Y vamos a compartir la pantalla también, porque así aquí en clase se ve
el PowerPoint bastante mejor. Y en casa yo creo que también. Vale, pues
vamos allá. Tema 5. Esta semana os lo subiré todo lo que es la parte de
pintura porque hoy terminaremos la parte de pintura y a partir de la semana
que viene ya comenzaremos con la escultura. Bueno, a lo mejor hoy, porque
este PowerPoint es cortito, pero yo me rollo como las persianas, entonces
26 diapositivas a mí me da para mucho. Bueno, pues la semana pasada vimos
cómo estaba conformada la pintura. O sea, vimos esos tres componentes de
la pintura, que cuáles eran. Los pigmentos, los aglutinantes y por último
los disolventes. Recordamos que los pigmentos eran los que aportaban el
color. Después teníamos el aglutinante, que era el que dotaba la pintura
de esa materialidad para que pudiera ser aplicada sobre un soporte u otro.
Y por último el disolvente ayudaba un poco a lo que era disolver o dar
forma a lo que es la materia o la película pictórica. Estuvimos viendo
también los distintos soportes, las cualidades de cada uno de los
soportes, la de madera, el papel, el lienzo, la diferencia entre la pintura
parietal y la pintura mural, el metal también como soporte, lo vimos en
esas placas sobre todo de cobre, en esos pequeños retratos de Faltrich
eran, etc. Y en el tema 5 vamos a ver ya lo que son las técnicas. Vamos a
ver ya las técnicas en las cuales el pigmento se disuelve en agua y en las
cuales el pigmento se disuelve en otra sustancia, ya sea aceite o sea cera
o sea otra sustancia distinta. Por lo tanto la técnica, ya lo vimos,
venía o dependía del tipo de aglutinante. Es el aglutinante el que
determina la técnica, pero yo no quiero decir que el pigmento siempre sea
el mismo porque sí que es verdad que las tipologías de los pigmentos
cambiarán según el aglutinante. Es decir, no todos los pigmentos serán
válidos para trabajar el fresco, no todos los pigmentos serán válidos
para trabajar el temple, siempre habrá como unos más idóneos que otros.
Habrá artistas que harán sus experimentaciones con las técnicas,
hablamos la semana pasada del Leonardo da Vinci, cuando él se enfrenta a
pintar ese magnífico fresco de la última cena, lo que hace es que mezcla
distintos tipos de aglutinantes con pigmentos. Claro, esto supuso en un
principio una mayor brillantez porque el fresco suele ser un poco opaco,
los colores no suelen ser brillantes, no tienen ese color, esa brillantez
que tiene el óleo, que tiene el temple. Entonces, él aplicando a lo mejor
óleos o hasta incluso partes de encaustica con cera le dio una mayor
brillantez, pero ¿qué pasa? Que al poco tiempo comenzó a desprenderse lo
que es la película pictórica. Entonces, estas experimentaciones a veces
salen bien y a veces salían mal. Por lo tanto, tienes que tener claro que
la técnica dependerá del tipo de aglutinante. También, la técnica
normalmente tendrá un compañero, un gran amigo con un tipo de soporte u
otro. Con ello quiero decir que cuando hablemos del temple, pues
normalmente veremos los temples sobre tablas. Aunque sí que es verdad que
hay un momento de transición en el cual tenemos óleos sobre tablas, por
ejemplo, poco a poco cuando se va introduciendo el óleo, comienza primero
a aplicarse sobre tabla y después poquito a poquito se va sustituyendo
sobre lienzos. Finalmente tendremos óleos sobre lienzos. A excepción por
ejemplo de algún óleo sobre tabla también, temple sobre lienzo poco, el
pastel, la acuarela serán técnicas que se aplicarán sobre todo sobre
papel. Entonces, habrá técnicas que tengan como preferencia un soporte u
otro. Comenzamos con los pigmentos disueltos en agua. El que esté disuelto
en agua supone que también llevará otro tipo de componentes para que le
ayuden a dar un poco de protección y de empaque al pigmento. Tendríamos
que comenzar con el fresco. El fresco es la pintura mural, recordad la
diferencia entre la pintura mural y la parietal, que se realiza con esos
pigmentos disueltos en agua y colocados sobre una capa fina de argamasa
fresca. El buen fresco, el fresco de verdad, porque luego hay como falsos
frescos, el fresco de verdad requiere que una vez se aplique la pintura, la
última capa que se aplica o de argamasa tiene que estar fresca, es decir,
aún tiene que estar húmeda. ¿Qué ocurre? Que cuando se va secando, se
crea una reacción química que hace que los pigmentos se integren
perfectamente en esa última capa de argamasa. Entonces le dará una
protección muy duradera en el tiempo. El fresco la verdad es que tiene una
permanencia temporal bastante buena, son duros de pelar, son bastante
fuertes. Ahí también nos pone que se denomina fresco a cualquier tipo de
pintura mural pero era una técnica muy concreta. Hay veces que es un
fresco seco, es decir, que se aplican los pigmentos estando la última capa
seca. Están los mezzos frescos que está facín, fachán, o sea, que no
