Voy a cerrar esto para que no interfiera nada, vale, pues buenas noches a
todos, empiezo a compartir pantalla, espero que no dure mucho el bucle, y
salto, ah, vale, está bien, vale, yo creo que me siento bien cómodo con
esto de los dos, y vamos a ir aquí, no olvidé imperdonablemente del
subtítulo y lo pondré, digamos, reflejado un poquito en el aula, en el
foro de la asignatura, al poner el epígrafe aquí al tema 3.2 del teatro
donacentista, algo que me agrada bastante porque ya nos vamos metiendo un
poco en faena, vale, en faena y un poquito el germen, el germen del teatro
en Inglaterra, pero ahora vamos a entrar ya un poquito en lo que yo podría
denominar un Shakespeare begins, ¿no? El previo Shakespeare, para que
entiendan un poquito ya el teatro Isabelín, ¿vale? O cuando el teatro en
Inglaterra alcanza su máximo esplendor, yo creo que ese máximo esplendor
se debe a los cimientos teatrales. Que se plantaron antes. Ya vimos la
semana pasada los Mystery Plays, los Morality Plays y los Interludes, y en
los Interludes nos quedamos como en una especie de transición a lo que
vamos a ver a continuación. Yo seleccioné simplemente fragmentos de
Spanish Tragedy, de Thomas Kidd, que... José Miguel, guiño guiño el año
pasado cayó en la PEC de hecho les puse una edición que hice en el
powerpoint de hoy es que les incluí el fragmento que cayó en la PEC el
año pasado, ya notarán cuál es, porque lo dividí en dos slides y me voy
a centrar más en The Spanish Tragedy de Thomas Kidd y voy a saltar a
Marlow es por cuestiones de tiempo de todas maneras si necesitan ver algo
de Marlow del Tambor Lane no tienen más que preguntarlo lo edité, el base
que tenía pero no quité la fecha entramos ya en la cuestión del teatro
isabelino Elizabethan en inglés ¿por qué Elizabethan? porque entra
dentro del reinado de Isabel I el teatro isabelino acabando el siglo
digamos finales del siglo XVI principios del siglo XVII aquí ya su hermano
Edward VI termina el reinado un reinado bastante breve de transición entre
Enrique VIII no, Edward VI que va después entre el 53 y el 58 y ya el
primero entra como reina en 1558 y es un reinado bastante grande unos 45
años Mary, Mary I Mary I todavía queda más falante Edward Edward es el
anterior ah y sabe el primero entra el reinado digamos uno de los más
prósperos yo creo que es fundamental para entenderla el cambio de
paradigma ni nada ya lo estudió avante y al primero yo creo que a mary y
yo me lío con esto siempre es edward mary y sal primera así que right y
lo que interesa aquí es quizá el primero quizás propone un cambio de
paradigma bastante enraizado para entender la evolución de inglaterra como
nación ya hemos dejado atrás la digamos esa reivindicación del
nacionalismo inglés o de la fundación de inglaterra como nación para
despojarse un poquito de lo que se vio con la época normanda y ya entramos
ya a digamos a los cimientos no los cimientos sino cómo se florece
inglaterra como nación vale quizá el primero yo creo que es clave para
entender en esto y dentro de esa digamos de su florecimiento de inglaterra
como nación entra las manifestaciones culturales generalmente según lo
que ven en el libro de textos se conoce como teatro renacentista que está
como a uno le resulta una especie de anacronismo porque el renacimiento
tiene lugar antes el renacimiento en inglaterra entra dentro en esta época
vale sobre todo porque aquí es cuando empieza a ver esa influencia del
continente una influencia más digamos más determinante del sobre todo de
italia el renacimiento italiano en inglaterra en la segunda mitad del siglo
16 es importante para entender el cambio de lo que vimos antes de los
inicios del teatro medieval al cambio al teatro renacentista o isabelina
pues ya Primer cambio fundamental es que los actores no son, digamos,
itinerantes, no se les paga mal, no van en carracas, así no, nada de
carretas de pueblo en pueblo, de zona de cada pueblo en zona, sino que
tienen un lugar donde actúan, se les reconoce como profesionales, se les
paga como profesionales y, digamos, eso ayuda a cimentar mejor el teatro
como disciplina. Estos actores profesionales empiezan en el origen de las
compañías teatrales, que generalmente se benefician de benefactores o
mecenas con poderes económicos para, digamos, para producir obras. Aquí.
Y hay que entender un primer punto, un punto fundamental que es, pasa, el
mecenazgo siempre pasa como con un leve toque de censura, ¿vale? Quien
paga, quien produce, eso se ve a día de hoy también en las producciones
cinematográficas, quien produce cualquier película tiene la potestad de
decidir qué acaba siendo la película, a no ser que, bueno, sea producida
por el mismo director o se le dé libertad creativa. Esto que se llama eso
de diferencias creativas, se acabó el proyecto por diferencias creativas.
