Sabéis que yo estoy siguiendo al pie de la letra vuestro libro, lo único
que lo estoy haciendo es resumir algunas cosas y sobre todo ampliar otras.
Lo que sí es cierto es que en el libro se repiten mucho los conceptos,
entonces hay cosas sobre las que vamos a andar continuamente porque se
repiten mucho y de hecho los dos últimos temas están reincidiendo en todo
lo que hemos ido hablando anteriormente. Vamos a ver a Hauser y al concepto
del espacio y de la arquitectura manierista con Hauser. La arquitectura del
manierismo se distingue porque crea una visión del espacio antagónica con
los criterios de la realidad. Una cosa es lo que estamos viendo y otra cosa
es ese concepto de espacio arquitectónico manierista. El otro día
acordaros que lo veíamos con esta plaza del Campidoglio, del Capitolio de
Roma, que es una plaza... ¿No oyes? ¿No oís? ¿No me oís? Vale, o sea
que es un problema, pues los que no... Vale, gracias. Pues quien no oiga,
por favor, será un problema de conexión, sal y vuelve a entrar. Vale,
pues ya está. Cuando tengáis algún problema, pues salís y volvéis a
entrar. Es algún problema de configuración. Bueno, os decía, esto es un
espacio arquitectónico manierista. Que ya lo estudiamos el otro día, la
plaza del Capitolio con Miguel Ángel. Y fijaros cómo este espacio que
realmente está trapezoidal, pues realmente lo que está haciendo con este
espacio trapezoidal es generarnos una idea de que es un espacio más
rectangular. Con eso y con esa colonata de acceso que decíamos el otro
día que crea Miguel Ángel. Bueno, los patios en el Renacimiento van a ser
cerrados. Van a ser unos espacios cerrados, serenos, limitados, armónicos.
Fijaros, el Renacimiento lo que busca... No es la armonía, el equilibrio,
el concepto de belleza como en la antigüedad clásica. Entonces siempre
son patios cerrados. En cambio, fijaros, el patio manierista por excelencia
va a ser el patio de los Uffizi de Vasari. A mí me... El concepto de patio
es un concepto un poco particular. Porque cuando yo estudiaba no se le
denominaba patio, de muchísimo menos. Y cuando tú llegas a Florencia,
pues realmente es que no es un patio. Es como una calle en forma de U.
¿Eh? Si conocéis Florencia... ¿La Galería de los Uffizi? La Galería de
los Uffizi... Vamos a ver. Yo, ya sabéis que organizo viajes a Florencia
con mucha frecuencia. De hecho este año voy a organizar otro. Entonces en
ese... Tú cuando llegas a la Plaza de la Señoría, tienes la Plaza de la
Señoría, tienes la Logia, tienes el Palazzo Vecchio enfrente y justo
saliendo del Palazzo Vecchio y de la Logia hay como un espacio rectangular
que acaba cerrado. Y es como si fuera una forma de U. Entonces, yo
sinceramente nunca se lo ha llamado patio. Se lo ha llamado Galería de los
Uffizi y, bueno, Galería Manierista de los Uffizi. En el libro le dan la
denominación de patio. Para mí, el patio es una cosa cerrada. Lo que es
el concepto de patio manierista. Entonces es el patio que podemos ver en
cualquier palacio. En el Palacio Medici, en el Palacio Pitti... El que
podemos ver en el... Si nos vamos a Granada, en el Palacio de Carlos V, en
cualquier palacio. ¿De acuerdo? Entonces esto realmente, aunque en el
libro habla del patio manierista de los Uffizi, es que realmente es una
calle. Para mí es una calle. Pero yo no voy a contradecir al libro ni
muchísimo menos porque os tenéis que examinar de él. Entonces yo os doy
mi opinión de cómo lo veo y para mí el patio es una cosa normalmente
cuadrada o circular, como en el caso del Calafio del Emperador Carlos V,
pero algo totalmente cerrado. En el momento que está abierto, es una
calle. Es una arquitectura con una determinada forma que forma una calle.
Bueno, pues este es... Lo denominan en el libro el patio manierista de los
Uffizi, que lo comienza a Basari en 1560. Es una construcción longitudinal
que causa la impresión de una calle abierta y efectivamente tú llegas
allí. Y yo todas las veces que iba a Florencia nunca lo he visto con el
concepto de patio. Porque realmente es una estructura muy alargada, muy
longitudinal y con un frente que es lo que da ya al río Arno. Pues es un
poquito que se pasa. Pues sí, está publicada. ¿No la habéis encontrado?
Lo revisaré a ver si hay algún problema. Pero está publicada. Pero no os
preocupéis que yo cuando cuelgue esta reviso la otra. De acuerdo. Bien.
Seguimos. Esto es un corredor que es cortado repentinamente. El espectador
no sabe si tiene que ir hacia el frente del patio o hacia la fachada de una
calle porque realmente no es un concepto de patio, es un concepto de que
tú vas paseando por la plaza La Señoría y de repente llegas a una calle
donde a ambos lados de la calle y al frente está la galería de los
Uffizi. Y es un poquito lo que nos está diciendo. El espectador no sabe si
tiene ante sí un patio o la fachada de una calle. Es realmente como una
calle con fachadas arquitectónicas. Que es realmente lo que percibimos
como espectadores cuando llegamos allí. En la escalera Laurenciana,
proyectada en 1524 por Miguel Ángel, se hace ya desaparecer el equilibrio
y la armonía de la arquitectura clásica. Yo no sé si os he puesto aquí
algún ejemplo de la biblioteca Laurenciana. ¿Os he puesto ejemplo ya?
Sí. Bueno, pues sí os he puesto el ejemplo de la biblioteca Laurenciana.
Sabemos que el espacio es totalmente longitudinal en la biblioteca, pero el
problema está en el acceso. Uno entra a la biblioteca a través de la
iglesia de San Lorenzo, de la basílica de San Lorenzo, entonces tú llegas
a un receptáculo que es más o menos cúbico y de ahí tienes que pasar a
un espacio como esta clase, más grande que esta clase, longitudinal. Y
entonces el tema es cómo se pasa así. Y se pasa a través de esa escalera
Laurenciana magnífica que ya hemos visto. Bueno, la escalera es enorme
para un espacio muy reducido. Realmente el espacio está totalmente
inundado por la escalera porque además, como el acceso, si os acordáis de
aquello, el acceso es por un lateral. Normalmente un acceso de las
escaleras es de frente. Cuando estamos acostumbrados, cuando vamos a un
palacio o algún sitio que accedemos de frente, tú subes por un tramo de
escalera y ya subes a donde tengas que subir. Y en cambio esto es un
espacio cúbico y lo que nos encontramos es una entrada lateral. Entonces
entras en una entrada lateral que te tienes, para que os hagáis una idea,
imaginaros que entramos por aquí, tienes que dirigirte aquí, subir por
aquí y una vez que has subido el primer tramo tienes opción de subir por
dos tramos más diferentes. Con lo cual crea esa sensación de desasosiego
y esa sensación de inestabilidad propia de lo que es el manierismo como
tal. Entonces es un espacio enorme para un espacio muy reducido. Además
los vanos son ciegos. Hablamos siempre de vanos ciegos. Mirad, en esta
clase tenemos vanos. Un vano es un hueco de comunicación. Un vano es una
puerta o es una ventana. Pero imaginaros que esas ventanas que tenemos al
pasillo en vez de ser con cristalera fueran con un muro. Pues eso sería un
vano ciego. Porque no da la luz a otro sitio, no se comunica con otro
sitio. Bueno, pues en esa escalera laurenciana pues hay vanos, esos vanos
ciegos. Hay muros gruesos, hay unas ménsulas enormes que las ménsulas
normalmente tienen una función de asentar algo. Pero en cambio en las
ménsulas de la escalera laurenciana no hay esa función, son meramente
decorativas. Porque no están sujetando realmente ningún peso. Y el
espectador lo que tiene es una visión muy impactante. No de armonía sino
un poco de tensión de lo que se está encontrando allí. Bueno, esto lo
tenéis en la página 38 del libro. Si vais a la página 38 del libro ahí
tenéis fotos de esto que estoy hablando. Bueno, vamos a hablar ahora de la
ciencia y el espacio. El hombre ya no es la medida de todas las cosas que
conforman el universo. Mirad, hay una cosa fundamental. En la antigüedad
griega, la cultura griega es antropocéntrica y antropomórfica. El hombre
es el centro de todo, el hombre es la medida de todo y el hombre le da
forma a todo. Y en cambio, a partir de ahora si os dais cuenta la frase es
que el hombre ya no es la medida de todas las cosas del universo. Y
entonces esto choca radicalmente con lo que había sido la cultura
clásica. Bueno, de lo primero que nos hablan en este apartado es de lo
infinito, de la luz y de la monumentalidad. Durante el siglo XVII, Galileo
Galilei, Copérnico, Giordano Bruno, Descartes, Leibniz, todos estos
pensadores protagonizan una revolución científica que transforma el
concepto del espacio que les rodea. Fijaros que uno de los temas de esta
asignatura es que nos manejamos mucho con concepciones de filósofos. Más,
con conceptos de filósofos. Ya coincidió con la puerta. Hola, buenas.
Pues que vamos mucho con conceptos de filósofos. No solamente con... ¿Os
he dado lo de firmar? Sí, ¿verdad? No solamente tenemos la visión de los
historiadores sino que tenemos también la visión de los filósofos que
tienen sobre este tema. Y entonces se va a transformar ese concepto del
espacio que les rodea. Ahora tenemos un nuevo concepto de espacio. El
reconocimiento de su infinitud. Es decir, el espacio es infinito. Pone fin
a la concepción de un mundo cerrado y estático vigente hasta entonces.
Donde el espacio era finito. En el mundo griego todo se controlaba, el
espacio se controlaba. Llegabas a una arquitectura y controlabas la
arquitectura y esa arquitectura estaba en consonancia con la medida del
hombre. En el Renacimiento también está pasando eso. Hacemos un palacio y
está en la medida del hombre. Y ahora ese concepto de espacio infinito
empieza a desaparecer para hablar de espacio infinito. Cuando estamos
hablando de espacio infinito estamos hablando de perspectivas y estamos
entrando en un terreno radicalmente distinto. La idea de un espacio que no
deje ningún lugar vacío o el potencial de la luz para crear efectos
espaciales van a ser algunas de las aportaciones realizadas desde la
ciencia en el siglo XVII. Ahora, ¿qué hacemos? Se utiliza la luz. Antes
cuando hablábamos de espacio nos ceñíamos a lo que era materialmente el
espacio. Ahora podemos generar espacio con la luz y podemos generar un
concepto de espacio infinito. Os voy a poner un ejemplo muy claro. Pensad
en el pabellón de los espejos de Versalles. En el momento que hay espejos,
la luz va rebotando en los espejos y como haya dos espejos enfrentados,
como pasa en el Palacio Real de Madrid, el espacio rebota de un espejo a
otro y parece que el espacio es infinito. Hemos roto con ese concepto de
espacio finito en consonancia con el hombre y caminamos hacia un espacio
infinito en función de la luz. Cómo da esa luz, cómo se puede reflejar
una especie y cómo se crea. Si vais al Palacio Real de Madrid vais a ver
el ejemplo perfectamente. En las primeras habitaciones tenemos unos espejos
enfrente de otro y cómo se nos genera esa sensación de espacio infinito.