está del todo... Hay partes que se aplica cuando está seca y hay partes
que se aplica cuando está húmeda, etcétera. Se caracteriza por ser una
de las técnicas pictóricas más permanentes y resistentes en el tiempo
porque envejece bien y además, es como Isabel Presley, además incluso en
condiciones climáticas muy, muy severas. Y también es curioso que es una
técnica cuyo proceso apenas ha cambiado a lo largo del tiempo. Se
escribieron unos tratados sobre todo durante el Renacimiento que es cuando
comienza toda la tratadística, cuando empieza a haber un mayor interés
empírico entre comillas o en poder escribir sobre todo lo que está
ocurriendo en ese momento y ahí es donde se recoge cuáles son las fases
del fresco y cuál es el procedimiento técnico del buen fresco, del fresco
bueno, el de verdad. Se conoce gracias a esos tratados italianos del siglo
XV y toda la terminología, pues el estrapo... Toda la terminología que
nosotros utilizamos proviene del italiano y proviene de estos tratados. Se
analiza sobre esa capa fresca de argamasa que normalmente son mezcla de
arena y cal. Cada una de las capas tiene una composición diferente siendo
la primera más rugosa, la intermedia menos y la última muy fina para que
sea como un agarre gradual sobre la pared usando esos pimientos puros que
van disueltos en agua. Y lo que os he dicho, al secar la cal sufre un
proceso químico o se convierte o tiene algún tipo de alteración química
que la convierte en el carbonato cálcico, un material transparente con un
alto grado de resistencia. Aquí por ejemplo sería un fresco de Carracci
que ya es un pintor del siglo XVII. Carracci está a caballo entre ya un
último renacimiento, un manierismo y ya los principios del barroco con
esas grandes composiciones, esas pinturas murales de la Galería Farnese si
no me equivoco. ¿Cómo es el procedimiento del fresco? Esta imagen me
gusta mucho porque se ven las distintas capas. Está en parte deteriorado
pero se ve la primera capa, se ve la segunda y se ve la última que ya es
donde se coloca el dibujo. La preparación del soporte y los pigmentos.
Primero hay que preparar el soporte donde nosotros vamos a aplicar la
pintura. Hay que cubrir el muro, un muro que esté limpio y además que
esté mojado. Primero se pone una capa que es un revoque. El primer revoque
es bastante rugoso. Es el que tenemos fratasado, que tiene dos partes de
arena por una de cal. Y sobre esta capa se suele hacer ya una especie de
dibujo preparatorio. La técnica del fresco, una de las problemáticas es
que tiene una buena permanencia en el tiempo pero el margen de error, los
arrepentimenti son prácticamente nulos. No hay corrección alguna. Igual
que con el óleo se puede corregir muy fácil cualquier tipo de error o de
arrepentimiento que tenga la artista, en el fresco no. De ahí que el
trabajo preparatorio de lo que era la composición final era muy trabajada
y normalmente se solía pasar en un calco a lo que era la pared. Había que
tener en cuenta el tamaño, la perspectiva, las dimensiones... No estamos
hablando de cuadritos, estamos hablando de pinturas murales de grandes
dimensiones. Primero había toda una serie de dibujos preparatorios y
después se solían pasar a lo que era el formato original, el formato
final. La primera capa, por lo tanto, fratasado. Segunda capa era una capa
ya más fina que se colocaba sobre la primera, que ya estaba compuesta de
cal, de una arena mucho más fina y hay veces que también podía llevar
algún tipo de polvo de mármol. Podía haber una capa, varias dependiendo
de la preparación del artista, de los gustos del periodo, etcétera. Y por
último, que ya era la última capa, era el intonaco, que ya era una capa
muy fina y el intonaco solamente se colocaba por jornada. Es decir, a día
a día. El artista, el pintor más o menos calculaba qué es lo que iba a
pintar ese día y para que la capa estuviera fresca aplicaba solamente ese
espacio sobre el cual él iba a intervenir, el cual iba a pintar. Al día
siguiente continuaba. Los pigmentos nuevamente se disolvían en agua por lo
que no presentaban una gran protección y nuevamente se elegían colores
químicamente inertes, más inertes, que fueran muy resistentes a la cal, a
la atmósfera, por lo que muchas veces la paleta cromática era reducida.
Lo que hacían artistas, sobre todo por ejemplo Miguel Ángel, en la
capilla sextina en la cual pintaba el fresco, íntegramente pintada el
fresco, es que utiliza para ciertas zonas el óleo, que es mucho más
brillante y aporta esa brillantez y esas tonalidades que a lo mejor el
fresco no permitía. Más también se solía picar las capas se picaban
para que el agarre de la siguiente fuera mejor. Es un poco un trabajo de
albañilería también en este sentido. Un trabajo fino venía al final,
pero todo ese primer trabajo despreparado era un trabajo bastante sucio. El
dibujo preparatorio, por lo tanto, como os he dicho era indispensable.