Pues en este caso, las diferencias creativas pueden surgir, se tienen que
entender entre los benefactores y las compañías teatrales. Muy rara vez
se daba, pero cuando se daba, se daba bastante de manera, bastante
pronunciada. Aquí hay algunos de los nombres, para que entiendan el punto
de partida de las compañías teatrales, algunos de los nombres de
Queensland, de Lowe's Chamberlain, de Lowe's Chamberlain, y de Lowe's
Chamberlain, y de Lowe's Chamberlain. digamos al epíteto de el mecenas que
contribuía con la compañía de queens men es que la reina daba dinero a
una compañía de los chamberlain diarios alguna duda hasta aquí
conocimiento hoy estoy con los cimientos bastante y me parece que vale
bueno pues pasamos vale otro punto fundamental aquí ya vimos donde se
daban las representaciones teatrales vimos los places capos vimos los
huecos los pechos y las carretas pero aquí ya no se hace ignorante sino
que se constituye el teatro como un tema ahora les voy a poner una pequeño
mapita voy a explicar un poquito de cómo se distribuía un teatro con
alguna historia interesante que otra en los más importantes de la época
de globo claramente y de bose y las compañías que actuaban cada uno de
ellos de globo ambos teatros aguantó vamos a entender bien esto aguantan
el día de hoy de globo sufrió un incendio principios de no finales del
siglo 16 sufrió un incendio y se tuvo que reconstruir hoy hoy en día de
globo por digamos por mantener un poco de tradición teatral de ahora
veremos una imagen bastante interesante de eso el globo sigue estando
remodelado y se hacen muchas representaciones sobre todo el arroyo al sexo
company porque es donde shakespeare produjo y representó la mayoría de
sus obras de rose también se le conoce por haber tenido alguna algunos
desperfectos de hecho se quedó olvidado durante durante mucho tiempo y se
reflotó creo que es lo 17 18 ahora veremos por qué porque a mí me
interesa muchísimo este punto el teatro isabelino voy a volver atrás a
esto 1603 se conoce el periodo del teatro isabelino de isabel y no como el
periodo esplendor cuando ya elizabeth the first muere mientras james the
first y empieza al teatro jacobino hay un cambio de los jugadores de los
estudios a los recuerdos con los words james the first of scotland and the
west los estuartos entran y ese periodo esplendor empieza a interrumpir
gradualmente por la entrada de los estuartos que empiezan a causar como una
serie de problemas o sismas sociales que alcanzan su estima en el señor
mediados del siglo 17 oliver cromwell ok hay ciertas ciertas problemas con
la familia de los estuartos james los que los sucesores de james the first
pueden acrecentar digamos el dominio absolutista de la monarquía va
causando muchas tensiones entre muchos sectores sociales y sobre todo
poderes religiosos y la monarquía aquí oliver cromwell como líder de los
puritanos es la cabeza visible de todas esas tensiones a lo que quiero
hacerles entender con esta figura que es la única figura fuera de la
monarquía que ha gobernado inglaterra que ha sido cabeza de estado de
hecho en el periodo del reinado de vamos a llamarlo reinado oliver cromwell
que fue los protectores of england así como se autodenominó los
protectores of england frotland and ireland entre 1653 y 1658 este periodo
este periodo es el único que ha habido en inglaterra sin monarquía lo que
quiero que entiendan de esto es que los puritanos cuya cabeza visible era
cromwell no a los puritanos no les hacía mucha gracia al teatro porque
pues porque daban un poquito de mala imagen o malos ejemplos a los
ciudadanos y digamos lo que nos desviaban de los ideales de fe que
proponían los puritanos los puritanos como bien saben acabaron exiliados a
un maravilloso lugar que hoy conocemos como united states internet la
mayoría de puritanos y ese si entienden esa semillita de cómo acabaron
exiliados allí vemos como hoy eeuu tiene todavía unas unas raíces
profundamente puritana sobre todo a nivel cultural y aquí esta idea de
prohibir el teatro llegó a cierto punto de que primero que no les gustaba
de hecho se hicieron famosos por repartir para aspectos a la salida de los
teatros y estar siempre habían sectores de estos típicos de a ver a
puritanos por fuera de los teatros denunciando y protestando ante las
representaciones que se hacían y sobre todo los modelos que se daban en
cada uno de los teatros los ataques a teatros y los y se quemaron muchos de
ellos como bien apunta Mary porque había una cierta hostilidad sobre todo
por ese componente de ya veremos yo creo que no sé si Shakespeare pero sí
lo que le vino después Shakespeare si plantó muchas muchas semillitas por
eso por sobre todo la crítica social y política y como desvió la idea de
proponer ejemplos distintos a la fe a los ideales de fe de los puritanos
esto provoca que entre 1642 y 1660 no haya teatro no se hagan
representaciones teatrales en Inglaterra primero por la guerra civil que
hubo entre los leales a la corona y los puritanos y segundo por la entrada
de este señor como Lord Protector de Inglaterra claro aquí 18 años son
muchos años este periodo de tiempo provoca que el interés por el por la
representación teatral se enfría lo suficiente como para que cuando
vuelva a partir de este momento se conoce como el restauration el teatro de
la restauración fíjense si el nombre es bastante declarativo cuando
vuelvo al teatro pues ya los temas los intereses los las estructuras los
personajes no se vean tan frescos como antes Le pierde como vigencia, le
cuesta mucho volver al lugar donde estaba. De hecho, muchos críticos
comentan que este sisma de 18 años ha provocado que el teatro inglés
nunca haya recuperado ese esplendor. Muchas de las ideas sobre esto podemos
entenderlas cuando hoy en día todavía se sigue representando muchas obras
de teatro isabelino en teatros de toda Inglaterra, sobre todo Shakespeare.