Bueno, Robert Martin dice que generó en los artistas, una nueva posición
frente al modo de entender el espacio y su forma de representarlo. El
resultado es una ruptura con la visión renacentista. La visión
renacentista estaba basada en una distancia fija entre el espectador y la
obra. En el Renacimiento tú tenías una obra y siempre tenías la misma
distancia con el espectador. Partimos un poco de la idea de la cámara
oscura, de lo que va a partir luego la fotografía. Entonces mirar por un
único punto de vista inmóvil. Y os digo, es lo que va a hacer luego la
fotografía en el siglo XIX partir desde el mismo punto de vista. Pues
ahora no, ahora ya no se basa en eso. La pintura se materializa ahora con
efectos atmosféricos. La famosa perspectiva aérea, los trampantojos, esas
trampas para el ojo, hacernos pensar que ahí hay un espacio donde no lo
hay y con recursos ilusionistas en los hechos. Mirad, en el barroco, bueno
tenéis una clase antes de la mía que es barroco, entonces en el barroco
hay tres tendencias decorativas pictóricas. Tenemos el naturalismo, el
clasicismo y el barroco decorativo. El naturalismo que está representado
por Caravaggio se basa en el tenebrismo y el tenebrismo es el fuerte
contraste de luces y sombras. El clasicismo como su propio nombre indica es
una continuación del arte clásico de lo que es el Renacimiento, con lo
cual vamos a tener temas mitológicos y temas de corte clásico. Y por
último tenemos el barroco decorativo. El barroco decorativo es la tercera
parte de la pintura barroca y es la que sirve para pintar los techos de las
iglesias y de los palacios. Y ahí es donde entra en funcionamiento todo
esto, los trampantojos, el ilusionismo en los techos, los efectos ópticos,
los efectos de perspectiva, iros a cualquier iglesia barroca, en Madrid no
tenemos grandes iglesias barrocas, pero si vais a Roma nos vamos al Yeshú,
nos vamos a San Ignacio, nos vamos a cualquiera de las iglesias y todo es
una ilusión óptica. Y en el Palacio Real de Madrid lo mismo, entráis en
las salas del Palacio Real de Madrid y todo es una ilusión óptica. Con lo
cual fijaros cómo ha cambiado el concepto de espacio. El espacio deja de
ser algo que nosotros vemos y que controlamos para pasar a ser algo que
está envuelto en fenómenos atmosféricos, en trampantojos sobre todo y en
efectos ilusionistas ópticos. Hablando de trampantojos, acaban de
inaugurar una exposición que yo todavía no he visto en el Museo Thyssen
sobre el hiperrealismo de trampantojos. Entonces no os la perdáis porque
viene muy en consonancia con lo que estamos hablando. En el mundo de la
escultura se transgreden los límites intentando romper la distancia entre
la obra de arte y el espacio y tratando de asombrar al espectador contra el
juego de lo real y de lo aparente. En estas obras religiosas se intenta
suscitar la espiritualidad. Fijaros, vivimos en una época en el siglo XVII
es una época, curiosamente, es cuando se producen más visiones, es un
momento de mucha efervescencia religiosa. ¿Por qué? Pues tiene su razón
de ser. Se acaba de producir la reforma protestante en el siglo XVI.
Tenemos como Martín Lutero clava sus famosas 95 tesis en la iglesia de
Alemania en 1517. A partir de ahí viene la reforma protestante. Y entonces
la respuesta que la iglesia católica da a esa reforma es esa efervescencia
religiosa, esa motivación religiosa para de alguna forma defenderse de esa
reforma protestante. Y entonces ahí entra en juego toda esa
espiritualidad. Entonces no es casual que todas las visiones místicas, que
todas las cosas pasan todo en esta época porque está todo imbuido de
esto. Por ejemplo, Santa Teresa de Jesús tiene sus visiones místicas y
otros santos de la época. Entonces, claro, no tiene nada que ver una
pintura o una escultura del siglo XVI del Renacimiento en el que estamos
tratando un tema religioso o mitológico de la forma más objetiva posible.
Y otra cosa es el barroco donde todo es pura teatralidad. Todo es pura
teatralidad, todo es una puesta en escena, todos son cortinajes, todos son
telones. Y bueno, si conocéis la Santa Teresa, que está allá en Lorenzo
Bernini, que está en la iglesia de Santa María de las Victorias de Roma,
bueno, eso ya es la teatralidad en estado puro. Bueno, pues a eso es en lo
que vamos. Ahora se intenta suscitar la espiritualidad. Mirad, durante el
Renacimiento nos quedamos en la idea de que todo el arte es bello. Y
entonces este concepto de la belleza nos viene de la antigüedad clásica.
Entonces lo que importa es la belleza y como lo que importa es la belleza
nos quedamos en la contemplación estética. En el barroco esto ya no vale,
porque en el barroco lo que tenemos es ese movimiento de la contrarreforma
que tiene que dar respuesta a eso que ha sucedido en la iglesia. Con lo
cual ahora el arte ya no vale que sea estético, tiene que mover a
devoción, tiene que ser espiritual. Por eso una Santa Teresa escribiendo
no me dice nada. Lo importante es esa Santa Teresa en ese éxtasis místico
que la vamos a encontrar. O a la Beata Ludovica Albertona también de
Bernini. O a cualquier otra de las esculturas que vemos en el mundo
barroco. Las iglesias romanas y napolitanas de la contrarreforma van a
tener unas bóvedas y unas cúpulas con unas decoraciones ilusionistas que
rompen el plano y generan esa continua espacialidad, esa nueva realidad, lo
que os acabo de decir. San Ignacio de Loyola, Yeshú, cualquiera de las
iglesias o cualquiera de los palacios de este momento. La arquitectura se
libera de la simetría, del orden y de la geometría. Mirar, el
Renacimiento es eso. El Renacimiento es belleza y la belleza se basa en la
simetría, en el orden y en la geometría. En lo que es la armonía en
definitiva. Y entonces, si la arquitectura del Renacimiento era simetría,
era orden, era geometría y era armonía, ahora se busca todo lo contrario.
En esta época surge un nuevo sentido espacial si os acordáis en el
Renacimiento surgen las formas clásicas del cuadrado, del círculo y del
triángulo y ahora esas formas van a ser sustituidas por otras diferentes.
Una forma cuadrada, un círculo o un triángulo lo tenemos perfectamente
controlado pero en cambio ahora fijaros en el barroco surgen las plantas
elípticas en las iglesias. Eso no se había visto hasta entonces. Una
planta elíptica ¿recordáis alguna planta elíptica en algún sitio
anterior a esto? No. Por ejemplo en los anfiteatros romanos. Los
anfiteatros romanos tienen una planta que siempre tendemos a decir un
anfiteatro es la unión de dos teatros pero realmente es mucho más
elíptico. Bueno, pues ¿qué sucede con la elipse? La elipse crea
complejidad, crea dinamismo, crea movimiento y ahora se pone de moda ese
tipo de planta. Hay dos iglesias en Roma maravillosas con esa planta
elíptica que son San Quirino de Borromini y San Andrea al Quirinale de
Bermini pero en Madrid tenéis una iglesia maravillosa aquí muy cerca en
la plaza de España de San Marcos. No sé si conocéis la iglesia de San
Marcos iros a ver la iglesia de San Marcos que está en la plaza de España
en la calle justo anterior a Princesa donde el Hotel Nuevo Río este que
han abierto, ahí en esa callecita está la iglesia de San Marcos. Pues es
una iglesia de planta elíptica aquí en Madrid que sigue esas ideas de
Bermini y de Borromini y se plasman en esa iglesia madrileña y podéis ver
el concepto. Ahora los arquitectos barrocos que también van a ser
científicos y técnicos, como por ejemplo Guarino Guarini. Guarino Guarini
era un sacerdote era un sacerdote teatino ya sabéis que yo hice mi memoria
de licenciatura sobre los teatinos los teatinos construyeron una iglesia
aquí en la calle de Embajadores en Galletano, lo tenéis en mi blog a
vuestra disposición y Guarino Guarini era teatino uno de los grandes
arquitectos que hubo en época barroca y ahora lo que se busca es
interactuar efectivamente San Antonio de los Alemanes también. Se busca la
interacción con las fuerzas internas y externas para conseguir un
movimiento envolvente y ese movimiento envolvente lo conseguimos con esos
espacios elípticos que son espacios diferentes que no se habían utilizado
hasta ahora en ninguna iglesia el arquitecto busca persuadir al espectador
mirad, el barroco es un arte al servicio el arte siempre está al servicio
del poder tenéis una asignatura que se llama así Arte y Poder pero el
arte que sepáis desde su creación está al servicio del poder en la
antigua Grecia iba al servicio del hombre, de las olimpiadas de los dioses,
etc. En Roma, por supuesto al servicio del poder de los emperadores y lo
que es el poder de Roma al servicio del poder teocrático porque Dios es el
centro de todo en el Renacimiento volvemos al antropocentrismo pero ahora,
en el barroco el arte está al servicio de la contrarreforma y como está
al servicio de la contrarreforma el arte tiene que mover a devoción el
arte tiene que persuadir al espectador de que la iglesia católica es la
iglesia verdadera frente a la iglesia protestante ¿y eso cómo lo
conseguimos? lo conseguimos con la planta ya no nos valen las plantas de
cruz griega porque son de brazos iguales y esas no nos sirven tiene que ser
una planta de cruz latina una planta longitudinal donde el sacerdote pueda
hablar a un gran número de espectadores de fieles que le estén escuchando
entonces fijaros, si yo esta clase en vez de ser longitudinal tuviera que
hablar hacia adelante hacia la izquierda, hacia la derecha y hacia atrás
sería complicadísimo no me oirían por eso las clases son longitudinales
exactamente igual que las iglesias entonces la arquitectura tiende a
persuadir con la planta y empleando la luz y con el espacio con las
pinturas y las esculturas que hay en ese espacio lo que define la
arquitectura barroca en los siglos XVII y XVIII es su dominio del espacio
tanto en la arquitectura civil como en la arquitectura religiosa el espacio
barroco se desarrolla en torno a la escenografía teatral el barroco es
teatralidad esto es un concepto que tenéis que tenerlo claro si el
renacimiento es serenidad equilibrio, armonía y belleza el barroco es
teatralidad insisto, os digo las características el renacimiento es
simetría belleza serenidad armonía esos son los conceptos del
renacimiento el barroco es todo lo contrario el barroco es movimiento,
dinamismo diagonales, claros oscuro y el objetivo persuadir al espectador
dentro de esa escenografía teatral tenemos San Pedro del Vaticano con un
espacio delantero aprovechado para generar esa tensión o nos podemos ir a
San Ivo de la Sapienza una de las iglesias más bellas de Roma San Ivo de
la Sapienza con una cúpula espectacular San Ivo de la Sapienza está muy
cerca de Piazza Navona está al lado, la calle paralela de al lado tiene
una cúpula absolutamente espectacular y diferente a todas las que haya
estado las fachadas ahora se relacionan con el espacio urbano, fijaros esto
es muy importante antes se hacía un edificio y se hacía el edificio solo
independiente y ahora desde Miguel Ángel para acá se tiene en cuenta el
urbanismo el espacio urbano entonces ahora cuando hacemos una iglesia
tenemos en cuenta el espacio en el que está puesta esa iglesia y entonces