Primero se podía dibujar. El dibujo preparatorio se denomina sinopia y
además la propia sinopia es como el tipo de pigmento, que era un pigmento
rojo en este caso. El dibujo preparatorio tenía que ser lo más detallado
posible porque además el fresco requiere una ejecución rápida. Hay que
pintar rápido porque se va secando y de ahí que se coloque la capa por
jornada. Hay que pintar rápido, hay que pintar bien hay que colorear, hay
que definir la composición, no hay que equivocarse porque es un trabajo
bastante complejo. De ahí que fuera un dibujo preparatorio exacto,
milimétrico aquí no hay lugar a arrepentimientos ni dudas ni nada
parecido. Normalmente teníamos primero un dibujo preparatorio en la escala
inferior, de pequeñas dimensiones y utilizaban las cuadrículas. A través
de la cuadrícula se pasaba ya a grandes dimensiones sobre todo con el tema
de la perspectiva, cuando entramos ya en el periodo del Renacimiento. Y
este último, ya con la cuadrícula pasada a grandes dimensiones, lo que se
hacía es que se pasaba la capa y se punteaba y luego se procedía a esa
fase o ese procedimiento que era el estartido. Una muñequilla se iba dando
y quedaba como todo el perfil del dibujo y ya el pintor a partir de ahí
comenzaba a pintar por jornada. Aquí tenéis una sinopia de un fresco no
terminado de la bahía de San Galdiano, se ve perfectamente cómo está el
dibujo y esto sería una sinopia romana del siglo III. Además fijaros
hasta qué punto de detalle la ha terminado a falta de continuar. El
entonaco, conforme habíamos dicho, es la última capa que se aplica por la
pared ya sobre ese dibujo preparatorio. Se aplica diariamente, que ya lo
hemos dicho, sobre la superficie que el artista cree que pintará en esa
jornada. Solamente se puede pintar mientras está húmedo para que los
colores se absorban correctamente y se trabaja a pontata, es decir, de
arriba abajo y de izquierda a derecha para tener un orden. Normalmente las
jornadas coinciden con los perfiles de los personajes, de las
arquitecturas, para que a lo mejor las jornadas no sean cortes lineales
sino van coincidiendo con los perfiles del dibujo. Se aplica cuidadosamente
siguiendo las líneas del dibujo para que no se aprecien esas distintas
sesiones. Aquí tenéis un fresco espectacular, que es este Pantocrator
medieval del siglo XII de Santa María del Taúi pero que hoy en día está
en el NAC, en el Museo Nacional de Arte Catalán. Además son frescos
espectaculares. ¿Qué variantes del fresco tenemos? Pues tendríamos el
mecho fresco, que es la pintura que se realiza sobre un muro seco donde se
aplican los pigmentos disueltos con agua a los cuales se le añade la cal
para protegerlos. Y el fresco seco en el cual los pigmentos están
aglutinados con caseína, con huevo o cola o algún tipo de cola,
normalmente de pescado, que ya hablamos que la cola de pescado era la más
ligera la cola de conejo ya pega más y la cola de caballo que es la cola
de carpintero eso ya no se suele utilizar entonces son colas de pescado que
se aplican sobre larga masa seca. Entonces podemos decir que el mecho
fresco y el fresco seco ya hablamos de una aplicación sobre la última
capa seca y lo que cambia es un poco el aglutinante que se le añade al
agua, que se le añade al pigmento. ¿Qué ocurre? Que en la mayoría de
las ocasiones se utilizaron técnicas mixtas hablar de un bond fresco o del
fresco fresco no salía a ser lo más común los artistas combinaban
técnicas sobre todo por el tema del color por el tema de los volúmenes,
de las gradaciones, etcétera en la base muchas veces se usaba el bond
fresco y para los retoques finales se podían utilizar otras técnicas como
la pintura a un fresco seco como un óleo y un temple. ¿Pero qué ocurre?
