje propio con una profunda repercusión que ha llegado hasta nuestros
días. El mundo de los objetos de nuestro entorno, que constituye la
temática del popar, es inagotable. Claro, cualquier tema de la vida
cotidiana, ¿no? Cualquiera puede valer, ¿no? Bueno, os suena, ¿no?
Personajes de la época, personajes de la vida cotidiana, de ahora, de
cuando quieran. Pero estamos en la década de los 60, pues alguien más
conocido que Merín, difícilmente, ¿verdad? Hamilton plasma toda la
iconografía de los objetos utilizados y revalorizados por el popar. Bueno,
dice, ¿qué es lo que hace que las casas sean tan diferentes, tan
atractivas? Pues aquí tenemos como un cuadro de género, pero de los
objetos cotidianos de la sociedad americana del momento. El gramófono, la
guitarra, el sofá, la mesa... Todo es un cuadro de género de la sociedad
de masas. ¿Lo veis? Es una imagen completamente costumbrista, sí, sí,
claro. Es que es muy fácil, mucho más sencillo de lo que nos imaginamos.
Es tal cual. Eso es. Esto se entiende muy bien, ¿verdad? Porque de puro
simple, ¿no? De puro básico... pues se aprende fácilmente y se
identifica, no se confunde con ningún otro, yo creo. Bien, vamos con la
nueva figuración. El popar irrumpe como una corriente renovadora en ese
anquilosado panorama dominado por el informalismo, se convierte en una
referencia y en una denuncia de ese anquilosamiento de la vanguardia, pero
el popar no llega a ser una tendencia exclusiva ni hegemónica capaz de
trasladar cualquier otro intento de renovación. Fue un fenómeno inglés y
norteamericano. En cambio, su proyección se deja sentir en un amplio
panorama de realizaciones de moda y de los objetos cotidianos. Como
respuesta a la crisis del informalismo surgen otras tendencias que indagan
en la figuración. La figuración se convierte para muchos artistas en una
tendencia a seguir. O sea que al informalismo se le responde con el popar y
con otra figuración, que ahora veremos qué características tiene. La
figuración entonces se convierte en una tendencia y era un planteamiento
ambiguo que dio lugar a distintos pronunciamientos. La figuración se
convierte en un planteamiento ambiguo que dio lugar a distintos
pronunciamientos. El impacto producido por el popar afecta sobre todo a la
valoración de lo figurativo y al desplazamiento de lo abstracto y abre las
puertas a nuevas tendencias que irrumpen ahora con vigencia inédita. Lo
que se hace es arrinconar a la abstracción. Perdón. Y tenemos... Vamos
por una parte el popar y ahora vamos a ver... Otras tendencias. Ante la
inclusión del popar se ha creado en Madrid el buco hondo cuyos vínculos
con el informalismo eran evidentes, pero también introducen referencias
figurativas que reafirman el valor concedido a la representación como
soporte de la pintura. Tenemos, por ejemplo, el abrazo de Juan Genovese con
un sentido expresionista, con un sentido quizá más de denuncia, más
crítico. La vida, las distintas etapas de la vida. Y a principios de los
60 se produce un clima ambiguo en esa indefinición. Sin que ninguna
tendencia lograra la hegemonía. Conviven, pero ninguna es superior a
ninguna. Se inicia entonces en España un panorama dispar de tendencias que
se convierte en algo habitual desde entonces. Conviven diferentes estilos,
diferentes tendencias. Se produce un desarrollo importante de la
neofiguración y de una figuración planteada desde distintos enfoques. Por
ejemplo, una más abstracta, más expresiva. Me gusta y te lo cuento.
Bueno, Julio Martín Caro. Expresividad, abstracción, sin más.
Composición. Esta es que se ve muy poco, pero es una composición
figurativa. Fijaos. Más próxima al cubismo, ¿verdad? Con una disolución
a medias de la caja espacial. Una esquematización, ¿verdad? Conviven
diferentes estilos. Bien, a lo largo de la historia, a lo largo del siglo
XX naturalmente, es frecuente encontrar artistas que pasan a la
abstracción y otros como Klee que se mantienen entre las dos orillas. Con
este agotamiento del informalismo se pasa de la abstracción a la
figuración, una vez más. Y cuando desaparece ese informalismo se produce
una conversión hacia la neofiguración. Porque lo que verdaderamente se
convierte en lo común, en lo que les define a todos, es... Es la nueva
figuración. La vuelta a la figuración tiene en Londres y en la Escuela de
Londres los principales representantes. Y lo que les define es el interés
por la figura humana. Pero es una figura humana básicamente basada en el
retrato y en el paisaje, que era muy propio del arte inglés. Pero desde...