los palacios van a abrir sus fachadas a la calle mediante galerías creando
un juego en el interior y en el exterior como por ejemplo el Palacio
Barberini de Roma pero por ejemplo en Bernini San Andrea al Quirinale como
os decía o Borromini en San Carlino San Carlino es como cariñosamente
llamamos los historiadores del arte a la iglesia de San Carlos Alecate
Fontane y entonces la llamamos San Carlino o como Pietro da Cortona o Santa
María de la Paz que está muy cerquita de Piazza Annabona también está
en la calle detrás de Piazza Annabona se juega con las fachadas de los
edificios con lo cóncavo, con lo convexo con lo que hay en el interior y
con lo que hay en el exterior ahora el espacio ha dejado de ser lineal ha
dejado de ser un espacio donde no hay juegos de luces para ser un espacio
teatral donde lo importante es el movimiento lo cóncavo, lo convexo y eso
nos lleva a juegos de luces muy diferentes en una fachada se rompen los
planos hacen que el espacio interior del templo salga hacia el exterior
mediante unas fachadas monumentales que se convierten en símbolos de la fe
y en emblemas urbanos de lo que es la ciudad de la contrarreforma o sea que
es una pura puesta en escena y todo es pura teatralidad mirad, aquí os he
puesto de Pietro da Cortona esta es la fachada de la iglesia de Santa
María de la Paz por aquí por vuestra derecha tendríamos Piazza Annabona
si os ubiquéis un poquito esto está a la izquierda detrás de la iglesia
de Santa Agnese de Piazza Annabona esta sería esa fachada de Santa María
de la Paz estos mismos principios son aplicados en el interior de los
templos la luz homogénea y regular se transforma ahora para generar un
contraste de luces y sombras ¿para qué? para guiar la mirada del
espectador hacia las imágenes que nos interesen nuestra mirada se va a
dirigir hacia la catedral de San Pedro que está detrás del altar en el
Vaticano y a mediados del siglo XVII o en el transparente de Narciso Tomé
en la catedral de Toledo con ese importante componente simbólico que tiene
entonces todo nos lleva a mirar hacia ahí tanto cuando estamos en el
Vaticano como cuando estamos en la catedral de Toledo bueno, esta tendencia
adquirió mayor importancia mientras que avanzaba el barroco la capilla en
penumbra va a contrastar con el altar mayor en el que se va a concentrar la
luz y entonces vamos a esos juegos teatrales la decoración de la cúpula
ahora nos va a introducir al espectador en un espacio totalmente
ilusionista creando efectos que sugieren un espacio infinito mediante esa
perspectiva ilusionista y se conseguirá trasladar el asiento de lo
material a lo etéreo cuando llegamos a la cúpula todo nos resulta como
más etéreo más inmaterial y más cercano a Dios por decirlo de alguna
manera mirad, Guarino Guarini maneja la geometría y controla la luz con
él la cúpula va a adquirir un protagonismo absolutamente esencial busca
el espacio infinito y consiguiendo esa repetición rítmica de las formas y
de los elementos que generan una multiplicidad de estructuras espaciales
que se pueden combinar generando múltiples espacios combinados en un solo
ojo yo no sé si conocéis alguna de las cúpulas de Guarino Guarini en el
libro tenéis varias y desde luego es jugar con lo infinito parece que
aquello no acaba nunca no tiene nada que ver con las cúpulas
semiesféricas un poquito apuntadas la real iglesia de San Lorenzo y la del
Santo Sudario van a ser ejemplos de esta tendencia las cúpulas estamos
hablando de Turín Guarino Guarini trabaja en Turín entonces las cúpulas
introducen contradicciones en su estructura los elementos arquitectónicos
se contraponen sin seguir la lógica esperada se consigue un efecto
sorprendente e inverosímil que lleva al espectador a una inquietud
perfectiva similar a la del maridismo que se había iniciado en el
manierismo pues ya va a ser una constante en el mundo barroco el manierismo
es un estilo de transición de lo que es el perfeccionamiento del
renacimiento a lo que es el movimiento y la teatralidad del gótico y eso
que se había iniciado en el manierismo pues ahora en el barroco se lleva
mucho más allá la cúpula del Santo Sudario se levanta sobre tres
pechinas esto es extraño porque las pechinas normalmente son cuatro
¿sabéis qué pasamos? la cúpula se coloca en la intersección de los
brazos de la cruz y entonces claro, tenemos cuatro apartados y cuatro
pechinas y en cambio aquí hay tres pechinas entre tres arcos y no cuatro
con lo cual estamos generando esa inestabilidad se emplean monduras o
ménsulas pequeñas salientes que sirven de soporte para otros elementos y
contribuyen a crear ese espacio infinito sustituyendo la pintura como
recurso para lograr un espacio infinito hasta ahora cuando se quería crear
ese concepto de espacio infinito recurríamos a la pintura ahora con
elementos arquitectónicos pues con esas ménsulas y esas molduras vamos a
intentar conseguir esa finalidad también la disolución del espacio
clásico tiene ejemplos en el siglo XVIII con Neumann en la basílica de
Berleichen en Alemania donde proyecta una planta elaborada con óvalos que
se cortan y un espacio de la cúpula que le ocupan cuatro bóvedas
esféricas y helicoidales los espacios se funden unos con otros produciendo
una impresión de movimiento es decir, toda esta parafernalia que nos dicen
en el libro al final lo que nos lleva es a que el espacio lo que tiende es
a generar impresión de movimiento ¿de acuerdo? hasta ahora estábamos
acostumbrados a espacios cuadrados espacios longitudinales cuando
imaginábamos cuanto más sensación de movimiento hay en un espacio más
elipses, más círculos, etc más sensación de infinito y más sensación
de movimiento vamos a tener la luz se emplea para integrar la arquitectura
la escultura y la pintura demostrando un perfecto dominio de los efectos
decorativos propios ya del rococó en el momento que controlamos la
pintura, la escultura y la arquitectura bueno pues esto realmente lo que va
a hacer es dominar ese periodo rococó que es ese periodo tan cortito de la
historia del arte a finales del barroco y que realmente lo que hace es
dominar esas tres cosas a la vez en estas construcciones la grandiosidad y
la monumentalidad se van a convertir en uno de los elementos distintivos el
tamaño del edificio y el empleo del orden gigante o colosal es una
expresión política e ideológica os acordáis que Miguel Ángel en el
Capitolio emplea por primera vez el orden gigante o colosal lo hablamos el
último día con esas pilastras que recorren la fachada del edificio a
partir de una base bueno pues ahora a partir del barroco las pilastras o
las columnas de orden gigante o colosal van a ser la constante va a ser lo
que se utilice de forma permanente vais al Palacio Real de Madrid lo que
vais a ver es un basamento unas columnas, unos pilastros que recorren el
edificio eso ya es un elemento que se inicia en el Capitolio y va a ser una
constante durante todo el barroco el edificio es el monumento que expresa
el poder la grandiosidad y la capacidad para transformar la ciudad ahora
tenemos muy claro que el poder está en la ciudad y cómo se manifiesta el
poder a través de la arquitectura la arquitectura va a ser la que domine
todo la que manifieste ese poder y esa grandiosidad la arquitectura va a
ser un ejemplo Versalles va a ser otro ejemplo o las grandes plazas
barrocas francesas constituyen ejemplos paradigmáticos y ahora por ejemplo
vengo he estado explicando la exposición esta que tenéis que hay en MAFRE
que no os la perdáis el MAFRE Recoletos hay una exposición que se llama
El Gusto Francés yo le he cambiado el nombre yo le cambio mucho el nombre
a las exposiciones El Buen Gusto Francés porque realmente cuando se habla
de Francia y de la moda francesa en los siglos XVII y XVIII se hablaba del
buen gusto francés el MAFRE han denominado la exposición El Gusto
Francés pero realmente para mí el nombre tenía que ser El Buen Gusto
Francés y qué sucede pues que España había sido el país preponderante
del mundo desde el año 1500 fijaros que os digo hasta fechas estamos en la
época del emperador Carlos V la época de Felipe II ya en la época de
Felipe III que ello empieza a decaer y ya en la época de Felipe IV decae
¿por qué decae? porque no tenemos un heredero que continúe la dinastía
de los austrias tenemos un heredero que es Carlos II que es un joven
enfermizo es un joven que no se sabe si va a llegar a la edad adulta que
llega casi de casualidad y bueno es un hombre que es incapaz de tener
herederos y con él va a acabar la dinastía eso por un lado por otro lado
tenemos una Francia que empieza a crecer y Francia que había sido la rival
y la oposición directa de España siempre pues sucede un acontecimiento y
es que a partir del año 1660 se manifiesta como la potencia mundial más
importante hoy en día estamos acostumbrados a que las potencias están
fuera la tenemos en Estados Unidos por un lado a nivel político, a nivel
económico en China por otro y entonces pero en aquella época estamos
hablando solamente de Europa el dominio había sido España desde el año
1500 hasta el año 1660 en el año 1660 Luis XIV tiene ya 22 años contrae
matrimonio su primer ministro que es Mazarino va a morir y él tiene una
idea muy clara ya no va a tener más primeros ministros del estilo de los
que ha tenido su padre que han estado Richelieu y Mazarino, que han estado
en la época desde ese reinado de Luis XIII al de Luis XIV Luis XIII muere
cuando Luis XIV tiene 4 años y entonces ese periodo de regencia con esos
políticos Luis XIV no lo quiere y él tiene muy claro que va a gobernar
por sí mismo y para él mismo el rey va a ser el que tenga ese poder
absoluto ¿cómo se manifiesta ese poder absoluto? se manifiesta de la
forma más grandiosa que se puede manifestar y eso como es a través de la
arquitectura Felipe II en el siglo anterior había construido el escorial
¿qué va a hacer Luis XIV? pues llega a Versalles no sé si lo conocéis
Versalles está cerquita de París está a unos 12 o 15 kilómetros de
París y Versalles era como una especie de palacete como un pabellón de
caza cuando llega a Luis XIV ve ese Versalles y decide transformarlo del
pabellón de caza que tenía su padre en un sitio para cazar al principio
va como pabellón de caza pero enseguida 10 años después decide
construirse allí un palacio los reyes de Francia Luis XIII vivían en
París vivían en el Louvre que entonces era el palacio real y Luis XIV
decide con ese cambio de mentalidad que tiene de base del monarca absoluto
a partir de 1700 él llega al poder de una forma absoluta en 1600 y a
partir de 1670 cuando tiene 30 años él es el rey más poderoso del mundo
es el monarca más poderoso del mundo por eso se llama el rey sol realmente
de los dioses el sol es lo más importante el sol se identifica con Apolo
que es el dios del sol y de la luz en la antigüedad clásica y decide
hacer un edificio acorde con él que manifieste su poder que impresione a
todo el mundo que llegue allí y entonces es cuando decide transformar
Versalles y de ese pequeño pabellón de caza decide hacer primero un ala
sur donde va a vivir la familia real luego una ala norte luego va a hacer
alas para los ministros para llevarse allí el gobierno construye lo que