Que en la mayoría de las veces estos retoques con el tiempo se pierden
Aquí tendríais uno de los frescos más conocidos que se encontraron en
Pompeya, con esas excavaciones de Pompeya y Herculano a principios de 1724
que se excavaron en pleno siglo XVIII, que fue una verdadera revolución el
poder entrar en contacto por primera vez con pinturas de la antigüedad
clásica porque tenéis que tener en cuenta que los escultores y los
arquitectos tenían ejemplos vivos a su alrededor de lo que era la
arquitectura y la estatuaria clásica pero los pintores no sabían cómo
era la pintura grecorromana más allá de las descripciones que podían
encontrar en Plinio o que podían encontrar en otros clásicos. A lo mejor
se encuentra indirecto con una pintura, en este caso romana pintura griega,
así que no tenemos prácticamente nada más allá de las cerámicas pero
encontrarse con una pintura romana original, originaria para ellos fue un
verdadero descubrimiento. Esta sería una pintura mural al fresco de
Tiepolo fijaros que son colores apagados, un poco opacos así todo consigue
jugar con los volúmenes pero hay diferencia. El triunfo de Judit, de Lucas
Giordano aquí estamos hablando ya de los finales del XVI, siglo XVII estos
grandes frescos las exequias de Santa Cina, estas de Girlandaio principios
del IV-VIII, italiano y después tendríamos el temple el temple también
tiene, está el temple magro y el temple graso dependiendo del aglutinante
que se le dé a los pigmentos esta nos de Leonardo da Vinci nunca me
acuerdo de cambiarlo y lo voy a cambiar allí esto nos de Leonardo da Vinci
esto será de un seguidor porque el leda y el cisne de Leonardo da Vinci se
perdió es que siempre lo quiero cambiar y nunca ay da Vinci, ya lo he
bautizado yo y nunca me acuerdo la original se perdió hay varias versiones
es una de las versiones del original de da Vinci sigue el estilo, el
esfumato son esos rostros tan leonardianos con ese ideal de belleza que él
estableció con ese halo de misterio que rodeaba todas sus obras además,
según presuponemos él consideró esta obra su obra maestra una de las
obras más maravillosas que había realizado no sabemos cuándo se quemó
algunos son leyendas a lo mejor si se quemaría no lo sabemos, si se quemó
o se destrozó o qué pasó con ella pero en este caso desapareció el
temple sería esa técnica pictórica que utiliza colores mezclados con
pigmentos aglutinados con ingredientes grasos y acuosos de ahí que esté
dentro de ese conjunto de pigmentos disueltos al agua normalmente el temple
el pigmento va mezclado con la yema de huevo no con la clara solamente con
la yema es decir, no metemos el huevo entero en los pigmentos hay que hacer
esa separación las que hacemos repostería o los que hacemos repostería
sabemos que hay que separar la clara de la yema y en este caso solamente se
utiliza la yema e incluso hay que quitarle como esa telilla que cubre la
yema se pellizca y ya sale directamente el líquido de la yema la yema de
huevo tiene esta característica que tiene elemento graso pero también
tiene elemento acuoso está compuesta por estos dos elementos son colores
solubles al agua y tienen un secado irreversible una vez se seca es un
aicristo que lo pueda remediar el óleo es más fácil a la hora de
trabajarlo se pueden aplicar también varias capas sin que levanten las
anteriores permite un trabajo fino elegante lo que pasa es que el trabajo
en temple era un trabajo muy laborioso de capa tras capa tras capa además
seca muy rápido el óleo tarda un poco más es un trabajo complejo hay que
aplicar varias capas también los errores los arrepentimientos cuesta mucho
cambiarlos una técnica compleja, difícil que pronto se sustituyo por el
óleo además que el óleo permitiría otras texturas luego ya veremos que
el óleo permite esos empastes que el temple no permite por ejemplo si no
lo trabajas bien si no aplicas después un buen barniz final incluso se
volatiliza lo tocas y se deshace si no está bien, bien hecho tiene una
cualidad traslúcida y semi-opaca muy bonita se separa la clara de la yema
y los pigmentos se mezclan con una cantidad de agua máxima a la de la yema
también se puede aplicar un poco de agua problema del temple se prepara
con yemas frescas hoy en día aún tenemos neveras pero máximo 3-4 días
aguanta antiguamente se preparaba prácticamente al día aunque lo
guardaran en las fresqueras o en algún tipo de compartimento que estaría
más fresco duraba poco tiempo caduca a los 2-3 días y el olor a huevo
podría ser malo se puede utilizar casi todo tipo de pigmentos menos
aquellos que llevan plomo y produce efectos pictóricos traslúcidos opacos
colores muy brillantes agradables, luminosos esta luz que vemos en esta
leda es fantástica sale directamente de lo que sería el lienzo está
trabajada la luz a través de esas capas que se han ido colocando es una
técnica muy laboriosa difícil y delicada y también requiere un dibujo
preparatorio muy detallado que se calca sobre la tabla tiene una buena
conservación y su uso se remonta a la antigüedad igual que el óleo es
una técnica nueva, es una técnica moderna que aparece en los siglos XIV
en el siglo XIV en Flandes pero aparece en Italia también aquí están los