El teatro contemporáneo sí tiene vigencia, pero no tanto. Quizás a
principios del siglo XX empieza a tener un poquito de vigencia otra vez.
Bueno, este es el Elizabethan Stage. Y yo quiero... Yo quiero que
entiendan, sobre todo porque a mí me parece muy interesante entender el
escenario, el teatro como templo físico, la infraestructura, a la hora de
leer una obra. Ahora veremos un punto de por qué, para analizar todo esto.
Ven que él generalmente tenía como una construcción hexagonal o en
círculo. Solo había The Swan, creo que era el único teatro cuadrado que
había. Pero en todos tenían la misma estructura interna.
Independientemente de cómo se construyeran los... las fachadas, ¿vale?
Los elementos externos. El escenario principal con un upper stage. Main
stage, upper stage. El pit, donde se colocaba al público. El trapdoor, la
puerta de entrada de los personajes. El, digamos, el lugar, el Discovery
Space era el lugar donde se daba casi toda la representación. Cuando?
Cuando los actores se adelantaban a lo que se conoce en términos teatrales
como el proscenio. Es para implicar una ruptura entre el fondo y la parte
delantera. Esa ruptura se daba por lo que nosotros conocemos como aparte o
asides. Escribo por aquí el término, ¿vale? Ya verán ahora, después de
descomponerles esta estructura arquitectónica, para qué cada uno de estos
puntos del edificio. Las galerías donde se colocaba el público, el hub
quizás para guardar vestuarios junto al wardrobe and storage y los cuartos
de descanso antes de entrada, ¿vale? Lo primero, quizás empiece por
aquí, el Hierarchical and Social Division. Se ve en cómo se distribuía
el público entre zonas más altas de la gallery a las zonas más bajas.
Las zonas más bajas y el pit era para gente de clase baja. Las zonas más
altas, palcos, son gente de clase alta. Una película en la que se retrata
esto maravillosamente, y ya no me meto con la calidad de la película, yo
les confieso, por favor, guárdenmelo aquí. A mí no me gusta mucho. Pero
Shakespeare in Love, en Shakespeare in Love se ve esto bastante bien.
Bastante bien. En ese punto fueron, yo creo que históricamente bastante...
Hicieron una investigación bastante... Detallada. Del main stage, ven
que... Primera pregunta, ¿ven algún aspecto de atrezo? Stage props. Esto
es lo que se entiende como atrezo. ¿Ven algún punto de atrezo, alguna
decoración? Este mapa era un 100%, casi todos los teatros permanecían
así. No se tocaba prácticamente nada independientemente de lo que se
representara. ¿Ven algún tipo de atrezo, escenografía? No hay nada.
¿Cómo creen que se suplía eso? Digamos, piensen en un Romeo and Juliet,
un Hamlet. En Hamlet tienes que pensar en Denmark. No solo con los
disfraces, Javier. Más allá que con el coro. Ustedes se han planteado
alguna vez, y por eso me detengo en explicar cómo se distribuía el
edificio del teatro. Se han parado a preguntar, uno, ¿por qué las obras
isabelinas, cualquier Shakespeare, de Spanish Fragile, son tan largas? Se
han parado a preguntarse alguna vez por qué muchos de los personajes se
pegan unos monólogos enormes donde van describiendo absolutamente todo.
Por allá vienen a lo lejos unos barcos. Es raro ver eso en el teatro
isabelino. Generalmente la clave es esto. Yo suplo con el lenguaje. Lo que
no se ve físicamente. Le pido al público que haga un esfuerzo de
imaginación. Los guío. Por allá se ven unos barcos y los barcos no
tienen por qué aparecer. Yo, con el lenguaje, voy guiando al público por
la acción. ¿Vale? Ajá, apelar a la imaginación del público. ¿Qué
implica eso? Pues que muchas veces lo que puede ser una obra corta. Y yo
creo que hace tiempo vi un paper sobre cómo se han reducido la extensión
de las obras de teatro de los cinco actos. ¿Qué implica eso? a los dos
tres muchas veces de las obras actuales generalmente porque lo que se hace
ahora con escenografía con acotaciones de escenas que hacía antes con el
lenguaje ahí no les extraña ver un parlamento en el que un actor explica
absolutamente cada detalle de una escenografía que no está por eso suelen
ser tan largas que le hace esa pequeña concesión al teatro de la época
esa descripción de elementos que no están que el público se tienen que
imaginar aquí el upper stage para qué creen que servía la prensa y miren
sobre todo por los balcones para que los faltos ajá romero julieta lo
primero que le viene a la cabeza para escenas de balcón sobre todo aquí
vemos una manera de ganar no sólo vida y no son las actuaciones
específicas sino que muchas veces entiendo esto que les dije antes del
disco baby space la diferencia entre el discovery space y el main stage o
el próximo aquí es para ganar profundidad al upper stage y el main stage
en altura entonces aquí generalmente las escenas de castillo lo las muchas
veces los actores se colocaban aquí para simular efectos de lejanía,
gritar desde aquí en el balcón cerrado que iban llegando las tropas o