más o menos tenemos hoy en Versalles y en 30 años queda construido ese
monumental palacio de Versalles ¿y cuál es el objetivo? que sea el
referente para el resto del mundo y lo va a ser cuando llega su nieto
Felipe V a España se construye la granja al estilo de Versalles cuando se
quema en la noche buena de 1734 el Alcázar de Madrid se construye un nuevo
palacio al estilo de Versalles mejor que el de Versalles se construye un
palacio mejor que el de Versalles Catalina la Grande de Rusia se construye
un palacio al estilo de Versalles Versalles es el referente para todos
porque Luis XIV es el monarca más importante de su época por eso os digo
en donde se manifiesta el poder el poder se manifiesta en la grandiosidad
la iglesia donde la van a manifestar en San Pedro, en el Vaticano que es
donde concentra su poder en las arcas pues como era Luis XIV es el monarca
más importante no quiere el Louvre que es un museo que han tenido los
reyes anteriores tiene un palacio a su imagen y semejanza y es cuando se
construye Versalles y se traslada él a vivir a Versalles con su familia y
traslada todo la corte a Versalles traslada a los ministros traslada todo a
Versalles y todo eso es reflejo de él bueno, el paisaje va a despertar
bueno, hablando de eso no os perdáis la exposición ya os digo que he
estado explicando ahora la del buen gusto francés porque nos habla de toda
esa relación entre la corte española y la corte francesa como hemos
tenido esos problemas entre la corte española y la corte francesa ya desde
bueno, desde la época del emperador Carlos V acordaros que uno de los
Carlos V tuvo dos grandes problemas en su vida Lutero y el protestantismo y
Francisco I por otro entonces Felipe II es el primer monarca español que
intenta paliar un poco esa situación y se casa con una princesa francesa
se casa con Isabel de Valois para intentar un acercamiento con Francia y
después a lo largo del siglo XVII para intentar manejar esa situación se
establece un doble enlace matrimonial y entonces se van a casar Luis XIII
de Francia con Ana de Austria una infanta española que es hermana del
futuro Felipe IV se va a casar con Isabel de Borbón que es la hermana de
Luis XIII y es el intento de acercamiento luego a su vez Luis XIV se va a
casar con su prima la infanta María Teresa hija de Felipe IV y de Isabel
de Borbón y entonces es la forma de intentar establecer esas alianzas
matrimoniales y por eso todo ese gusto francés que se ha manifestado en
Versalles cuando llega la dinastía de los Borbones a España pues viene
con ellos y entonces hay un cambio de look totalmente en la corte española
que pasamos de esa corte sobria vestida de negro con la gola y la
lechuguilla y pasamos a los palacios con jardines, con fuentes a vestir de
otra manera y a ese buen gusto francés trasladarlo también a la corte
española El paisaje se despierta entre pintores y arquitectos en el siglo
XVII se convierte en un modo de poner ante el espectador un espacio
infinito configurado por sucesión de planos continuos que intentan mostrar
esa totalidad espacial El máximo parangón son lo que os decía los
jardines franceses del reinado de Luis XIV en Louis XIV y en Versalles
Bueno, Versalles fue una obra magna porque no solamente mandó construir
ala sur para la familia ala norte, ala de los ministros sino que el gran
reto de Versalles son sus jardines y sus fuentes porque un palacio se lo
construye cualquiera una pintura la compra cualquiera y una escultura
también pero trasladar el agua a Versalles, que no había agua para
hacerse esas fuentes y esos jardines eso es algo que fue una obra magna y
monumental y con eso estaba demostrando el poder que tenía al resto del
mundo Bueno, en el siglo XVIII hay un agotamiento del concepto de espacio
tradicional y la preparación de una nueva concepción espacial que va a
ser ya la de la arquitectura moderna se redescubre en el siglo XVIII el
arte griego en el siglo XVIII se empiezan a excavar Pompeya y Herculano
también influyen en un nuevo tipo de decoración de interiores fijaros,
por un lado el redescubrimiento del arte griego y esto va a hacer que nazca
un nuevo clasicismo como un nuevo clasicismo nunca lo tenéis que confundir
con el renacimiento la diferencia fundamental que quiero que os quede clara
entre el renacimiento y el neoclasicismo es que el renacimiento vuelve su
mirada a la antigüedad clásica toma los elementos de la antigüedad
clásica pero los adopta a su modo entonces si hacemos un palacio ese
palacio se va a inspirar si os hagáis una idea los palacios de Alberti se
inspiran en lo que es la antigüedad romana y entonces dice tengo tres
plantas y hago como los remanos superposición de obras toscano, jónico y
corintio igual que se hacía en el coliseo o igual que se hacía en los
anfiteatros o en los teatros romanos ¿qué es lo que va a suceder en el
neoclasicismo? pues en el neoclasicismo como ya os digo su propio nombre
indica es un nuevo clasicismo lo que no es que se inspiren en lo antiguo y
lo adapten es que lo repiten literalmente la iglesia de la Madeleine de
Paris es un ejemplo clarísimo la Madeleine es una iglesia que tú la
estás viendo y parece el Parthenon en versión francesa del siglo XVIII
porque es exactamente igual entonces por eso es ese redescubrimiento de
griego y ese nuevo clasicismo que realmente hace todo como en la
antigüedad griega por otro lado fijaros el siglo XVIII los napolitanos
tuvieron la gran suerte de que tenían como rey de Nápoles entre 1734 y
1759 que muere Fernando VI en España durante 25 años tienen como rey a
don Carlos de Borrón que es nuestro Carlos III y entonces durante ese
periodo él impulsa las todo lo que es la excavación de Pompeya a Arculano
no solamente lo impulsa sino que yo creo que es el personaje más honesto
que ha habido en la historia porque no se trajo absolutamente nada cuando
digo nada es nada no se trajo ni un busto él tenía clarísimo que eso
pertenecía a Pompeya a Arculano pertenecía al reino de Nápoles y no se
trajo absolutamente nada todo lo que tenemos nosotros en la Academia de San
Fernando todo lo que tenemos en cualquier sitio ni una sola pieza original
todos los libros son vaciados de escallona que se hicieron sobre los
originales Carlos III cuando vino a España no trajo absolutamente nada
aunque él había sido el descubridor de Pompeya y había mandado descubrir
Pompeya y Arculano realmente no se trae absolutamente nada entonces el
descubrimiento de Pompeya y Arculano con esas pinturas pompeyanas que se
están viendo con ese famoso color rojo pompeyano pues va a poner de moda
la decoración de los interiores una decoración de los interiores donde
ese rojo pompeyano va a influir donde va a influir también ese estilo tan
de grotescos y lo que es el famoso estilo pompeyano pues eso es un poco la
idea y en cambio la geometría en ese neoclasicismo que se va a combinar
con lo decorativo bueno, ya que estábamos hablando de ese estilo he puesto
un poquito el concepto de plateresco lo que es la decoración a candelier y
os he puesto un poquito porque cuando hablamos de la influencia de Pompeya
a veces se nos van un poquito las ideas y no las terminamos de concentrar
entonces el plateresco sabemos que es un estilo que se desarrolla en
España durante el primer tercio del siglo XVI y sus características son
estas que tenemos aquí la continuidad y permanencia de las estructuras
góticas la decoración abundante de estética renacentista los motivos de
conchas los motivos heráldicos los sillares almohadillados, los frontones
todo esto son motivos decorativos renacentistas que se van a combinar con
esas estructuras góticas la decoración realizada con mucha minuciosidad
con mucho detallismo eso es también muy del plateresco y se va a aplicar
ese concepto de plateresco a arquitectura civil es decir en palacios y
universidades en arquitectura religiosa en conventos y en iglesias
universidades que acaban de surgir que han empezado en el siglo XIII o sea
Salamanca la de Bolonia que son las primeras que existen la ciudad por
excelencia del plateresco es Salamanca aunque también Burgos y Valladolid
son ciudades muy platerescas concepto todo grotesco que os decía antes los
grotescos son esos motivos decorativos o bien escultóricos o bien
pictóricos compuestos por seres fantásticos por vegetación y por
animales entrelazados entonces un grotesco es eso seres que son
fantásticos bien animales bien vegetales y entrelazados entre sí gracias
y entonces bueno pues eso fijaros el concepto de grotesco es un concepto
que nos viene de gruta porque cuando sabéis que viene bueno os lo explico
a continuación os lo digo en el siglo XV se descubren en la columna romana
del palatino algunas habitaciones de la Domus Aurea que era el palacio de
Nerón y que están decoradas con estos motivos como se creían que se
trataba de una gruta pues aquellos motivos decorativos recibieron la
denominación de grotescos cuando realmente los grotescos se disponen a
modo de franjas verticales se denomina decoración a candelieri o de
candelabro entonces fijaros yo no sé si alguno conocéis la Domus Aurea yo
estuve hace como 5 años la última vez que estuve en Roma estuvimos
visitando la Domus Aurea también os digo cuando vuelvo no tiene nada que
ver lo único que hacen es que cuando llegas allí te dan un casco como si
fueras a entrar a una obra por si acaso se te cae un cascote encima y vas
pasando por una serie de salas sin ventilación y tal que eso que todos
están descubriendo y luego si te sientan y te dan unas gafas de realidad
virtual 3D para que tú te imagines como era aquello con lo cual bueno no
sé para eso me doy un documental en casa y no me voy a Roma entonces que
os quiero decir con esto que si queréis ir a Roma y queréis ir a la Domus
Aurea que vayáis pero que sepáis un poquito lo que os vais a encontrar
entonces bueno pues esa decoración de grotescos se llama así porque
cuando descubrieron los restos de la Domus Aurea realmente se creían que
era una bruta porque es pensar dónde está el coliseo es la colina así
que está justo al lado entonces se creían que era una bruta y entonces
aparecían esos seres fantásticos de origen vegetal o de origen animal
totalmente entrelazados y eso es lo que se encontraron en los motivos de
las Domus Aureas y por eso se los llamó de grotescos de bruta y ya os digo
perdona no no no siguen existiendo en la Domus Aurea dices en la Domus
Aurea la verdad es que no queda casi nada la Domus Aurea a mí sí que me
sirvió tú que has estado a mí sí que me sirvió por ejemplo el concepto
de la cúpula que siempre está muy denostado en Roma realmente lo usaban
más de lo que pensamos porque se usaba en las termas, en todas las salas
de agua caliente en los caldarios, en todas había una cúpula pero en la
Domus Aurea de Nerón hay una cúpula considerable eso sí se conserva
entonces a mí esa visita a la Domus Aurea me sirvió para ver esa cúpula
y ver cómo realmente eso es una tipo de lo que luego se va a hacer en el
Panteón entonces en ese sentido arquitectónicamente hablando sí que me
sirvió pero nada más porque tampoco había mucho más que ver realmente
basándose en eso que se encontró en este momento es en lo que el