italianos y los flamencos ahí peleándose a ver quién ha inventado antes
el óleo, más o menos aparece de manera simultánea pero no aparece hasta
el siglo XV y el temple ya lo encontramos desde la antigüedad clásica las
especialidades características del temple se ven al hecho de que el
vehículo conductor es una emulsión, que es esa mezcla estable y
homogénea de elementos grasos y acuosos para fabricar el temple se pueden
usar distintas emulsiones pero la más común es la yema de huevo también
se puede utilizar la goma arábiga, el barniz de dámar y algunos aceites
pero normalmente suele ser un temple graso el tratado más completo de la
técnica del temple al huevo es de Zemini que es del siglo XV que nos
explica todo lo que sería ese procedimiento de ejecución de la técnica
del temple los primeros italianos del siglo IV-XV como veis, utilizaban el
temple sobre tabla hasta que a partir del XVI comienza a introducirse ya el
óleo sobre lienzo aquí tenéis otros dos grandes ejemplos tenéis por un
lado la Venus de Botticelli y luego también la enunciación de Frangelico
que además hace unos años el Museo del Prado la restauró y ha vuelto a
esa brillanteza a esa magnificencia que presentan los colores muy
brillantes, muy delicados muy suaves, aquí incorpora el pan de oro
también Frangelico, estamos hablando del siglo XIV los años 30 del siglo
XV pero aún tiene reminiscencias tiene muchas reminiscencias medievales la
utilización del pan de oro la perspectiva sin embargo aquí vemos una
cierta evolución la pintura del temple la encontramos ya en Egipto lo
utilizaban los egipcios, los etruscos los griegos y los romanos durante la
Edad Media se usa para iluminar manuscritos y a partir de ahí ya se
generaliza por toda Europa, fue la técnica más utilizada hasta el XV con
la irrupción o fue desbancada por el óleo los pintores flamencos a
principios de 1400 la fueron mejorando podemos decir que tenemos una
técnica mixta en la cual a la yema de huevo se le comienza a introducir el
aceite de linaza entonces ya tenemos una técnica mixta y poco a poco la
yema de huevo fue siendo sustituida por el aceite de linaza por la esencia
de trementina, etc. y es curioso porque el temple al huevo fue recuperado
como muchas otras técnicas a partir del final desde el XIX a principios
del XX cuando los artistas comienzan a buscar unas nuevas técnicas que les
puedan permitir unos nuevos medios de expresión aquí tenéis unos vídeos
que tenéis en los enlaces en los pdf que no vamos a verlos pero yo os
invito a que los veáis porque son del canal de Dukatizer del museo Tizer y
se ve muy bien como se prepara lo tenéis también en la plataforma veis
los pigmentos una tabla un poco lo explicamos en el caso del temple es muy
fácil pero veréis como le quita la telilla a la hora de mezclarlos
también es complicado porque hay que poner la cantidad suficiente de
pigmento para que cubra pero si te pasas se cae el pigmento y ahí ya
tenemos el aglutinante ella le pone un poquito de esencia de tremencina, le
pone un poquito de aceite de linaza también unas gotitas pero en agua
destilada como disolvente también hablamos de disolvente parece que es
algo que tenga que arrastrar con todo y no o cuando hablamos de oxidación
parece algo que se oxide y no la oxidación es el efecto del oxígeno sobre
cualquier superficie es muy divertido yo he hecho temples y me ha costado
hasta conseguir la textura no es fácil y a la hora de aplicarlo sobre la
tabla es una técnica compleja, es como seca y ahí ya le da ese brillo y
ahora he hecho dos gotitas de aceite aunque esta no limpia el pincel y lo
mezclaremos otra vez y ya tenemos la pintura lista para usar, lo cual
haremos inmediatamente puesto que el temple seca muy rápido lo aplicaremos
sobre el tablero aunque el temple se puede aplicar sobre papel, pergamino,
ciento o pared es como muy densa no es fácil de trabajar se cae esa
capacidad que tiene el óleo de esos empastes sobre todo a partir de la
pintura contemporánea por el temple no se puede hacer esos empastes, esas
texturas esos volúmenes con la propia matérica pictórica es imposible
entonces hay que trabajarlo a capas finas y seca muy rápido el óleo tarda
más en secarse ahí tenéis el enlace, el vídeo pero yo creo que se
entiende muy bien otro pigmento disuelto al agua sería la acuarela
entonces tendríamos en agua fresco temple y acuarela la técnica
pictórica al agua cuyo principal soporte es el papel o el cartón el
fresco está unido a la pared el temple a la tabla y en el caso de la
acuarela lo encontraremos casi siempre los pigmentos disuelven en agua lo
que no tiene una consistencia y no los fija entonces para evitar esa
pulverización para evitar la pérdida de los trazos es necesario
aglutinarlos con sustancias como la goma arábiga también funcionaría
como aglutinante y la técnica se basa en aplicar veladuras transparentes
hasta conseguir la pigmentación deseada yo creo que todas hemos pintado
con acuarela entonces depende de lo que carguemos ese pigmento con agua
normalmente el pigmento está compacto le vamos añadiendo el agua a más
agua, más traslúcido a menos agua, más seco la técnica de la acuarela