algo así, ¿vale? Se ganaba altura. Estas escenas de balcones, de
castillos, todo se utilizaba la upper stage. La diferencia... no solo de
altura sino de profundidad el discovery space tenían aquí digamos en esta
parte de aquí la acción principal y en el proscenio es lo que da al
público van haciendo los apartes que son los apartes esto que entendemos
que les puse antes como asai los apartes son cuando ya verán que hay
muchísimos a mí siempre que pienso en los apartes pienso en hotel o en un
celo de sex y hago es el como villano es el personaje que yo más he visto
usar aparte cuando el público tiene que entender cuáles son mis planes
soy un malvado soy un villano de una obra de teatro y el público tiene que
entender cuáles son mis planes yo con mi actuación lo que ahora se puede
hacer en el cine con dos planos y en silencio eso que se llama concierto
con tensión dramática antes se tenía que explicar porque si no el
público no lo entendía entonces en este proscenio se iban dándolos
aparte generalmente un soliloquio o un un parlamento dirigido al público
en el que el villano explicaba intenciones secretas mientras que los
personajes que se colocaban por detrás hacían como que ignoraban lo que
estaba diciendo es decir no es raro ver a un villano y saber que no es raro
ver a un villano y saber que no es raro ver a un villano o un villano de
shakespeare venirse aquí delante decir maldita sea porque no podré
conseguir que se muevan y esos los personajes que están aquí detrás no
se enteran de eso hasta aquí todo bien hay simplemente una última
curiosidad el box office este término se origina aquí hasta ahora las
herramientas lingüísticas El término se origina aquí, la taquilla, el
box office. Eso llega hasta hoy. Si vengan a cualquier recaudación de
taquilla de una película, verán que es the box office of this film. Pero
¿saben cuál era la expresión? Es una curiosidad. ¿Saben por qué se
llama box office? ¿Saben por qué? Es una tontería. Por la forma. El
dinero se iba dejando en una cajita, la recaudación. Se colocaba una caja
en la entrada y el dinero se iba dejando en una caja. Entonces, esa caja
derivó en una especie de mini taquilla, que era la office con una caja.
Entonces, el box office se cogió como expresión para hablar de lo que
hemos recaudado hoy. What's the box office for today? Y se quedó como
taquilla. Es una tontería, una curiosidad que me gusta bastante. Dicho
todo esto, se entiende que, uno, las herramientas lingüísticas sirven
para sustituir los elementos que aquí no están, en el teatro de Sabelino.
La treso, bueno, vestuario no, porque el vestuario se va bastante a treso,
escenografía, paisajes, acciones. Dos, que la división social y
jerárquica de los espectadores se veía en cómo se colocaban de las
galerías. Hasta el pozo o el patio de butacas, no había butacas como tal.
Tres, que el atrezo se sustituía con el lenguaje. Y cuatro, que el box
office, bueno, la curiosidad. ¿Hasta aquí entendido? Bien. Les he puesto
esta imagen para lo siguiente. Esto aquí es raro. ¿Alguno avistado
reconoce a este actor? a un maquillado avispado o amante del cine y del
teatro británico no sé si esperarme un todo lo reconoce creen acaba
adquirido fama los últimos años adquirido fama los últimos años pero
hasta entonces fue un actor de teatro es mark rylance que más si lo pongo
hay sobre no no salen los factores hace sale en una película digamos el
papel en el que adquirió fama en el cine fue en rich ospice el puente de
los espías de silver por la que ganó pero ha sido un actor de teatro
desde yo creo hace 30 años y se ha hecho famoso sobre todo por actuar en
producciones de teatro isabelín aquí lo que ven de entrada no llega a ser
un bufón que hay personas está interpretando aquí me vayan les quiero
dar una idea de que es una representación contemporánea de teatro
isabelino que se siguen haciendo es una mujer hay muchos muchas compañías
actuales actuales de hecho es la reina así muy bien visto no sólo una
mujer sino que hace de la reina muchas compañías de teatro actuales y
para respetar las convenciones de isabelina siguen poniendo a hombres a
hombres haciendo papeles femeninos en su momento se llega a poner a
adolescentes porque entendían que al no tener, por ejemplo, barba, pues
los rasgos todavía no se les acentuaban los rasgos más. La voz, pues
aprovechaban para poner adolescentes haciendo roles femeninos. Tenían
pelucas, los ataviaban, porque a las mujeres se les tenía. Eso también lo
retrata bien Shakespeare. A mí tampoco, les vuelvo a decir, a mí no me
gusta mucho la película. Lo retrata bastante bien, a las mujeres se les
tenía prohibido el acceso a las compañías de teatro. Ese es un primer
punto, empezando aquí por la mitad. Luego, la entrada, el punto que
comentaba, ¿quién lo comentaba aquí? Mary, el bufón, ¿no? El
equilibrio entre la tragedia y la comedia. Y a ver, digamos que
descompondremos a partir del próximo tema, yo les dividiré las obras de