De una óptica nueva. La Escuela de Londres define a unos artistas con
diferentes tendencias, con una vida muy bohemia y que se relacionaban en el
sojo y que tienen... Y que lo que vienen a desarrollar, a denunciar es la
soledad del ser humano, ¿no? Bacon es el padre de la Escuela de Londres,
tiene un primer momento surrealista y con influencia de Picasso. Y estos
tres estudios para una crucifixión, fijaos. Lo que viene a representar, a
reflejar Bacon es... Después de la Segunda Guerra Mundial, Europa queda
maltrecha. Y Inglaterra la que menos, porque era una isla y no se vio tan
afectada, pero maltrecha en definitiva. Y lo que pretende denunciar, lo que
pretende representar es el hombre anónimo, aislado, reflejo de la soledad
y con esa angustia. Muy cercano a lo que fue el expresionismo y muy cercano
a lo que representó Munch. Desde entonces no vamos a encontrar ese estilo
tan angustioso y esa plasmación de la soledad como se representa en
aquella época. En su obra se encuentran reproducciones de Grunewald, de
Rembrandt y de Ingres que sirven de publicaciones que daban noticias. Desde
1949 empieza a hacer experiencias con el retrato de Inocencio X de
Velázquez del que hace más de 40 versiones. También se interesa por la
obra de Van Gogh. Fíjate, estudio de composiciones de la obra de Van Gogh
que él va haciendo. Va casi disolviendo las formas. Va como reduciéndolo
a lo más esquemático y dando lugar a una expresividad. Fíjate, este es
el cuadro que pinta Velázquez, el cuadro de Inocencio X. Fíjate a lo que
lo reduce. Una forma prácticamente disuelta pero con una expresividad y un
dramatismo y una sensación de intranquilidad palpable, clara. Desde el
grito de Munch no se habría expresado la sensación de soledad y de
angustia que asola al movimiento y lo transforma hasta someterlo a un
proceso... parecido a lo que hace Kafka. O sea, es quizá el que mejor
representa después de aquel momento la angustia y la soledad y el
dramatismo que vive Europa en aquella época. Pese al desarrollo de sus
contenidos, la pintura de Bacon no tiene dimensión literaria. Supo
traducirlos a un lenguaje figurativo que revolucionaba las formas
preexistentes de la representación. El inquieto y palpitante desequilibrio
tridimensional de los escenarios forma imágenes con una inquietante
plasticidad. O sea, lo que hace es, con una pintura expresiva, es casi
romper la figura. Es como si la vaciara de contenido y solamente trazara
líneas de expresión. Es como si desapareciera. Es como si desapareciera
la corporeidad. Si algo caracteriza a esta escuela es dar voz a una
sociedad salida de la guerra, en reconstrucción, en la que pesaba el
recuerdo del holocausto, Hiroshima, Nagasaki, que proyectan sobre estos
artistas la aspiración de realizar un arte que reflejara la angustia y la
soledad del hombre. Es el contexto en el que surge lo que... ...que le
lleva a este tipo de representaciones. Y se vale de un dibujo que lo que
hace es transformar, sobre todo obras del pasado y las carga de...