da como resultado tonalidades muy desdibujadas transparentes o no depende
de cómo se trabaje y fue muy utilizada como una técnica secundaria para
realizar bocetos, para realizar apuntes y no será hasta el siglo XIX
cuando comienza a ser considerada como una técnica de primera línea como
el óleo, como el temple, como la angáustica etcétera y poco a poco se va
a ir independizando sobre todo por esos acuarelistas ingleses y estará muy
relacionada con el tema del paisaje. La acuarela será una técnica
utilizada para representar los paisajes, la naturaleza y un poco permea esa
espontaneidad a la hora de pintar aquí tenéis un poco el método inglés
que se basaba en mojar lo que era la superficie, fueron ellos los ingleses
los que un poco independizaron a la técnica aquí también tenéis un
vídeo sobre la acuarela si lo veis también en casa estas acuarelas son
las mejores normalmente lo que utilizamos son estas estas no son las de
pajarita ¿no? que estas son le dais un vistazo en casa eso no tiene gracia
estas, las pastillitas normalmente la acuarela es la técnica que hoy en
día se utiliza para la restauración porque es una técnica que no es
agresiva y además es reversible entonces se suele utilizar para restaurar
cuando se hacen las restauraciones de los faltantes se suele los regatinos
que son como rayitas, rayitas entonces se diferencia muy sutil la parte
restaurada del original y se lo restaura siempre con acuarelas pero fijaros
¿no? aquí Durero esto es una acuarela, esto es una maravilla que Durero
es el da Vinci alemán vamos, o sea es increíble y tiene otros apuntes que
normalmente están relacionados son apuntes no al natural pero son por
ejemplo animales son plantas él utilizaba para sus obras, eran bocetos
pero que parecen obras ya finalizadas obras terminadas, son maravillosas
porque aquí hay un trabajo con un pincel fino de pocos pelos y con un
trabajo de volumen de detallismo tremendo porque vemos perfectamente cada
uno de los pelos de este conejo la técnica de la acuarela también fue
utilizada por los egipcios y es una técnica que apenas ha cambiado en
3.000 años es el pigmento puro compacto disuelto en agua se utilizaron dos
métodos básicos, la pintura sencilla de la acuarela sobre paredes de yeso
y de arcilla y los lavados de acuarela sobre diseños que estaban grabados
trabajados en las paredes y después se aplicaba el color no se conoce muy
bien la composición aunque seguramente utilizarían como aglutinante
aparte del agua la goma arábida y ya lo hemos dicho, se consagra como
técnica pictórica en el siglo XIX además con la creación de la Royal
Watercolor Society ya una academia dedicada o una sociedad mejor dicho,
dedicada a la acuarela y después tendríamos el wash es parecido al
acuarela porque son pigmentos también disueltos al agua pero con una
preparación técnica diferente y da como resultado efectos más opacos y
no tan traslúcidos como la acuarela la acuarela se obtiene mezclando los
pigmentos con agua, con goma arábiga y en el porcentaje de aglutinante es
mayor que en la acuarela, en el wash por lo tanto son más opacos además
se les suele añadir pigmentos inertes como el blanco fijo o el blanco de
creta y estos pigmentos son los que hacen ese efecto opaco pese a la clara
diferencia técnica existe cierta polémica sobre lo que es wash y lo que
es acuarela porque al final un poco wash significa añadir este blanco de
creta a la acuarela entonces le da esa tonalidad opaca también seca
rápidamente y un poco esto sería un wash fijaros que la paleta es más
reducida colores más opacos blancos, marrones los washes no tienen esa
brillantez que tienen las acuarelas y aquí por ejemplo utilizaría el wash
y el pastel sería una técnica mixta en este ballet de Degas después
tendríamos pigmentos que se disuelven con agua, wash, acuarela temple
fresco pigmento no disuelto en agua el óleo, el óleo podemos decir que es
casi la técnica por excelencia es la técnica que utiliza los pigmentos
disueltos en aceite que normalmente suele ser el aceite de linaza, que
actúa como agente secativo y actúa también como aglutinante se
desarrolla a partir del siglo XV en los Países Bajos pero como digo aquí
hay una lucha hay una riña porque luego también los italianos ellos
decían que no que ellos habían inventado el óleo que no habían sido los
del norte entonces no sabemos muy bien si es verdad que parece que surge de
manera simultánea pero parece ser que fueron seguramente los pintores
holandeses los pintores de los Países Bajos los que fueron introduciendo
el óleo y es una técnica que está relacionada estrechamente también a
la introducción del lienzo como soporte pictórico cada pigmento necesita
una cantidad determinada de aceite dependiendo de su naturaleza hay algunos
que absorben más y otros que absorben menos ya lo hablamos de la
complejidad de la creación de la pintura cada artista era como uno de los
secretos mejor guardados de cada uno de los pintores un exceso de aceite
puede provocar ciertos daños que es la craquelación de los colores yo no
sé si os habéis dado cuenta pero en muchas pinturas el óleo está como
rajadas, está como craqueladas y esto es por el exceso de aceite puede