Shakespeare y empezaremos, obras históricas, les haré un repaso por obras
históricas, tragedias, comedias. Quizás la última que es de Tempest, yo
la, para mí, tengo objeciones con calificarla como una comedia, porque
para mí es una tragedia y comedia, ¿vale? Pero siempre se da un
equilibrio entre tragedia y comedia. Cuando, aquí les hablo del bufón. El
bufón. En la tragedia, ya verán que haber una, una en la que se pueda
ver. Yo creo que todas las tragedias, incluida de Spanish Tragedy, aunque
no les, no les he citado ningún fragmento. Todas las tragedias de la
época isabelina para evitar que la acción se hiciera muy pesada y el
público no tuviera respiro de la situación dramática, siempre se
introducía un personaje cómico. lo que se conoce como esto, un comic
relief un alivio cómic era el personaje del bufón había, no les extrañe
ver en obras trágicas algún pasaje con alguna mascarada o algún pasaje
divertido del bufón para intentar pues dar un poquito de alivio cómico a
la clave dramática de la tragedia ese es un punto esencial a partir de
aquí pues se hacían alusiones con a otras obras lo que permitía entender
que el dramaturgo los dramaturgos en cuestión siempre están en contacto
con otras obras de teatro es decir, no eran solo escritores de teatro, sino
que eran espectadores de teatro no les extrañe ver que Marlowe siempre
estaba viendo lo que hacía Shakespeare escribiendo lo que hacía Marlowe y
ya entra un poquito más más tarde pero había mucha, digamos rivalidad
sana a veces había más rivalidad que sana pero si había una cierta
rivalidad sana de esto de pues de establecer un equilibrio entre director,
dramaturgo, espectador para dar una especie de porfía sana un poquito de
contagio a la obra de teatro y al desarrollo de las obras de teatro
también habían alusiones políticas y ahora entramos en esto mecanismos
para evitar la censura me gustaría que pensara dónde están situadas la
mayor parte de obras si conocen obras de Shakespeare piensen en dónde
están situadas dónde está situada la acción la trampa piensen en Romeo
y Julio Hamlet o sea lo más bueno las grandes la tragedia titus andrónico
donde están situadas de spanish track no sólo en palacio cuántas de esas
obras están situadas en inglaterra todas hamlet donde sé dónde se sitúa
la acción dinamarca no bueno todas se representan una cosa que se
representan pero la acción la acción dramática generalmente es
consciente en hamlet en dinamarca romeo y julieta verona italia macbeth
escocia titus andrónicos la roma antigua solo quizás las obras en sexen
las obras históricas pero generalmente lo que se hacía con alusiones
políticas pues hola soy sexto y soy tomás kit y voy a mi obra y quiero
que hables sobre esto que está pasando en inglaterra pero en lugar de
ambientar la aquí voy a ambientar la en dinamarca o en españa y voy a
poner equivalentes pues hamlet va a ser tal persona inglesa y cuando venga
a ver la obra no va a decir hoy ese soy yo porque mira se llama como yo y
no me suena de algo pero no no puedo ser yo entienden un poquito lo que les
quiero decir que se ambientaba en otros países con otros personajes Sobre
todo recurriendo a la influencia del Renacimiento Italiano, vean por
ejemplo en Shakespeare eso, Verona, el Mercader de Venecia, la influencia
tan grande del Renacimiento Italiano que entró de manera tardía en
Inglaterra y se utilizaba toda esa esfera para hacer alusiones y
referencias a enclaves políticos de la época en Inglaterra. O sea, hasta
aquí todo bien, ¿entendieron este punto? Por lo tanto, que no les
extrañe ver, por ejemplo, a Mila, yo quizás como mi obra favorita de
Shakespeare, Otelo, en Otelo, Iago, como para mí el mejor villano de
Shakespeare, no les extrañe que Iago esté dirigido o sea una referencia a
una determinada persona política de la época. Ahí, a partir de aquí
entra la especulación. De los críticos. Sobre quién podría ser el
referente de Iago. Pero siempre era para evitar la censura política, sobre
todo esto que hablábamos antes de los productores o los mecenas de las
compañías de teatro, para evitar que dijeran, oye, tú no puedes hacer
referencia a esto. Porque para evitar la censura, pues decía, pues lo
ambiento en otro lado para que así no se sientan aludidos. ¿Hasta aquí
todo bien? Entonces, empezamos con The Spanish Prayer. Les incluí
bastante, a ver, bastante... ¿Han leído la obra? O no les... Sean
honestos, por favor. ¿Han leído la obra antes de la sesión? Vale, es
normal. La mayoría de los alumnos no leen. Yo les recomiendo que lean,
aunque sea antes del examen, todas las obras. Les hago un breve resumen,
¿vale? Quizás, vale, esto de atrozos. Yo les hago un breve resumen. Para
mí, el Tragedy, el The Spanish Tragedy, lo que tiene de Tragedy es que
instaura un género que se ve mucho como traído y tal. Digamos, aquí se
perfecciona, o se perfecciona como género. Es la Revenge Tragedy, la
teoría de venganza. A ver si les suena. La palabra, la vendetta italiana.