...vacía de tridimensionalidad y las llena de... las dota de dramatismo y
de expresividad. No sé si me explico. Escenas, cuadros tridimensionales,
cuadros de la arquitectura, de la pintura tradicional, los rellena y los
sustituye por un dibujo transformado y transformador. ¿Lo vemos? Bueno,
mujer tumbada, pues es una mujer tumbada, es más bien una mujer tumbada
pero ni posando ni con un… eso es, le da otro significado. Y cuando hace
imágenes de nuevo puño, pues son imágenes completamente vencidas, como
si no pudieran. Bacon fue un pintor a la antigua y clásico en la factura,
a la hora de representarlo. Su pincelada es ligera y va difuminando las
imágenes hasta casi disolverlas, pero en todas sus obras aparece el
detalle cruento, el reflejo de la violencia y la desesperación. La
figuración de Bacon desarrolla angustia desgarrada que envuelve al
individuo en la sociedad contemporánea. Encerrados entre paredes, se
mueven apresionados en un ambiente de incertidumbre, con angustia. Es un
testimonio agónico de la soledad. Un estudio de autorretrato, bueno, pues
eso. Vamos a ver a Freud, que era nieto de Sigmund. Es un maestro de
pintores, configura un estilo que desde el surrealismo de la primera época
le lleva a una resolución, en la que el empaste sustituye a las formas
pulidas de sus comienzos. Es decir, utiliza el pincel cargado de pintura,
en vez de ser una pintura dibujística. que el pincel se escurre, ahora lo
que hace es empastar, utilizar gran cantidad de pintura. Su taller es a la
antigua, realiza numerosos retratos ambientados en un espacio opresivo y
sórdido. El modelo es un puro objeto que se representa de manera
desapasionada. Le interesa el arte antiguo, Courbet, Bator, Rembrandt,
Rubens, grandes de los clásicos. Este es el taller del pintor. El retrato
nocturno, una figura abandonada. Kitá es el inventor del término de la
Escuela del Hombre, se relaciona con Bacon y con todos los demás miembros.
Vieja España, se interesa por la guerra civil, estuvo en Guernica viendo
el lugar que refleja el cuadro, el bombardeo, sus primeras obras deben
mucho al colapso realista y a sus contactos con el popar y proceden de las
nuevas técnicas seriadas de representación, siempre con un sentido
alegórico y de crítica a la deshumanización. Y los retratos representan
las imágenes de sus amigos contemporáneos. La boda, bueno, pues es una
representación abigarrada. Esta escuela, la que estamos hablando, formada
por artistas diversos, encarna a la figura del artista fuera del sistema
que rechazan la utilización de la imagen mecanizada, es decir, es todo lo
contrario de la sociedad de masas. Y se centra en una elaboración manual y
en la experimentación personal. No en la representación de imágenes
cotidianas, de dibujos de cómics, de anuncios. Su postura fue la de
crítica a la sociedad, salida de la Guerra Fría y a la deshumanización
del arte. En la muestra del eclesticismo imperante, desde la crisis de las
vanguardias. Fueron respetuosos con la tradición, intemporales,
individualistas, sórdidos en representaciones sin dejar de ser
británicos. Es la pintura en el momento quizá de más crisis que vio
Europa una vez acabada la guerra. La subvención. La Segunda Guerra
Mundial, la Guerra Fría, Europa Partida. Ese es el sentir que ellos
quieren, que ellos representan. El final de la hegemonía europea. Coincide
también con el existencialismo, con la época de Sartre, con ese sentido
de vomitar casi el dolor, de náusea. Lo más parecido. Lo más parecido a
este tipo de representaciones. O sea, cuando alguien es más parecido a un
vómito. Bien, en fin. Vamos a ver las tendencias neoconstructivistas. La
misma crisis del informalismo produce otras controversias distintas a la
vigencia de la abstracción o la figuración. Lo que también planteó fue
la necesidad de crear una opción dentro de la abstracción. Es decir,
bueno. No vamos a arrinconarla definitivamente. Vamos a darle una vuelta a
lo que había y vamos a ver hacia dónde podemos derivar este estilo. Se
produce, ya sabemos, un agotamiento de la expresión absoluta y se
convierte en un juego esteticista que había perdido todo significado,
¿no? Y entonces, esta abstracción constructiva había ocupado un segundo
plano en la vanguardia y ahora se considera y se revitaliza esa
construcción. Entonces, se basa, y lo que recuperan es un arte
geométrico, es decir, no figurativo, con unos planteamientos basados en la
dinámica y en el movimiento óptico formado por sus combinaciones. Y
entonces, las tendencias neoconstructivistas, cuando tenga bien, no lo
dejará ver, es lo que se llama el arte cinético, que parte de la
experimentación de los efectos del movimiento y del dinamismo del
movimiento. Tiene gran amplitud de desarrollos y este estilo se llama
Optical Art, es una propuesta que tiene una gran representación en el
diseño, la moda y la publicidad. Era un arte que atraía al espectador y
tiene que ver, fijaos, el Optical Art tiene que ver con un movimiento,
vibrante, irrepetitivo de formas, parecido al… está regido por leyes de
óptica y crea lo que se llama el efecto moiré, como la tela esa que
parece que hace ondulaciones, fijaos cómo se nos representan movimientos.