Renacimiento trabaja con esos motivos que os digo de grotesco decoración a
candelieri bueno pues toma su nombre como os decía la decoración que
hacen los orfebres en los candelabros los candelabros que eran del siglo XV
y XVI sabemos que son simétricos entonces esa decoración a candelieri son
un elemento decorativo durante todo el Renacimiento especialmente en el
Plateresco y son motivos decorativos grotescos pero que como se ponen en
franjas verticales pues aparecen muy simétricos entonces cuando los
grotescos aparecen en vertical hablamos de decoración a candelieri, que
bueno que yo creo que son importantes conceptos que tengáis claros porque
hablamos mucho de ellos y luego a veces nos hacemos un lío tremendo y nos
despistamos un poco y que lo tengáis ahí también os he hablado un poco
del rococó y también os he introducido ahí tres conceptos para que os
queden claro lo que es el arte del rococó mirad, el estilo rococó nace en
Francia a principios del siglo XVIII y se va a desarrollar durante los
reinados de Luis XV y de Luis XVI yo ahora que vengo de Maffre hay un
retrato de Luis XIII de Francia hay un retrato ecuestre de pequeño tamaño
de Luis XIV y luego hay un retrato a gran tamaño de Luis XVI que es del
Prado que lo han llevado a la exposición y claro, tú ves a Luis XVI es
que de verdad es para verle sí, sí yo decía bueno, yo viendo este
retrato entiendo la revolución francesa solamente viendo el retrato
entiende uno la revolución francesa porque es un señor con una mirada
altiva lleno de armiño con la mano de la justicia por un lado con la
espada de Carlomagno por otro con el bastón de mando, con la corona ya os
digo con el armiño con vestido con esas polainas que llevaban con ligas
con los tacones y bueno y con una serie de puntillas que bueno yo creo que
una mujer en su vida lleva tantas puntillas juntas como lleva este señor
en el retrato entonces bueno la verdad es que es una época muy particular
la época de Luis XVI y de María Antonieta entonces bueno visto en el
contexto pues es relativamente fácil entender el tema de la revolución
francesa bueno pues ese estilo rococo que nace en Francia a principios del
XVIII y que se desarrolla durante los reinados de Luis XV y de Luis XVI es
un estilo totalmente independiente que surge como reacción al barroco
clásico impuesto en la corte de Luis XIV, Luis XIV había era mucho más
clásico, había impuesto ese barroco en Versalles, en el Louvre etc y
ahora este estilo rococo se caracteriza por la opulencia no es que Luis XIV
no fuera opulento, pero lo era de otra manera lo era creando palacios
creando fuentes, creando jardines pero aquí es la opulencia por la
opulencia y entonces esos colores vivos que van a contrastar el rococo
tiene unos colores muy vivos muy azules, muy rosas que van a contrastar con
el tenebrismo barroco es un estilo totalmente aristocrático es un estilo
que no se da en las clases más bajas, es un estilo que se da en la alta
sociedad con un gusto muy elegante por lo refinado, por lo delicado que
armoniza con la vida despreocupada y agradable de la sociedad y que se
olvida de las cuestiones religiosas es un estilo civil, por decirlo de
alguna forma para los palacetes para las salas, para los muebles para los
relojes, todo ese tipo de cosas es un arte mundano que trata temas de la
vida cotidiana y es un arte frívolo entre comillas entre la aristocracia
se difunde fundamentalmente desde Francia hasta Alemania y Austria y se
desarrolla hasta la llegada del neoclasicismo que se desarrolle hasta esta
zona es lógico porque Luis XVI, su esposa es María Antonieta y María
Antonieta pertenece a la rama Habsburgo pero austriaca con lo cual
lógicamente se va a desarrollar hacia allá el destino rococó proviene de
la palabra francesa rocaille que significa piedra y coquille que significa
concha que son elementos de gran importancia en la ornamentación de estos
interiores tanto la piedra como la concha en la arquitectura los edificios
son sencillos en el exterior mientras en el interior la decoración es
desbordante con elementos ondulantes elementos asimétricos y con
predeminio de los elementos naturales pues lo que os decía, las conchas
las jardinas, las formas vegetales, etc. en este momento alcanza también
mucha difusión el gusto chino se ponen de moda todas las cosas chinas
habían entrado en Europa las porcelanas de China, las telas, las latas se
decoraban los salones occidentales con estos temas representativos y en
pintura abundan las fiestas galantes, las campestres las aventuras
amorosas, las fortesanas las composiciones sensuales y alegres con colores
suaves y claros y sobre todo el dominio de la figura femenina belleza y
sensual va a ser el foco de inspiración para todo lo que es este arte del
rococó en España pues el rococó en España se inicia durante el reinado
de Felipe V que es el primer borbón que inicia su reinado en 1700 a la
muerte de Carlos II hasta 1746 pero su influjo va a ser mucho más limitado
el ejemplo más temprano de la arquitectura rococó es la portada de la
Catedral de Valencia y la fachada del Palacio del Marqués de Dos Aguas
también vais a tener la Catedral de Cádiz proyectada en 1722 por Vicente
Acero que es la fachada más representativa del rococó español y esta
fachada está flanqueada por dos torres octogonales que se organizan en
tres calles ya sabéis que cuando hablamos de una fachada de un retablo,
hablamos de calles cuando hablamos en sentido vertical bueno y hablamos de
cuerpos cuando hablamos en sentido horizontal una fachada o un retablo si
estamos hablando puede tener tres calles o cinco calles verticales y
normalmente tienen dos cuerpos un inferior y otro superior esos conceptos
los tenéis que tener claros a la hora de dominar tanto en arquitectura
como en retablo bueno se organizan tres calles remata con un frontón
triangular es convexa y las otras son cóncavas con lo cual estamos dentro
de esa línea cóncava-convexa que es tan barroca otro ejemplo es la
fachada de la Catedral de Murcia la Catedral de Murcia de Jaime Bor hay que
destacar el empleo del estilo rococó en los proyectos decorativos de los
interiores de los palacios de la familia real y sobre todo el famoso Salón
Gasparini en el Palacio Real de Madrid que es una maravilla el Salón
Gasparini personalmente a mí es el que más me gusta de todo el Palacio
Real me imagino que lo conocéis aprovecho para deciros que en el Palacio
Real de Madrid han puesto hace muy poco al público el único caraballo que
tiene patrimonio que es Salomé con la cabeza del bautista de caraballo y
lo han puesto en la sala de los estucos entonces lo han hecho como un
reclamo muy bueno porque lo han puesto ahí en esa sala la sala es
pequeñita y han puesto ahí el caraballo como una pieza única y ese
caraballo sabéis que llevamos años que se está construyendo un museo de
patrimonio nacional y entonces se tenía que haber abierto con el tema este
de la pandemia se han ido posponiendo las cosas y ese caraballo que pone
dice que va a ser una de las piezas que va a ir al museo de patrimonio
entonces creo que con mucho acierto lo han puesto a la vista en la
colección porque yo lo he visto en otras ocasiones en alguna exposición
pero nunca está expuesto al público entonces lo han puesto al público
ahora y después va a ir al museo de patrimonio o sea que si no podéis
verlo por lo que sea no os preocupéis que va a ir al museo de patrimonio
porque es una buena excusa para ir al palacio real que siempre viene bien y
además es gratis todas las tardes de lunes a jueves seguimos el panteón
de Roma el tercer libro de arquitectura de Serlio que es del año 1540
presenta la planta el alzado y el interior y el exterior del panteón
remarca que el inventor eligió la planta circular en la parte con el todo
y donde se reconoce la doctrina vitruviana de las proporciones y su
repercusión en la configuración del espacio ya sabemos el panteón tiene
forma circular está cubierto totalmente por una cúpula de 43 metros de
diámetro y de altura y el círculo es la forma más perfecta es lo que se
identifica con la eternidad con el infinito y por lo tanto con Dios en
cualquier rectángulo en cualquier pieza geométrica hemos tenido que
empezar por uno de los lados pero en un círculo tu clavas un compás y
nadie sabe por donde has empezado y por donde has terminado con lo cual el
círculo siempre se considera esa forma más perfecta y al ser la más
perfecta es el símbolo de lo eterno y el símbolo vinculado a Dios si os
dais cuenta realmente el símbolo del infinito matemático son dos
círculos unidos y tumbados aquí es esa idea la proporción armónica del
renacimiento la arquitectura es ¿se ha ido el sonido otra vez? lo siento,
¿me seguís? pues sí salir y volver a entrar efectivamente gracias yo
este año ya os dije que voy a organizar un viaje a Florencia al año que
viene o al siguiente organizaré uno a Roma porque yo voy muy a menudo a
estos sitios, me encanta me encanta Roma, me encanta explicar Roma y vamos,
el Panteón es un edificio absolutamente maravilloso para verlo para
explicarlo además ya tengo cogido el sitio para explicar el Panteón que
lo explico desde la iglesia de Santa María Sopra Minerva es el sitio
perfecto para explicar el Panteón la proporción armónica del
renacimiento mirad, la arquitectura es una ciencia y cada parte del
edificio tanto por dentro como por fuera debe estar integrado en un sistema
de relaciones matemáticas está clarísimo que la la arquitectura es
matemática pura y entonces el edificio está en consonancia con esas
reglas matemáticas entonces todo el edificio es un sistema de multiplicar
y dividir por un determinado número temático por un determinado módulo
que cada arquitecto va a escoger el edificio debe reflejar las proporciones
del cuerpo humano el hombre está hecho de imagen y semejanza de Dios y las
proporciones de su cuerpo provienen de la voluntad divina del mismo modo
que las proporciones de la arquitectura deben de reflejar el orden cósmico
entonces es la idea de que el hombre es un ser perfecto porque está hecho
de imagen y semejanza de Dios y en ese sentido la arquitectura tiene que
seguir esas proporciones en ese orden cósmico en la mentalidad religiosa
un muro contiene muchas posibilidades armónicas latentes dentro de una
escala musical cuya validez está fuera de toda duda mirad, en el
Renacimiento aparte de poner en alza y en auge las matemáticas y que todo
edificio tiene que tener unas proporciones matemáticas en el Renacimiento
también esas matemáticas lo ponen en consonancia con la música entonces
los edificios de alguna manera siguen una escala musical están
relacionados con la música porque la música también en el fondo está
relacionada con las matemáticas y entonces es poner todo en relación una
cosa con otra de hecho siempre se ha dicho yo me acuerdo cuando estudiaba
la fachada de Santa María Novela que se podía llevar a la escala musical
de lo armónica que era vamos a ir estudiando alguno de estos edificios del
Renacimiento y tenemos a Brunelleschi la sacristía vieja de San Lorenzo
esto está en Florencia se hace entre 1421 y 1428 la sacristía vieja de