Vale, esto no era nada raro verlo en una obra de teatro. El The Spanish
Tragedy creo que no está en la antología como tal, sino el enlace a una
versión digital, creo que es. Una versión digital del texto. Y creo que
se tienen que leer completo. Porque en esta no hay selección de
fragmentos. De hecho, estas dos diapositivas son las que entraron en la
APEC el año pasado. Ahora les explico qué les pidieron de esto. Y se los
hago, se los pido a ustedes. El primer punto de aquí, ¿vale? La obra se
divide quizás en una estructura ya clásica que se ve en el Teatro
Isabelino en cinco actos. Que prefería casi siempre los cinco por encima
de los tres actos. Entendiendo que el primero era... Introducción, dos,
tres y cuatro. Nudo, cinco, desenlace. Ahora les voy a ir familiarizando
con algunos términos que pueden usar en sus PECs o en sus exámenes,
guiño, guiño, y darle como puntos y empaque a la cosa, ¿vale? ¿Vale?
Esto ocurre en el primer acto. Hay un breve prólogo y sobre todo estas
escenas, las escenas introductorias en las que se ve una conversación
entre, pongo aquí medio raro, estos dos personajes que he puesto en
cursiva. Les voy a hacer una primera pregunta. ¿Qué les llama la
atención del fragmento? Los dos fragmentos, es decir, los dos parlamentos.
Primero, primero... Término. Cada una de las intervenciones de un
personaje es el parlamento. En inglés creo que es speech. ¿Vale? ¿Qué
les llama la atención? Y está hasta señalada la palabra en cuestión.
¿Les llama la atención algo? Miren los nombres de los personajes, please.
¡Ajá! Ahí me dice. Ha ganado usted el viaje a Torrevieja. ¡Cuidén! Un
personaje real abra con otro... El otro no real. Sí y no. El otro no real
se llama Revenge. Eso no le suena a algo que ya hemos visto. Como el
Morality, muy bien, me emociono con que se le escriben tanto en las clases,
muy bien, como el Morality Plays. Aquí vemos que The Spanish Tragedy
todavía no era como un punto de transición. Los Interludes, transición
entre el teatro medieval y el renacentista. Pero aquí, en el principio,
digamos, las primeras fases del teatro renacentista todavía se arrastraban
aspectos del teatro medieval, de esa transición. Uno de los aspectos era
esto, el alegórico, la personificación de defectos y virtudes en
personajes. El Revenge, la venganza, aparezca como un personaje. Con
entidad, cuerpo y voz, nos hace entender que todavía aquí hay pequeños
coletazos. Con pequeños vestigios de lo que arrastra la tradición teatral
en esta época. Esos vestigios se van a empezar a dejar atrás. Este punto,
digamos, es un pre-esplendor isabelino. Aquí todavía uno no renuncia a
esa... Esos aspectos del teatro medieval. Eso es quizás lo importante.
Aquí la cuestión es que Andrea murió a... El personaje de Andrea muere a
manos de Baltasar y Lorenzo, que son los dos personajes, digamos, los dos
villanos de la trama The Spanish Tragedy. Aquí el fantasma de Andrea habla
con la venganza y en el fragmento... digamos these pleasant sights are
sorrow to my soul nothing but league and love and banqueting aquí están
viendo como los personajes digamos Andrea ve como los personajes sus
asesinos sienten como que se salen con lo suyo porque siguen viviendo
porque nadie se entera de que fueron los culpables de un crimen, disfrutan
etc. y Revenge le dice this is the end I'll turn their friendship their
love to mortal hate their day to night I'll, yo, convertiré su amistad en
disputa su amor entre odio en odio mortal su día en noche su esperanza en
desesperación su paz en su guerra esto no es solo una idea de la
personificación de un defecto de una virtud es la idea del foreshadowing
oye ya quizás se apelaba al público diciendo si ustedes vienen a ver The
Spanish Tragedy y saben que es una venganza, un Revenge Tragedy ya saben
que nos estamos esperando ya saben es como un guiño para decir quédense
sentaditos donde están que saben lo que va a pasar y yo les voy a dar lo
que ustedes quieren en cierta medida apela a una especie de de espectador
de la época aún sabiendo todo lo que va a pasar va a ver lo mismo de
siempre entendemos aquí estos fueron los dos bueno el fragmento que nos
dieron en la PEC el año pasado yo voy a dividir e incluso les voy a hacer
referencia a qué se les pidió en la PEC del año pasado empiezo por aquí
Esta es la... bueno, después de que Lorenzo y Baltasar, que son los
asesinos de Andrea, salgan con la suya, pues asesinan a Horacio, que es el
enamorado del personaje femenino principal, que se llama Belimperia, y hijo
de Jerónimo e Isabel. ¿Vale? La revenge tragedy, la venganza, es la de
Jerónimo hacia Lorenzo y Baltasar. ¿Vale? Isabela también intenta
perpetrar el padre de Horacio, ¿vale? Es el padre de Horacio. La venganza
del padre de Horacio hacia los asesinos. Andrea, que es el personaje que
aparece como un fantasma, ve a través de Jerónimo como él... ...puede