Entonces, es abstracto verdaderamente, pero en lugar de acabar y de
destruir lo no figurativo… Lo que se hace es adaptarlo a las leyes de la
óptica y se desarrolla el optical art, que es una tendencia
neoconstructiva. Bien, vamos, no sé por qué va tan lento esto hoy, vamos,
voy a estar conectado, bueno. Bueno, la obra de Vasilelli tiene gran
proyección en la creación de un grupo que se forma en París en los años
60 y que lo que pretende el grupo es renunciar al individualismo del arte
informal, crear un arte con una proyección social multiplicable y que se
pudiera aplicar en otros campos, y los principios básicos por los cuales
se rige en él, optical art, es liberar al pueblo de las inhibiciones. Y de
las deformaciones de apreciaciones producidas por el esteticismo
tradicional. Es decir, introducir el movimiento, el arte cinético, la
movilidad, la fuerza, el movimiento cinético en el arte. Es decir,
proyectar lo multiplicable, aquello que se puede, que genera un movimiento,
una tensión y que se puede aplicar a otros artes. Liberar al público del
estatismo, de la estética tradicional. Y optar por una abstracción casi
móvil, casi en movimiento. Círculo en torsión, pues es un círculo que
está moviéndose y se ha deformado. Ahora lo que se opta es por un estilo
en movimiento. En España, de forma paralela al informalismo, tiene lugar
la actividad de artistas importantes adscritos a la abstracción
geométrica. O sea, lo que hacen es reducir lo figurativo a una
geometrización con ciertos componentes de abstracción. Exacto, porque no
refleja ninguna realidad comprensible para el ser humano, sino que es una
representación no figurativa, pero con elementos que sí que podemos
reconocer. Este es el grupo que defiende esto, es el equipo 57, que lo crea
Jorge Oteiza en París. Y sus planteamientos. Parten de un ataque al
subjetivismo informalista y lo que se pretende hacer es un arte con
proyección social aplicando sus diseños a objetos cotidianos y pinturas
realizadas en equipo. Es decir, obras ancladas o integradas en la
abstracción geométrica, pero con una oferta. Una formación racionalista
y colectiva. Y ahora, veremos. Cuando quiera lo vemos, porque lo que se
hace entonces es transformar el informalismo, este todavía es
absolutamente abstracto, pero, a ver, lo que se hace es trasladar el
informalismo, porque son figuras que nos reconocemos, a un espacio común,
a un espacio visible para todos y insertado, enmarcado o colocado en
espacios comunes, trasladarlo a la vida cotidiana, insertarlo en el mundo
en el cual la gente convive, sacarlo del soporte del cuadro, sacarlo de esa
expresión plana y llevarlo a la vida cotidiana. Eso es lo que se hace. Es
un movimiento abstracto, pero colocado en espacios, en contacto con el
hombre. No sé si me explico. Bien, además de este grupo, la abstracción
geométrica fue una tendencia relevante en el panorama de la vanguardia a
través de obras de artistas como Pablo Palazuelo y Eduardo Sempere. Pablo
Palazuelo. Construye sus obras de arte con combinaciones de formas
sometidas a un proceso rigurosísimo de proporción, es decir, el cuadro es
una unidad formal en el que cada elemento forma parte inseparable del
conjunto rigurosísimo de proporción. Es decir, el cuadro es una unidad
formal en el que cada elemento forma parte inseparable del conjunto y de
los planos de color. Nada es independiente y las diferentes partes del
cuadro están superitadas al conjunto. Pasa igual que trasladando. Fijaos,
está compartimentado pero formando parte de... De una unidad, de una
entidad mayor. Parecido a lo que pasaba en el barroco. Todas las partes son
importantes pero per se, cada una por sí misma, no es nada. Entonces, es
una abstracción no figurativa pero que ancla, o sea, que conforma al
cuadro. Que hace que todas las partes formen parte de él, dependan de esa
unidad mayor. No sé si me explico. Esto es una escultura. Fijaos, son
diferentes planos, diferentes partes abstractas pero no son independientes
ninguna de ellas. No podríamos separar ninguna de ellas porque forman
parte de una entidad mayor que lo conforma. Y lo define. Semper, en cambio,
lo que hace es recoger la influencia del arte óptico. ¿Eh? Hace bases,
cuadros de líneas rectas influidos por el optical art. Ese entramado y esa