San Lorenzo es un espacio cuadrado cubierto con una cúpula sobre pechinas
y este mismo concepto de espacio centralizado lo va a volver a emplear en
la Capilla Paci y en Santa Croce o sea que fijaros Brunelleschi este
concepto de espacio centralizado con cúpula lo va a poner en la sacristía
vieja de San Lorenzo la sacristía vieja de San Lorenzo para que os hagáis
una idea entramos en la basílica de San Lorenzo y al fondo, a la
izquierda, al lado del altar está la sacristía vieja para que nos
ubiquemos la Capilla Paci ¿dónde está? está en la iglesia de Santa
Croce pero no está dentro de la iglesia tú vas a Santa Croce terminas de
ver Santa Croce sales por una puerta lateral se sale una especie de patio o
de jardín y ahí está la Capilla Paci no como parte integrante de Santa
Croce sino como un espacio en esa especie de patio que tienen dentro de la
iglesia de Santa Croce en estos dos pequeños espacios arquitectónicos se
combinan las figuras geométricas del cuadrado, el círculo y el triángulo
que están sometidas a esas leyes fijas tanto la Capilla Paci como la
sacristía vieja son espacios centralizados con cúpula y es una forma de
poner en escena a pequeño tamaño lo que luego va a ser la famosa cúpula
de Santa María del Fiore a gran tamaño todos estos espacios hechos por
Brunelleschi si en las cúpulas lo que resaltamos es la verticalidad el
camino hacia Dios en el hospital de los inocentes en el pórtico del
hospital lo que resaltamos es la horizontalidad el Renacimiento es un arte
como nos decía Hauser es un arte de verticales y horizontales y hay un
libro que recomiendo siempre que no sé si lo habréis leído que es de
Wolflin se llama Conceptos Fundamentales en la Historia del Arte yo os lo
voy a poner aquí Wolflin Conceptos Fundamentales en la Historia del Arte
Wolflin Conceptos Fundamentales en la Historia del Arte ese libro a mi me
lo hicieron leer a principios de segundo de carrera y es yo creo que de
todos los libros que he leído en la carrera el único que no se me va a
olvidar nunca por una razón muy sencilla porque fijaros Wolflin primero
porque Wolflin es muy claro escribiendo y se lo entiende muy bien cosa que
es de agradecer porque los libros no siempre son claros y no siempre
transmiten mensajes directos entonces Wolflin en este libro Conceptos
Fundamentales en la Historia del Arte yo os puedo decir que después de
leerlo tendrá doscientas y pico páginas para que os hagáis una idea a mi
me quedó muy claro lo que era el Renacimiento y lo que era el Barroco y no
se me ha olvidado nunca más tenía 19 años cuando lo leí y no se me ha
vuelto a olvidar pues después de leerte el libro te queda muy claro que el
Barroco es un arte de verticales de horizontales de belleza de armonía, de
equilibrio y de simetría el Renacimiento el Renacimiento es un arte de
verticales y horizontales de belleza, de armonía de equilibrio y de
simetría y el Barroco es justo lo contrario el Barroco es un arte de
diagonales de escorzo, de movimiento de dinamismo y de claro-oscuro es
decir, es justo lo contrario entonces yo cuando tengo que explicarlo en una
clase de Historia General del Arte cojo dos esculturas que me parecen el
prototipo cojo el David de Miguel Ángel y el David de Bernini y son
clarísimas lo explico cuando voy a Florencia en la Academia el David de
Bernini lo explico cuando voy a Roma en la Galeria Borges si vosotros
visualizáis ahora mismo os digo por no andar entrando y saliendo si
visualizáis el David de Miguel Ángel el David de Miguel Ángel es
vertical es sereno, es equilibrado es armónico, es bello es todo lo que os
acabo de decir es como el prototipo del Renacimiento en estado puro
verticalidad simetría belleza, armonía el David de Bernini no sé si lo
conocéis es un David a los que estáis en casa buscarlo yo a los
compañeros os lo voy a poner aquí a los que estáis en clase David visual
madre mía mirad este es el David de Jan Lorenzo Bernini fijaros nada que
ver con el de Miguel Ángel el de Miguel Ángel era la verticalidad, la
belleza la armonía, el equilibrio y este es el movimiento, el dinamismo el
esfuerzo esto es puro barroco movimiento dinamismo, esfuerzo pero fijaros
me vengo aquí sobre todo mirad el rostro fijaros está apretando los
labios está manifestando el esfuerzo de lo que está haciendo mientras que
el David de Miguel Ángel es pura armonía y pura belleza me voy al rostro
porque el cuerpo ya le conocemos mirad Miguel Ángel nos está
proporcionando a un David que está pensando los dos plasman el mismo tema
pero mientras que Miguel Ángel está haciendo un David que tiene la onda
sobre el hombro y está pensando cómo va a lanzar la onda entonces está
sereno es bello, es armónico es esa verticalidad esa armonía, ese
equilibrio esa belleza está pensando el otro es puro dinamismo el otro
está moviéndose está haciendo el esfuerzo para lanzar en cambio en este
aquí no hay esfuerzo aquí hay serenidad, armonía y belleza ¿por qué?
porque el David de Miguel Ángel es una obra del renacimiento ¿y en qué
se inspira Miguel Ángel? pues Miguel Ángel se inspira en esto en el
discóbalo de Mirón mirad el discóbalo de Mirón todos conocemos el
discóbalo bueno, conocemos las miles de copias que hay del discóbalo no
existe, el original no existe entonces todo lo que conocemos son copias
romanas que se hicieron vamos a ver las esculturas griegas las conocemos a
través de las copias que hicieron los romanos originales griegos es que
quedan para contar con los dedos de una mano tienes el trono Ludovici de
Afrodita que está en el Museo de Arte Antiguo de Roma tienes la auriga de
Delfos que está en Delfos tienes el Hermes con el Niño de Onísos de
Prasítenes y pocos más muy poca cosa más todo lo demás son copias que
hicieron los romanos sobre originales griegos porque los griegos trabajaban
con dos tipos de materiales por ejemplo los griegos han trabajado con una
técnica con la que he murido con ellos es la técnica crisolefantina los
griegos trabajaron para los dos edificios más importantes que se crearon
que fue el Parquenón y el templo de Zeus en Olimpia que hizo dos
esculturas para el Parquenón hizo la famosa Artenea Parthenos y para el
templo de Zeus hizo un Zeus entronizado, un Zeus olímpico y entonces eran
esculturas de oro y marfil eso se llama técnica crisolefantina que nació
y murió con los griegos porque además eran unas esculturas entre 12 y 15
metros con lo cual qué pasó que como geográficamente Grecia está al
lado de Turquía y de todas las invasiones que vienen a Europa igual que a
nosotros en España no nos llegan nunca esas invasiones porque se tocan
siempre a Grecia bueno pues en todas las invasiones que ha tenido Grecia
qué ha pasado pues que han saqueado los templos entonces claro si tú
tienes una escultura de 12 metros que es de oro y de marfil pues es un
botín de guerra fantástico fundes el oro lo fundes y tienes marfil por un
lado que es muy valioso y oro por otro con lo cual fue una técnica que
nació y murió con ellos y los griegos trabajaban casi todo en bronce y el
bronce también lo puedes fundir y convertirlo en armas entonces qué
hicieron los romanos copiar todo lo que habían hecho los griegos pero en
mármol o en piedra entonces lo que tenemos hoy en día son las copias que
hicieron los romanos sobre los originales griegos yo digo originales quedan
poquísimos entonces el discóbulo de Mirón aquí lo tenéis hay muchas
copias del discóbulo de anatomía, de equilibrio fijaros que brazos
fijaros que piernas fijaros que abdominales tiene bueno tiene un cuerpo
perfecto para eso es una aldea pero me voy a ir a lo que quiero enseñaros
que es esto mirad que cae ¿esto es real? pregunto ¿esto es real? no, esto
no es real un señor que está haciendo este esfuerzo no puede tener la
cara de póker que tiene aquí a ver tendría que tener esta cara ay
perdón esta cara, tendría que tener que reflejar el esfuerzo físico que
está realizando pero el discóbulo tiene esta cara una cara totalmente
inexpresiva ¿los griegos no saben hacer expresividad? claro que saben pero
no quieren porque para los griegos el elemento fundamental es la belleza si
nosotros manifestamos alguna emoción perdemos esa belleza por eso salimos
bien en las fotos cuando son un poco robadas porque cuando posamos hacemos
una risa ajustada hacemos un gesto forzado no sabemos cómo ponernos y en
cambio cuando no posamos estamos de forma natural y normalmente las fotos
salen mejor si el discóbulo estuviera manifestando esto hubiera perdido
esa belleza maravillosa que tiene porque estaría manifestando el esfuerzo
porque realmente es esto lo que está haciendo miradlo aquí pero si yo le
pongo el esfuerzo ya pierdo esa belleza maravillosa de lo que es el
clasicismo griego entonces para los griegos la belleza depende de dos cosas
de la proporción perfecta entre las partes del todo y de la inexpresividad
la belleza es eso, proporción e inexpresividad una persona es bella cuando
está proporcionada no es bello por medir 1.60, 1.70, 1.80 o 1.40 es bello
porque está proporcionado con arreglo a su tamaño independientemente del
tamaño que tenga y es bello cuando es inexpresivo porque la inexpresividad
es la belleza por eso cuando Miguel Ángel hace el David, el maravilloso
David es vertical es equilibrado es armónico es bello y es inexpresivo
porque está siguiendo está en el renacimiento está volviendo a la
antigüedad clásica la Grecia clásica a Bernini esto no le interesa
Bernini pertenece al movimiento barroco pertenece a otra historia y Bernini
está plasmando pues una especie de discóbalo en vez de lanzar el disco
está lanzando la onda el tema es muy similar lo que quiero deciros con
esto es que en la historia del arte los temas siempre son los mismos la
puesta en escena depende de la época y del artista en la época del
renacimiento como lo que tengo que plasmar es belleza, armonía,
verticalidad pues Miguel Ángel elige esto que además mejor no lo pudo
hacer ya me fue imposible pero esto a Bernini no le vale y Bernini necesita
plasmar bueno, media hora más Bernini necesita plasmar algo de su época
movimiento fijaros la diferencia movimiento, dinamismo, fijaros el pie
delante apenas apoyado el pie de atrás apoyado solo sobre los dedos de los
pies fijaros como tiene todo el cuerpo retorcido, contorsionado para lanzar
la onda pero sobre todo la expresividad porque para el barroco ya no
importa la belleza lo que importa es la expresividad ha cambiado el
concepto tiene que plasmar otra cosa otra serie de cosas y a mí ya os digo
me gusta mucho poner comparar a estos dos porque es el mismo tema pero
dependiendo de la época de la historia del arte en la que estemos se va a
tratar de forma diferente y luego claro depende mucho también de la
personalidad del artista pero sobre todo de la época en la que estamos
pues un artista del renacimiento va a trabajar de una manera y un artista
del barroco va a trabajar de una forma muy diferente lo que cambia es la
forma de plasmarlo la puesta en escena si nos vamos a otro tema imaginaros
un San Lorenzo San Lorenzo sabemos que murió en una parrilla si eso lo
hace un autor del renacimiento le pondrá apoyado en la parrilla
mostrándonos la parrilla como elemento de su martirio a un barroco eso no