darle, digamos, rienda suelta a su sed de venganza. ¿Entendemos hasta
aquí? La cuestión es que este es el momento en el que Isabela y Jerónimo
se dan cuenta, punto de contextualización, ya se lo bajaba yo por
ustedes... ...Isabela y Jerónimo se dan cuenta, se percatan de que su hijo
está muerto. ¿Qué va a pasar? Mi hijo Horacio, Horacio... ...sobre todo
el autor de esta... ...pregunta, ¿vale? Lo primero que se les pidió el
año pasado sobre este punto es... ...la primera pregunta era el
sufrimiento. ¿Cómo se ve el sufrimiento de los dos personajes en este
fragmento? ¿Cómo expresan el dolor? ¿Vale? Enles, pues aquí pueden
hacer, ven, ante una pregunta como esa, pues... ver hacer referencias a
expresiones puntuales adjetivos y sobre todo que tiene que ver eso con la
siguiente parte de la pregunta era el que conlleva ese sufrimiento a la
consecución de la venganza digamos que ese sufrimiento es el motor que
convierte o que motiva a los personajes a vengarse a acallar a aplacar el
sufrimiento que padece la segunda pregunta que se les hacía y aquí yo si
las quieren ir apuntando para ir mirando los dos también la visión del
tiempo de isabela de hecho he pasado a la segunda a la segunda parte del
fragmento para que vean está aquí en esta parte cuál es la visión del
tiempo de isabela y cómo favorece a su venganza miren a ver si no lo
detectan en este fragmento cuál es la digamos la concepción del tiempo de
isabela y cómo favorece a que se logre su venganza o como ayuda al tiempo
a que la venganza se consiga entendido ahora mejor hay una parte ahí es
ahí el time is the author both of truth and right Esto apela a una idea
muy básica, aunque se muevan en la cosa más simple que les venga a la
cabeza. Esto se puede, el tiempo como ejerce aquí, es decir, apela a una
idea muy básica, efectivamente. Muy bien, eso del tiempo lo cura todo,
¿no? ¿Vale? El tiempo lo cura todo. No solo el tiempo lo cura todo, sino
el tiempo actúa como una justicia divina que pone a cada uno en su lugar.
Espera que es el tiempo el que se va a encargar de darle al asesino la
respuesta y el tiempo el que se va a encargar de darnos justicia. ¿Vale?
El tiempo traerá esta traición a la luz. ¿Vale? Es el tiempo. Es el
tiempo el que revelará todo. Y la última pregunta era, y para esto quiero
que se fijen sobre todo en este parlamento, ¿vale? ¿Cómo favorece la
falsedad y la astucia para la consecución de la venganza? Es decir,
¿cómo se sirven estos dos personajes de la falsedad y de la astucia para
conseguir su venganza? En este parlamento. En este parlamento está,
quizás en los dos parlamentos de Jerónimo. Ajá, engañar a los villanos.
De hecho... Se recurre a algo que les voy a presentar, que ya verán que se
da en muchísimas obras, muchísimas, muchísimas obras. Voy a mantenerlo
en misterio. Se recurre a un mecanismo, la falsedad y la astucia hay un,
sobre todo en el último acto, un mecanismo que se ve, yo por lo menos
puedo pensar en tres, cuatro obras en las que utilizan la misma clave
dramática para resolver el entuado. Bueno, les explico en un momentito.
Estas han sido las preguntas que se dieron en la PEC del año pasado. Si
quieren resubo o bien este documento para que vayan haciendo ustedes una
prueba de la PEC o bien la PEC en sí del año pasado. Lo que les quiero
dar a entender con esto es que quizás el punto más difícil de la PEC es
el de contextualizar el fragmento. Pero vean que ya los temas que tienen
que analizar. En diferido no lo tienen que hacer en un examen, los temas se
los dan. ¿Vale? Es decir, no tienen que decir contextualización y temas.
Háblame de lo que quieras. Sino que, primera pregunta, contextualización,
pues esto aparece en tal fragmento de la obra, tal parte de la obra, pues
el segundo acto que es el principio del nudo y es lo que va dando, llevando
a la consecución de la obra. Digo conclusión para no usar el término que
les voy a presentar ahora. Tema uno, te lo doy yo. No tienes que estarlo
rascando tú. ¿Vale? Eso es lo que quiero que entiendan un poquito por
darles un poquito de tranquilidad. Aquí, punto de giro crucial en la obra,
la muerte de Horacio. Para que, Jerónimo... que podríamos entenderlo como
el personaje protagonista, aunque tiene un peso ahí más o menos relativo
con el protagonista, comience su venganza. Y yendo aquí, este fragmento es
de Lorenzo, y yo en este fragmento les quiero que, sobre todo hasta aquí,
voy a señalar, les señalo aquí, quiero que se fijen en cómo habla
Lorenzo. A ver si se mantiene en algo. Los pongo en negrita, ¿vale? Quiero
que se fijen en cómo, leanlo un momentito y miren cómo habla Lorenzo. Les
pongo en contexto, ¿vale? En el acto tercero, Pedringano y Severin son dos
lacayos, dos triados que Lorenzo y Baltasar usan para matar a Horacio, como
dos asesinos a sueldo, para Lorenzo y Baltasar no mancharse las manos ellos