variar la velocidad del secado y también uno de los grandes problemas es
que con el tiempo amarillea el color y también en la propia composición
cambian los colores y como disolvente se usa la esencia de crementina
¿cuál fue la verdadera revolución del óleo? fue la creación de las
veladuras la veladura no es simplemente el poder crear o sea, poder aplicar
un color y después aplicar otro por encima y que se vea el de abajo esto
es la veladura y poco a poco se puede ir creando nuevos colores y esto da
la sensación de profundidad de transparencias, etcétera toda esta parte
exacto y aquí también y eso con el temple se puede pero era bastante más
complejo, ¿no? aquí tenéis otro vídeo fantástico a ver del educatizen
os lo pondré en el enlace la habrán cambiado o si ponéis crear veladuras
educa educatizen no se escribe así pero bueno hay varios vídeos las
técnicas pues no está aquí tenéis el óleo vale, si no entráis y
trasteáis veis el pigmento tiene que estar muy bien se le va añadiendo el
aceite de alinaza veis con la piedra para que sea una pintura fina porque
si no se seca aquí no hay veladuras será esta para que vieras cómo se
hace fijaros aquí se trabaja mucho mejor ¿no? que el temple aquí está
¿lo veis? cambian los tonos además pero nos permite ver qué hay eso con
el temple es imposible esto le da mucha textura volumen tiene más
posibilidades plásticas y expresivas que pueda tener el temple es un
trabajo más minucioso y más complejo permite una infinidad de resultados
desde las veladuras en las cuales se crea esa serie de películas muy
transparentes todo esto de aquí son trabajos de veladuras por ejemplo,
todo lo que es este velo de la gran pintora Angélica Kauffman una de las
pintoras más relevantes del siglo XVIII fijaros aquí un trabajo de capas,
de veladuras traslúcidas el temple es mucho más opaco aquí tenéis un
poco la explicación de lo que serían las veladuras que dan los efectos de
profundidad de coloración superponiendo esas capas de color transparente o
semi-transparentes sobre la pintura ya seca obviamente tiene que estar seca
estas capas incrementan el tono y el brillo de la inferior tradicionalmente
se considera la leyenda ha considerado la leyenda elaborada por Vasari el
cual dice que la técnica fue inventada por los hermanos Van Eyck Vasari es
uno de los primeros que hizo una biografía de artistas en el siglo XVI si
continuáis la carrera escucharéis hablar bastante de Vasari, es una de
las fuentes principales para los estudiadores del arte, para conocer el
arte moderno y para conocer también las técnicas y los procedimientos del
arte moderno, y él relata como Jean Van Eyck utiliza por primera vez el
aceite de cecillas de lino como aglutinante un poco mezclado a ese temple
sin embargo ya desde la edad media sabemos que la pintura se aglutinaba con
aceite, cuyo uso especial servía para revestir las esculturas de madera, o
sea no era una técnica que se empleaba para el soporte pictórico sino que
se utilizaba para el escultórico, a fin de preservar las de la humedad o
también para recubrir banderas y estandartes expuestos al aire libre. Así
los hermanos Van Eyck no podemos decir que lo descubrieron como tal pero
sí que poco a poco lo generalizaron porque se empezaron a añadir
pequeñas cantidades de ceras aceites o resinas al temple y entonces
comenzaron a experimentar y empezaron a ver una pintura más fluida de una
aplicación mucho más fácil que el temple con una suavidad, con un
fundido también de los colores con un secado un poco más lento y mejor
manteniéndose la secada y la humedad del temple y la adopción del óleo
fue heterogénea y distinta en cada escuela podemos decir que en Italia
fueron los venecianos los que comenzaron a introducir la pintura del
temple, sobre todo a través de los Bellini. Los Bellini podemos decir que
fueron los maestros de Tiziano y de Giorgione los iniciadores de esa nueva
pintura veneciana y alcanza el óleo su máximo esplendor pues ya con
figuras tan relevantes como Rubens o como el propio Velázquez y fue la
técnica predominante hasta que aparece la pintura crítica del siglo XX
que ya son las pinturas de origen sintéticos y también un punto de
inflexión, de revolución de la pintura fueron los tubos de estaño al
inventarse el estaño, al inventarse los tubos que podíamos guardar la
pintura los artistas ya pudieron salir a plener lo que revolucionó la
pintura sobre todo con los impresionistas a través de los tubos ya
pudieron aplicar esta pintura al aire libre todos esos avances de
espontaneidad de abstracción que conllevó la pintura impresionista aquí
tendríais un óleo sobre tabla obviamente los primeros óleos comenzaron
sobre tabla y sí que podemos decir que igual fueron los venecianos los que
generalizaron el lienzo porque tened en cuenta que los venecianos no
podían pintar frescos o sea, la tendencia que se daba en el centro de
Italia de la pintura al fresco en Venecia no se podía realizar porque
había mucha humedad y los frescos que intentaron hay frescos que
ejecutaron Giorgione y Tiziano pero que obviamente hoy en día queda
absolutamente cuatro trozos, o sea, nada prácticamente. Entonces para
poder simular los frescos comenzaron a utilizar grandes telas que ellos