le vale un barroco le tiene que poner en la parrilla el fuego bien fuerte
para darnos idea de que sufrió ese terrible martirio porque la verdadera
fe es la católica contra la protestante estamos en codesearte al servicio
de la contrarreforma ¿puedes cerrarme esto? dime bueno yo creo que es más
buscarle tres pies al gato no creo que se hiciera con esa determinada idea
sino que vista en perspectiva aérea realmente es cuadrado y tiene como un
saliente y le puedes ver la forma de la parrilla pero yo creo que es buscar
sobre algo que ya hay es buscar algo yo creo que el concepto es al revés
me voy con los de casa ¿alguna duda? ¿alguna pregunta a los de casa? no
sé si habéis ido abriendo el discóbolo el David de Miguel Ángel el
David de Bernini como he hecho yo en clase y habéis ido comparando y
habéis ido notando las diferencias que hay entre uno y otro y sobre todo
lo importante es eso saber que el tema siempre va a ser el mismo pero la
puesta en escena va a variar de la época y del renacimiento al barroco
varía muchísimo porque fijaros en el renacimiento hay una sola fe todos
somos cristianos con lo cual esa vuelta a la antigüedad clásica esa
belleza, esa armonía ese equilibrio todo eso es maravilloso y todos nos
deleitamos contemplando imágenes de la Virgen de Cristo, de no sé qué a
todos nos resultan atractivas y bonitas en el momento que surge la reforma
protestante eso ya no nos vale porque el arte tiene que mover a devoción y
entonces no me puedo quedar en la contemplación estética de Cristo tengo
que pensar en lo que Cristo sufrió o un santo determinado sufrió por la
verdadera fe frente a la protestante entonces por eso no es que todos los
artistas del barroco sean a ver, un poco sádicos sino que sencillamente
responden a esa estética y tienen que hacer cuadros que muevan a devoción
que es lo que le están pidiendo sus clientes o comitentes que son la
iglesia o la corona o quien tenga dinero para pagarse la obra de arte por
eso el arte siempre va a estar vinculado al poder desde los orígenes de la
historia siempre vinculado al poder porque al artista hay que pagarlo es
igual que hoy en día todos nos podemos hacer una foto pero no todos nos
podemos hacer un retrato o no hombre, dependiendo de los artistas si nos
damos un retrato de un artista que no es conocido y encima es bueno pues
muy bien, yo tengo uno estupendo de un artista que no es conocido pero es
un pastel no es un óleo pero un retrato en condiciones ¿quién se puede
comprar ahora? os voy a poner un ejemplo cercano que lo vais a entender
¿quién se puede comprar un cuadro de Antonio López? no creo que nadie
que esté en esa clase se pueda comprar un Antonio López pues siempre va a
ser así bueno seguimos, que no sé cómo me he ido del Hospital de los
Inocentes al David de Miguel Ángel el Hospital de los Inocentes la Capilla
Pachi o San Lorenzo o la propia Santa María del Fiore marcan la
verticalidad con la cúpula el Hospital de los Inocentes el pórtico del
Hospital de los Inocentes que es lo que va a hacer Brunelleschi entre 1421
y 1428 lo que va a hacer es marcar la horizontalidad que es el otro
elemento del Renacimiento verticalidad y horizontalidad entonces la
arquitectura de Brunelleschi se ha circulado a partir de un módulo
previamente establecido y el ancho del vano del pórtico va a ser igual al
alto de las columnas entonces el arquitecto hace eso es decir, el ancho del
vano el intercolumne o el espacio que hay entre una columna y la siguiente
es del mismo tamaño que el alto de la columna con lo cual a golpe de vista
nos resulta totalmente perfecto y armónico y a su vez esa es la misma
distancia que hay al fondo del pórtico con lo cual se crea una forma
cúbica perfecta ancho, alto y profundo pues eso es un módulo un módulo
es una medida determinada que multiplicada o dividida me pueda permitir
hacer un edificio perfectamente articulado y armónico y así es como se
hace así es como Brunelleschi crea esa forma cúbica para el Hospital de
los Inocentes se hace nueve veces en perspectiva entonces yo ya tengo esa
forma la repito nueve veces y así tengo ese pórtico perfectamente
centrado un acceso y cuatro a cada lado comprendido el espacio por lo tanto
se racionaliza la perfección de las dimensiones del edificio tanto en el
interior como en el exterior ya no es empírica, es racionalizada el
arquitecto se está moviendo en unas medidas matemáticas concretas que
plasma el dibujo que plasma donde sea bueno, nos vamos ahora de esa
Florencia Brunelleschi nos vamos a Roma a Roma y a la arquitectura
clasicista en el año 1500 Donato Gramante llega a Roma Donato Gramante
sabéis que antes de ser arquitecto fue pintor y es muy importante que
sepáis esto porque si no hay una iglesia en Roma es que no me quiero salir
de mucho hay una iglesia en Roma uy, en Roma, en Milán en la que
interviene Donato Gramante que es San Sátiro que no sé si habéis oído
hablar de San Sátiro no sé si hablo de ello más adelante Donato Gramante
empieza siendo pintor tiene algunas pinturas en la Pinacoteca de Brera de
Milán y como es pintor le encargan en la iglesia de San Sátiro la iglesia
de San Sátiro es una iglesia pequeñita de Milán le encargan que haga la
parte del ábside en la parte del ábside para que os hagáis una idea
tiene medio metro, no hay tamaño y entonces deciden encargarle esto a
Donato Gramante porque es arquitecto pero también es pintor y juega con la
ilusión ética de la perspectiva y entonces yo cuando fui a San Sátiro a
Milán son cosas que realmente si no las sabes si no te acercas mucho ni te
das cuenta entonces tú entras en la iglesia de San Sátiro que ya os digo
no es muy grande entras por la puerta y tú ves al fondo según entras
estás viendo el ábside y el ábside te parece un ábside normal con
profundidad a medida que te vas acercando yo porque ya lo sabía a medida
que te vas acercando yo le hice a la gente acercarse a la gente que venía
explicándole cosas le hice acercarse por la parte central de la iglesia y
a medida que nos íbamos aproximando al altar le dije y ahora os vais a los
lados cuando te vas a los lados te das cuenta que el ábside no tiene tres
metros ni dos, tiene muy pocos centímetros es muy pequeño, tiene menos de
un metro y él con esa ilusión óptica crea una bóveda de tal manera que
cuando tú la ves desde la entrada del edificio cuando tú vas caminando
por la iglesia te parece que allí hay un ábside bueno pues un ábside con
un tamaño de un par de metros o más y a medida que vas caminando te das
cuenta y sobre todo te vas moviendo izquierda y derecha te das cuenta que
realmente se te mueve el espacio porque es un efecto ilusionista es un
efecto óptico bueno pues esto os lo quería decir porque ya no me acuerdo
si hablo de ello más adelante pero para que estuvieramos ahí en el año
1500 Donato Bramante se va de Milán y llega a Roma y allí conoce la
arquitectura clásica por lo que su estilo va a sufrir un gran cambio se
olvida del carácter pictórico y se dedica a aplicar principios clásicos
el carácter pictórico es lo que os he dicho es trabajar en San Sápiro y
crear ese efecto óptico de que hay un espacio donde realmente no lo es
¿qué es lo que va a hacer en Roma? lo primero que va a hacer su punto
culminante de proporciones va a ser el templete de San Pietro en Montorio,
en Roma va a ser creado el concepto va a ser creado por Serlio y por
Palladio en sus tratados convirtiéndose en el modelo de planta circular
Serlio y Palladio son los que hablan de ello pero el primero que lo va a
llevar a la práctica en un edificio va a ser Donato Bramante la
proporción y la simetría van a ser los elementos que definen la
arquitectura de San Pietro en Montorio el espacio es circular el espacio
del templete es realmente circular y las columnas que le rodean definen la
armonía entre las partes y el todo realmente el templete es un manifiesto
de lo que es el arte clasicista es un manifiesto del clasicismo mirad, el
templete se crea en 1503 y es un templete conmemorativo se va a erigir en
1503 para envolver fijaros lo que os digo, para envolver en el monte
Gianicolo donde según la tradición el apóstol San Pedro había sido
crucificado entonces de hecho debajo del templete cuando entras al templete
hay una especie de ventanita que te deja ver una roca que hay abajo
entonces lo que dice la tradición es que sobre esa roca se colocó la cruz
en la que murió San Pedro y que este templete se levanta ahí para
conmemorar es una especie de martiria para conmemorar el lugar donde fue
martirizado San Pedro bueno, tiene planta circular ¿por qué? porque los
mausoleos son circulares en esa idea de eternidad un mausoleo es circular
por la idea de eternidad y entonces con esa misma idea de eternidad hace un
templete circular con una cúpula conectando lo terrenal con lo celestial
que haya muerto martirizado San Pedro y que va directamente al cielo
¿quién manda construir este templete? pues fijaros, los reyes católicos
Isabel y Fernando fue costeado por los reyes católicos y se lo encargan al
arquitecto más importante del momento que es Donato Bramante quien
después de una larga estancia en la Milán de los Esforza se había
trasladado a la Roma Brabante, que había nacido cerca de Urbino y había
trabajado al servicio del Papa Julio II en Roma entre sus proyectos más
famosos está el diseño de la planta de la nueva basílica de San Pedro
él va a diseñar el Papa Julio II le encarga de diseñar la nueva
basílica de San Pedro entre 1505 y 1506 el templete de San Pietro y
Montorio sirvió de inspiración para dicho proyecto de planta centralizada
el templete de Bramante que es de 1503 puede considerarse como el paradigma
del templo ideal tal y como lo vemos en algunas pinturas mirad, ya hay
pinturas en las que se habla de templos circulares templetes circulares
pero Bramante es el primero que lo lleva a la práctica como arquitectura
entonces, hay una pintura que me imagino que cuando uno va a San Pedro y
vamos a la Capilla Sistina en la Capilla Sistina todos vamos mirando al
techo de Miguel Ángel y al juicio final de Miguel Ángel pero en la
Capilla Sistina hay muchas más cosas en las paredes laterales de la
Capilla Sistina hay pinturas y entre esas pinturas está las llaves de San
Pedro de Perugino que es del año 1480 que está en la Capilla Sistina y en
esa entrega de las llaves de San Pedro de Perugino aparecen esos templetes
circulares y también en otra pintura que está en la Pinacoteca de Brera
que son los desposorios de la Virgen de Rafael que es de 1504 también se
reproducen esas arquitecturas circulares bien ¿qué tiene que ver Bramante
con todo esto? si os dais cuenta Perugino es de la misma zona mirad
Perugino es de la misma zona de esa zona de Milán y en el taller de
Perugino se forma Rafael entonces Perugino ya tenía trabajado con esas
arquitecturas circulares como templo ideal pero en pintura que es mucho
más fácil que en arquitectura después lo hace Rafael en esos desposorios
de la Virgen y justo el año antes Bramante lo va a llevar a ese templete
de San Pietro y Montorio bueno, el templete es un directo descendiente de
los tolos griegos ¿os acordáis de los tolos griegos? unos edificios