solos. En lugar de matar, a Horacio, pues contratan a Pedringano y a
Severin para que, para que maten a Horacio. Fíjense en esto, fíjense en
el fragmento que les he señalado. Todo el fragmento en sí, lo que me
gustaría que destacasen así es la naturaleza del villano. Les mencioné
antes lo de la parte Porque no es difícil imaginarse a este personaje
yéndose a un lado del escenario y revelando sus planes como en un
soliloquio para sí. Aquí quizás el villano teatral no está muy bien
dibujado. A partir de, yo creo que en Tamburlain, Marlow, Shakespeare,
empiezan a dibujarse bastante bien. Sobre todo llega, yo creo que ya se los
mencioné antes, al máximo exponente con Iago de Othello. Pero ven que el
tipo de villano como Sibilino se hace siempre, se sale un poquito de la
acción para ir rumiando los planes como muy, aunque sea una palabra muy
culta, muy surrepticio, muy por debajo, muy Sibilino. Sí, yo creo que es
la mejor palabra para entenderlo. Y termino, porque se nos echa el tiempo
encima, un punto de giro, que es cuando Jerónimo, Dauntless this man is
passing lunatic, pierde la razón, pierde la cordura, se vuelve loco por su
sed de venganza y este punto clave. Antes de terminar la sesión, quiero
que se queden aquí con dos términos, les pongo aquí. Quizás aquí
todavía no llega, esto digamos el punto de locura por la sed de venganza
de Jerónimo, pero aquí sí se puede ver un punto crucial, espérense, lo
voy a poner aquí. Vale, Meri. Termino con esto, ¿vale? Dos conceptos
antes para terminar, ¿vale? El primero es el clímax. El segundo, la
catarsis. Y el tercero, ¿qué es lo que pasa aquí? Vale, el clímax como
episodio que se da como el punto álgido de la obra antes de la catarsis.
El clímax es ese punto de giro que lleva a la resolución fatal de la
obra. En una tragedia, el clímax podría ser este. Jerónimo se vuelve
loco y empieza su plan para llevar a esto, que es la catarsis. La catarsis
lo que pasa es un recurso muy socorrido que se da de aquí en adelante
muchísimo, que es el personaje, antes de matar directamente a los asesinos
y a su hijo, se hace o se monta una obra dentro de la obra de teatro. Miren
aquí, I'll play the murderer, I warrant you. Jerónimo aquí monta una
obra de teatro y le da un papel a cada uno de los personajes, incluidos los
asesinos y sus hijos. Coge los cuchillos que parecen cómplices. Y en lugar
de cuchillos de atrezo, lo sustituye por cuchillos reales. Y a lo largo de
toda la obra, con el público presente, mata a los asesinos y a su hijo.
Como una obra de teatro, dentro de la obra de teatro. Luego, este recurso
se ve bastante de una obra dentro de otra obra. En Hamlet también sucede
así. Hamlet, llegando al final de la obra, monta una representación
teatral del asesinato de su padre. Sobre el asesinato de su padre y
apuntando directamente a los asesinos. Bien. Esta idea, para acabar, les da
a ustedes un matiz de lo que hace ya el dramaturgo para... Es un poquito el
rol del dramaturgo. Y tuvo la obra fuera de aquí para apuntar a un
culpable, a un causante. No es un asesino en sí, sino un representante o
una figura política en cuestión. ¿Vale? Este punto de aquí, el último,
lo dejo para la siguiente sesión. ¿Tienen alguna duda? ¿Algo con lo que
quieran? ¿Algún comentario con el que quieran terminar la sesión? Si no,
cortamos aquí. Nos vemos la próxima semana. ¿No? Vale, pues nos vemos la
próxima semana. Si tienen algo, si se quedan con alguna duda... Vale, la
PEC, como te dije, José Miguel, yo no sé si la han puesto o no.
Normalmente la suene, y de hecho en las orientaciones para el estudio...
Pone que la pusieron, entonces. Es que pone que normalmente nos notifican a
los tutores cuando la ponen. Y yo no tenía apuntado en la agenda el 1 de
diciembre, que es cuando... Y en las orientaciones para el estudio, ponen
el 1 de diciembre. Entonces, apunto aquí y me fijo mañana un poquito en
la PEC y la... ... Vale, adelantamos la sesión de explicación de la APEC
a la próxima semana y vamos dando un poquito una explicación detallada de
la APEC, ¿vale? La próxima semana directamente con la APEC. Yo déjenme
ver si lo tengo aquí. A ver, tiene que estar... Tarea. Sí está puesta.
De hecho la subieron hoy mismo, a las 6. O sea que les dieron más tiempo.
Tienen guasa lo de la APEC. Les pido un favor ya como cómico. Por favor,
están tareas, ¿vale? Un favor. Un favor cómico. Vean al alumno que ponen
de ejemplo. Sobre cómo tienen... Y fíjense muy bien en las instrucciones
de cómo entregar la APEC, ¿vale? Vean al alumno que ponen de ejemplo que
a mí me parece como muy cómico. Yo me río mucho y si quieren lo
comentamos la próxima semana. Entonces la próxima semana apunto aquí en
el menú del orden del día y empezamos explicando la APEC, ¿vale? Y
hacemos un repaso detallado de la APEC. ¿Ok? Venga, muchas gracias. Y nos
vemos la próxima semana. ¡Ey! ¡Pues me he ido! ¡Adiós!