pegaban en las paredes un poco simulaban este fresco entonces fueron los
introductores de lo que sería el lienzo pero los primeros óleos los vemos
sobre tablas, entonces aquí tendríamos este óleo de Giambané que
retrata Margarita aquí tendríamos un óleo sobre mármol que no es lo
más común esta obra es de Tiziano La Dolorosa después aquí tendríamos
un óleo sobre lienzo retrato de una niña de Rubens o sea, normalmente
está sobre lienzo pero como veis el óleo podemos verlo con otro tipo de
soportes después tendríamos el pastel que sería la técnica pictórica
que consiste en aplicar color en seco sobre el papel u otro soporte, esto
sería no disueltos en agua es una técnica artificial es una técnica
intermedia entre el dibujo y la pintura porque a fin de cuentas lo que
tenemos son barras de color son como lápices de color formadas por
pigmentos con el mínimo aglutinante posible para poder unirlos y
compactarlos es una técnica de color más permanentes a lo largo del
tiempo problema que al aplicarse el pigmento prácticamente puro, permanece
sobre el soporte en forma de polvo por lo que puede correrse o puede caerse
entonces nuevamente utilizan fijativos directamente y puede hacerse
correcciones se utiliza un pincel duro que cepillando elimina el color
pastel muy utilizado a partir del siglo XVIII, los pintores Rococó
hicieron verdaderas maravillas con los pasteles como por ejemplo esta
pintura de aquí donde hay un realismo se considera el pastel en su sentido
amplio como una pintura de tizas sin embargo la que entendemos hoy como
pastel tiene su origen en la Francia del XVIII cuando se comenzó para
pintar sobre todo retratos maravillosos y después por último en pigmentos
no disueltos en agua tendríamos la encaustica que es la técnica que
utiliza como aglutinante la cera de origen animal vegetal o mineral
normalmente cera de abeja que tiene un bajo grado de difusión y se utiliza
caliente como entenderéis la encaustica no fue una técnica que tuvo mucho
éxito porque era una técnica que además había que estar todo el rato
claro, después se utilizan secadores para mantenerla caliente y poder
aplicarlo pero tenía que aplicarse en caliente además con unos pinceles
con las cerdas muy duras porque era una pintura bastante compleja la cera
hace los colores translúcidos con un aspecto satinado y además también
eso sí ofrece unas excelentes condiciones de conservación pero era un
método, un procedimiento muy complejo entre los siglos XVIII y XIX sí que
se utilizó como una técnica similar al temple la encaustica sobre todo
para la pintura mural pero hoy en día lo que hoy en día se conoce como
cera son barras de color en la que el pigmento está mezclado con parafina
lo que utilizan los niños esas ceras de colores es parafina la vemos sobre
todo en los retratos de Al Zayoum de esta necrópolis de época egipcia de
época romana que son unos retratos que son espectaculares que
representaban a los difuntos y aquí encontramos la encaustica y también
la utilizan ya artistas, ya contemporáneos porque recuperan como técnicas
antiguas un poco buscando unas nuevas formas unos nuevos medios de
expresión y con esto terminaríamos las técnicas pictóricas y aquí si
no me equivoco aquí también tenéis el vídeo de la encaustica aquí
tenéis el enlace a ver si aparece, me lo han cambiado este no el
educatizen está muy bien hoy en día los museos cada vez tienen más
recursos didácticos tiene hornillo y tiene secador antiguamente ni
hornillo ni secador y tiene la cera vegetal que es la cera de las velas
vamos para que hacemos velas esencia de trementina fijaros, las brochas de
las cerdas duras los retratos de Alfayún por ejemplo son sobre madera esa
encaustica la encontramos nuevamente sobre madera y la de Jasper Jones
también si no me equivoco el soporte es madera entonces esto es al baño
María de toda la vida para disolvente, para que nos ayude a diluir
mezclaremos todo ayudándonos de la espátula cuando esté todo mezclado y
con la consistencia deseada más densa o más líquida según preferimos ya
podemos mirar se aplica con la ayuda de una brocha de pelo grueso ya que la
cera caliente se adhiere con fuerza no es una técnica tampoco no luego
veréis que con el secador le da y se va derritiendo no ya que se seca
rápido porque como os digo hoy en día no podemos hacer exacto y ahí nos
permite ya ir jugando es una técnica poco utilizada sobre todo se recupera
a partir del 20 utilizada en la antigüedad como aglutinante pero no una de
las que más, como veis el óleo al final es la que más éxito tuvo por la
fácil aplicación y como decía por todas esas cualidades plásticas y
expresivas que podía dar y hasta aquí la clase, ¿dónde estáis?
¿tenéis preguntas? ¿alguna duda? ¿existencial? hemos tenido clases de
cocina y continuaremos con las clases de cocina pues nada Ana, Motomami
¿todo bien por ahí? a través del navegador me están preguntando aquí
que a través de qué navegador entráis vosotros a la clase a través de
Firefox, Chrome del Explorer como siempre te lo dice el Chrome ¿a través
de cuál entras? Chrome el Chrome vale, pues muchas gracias nos vemos la
semana que viene buenas noches adiós