circulares de columnas que no sabemos muy bien cuál era su finalidad y
antes del templete de San Pietro y Montorio como edificios circulares
tenemos los tolos griegos o los templos de Vesta los templos dedicados a la
diosa del fuego sagrado y del hogar que también eran templos circulares y
como templo circular por excelencia, el Panteón muy admirado por donate
Bramante y que le conoce cuando va a Roma entonces, como antecedentes de
templos circulares solo tenemos eso, los tolos griegos los templos de Vesta
y el Panteón bueno, el templete es un templo circular, se asienta sobre
tres escalones y un pequeño podio bueno, los templos griegos se asentaban
todos sobre tres escalones, estereobatos estilobatos, acordaros y los
templos romanos en vez de sobre tres escalones se asentaban sobre un podio
pues aquí lo que hace Bramante es combinarlo pone tres escalones y un
pequeño podio, está combinando lo griego y lo romano sobre el podio
descansa una fila de 16 columnas y justo el iso si tiene base y justo el
iso es orden toscano, ya no es dórico es un orden ya romano el orden
toscano tiene un friso con triglifos y metopas, igual que el orden dórico
y conforma un entablamento toscano y en esas metopas igual que los griegos
ponían escenas de la mazonomaquia o de la titanomaquia que se pone aquí
al ser un sitio religioso pues elementos litúrgicos hasta aquí son todos
los elementos siguiendo el modelo clásico en la parte superior hay una
balaustrada que rodea al templete y que da paso al tambor y la cúpula en
el segundo piso tambor y cúpula la proporción y la simetría van a
definir esta pequeña arquitectura la planta circular del templete la
columnata y el espacio se rigen por la simetría y la proporción entre las
partes y el todo la obra constituye ese magnífico manifiesto del
clasicismo San Pietro de Montorio cumple todos los requisitos establecidos
por Alberti para la iglesia ideal el tempieto se considera la muestra más
perfecta de unidad y esencia infinita o sea, es el manifiesto clasicista
por excelencia establece un módulo de las columnas es dos tercios de su
altura y a partir de esto multiplicándolo va definiendo las medidas de
todas las partes del edificio basándose en la ley de proporciones
vitruvianas, lo que os decía lo importante es la relación de proporción
entre las partes y el todo que el edificio sea armónico a la vista junto a
la proporción aparece la perspectiva que jugó un papel esencial en el
concepto espacial del renacimiento tanto en pintura como en arquitectura
sabemos que en el renacimiento hablamos por primera vez de perspectiva se
plasma por primera vez la perspectiva por lo tanto la perspectiva va a
jugar un papel fundamental y ahí lo tenéis este es el templete de San
Pietro de Montorio el templete de San Pietro de Montorio está os dais
cuenta está en un espacio muy pequeño esto es un patio es la iglesia de
San Pietro de Montorio está como su propio nombre indica a lo alto de un
monte esta pared de la izquierda es la iglesia y la pared de la derecha es
la academia de España en Roma y aquí está el templete si os dais cuenta
todo lo que os acabo de decir hay tres escalones que nos vienen del mundo
griego clásico pero encima de los tres escalones hay un pequeño podio
como en Roma con lo cual está combinando los tres escalones griegos con el
pequeño podio romano después tenemos una columna de fuste liso con basa y
un equino y abaco toscano por lo tanto en orden toscano aquí tenemos los
triglifos sobre las columnas o en los intercolumnios y las metopas en los
espacios con esos elementos litúrgicos tenemos la balaustrada y ya por
último el tambor con la cúpula y todo ello marca ese orden ascendente de
un espacio pequeño acupulado y esto es un edificio totalmente centralizado
con cúpula yo he estado tres o cuatro veces aquí estas puertas siempre
son estas cerradas pero en alguna ocasión he conseguido verlas abiertas se
puede entrar dentro por dentro no hay nada es un espacio diáfano muy
pequeño hay unas paredes pero por la parte de atrás hay como una especie
de pequeño ventanal por el que se ve esa famosa piedra sobre la que la
tradición dice que fue martirizado santo la iglesia entera no él hace la
parte del presbiterio la iglesia entera no en el milán lo que hace es el
presbiterio de santa maría de legracci y lo que hace es el ábsides de san
satiro vale pero aquí en roma lo que va a hacer es esto el famoso templete
de san pietro y montorio y aparte del templete de san pietro y montorio
julio segundo le encarga el diseño de la basilica vaticana la basilica
vaticana vaticana estaba en muy malas condiciones era de la época de
constantino el emperador constantino del siglo cuarto tenía mil años mil
años literales que no es una forma de hablar y estaba en muy malas
condiciones y entonces julio segundo tiene dos opciones o la reforma o la
tira y construye una nueva entonces decide que quiere una iglesia un poco a
su estilo, a su forma y va a lo que va a hacer es construir una nueva
basilica vaticana se le encarga también a donato gramante y donato
gramante proyecta una planta centralizada de cruz griega que la planta
centralizada está de moda en el renacimiento empezamos con este templete y
luego con ese diseño de planta de cruz griega una planta de cruz griega
con cuatro grandes pilares en el centro para soportar una gran cúpula que
me ponga en contacto con la eternidad porque aquí fue martirizado san
pedro pero fue enterrado en el vaticano que ahí hay esa pequeña que a
veces hay un problema de desinformación incluso en los documentales que yo
veo en televisión hay esos problemas entonces la tradición dice que aquí
fue martirizado y por eso se hace aquí este templete y en cambio fue
enterrado en la zona donde está hoy en día el vaticano y se levanta la
basílica vaticana para conmemorar el lugar donde está enterrado san pedro
y los demás padres entonces bramante le dio tiempo a construir los cuatro
grandes pilares sobre los que se va a sustentar la cúpula y eso es lo que
va a hacer donate bramante porque no le va a dar tiempo a más de acuerdo
pero bueno el templete quería que lo vierais porque os he dado toda la
información ya posible que se podía dar sobre el templete y ahí está
dudas, preguntas sobre esto que tal vamos bien de casa bien seguís bien
bueno pues seguimos un poquito más y ya lo dejamos bueno vamos a ver vamos
a terminar de ver a donate bramante o por lo menos a intentar verlo vamos a
ver el proyecto del patio del belvedere en el año 1505 mira bramante os he
dicho que hace el templete san pedro y montorio que se proyecta la
basílica vaticana que los cuatro grandes pilares que existen hoy todavía
y ya no le da tiempo a más porque se muere y no le da tiempo a más porque
el papa le encarga el patio del belvedere el proyecto del patio del
belvedere en el año 1505 mirad esto venía de atrás el papa nicolás
tercero en el año 1279 había trasladado su residencia al vaticano desde
el palacio de letrán antes los papas vivían en la zona de letrán de san
juan de letrán en 1279 trasladaron su residencia al vaticano para estar
más cerca de la tumba de san pedro cerrando esta zona con muros y creando
un huerto y un jardín entonces a partir de finales del siglo 13 es cuando
el vaticano empieza a tomar forma como tal se empieza a cerrar con esos
muros con esa valla con un huerto y con un jardín y con unos jardines
amplios importantes bueno el palacio vaticano que es donde reside el papa
estaba situado junto a la basílica de san pedro pero la antigua la de
constantino en un rincón de la muralla inocencio octavo que murió en 1492
construyó un nuevo palacio situado sobre un promontorio llamado por ello
palacio del belvedere belvedere literalmente significa bellas vistas el
belvedere es una zona desde donde hay unas vistas bonitas, unas bellas
vistas es decir hay un gran mirador con el aspecto medieval que le
proporcionaban sus almenos en realidad tenemos a dos papas que se instalan
allí y uno de ellos en ese palacio del belvedere porque tenía esas bellas
vistas vamos a ver que es lo que le encargan a donato bramante bramante va
a hacer el patio julio segundo quiere remodelar el área del vaticano con
un proyecto de donato bramante que no va a haber terminado su obra porque
ya os digo que muere para unir el vaticano con la colina en la que había
una antigua edificación conocida como casino del belvedere por sus
magníficas vistas realmente lo que le encargan a bramante es eso que una
esa edificación con esa zona de estupendas vistas entre 1503 y 1504 de
siglo bramante le presenta a julio segundo al papa un proyecto grandioso
influido por su conocimiento de las villas romanas él le plasma ese
proyecto porque él conoce lo que son las villas romanas y le plasma un
proyecto muy grandioso y propone enlazar ambos edificios mediante un enorme
patio entonces para enlazar los edificios hace un enorme patio salvando el
desnivel con sucesivas escalinatas un edificio y otro lo que tenemos es una
zona de desnivel importante por eso hay buenas vistas un enorme patio
salvando el desnivel con escalinatas el proyecto se concluyó a lo largo de
ese siglo bajo el diseño original de donato bramante se realiza una
remodelación del paisaje que fue dividido en tres nuevos patios al estilo
del paisaje del renacimiento en principio ese patio se va a dividir en tres
patios el cortile del belvedere cortiles patio en italiano el cortile del
belvedere el cortile de la biblioteca y el cortile de la piña el famoso
patio de la piña este conjunto aunque no llegó a realizarse como bramante
lo había pensado organizaba el espacio desde el punto de vista único y la
perspectiva monofocal propia del clasicismo del renacimiento al igual que
la cámara oscura de la fotografía parte de un punto de vista único e
inmóvil cuando realmente los seres humanos tenemos dos ojos móviles el
punto de vista único e inmóvil del clasicismo del renacimiento es lo que
plasma la piña una de las mayores obras arquitectónicas en el vaticano
pero fue modificada a finales de siglo con la construcción de una
edificación en medio del cortile dividiendo el espacio en dos patios
separados este brazo luego se duplicó en el siglo XIX para disponer de
mayor espacio museístico es decir sobre este proyecto inicial de Donato
Bramante va a haber modificaciones unas ya en el propio siglo XVI y otras
en el siglo XIX porque se quiere un mayor espacio para lo que son los
museos vaticanos actualmente se utiliza para albergar los museos vaticanos
y el patio de la piña todo ese gran conjunto diseñado por Donato Bramante
lo que tiene ahora es eso también en estilo renacentista se creó un
laberinto rectangular realizado en bog sabéis que es una hierba un arbusto
son arbustos y pequeños árboles y enmarcados con pinos piñoneros y
cedros de liba el patio del Belvedere o el cortile del Belvedere es un gran
complejo de edificios ubicados al norte de la basílica de San Pedro en el
Vaticano bueno si os parece bien son menos veinte lo dejamos aquí no sé
si tenéis alguna pregunta alguna duda ya me está tocando el timbre debo
estar yo sola en el edificio muy bien nos vemos la semana que viene igual
que hoy