repetición de elementos, de movimiento cinético. Esto es una escultura
móvil que está en el Paseo de la Castellana, en los bajos de Juan Bravo,
no sé si lo habéis visto. Pues es una repetición, una geometrización de
una representación formando parte también de una entidad mayor. En
escultura se opta por una opción constructiva frente a esa vorágine que
había desarrollado el informalismo. Martín Chirino, que formaba parte del
paso. Desarrolla una obra escultórica con muchísima expresión, dando
lugar y haciendo guiños a lo orgánico. A esas formas orgánicas y
neoconstructivas, y neoplásticas. Lo vemos, esas formas redondeadas del
neoplasticismo. Y oteiza, crea espacios cerrados. Fijaos. Una composición
vacía, pero que viene delimitada y conformada por los diferentes planos
que forman la obra. Vacía porque no tiene forma, o sea, no tiene una forma
reconocible. En ese sentido es vacía, pero sus diferentes partes... Forman
una entidad, una unidad a las cuales están superitadas. No sé si me
explico, porque es que son vueltas de tuerca sobre una misma idea y es un
ejemplo y otro ejemplo y otro más. Bien, chillida parte de un concepto
orgánico en el que las formas abstractas representan ese latido. Es como
si tuvieran vida, son formas abstractas pero como si verdaderamente
tuvieran forma o tuvieran incluso dinamismo. Es como si hubiera esa
tensión vital cercana al ser humano. Alfaro concibe la escultura como un
objeto puro, con un dibujo espacial dinámico y fíjate, dinámico y con
esa corporeidad que da lo abstracto. Son figuras abstractas pero con un
sentido corpóreo, con un sentido orgánico. Y nos vamos a los nuevos
realismos. Y cómo a partir de la irrupción del popar y del apotamiento
del informalismo, da lugar a la nueva figuración y a la abstracción.
Geométrica. Surge una tercera alternativa que parte del hecho de que el
informalismo había perdido su rebeldía y sus contenidos y son los nuevos
realismos, en la que se plasma explícitamente unos planteamientos
críticos. En España, la situación política determina que la crítica a
esta ausencia de contenidos se acentuara y que muchos artistas que habían
sido informalistas pasaran ahora a realizar pintura crítica. Es decir, se
pasa a lo figurativo. Canogar abandona la abstracción de los años 60 para
hacer obras críticas contra la opresión y la violencia. Genovés realiza
una crónica... ...de las tensiones del momento con unos cuadros poblados
de personas corriendo con un espacio de represión y de violencia. Vamos a
ir viendo alguno. Este es el paso. Es un cuadro sin color, en blanco y
negro, ¿verdad? Pero con tensión, con dramatismo. También hay que tener
en cuenta las circunstancias que a nosotros nos tocaba vivir, ¿no? El
preso es una figura en la que se denuncia... ...la situación de opresión
y de falta de libertad que se vivía. Otros pronunciamientos fue el que
desarrolla Eduardo Arroyo y el equipo crónica. Trabaja utilizando
imágenes superpuestas, compuestas por elementos conocidos. Otras veces
utiliza Velázquez y Agoya. Y lo que defiende es un rechazo... ...de la
abstracción y lo que pretende recuperar son las enormes posibilidades de
la representación. Y lo que ellos defienden es que la figuración es
heterogénea y dispara. Es decir, no hay que centrarse en lo abstracto. La
figuración da un margen de posibilidades tremendo. Y aquí, fijaos,
tenemos una representación del Guernica, pero de un Guernica casi con
vida, del cual parece que se han caído determinados personajes y el señor
con la lámpara del Guernica se adelanta. O sea, es una vuelta de tuerca
sobre una pintura figurativa, sobre una pintura, poniéndolas en
movimiento, hace versiones, podríamos decir, ¿no?, de determinadas obras
de arte. Dice, me fui de España por aburrimiento. Bueno, pues es un señor
que aparece estampado contra el suelo, pues a interpretar, ¿verdad? Los
chinos, pues fijaos, son imágenes... Es como si estuvieran entre rejas,
¿verdad? Son pinturas figurativas, pero con unas posibilidades, con unas
interpretaciones amplias. La oración, pues... Eso es, pintura... El arte
extremeño, Juan Barjola. Pues, influencia del cubismo también, son
interpretaciones y variaciones de estilos que ya habíamos visto. Porque lo
que defienden es seguir utilizando el arte figurativo y hacer versiones, en
muchos casos, de obras conocidas. Y luego tenemos un grupo de los realistas
de Madrid, con Antonio López, que seguramente que todos lo conocéis, Luis
López Hernández... ... Digo, Luis Julio y Francisco, María Moreno, que
murió hace un par de años o tres, porque el tiempo pasa tan deprisa, que
era la mujer de Antonio López, Isabel Quintanilla, Esperanza Parada y
Amalia Abia, que era la mujer de Lucio Muñoz, que era uno de los
abstractos de la generación de los 50. El que decía que sus obras eran
cuadros detenidos. ¿Os acordáis que había que esperar el paso del
tiempo? ¿Os acordáis del día anterior? Que vienen a plantear que el
realismo es una tendencia vigente y que aguantaba esa comparación
perfectamente con el arte abstracto. O sea, que es otra alternativa. La
fresquera de Antonio López. Pues eso, los cuadros de Antonio López son
perfectamente reconocibles. Entre un neorealismo claro y que perfectamente
esto compite y es igual de válido. Que lo no figurativo. Y lo mismo de
moderno. Es otra apuesta por la representación artística. Vamos, no sé
qué le pasa. Elena, esto es completamente figurativo. Belén Moneo son
esculturas. Igual, esculturas figurativas completamente actuales. Gran
Vía, María Moreno, que era la mujer de Antonio López. Como digo, que ha
muerto hace, no sé, un par de años, tres, hace poco. Representaciones
completamente figurativas. El vaso, ¡guau! Increíble las calidades, ¿eh?
Increíble. ¡Guau! Expansión. ¡Gracias! Bueno, pues es un paisaje 3D. La
tienda de máquinas de Amalia Avia. Amalia Avia hacía un montón,
muchísimas representaciones de este tipo. Ahora están haciendo sus hijos,
no sé si lo habéis oído en algún periódico, incluso el otro ya lo
anunciaban por la tele, que están intentando recuperar, ponerse en
contacto con personas que tengan obras de Amalia Avia para hacer una
exposición de ella. Porque verdaderamente tiene una producción
increíble. Y las representaciones de fachadas con elementos típicos de
aquella época, la verdad es que lo bordaba. La labor de estos realistas ha
continuado hasta nuestros días y en cambio las tendencias críticas
desaparecen a finales de los años 70. Es decir, cuando la dictadura acaba,
ese movimiento de... Ese movimiento crítico y de denuncia y de angustia y
de desasosiego desaparece cuando hubo normalidad política. Y entonces el
arte se orienta hacia una concepción más estética y desentendida de ese
compromiso. Con anterioridad ya se había ido gestando el grupo Nueva
Generación, que se crea en 1967 por Antonio Aguirre, con una vida muy
corta. Y que lo que plantea era el diálogo entre corrientes que se habían
enfrentado anteriormente y que lo único que pretenden es... Lo único que
les une es un planteamiento plástico, alejados de la discusión arte
abstracto sí, pintura figurativa no, o al revés. Pretende el
hermanamiento y el encuentro De esas dos tendencias que parecían que
tenía que ser una o la otra, ¿no? Y de este grupo, del grupo nueva
generación, salen algunas de estas opciones posteriores a lo que es el
arte actual, el arte posterior a este momento. Y Malaya, bueno, pues es
figuración y con una formación completamente difusa. Y, fijaos, la puerta
roja, la influencia del art, ¿verdad? Ese movimiento abstracto con ese
dinamismo, con las leyes de la óptica, aplicándole planteamientos
pictóricos exclusivamente. Y aquí, una vez más, ese dinamismo y ese
abocetamiento de las figuras, ¿no? En el que conviven una escultura de
bulto redondo con un tratamiento casi casi abocetado. O sea, que al final
lo que nos viene a decir vuestro libro es que una vez que se supera el
periodo de denuncia... ...y de malestar político que había, lo que se
intenta es llegar a un punto de encuentro entre los diferentes estilos,
¿no? Y entre los estilos anteriores que lo que planteaban era una
situación excluyente o abstracto o figurativo. Y era una reacción de unos
frente a otros. Y lo que se defiende es quizá ese hermanamiento y ese...
...buscar un... ...un punto de encuentro que era... un planteamiento
estético en definitiva era lo que ellos tenían que buscar juntos que era
lo que les unía, que eran artistas y que tenían que plasmar lo que
querían pero no de espaldas sino de la mano eso habría que recuperarlo
también en muchos órdenes de la vida el hermanamiento de lo distinto
aunque los pensamientos sean distintos pero buscar ese hermanamiento como
vemos